Una escena final brillante en todos los aspectos de una obra maestra que sirvió para dar a conocer a uno de los grandes realizadores contemporáneos: Sam Mendes.

Entre los protagonistas encontramos a una actriz en alza de la talla de Leticia Dolera, la scream queen de “[•REC]³ Génesis” (2012) y a Félix Gómez visto en múltiples series y películas. Un videoclip que arranca de forma muy friqui con ese aviso antipiratería italiano de los VHS y presentando una peculiar minipelícula de terror titulada “Sconness” dentro del propio video musical en un ejercicio de metalenguaje la mar de interesante. Fue rodado en un caserón de Capellades (Barcelona) y trata temas como la vida después de la muerte, la redención y las casas encantadas.

Independientemente de la calidad musical del grupo, que podrá gustar o no, no cabe duda de que el videoclip posee una factura técnica impecable en todos los sentidos: fotografía, dirección, efectos, etc…

Aunque una buenísima alternativa a la cinta de Wes Craven es “Persiguiendo a Amy” en Paramount Channel (23:50h), una fantástica comedia con regusto freak dirigida por el inigualable Kevin Smith. Y no, no tengo comisión de Miramax xD.

Desde aquí no entendemos su lamentable cambio de política en sus últimos lanzamientos. Tanto “American Beauty“, “Chinatown“, “Una mente maravillosa” y esa obra maestra llamada “El hombre que mató a Liberty Valance” nos llegarán con buena calidad audiovisual (sonido HD en algunas de ellas) pero sin los extras que disfrutan en otras zonas como USA. Algo incomprensible ya que en la mayoría de los casos sería tirar del material del dvd editado en su día y perfectamente subtitulado e incluirlo en el blu-ray sin más.

En el caso de otras películas afectadas como “Los diez mandamientos“, es más sangrante si cabe ya que nos han birlado literalmente el tercer blu-ray disponible en muchos otros países y con ello un buen puñado de extras. Algo que me recuerda a la chapuza monumental perpetrada por Warner con la edición conmemorativa de “Casablanca“.

En cuanto a la brillante “American Beauty” es una lástima que no se incluyan los contenidos adicionales puesto que en el dvd que editó Dreamworks (distribuido en el fondo por Universal) estaban pero no subtitulados en castellano (ni el making of ni esos jugosos audiocomentarios de Sam Mendes). Tampoco estaba subtitulada la película, cosa que al menos en el blu-ray sí. Pero no es de recibo que en el año 2012 una película de este calibre todavía no cuente con una edición en condiciones en nuestro país.

En Junio Paramount editará “Náufrago” en blu-ray, otro film de fondo de catálogo de Dreamworks. Esperemos que cambie de política y vuelva a ofrecer productos de referencia con todos los extras disponibles. Y no estaría de más, que retirara del mercado esas ediciones peladas y las reeditara en concordancia a los tiempos que corren. Es curioso que en mubis.es anunciaran dichos blu-rays con los mismos extras que en dvd para luego actualizar las fichas de esos discos y dejar en blanco el apartado de contenidos. ¿Si inicialmente las iban a editar en condiciones, por qué finalmente no lo han hecho?.

Teníamos a Warner (el tratamiento del clásico de Bogart y Bergman merece un puesto de honor dentro de las chapuzas ibéricas), a Tripictures (inadmisible la paupérrima calidad del audio doblado de algunas de sus recientes ediciones como por ejemplo “Los tres mosqueteros” (2011)), a MGM (los subtítulos de los extras de “Toro Salvaje” parece que se quedaron en el ring..), a Vértice Cine (la próxima edición de “La reina de África” poco tendrá que ver con la special edition de USA) y ahora Paramount y su costumbre de sacar al mercado ediciones sin ningún tipo de contenido. Es triste decirlo pero siempre seremos infrazona. Si no respetan al consumidor luego que no se quejen de la piratería.

Todo apunta a que se pasará doblada por tanto es posible que estemos ante una inminente edición en dvd y/o blu-ray en España. ¡Aleluya, ya era hora!. A aquellos que todavía no la hayáis visto os recomiendo encarecidamente que esta noche disfrutéis de este pequeño (y bruto) divertimento. Tras el sorprendente pase de “La horda“, ahora emiten “Eden Lake“, ¡bravo por NEOX!.

“Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio” (planteada como si fuera voluptuoso cómic strip) contiene ese espíritu añejo de la aventura y la acción muy a lo Indiana Jones en un perfecto ejercicio de dinamismo visual (la cámara no para de moverse, constantemente cambiamos de localización y el oscarizable montaje de Michael Kahn emula a las viñetas de Hergé).

Pero el protagonista absoluto de esta brillante pieza de animación no es el tipo del tupé o el borrachuzo del capitán Haddock sino el plano secuencia y como éste nos sumerge literalmente en la historia mediante unas transiciones imposibles que ponen a prueba la capacidad de la informática para imitar la realidad (siempre con un tono pulp y escatalógico claro).

El momento álgido de la cinta en este aspecto se da durante la persecución por el pueblo magrebí en un espectacular e imposible plano secuencia de tres minutos de duración. Por cierto, no os asustéis si véis como a Milú le llaman Snowy, es su nombre anglosajón (sic). Disfrutarlo porque secuencias así no se ven todos los días.

Amy, una enfermera americana, llega a Mercy Falls para cubrir el turno de noche mientras se lleva a cabo la evacuación de los últimos niños a otros centros. Pero pronto detecta algo extraño: los niños están nerviosos, asustados, hablan de algo intangible, invisible, algo lleno de dolor y de odio. Algo a lo que los niños llaman la niña mecánica. Y aseguran que vive arriba, en la segunda planta, la planta que fue clausurada hace más de cuarenta años. Poco a poco, esta presencia se irá haciendo más y más evidente, más agresiva. Oculta entre las sombras, se mueve por los corredores del hospital. Porque este hospital esconde un secreto, algo aterrador que ha vuelto del pasado. Y para descubrir la verdad y proteger a los niños, Amy tendrá que enfrentarse a los que no quieren creerla, a sus propios miedos, a su propio pasado, a la verdad. Pero esta verdad es mucho más oscura de lo que nadie sospecha. Más siniestra. Y más peligrosa.

Si con “Darkness” Balagueró bajó un poco el listón -una cinta irregular además de poco contenida en algunos momentos- con respecto a la espléndida “Los sin nombre“, aquí de nuevo demuestra que tiene talento innato a la hora de contar historias entorno a la oscuridad y lo sobrenatural. La acción sigue situándose en casas encantadas o en edificios siniestros y opresivos. La importancia del espacio y cómo jugar con éste es algo vital en el film. Toda su filmografía ha tenido ese nexo en común: en “Darkness” era una casa de familia que se transformaba en un infierno inquietante y tenebroso, en “Frágiles” tenemos un hospital infantil con un oscuro pasado y una segunda planta abandonada y misteriosa, en la tvmovie “Para entrar a vivir” un edificio sórdido que adentra a los personajes en un tour de force de tensión, gritos, sangre y angustia, en el díptico “[•REC]“, un bloque lleno de infectados se convertía en un lugar en cuarentena sin escapatoria y en “Mientras duermes” un lugar aparentemente cálido y cercano pero con portero cabronazo, frustrado y obsesivo al mando.

En “Frágiles” nos encontramos con una historia repleta de esos elementos que tanto obsesionan al cineasta catalán como son la oscuridad, los niños, los límites del dolor, la infancia perdida, el desencanto de la soledad, el personaje femenino enfermizo y desquiciado, las consecuencias de la locura, el uso del vídeo como vehículo para inquietar o un pasado tenebroso con cuentas pendientes.

Cuidadísima ambientación, unos personajes y una trama mejor construida que en otras ocasiones (la niña no es repelente y me encantan esas médiums), gran factura y actuaciones más que decentes conforman una cinta que se sitúa dentro de lo mejorcito en la filmografía de Balagueró. Y es que reconozcámoslo, la historia de la niña mecánica (la cual logra inquietar un rato) es lo mejor que ha hecho el leridano después de la saga “[•REC]” y su reciente y notable “Mientras duermes“.

Os dejo con una de las escenas finales del film. La más emotiva de toda la película sin duda y que sirve de conexión entre el mundo de los vivos y de los muertos con un toque mágico. Un buen film sobre fantasmas con un lado muy humanista.

Un certamen cuyas bases radican en que la susodicha pieza no puede exceder el minuto de duración. Curiosamente Plaza supera y casi duplica ese minuto, aunque de forma totalmente consciente (aunque él se haga el longuis diciendo que al descalificarlo le han nombrado como jurado) utilizando el cortísimo metraje que dispone para de paso ironizar sobre las bases del concurso.

En “Luna di miele, luna di sangue VII” -que a nivel técnico es más que correcto-, Plaza apuesta por un miniespectáculo burlesco entorno a los códigos del cine de terror (ya desde su propio título, en italiano -no sé si referente al giallo o qué?- y esa “parte 7″ que seguro nada nuevo tiene que ofrecer), acerca de los psychokillers y su elevada lentitud e indecisión (algunos se pierden en los prolegómenos xD) a la hora de rematar la faena. Clichés a mansalva (matadero incluido), sano ejercicio de autocrítica con el género, buen trabajo con el sonido y divertido a la par que sangriento desenlace representando esos giros de guión muchas veces imposibles y ciertamente inverosímiles.

Este tipo de propuestas marcianas y friquis (como en su día lo fue “Teaserland“) me suelen gustar y caer simpáticas. Espero que en el futuro se sigan impulsando proyectos que motiven a la gente a grabar sus cortos y demás desvaríos por muy cutres que sean.

Espero que lo disfrutéis:

Clara y Koldo están a punto de celebrar el día más importante de sus vidas: su boda. Todo parece marchar de maravillas, y la novia, el novio y sus familiares están disfrutando de un inolvidable día hasta que uno de los invitados comienza a mostrar signos de una extraña afección.

Antes de saber lo que está ocurriendo, la novia y el novio se encuentran en medio de un calvario infernal, mientras un incontrolable torrente de violencia se desata en la boda. Entre el caos, Clara y Koldo se separan, y comienzan a buscarse desesperadamente el uno al otro. Lo que comenzó como un idílico día rápidamente se transformará en un descenso hacia una pesadilla de la peor clase.

Siguiendo los pasos de Jaume Balagueró con su interesantísimo debut “Los sin nombre“, Paco Plaza -tras rodar algunos de los mejores cortos que ha dado el cine español en los últimos años (como por ejemplo el inclasificable “Abuelitos“) y obviando ese encargo chungo llamado “OT La película” (2002), la única mancha negra en la carrera del cineasta valenciano- se inició en esto del largometraje con otra producción en inglés (con el riesgo que eso conlleva) bajo el sello Filmax titulada “El segundo nombre” (2002). El resultado era una malsana e inteligente cinta con algunos defectos pero con un impecable acabado técnico que ponía a su director en la lista de autores a seguir.

Años más tarde y apoyando esa suerte de pseudo Hammer española llamada Fantastic Factory rodó (de nuevo en inglés) su segundo film: “Romasanta, la caza de la bestia” (2004) una estimable aproximación a la historia de Manuel Blanco Romasanta, más conocido como el hombre lobo de Allariz (Galicia). Evidentemente el segundo largometraje de Plaza queda lejos de la cinta de Pedro Olea “El bosque del lobo” (1970) pero tampoco en ningún momento lo pretende y en el fondo son films de características diferentes. Aunque “Romasanta” fuera por lo general injustamente vapuleada e infravalorada por algunos críticos y espectadores, destaca por una cuidada factura, unos buenos efectos especiales, unas actuaciones decentes (esa mirada inquietante y esa presencia de Julian Sands) y sobre todo por saber aparentar muy bien su limitado presupuesto. De lo mejorcito dentro de la irregular trayectoria de la Fantastic Factory.

Si quieren sobrevivir a su boda deberán acabar con gran parte de los invitados.

Antes de adentrarse de lleno en el universo “[•REC]“, Chicho Ibáñez Serrador lo reclutó para su prestigiosa serie televisiva “Películas para no dormir“, un sucedáneo actualizado y con más presupuesto de aquel “Historias para no dormir” de finales de los 60. Plaza se encargó de posiblemente el mejor episodio de esta hornada: “Cuento de Navidad” (2005), un canto nostálgico a los 80 con mucho gore, diversión y encanto. Dicho proyecto supuso la primera colaboración de Plaza con el por aquel entonces brillante cortometrajista Luiso Berdejo (“La guerra“, “…ya no puede caminar“, “For(r)est in the des(s)ert“) y que con los años escribirían a cuatro manos algunos de los libretos de la saga found footage por excelencia del cine español.

Festival de Sitges, 2007. Como viene siendo costumbre, la Filmax con Julio Fernández a la cabeza estrena la nueva película de dos de sus hijos pródigos. Hay una gran expectación antes del pase de “[•REC]“, un film rodado conjuntamente por Balagueró & Plaza que promete ser auténtico cine de terror sin concesiones a la galería. Una enorme ovación resuena tras finalizar la proyección en el Auditori del Hotel Melià. El film es toda una experiencia entorno al miedo que cautiva tanto a la crítica especializada (excepto a aquellos anclados en el pasado que rechazan cualquier producto fantástico mínimamente moderno) como a los fans. En la cinta -que por cierto exprime al máximo y de forma excelente el estilo del falso documental-, no hay lugar para el espectador pasivo, te hace partícipe de ella lo quieras o no y su punto de vista subjetivo y su edición mínima dotando de mucha soltura y realismo a la acción, hacen del film una experiencia cinematográfica inolvidable.

Tras un circuito festivalero interminable y un monumental éxito internacional (con insulso remake americano incluido), Balagueró y Plaza decidieron en “[•REC]²” (2009) continuar la historia de la primera entrega intentando mantener la misma tensión y oscuridad aunque ampliando todo al estilo “Aliens el regreso” (James Cameron, 1986). Incluidas las infinitas posibilidades del found footage, puesto que ya no sólo graba la cámara de Pablo como en la primera entrega, aquí tenemos múltiples puntos de vista con los que los realizadores juegan con el espectador incluso una visión poliédrica de la trama en algunos momentos: fuerzas de seguridad (cámara principal y minicámaras individuales), videocámara de unos adolescentes que consiguen entrar en el edificio desde las alcantarillas y la cámara original de la primera parte. Resulta realmente curioso el uso de Pablo Rosso (director de fotografía) en ambos films como un actor más del reparto: si en la primera era el Pablo que llevaba la cámara que acompaña a Ángela (Manuela Velasco), en esta secuela es Rosso (xD), uno de los GEO que será testigo de todo el horror existente en ese maléfico edificio.

Clara (Leticia Dolera) repartiendo estopa con la motosierra al ritmo de Tino Casal.

En esta secuela en donde las referencias se multiplican: desde “El exorcista” (William Friedkin, 1973) pasando por “La Cosa” (John Carpenter, 1982), ya no nos encontramos sólo con infectados por un virus bacteriológico sino que ahora entra en juego el tema demoníaco y se nos develan algunas de las claves no explicadas en la primera entrega como también quedan en el aire algunas dudas. Aquella frescura, aquel realismo espontáneo, aquella brutal tensión del film original aunque parezcan haberse diluido ligeramente en pro de un aspecto un pelín menos atrevido y más “formal” debido a su evolución, consiguen mantenerse a flote gracias a una inteligente vuelta de tuerca y por apostar de nuevo por un producto directo y eficaz. Una secuela ejemplar que supera con nota el obstáculo de no contar ya con el factor sorpresa.

Terminadas las dos primeras entregas, nacían dos nuevos proyectos: la tercera parte “[•REC]³ Génesis” que sería una precuela que en principio narraría los orígenes de la historia y una cuarta y última bajo el nombre de “[•REC]⁴ Apocalipsis” (que por su teaser poster apunta a muy sangrienta) que narraría lo acontecido justo después de la secuela. La faena se repartiría a partes iguales puesto que de la tercera parte se encargaría Paco Plaza en solitario escribiendo el libreto junto al co-autor de la original Luiso Berdejo (director de la reivindicable “La otra hija“), mientras que la cuarta sería rodada por Balagueró y co-escrita entre éste y el coautor de la secuela Manuel Díez. A la vez, desde el mes de marzo pasado ya está disponible el cómic “[•REC] 0” surgido de la unión de Paco Plaza y Jaume Balagueró con Hernán Migoya, guionista de cómics y autor de “Una, grande y zombi“. Constará de cinco historias realizadas por cinco dibujantes con diversos estilos, desde el manga al hiperrealismo, que expandirán el universo visto en las películas y que han sido creadas en su integridad por los creadores de [•REC] y adaptadas al formato comic por Migoya. La Niña Medeiros, el personaje clave de la saga cinematográfica, será la que nos presentará las historias, todo un homenaje al tío Creepy o al guardián de la cripta.

Ya de entrada los teaser pósters y los carteles finales de “[•REC]³ Génesis” son diametralmente opuestos a sus antecesoras. Mientras en la primera como en la segunda eran de tonos oscuros y siempre con el negro como telón de fondo, en esta tercera nos encontramos una clara abundancia del blanco y siempre mostrando el rostro (como ocurría con Manuela Velasco en la original) o el cuerpo de Leticia Dolera, la heroína del film. Este cambio radical en los pósters también se traslada a la cinta puesto que una buena parte de la acción transcurre de día (rompiendo claramente las reglas), no de noche o en ambientes cerrados y oscuros como nos tenía acostumbrados la saga hasta el momento.

Atún (sr. B), uno de los personajes más carismáticos del film.

Para empezar, el film no es una precuela propiamente dicha, ni siquiera se molesta en dar explicación a los hechos acontecidos en el piso de rambla Catalunya (esa especie de misteriosa infección con tintes demoníacos), ni al pasado de la niña Medeiros. Esta tercera entrega transcurre casi simultáneamente con lo visto en la original (el nexo de conexión sería el veterinario y la mordedura del perro infectado) y puede verse de forma independiente sin necesidad de tragarse previamente el resto de la saga, aunque es recomendable.

“[•REC]³ Génesis” está dividida en dos partes claramente diferenciadas tanto temática como formalmente. Tenemos una primera mitad que mantiene el estilo visual de la saga en donde se nos narra la boda y el posterior banquete filmado desde múltiples puntos de vista en cámara subjetiva combinando todo tipo de formatos de video. La segunda parte que abarca toda la barbarie zombie, está rodada en formato cinematográfico con una cuidadísima factura (travellings, un uso estilizado de la cámara, steadycam) y una fotografía lo más luminosa posible alejándose voluntariamente del aspecto de las anteriores entregas.

La película arranca desde el primer minuto con toda una declaración de intenciones: riéndose de sí misma. Un inicio de lo más cachondo rindiendo homenaje en clave de mofa a esos horripilantes vídeos prefabricados de bodas o comuniones con transiciones de lo más chusquero y cuya musiquita en bucle supone todo un atentado auditivo. Algo que ya pudimos ver hará unos cuantos meses en su brillante teaser. En toda la parte de la ceremonia se nos describen cuatro pinceladas de los personajes (nunca profundizando demasiado). Tenemos al novio (Diego Martín), a la novia (Leticia Dolera), al tiet mordido por el perro infectado (la génesis de la posterior matraca sangrienta), amiguetes fiesteros, unos cuantos friquis, el abuelo sordo y demás invitados.

Pero si hay un personaje carismático en esta primera parte capaz de sonsacar más de una carcajada al espectador y destinado a perdurar en el imaginario de los seguidores de la saga es sin lugar a dudas Atún (en los créditos aparece como sr. B), un tipo tan friqui como cinéfilo cargado de una cámara con estabilizador que filma bodas, bautizos y comuniones como si de Dziga Vértov se tratara. Y es que su frase “un puntito cinema verité, muy canalla, muy online” ya es una de las más recordadas y citadas de la cinta de Paco Plaza. Atún (según su director) viene a ser como su alter ego en pantalla y “el personaje clave de la película. Digno de un spin-off“. A nivel de metalingüismo cinematográfico funciona muy bien e introduce la autorreferencia y la autoparodia a la trama de forma muy dinámica y gamberra. Atún simboliza perfectamente el espíritu irreverente y desenfadado de la peli. Como bien indica Álex P. Lascort en su crítica para el blog Fuera de Campo: “Atún destinado a mostrar cómo el cineasta, incluso el de bodas, bautizos y comuniones, ha interiorizado hasta el paroxismo de lo ridículo el asunto de lo metacinematográfico, reivindicando concepciones no solo fuera de lugar sino que en el contexto en el que se dicen quieren ser cultas y acaban por ser despreciadas por desconocidas. Prueba de ello esta en ese diálogo entre Atún y su interlocutor, donde este último acaba más interesado por el equipo técnico en sí que por la metodología de los planos“.

Brillante momento bajo la lluvia. Conexión entre metereología y estados emocionales.

Tras la ceremonia en la iglesia, los novios e invitados se trasladan a otra zona para disfrutar del banquete y la fiesta. Todo es jauja y diversión hasta que se inicia el caos sanguinolento que separa a novio y novia. A partir de ese momento y como he comentado anteriormente, la película se aleja del estilo de cámara al hombro dejando de lado ese amateurismo y apostando por algo mucho más estilizado y voluntariamente “antiREC”.

“[•REC]³ Génesis” es un film en donde brillan los personajes secundarios con luz propia. Por un lado tenemos al citado Atún (perfecto paradigma de cinéfilo friqui), por otro a John Esponja (que por un tema de derechos no usa Bob como nombre artístico xD), a Canon (un enviado por la SGAE a la boda para controlar el tema de derechos de autor de las canciones xDD) y por último un latino del catering que acaba convirtiéndose en una especie de escudero a lo Sancho Panza. Quizás los dos que den más juego tras Atún sean John Esponja, el cual suelta algunas perlas desternillantes o Canon, un elemento de lo más radical cuando se trata de dar palizas a infectados xD (suponemos que debido a su estresante trabajo). Mención especial a la frase de Atún que refleja lo que muchos pensamos: “Me cago en tu puta madre, Canon” o al hilarante “momento Sant Jordi” con Koldo (Diego Martín) como caballero y el camarero latino de acompañante. Un homenaje a la festividad catalana del 23 de Abril y de paso también a la tercera parte de la trilogía Evil Dead “El ejército de las tinieblas“. Porque no me negaréis que Koldo (Diego Martín) con esa armadura y esa espada recuerda mucho al Ash (Bruce Campbell) del film de Sam Raimi.

Lo cachondo del asunto no es sólo por las situaciones que promueven dichos friquis o por las frases tan antológicas que regalan al espectador sino también por la manera tan patética que tienen de morir: SPOILERS Atún por gordo, John Esponja porque se moja el disfraz de esponja con la lluvia y debido al peso no puede escapar de los infectados y el escudero latino es cazado in fraganti en menos que canta un gallo FIN SPOILERS.

Aquellos fans de la saga que esperaban respuestas en esta especie de precuela quizás salgan algo defraudados tras su visionado. Plaza aunque ofrece ciertos apuntes y conexiones (el veterinario mordido por el perro infectado, las oraciones del cura o algunos cameos para nada justificados de la niña Medeiros) no está por la labor de perder el tiempo intentando dar una explicación lógica a todo el jaleo viso en las dos entregas anteriores. Y bajo el humilde punto de vista de un servidor acierta, puesto que ya en la segunda parte se pecaba un poco justamente de eso, de intentar dar coherencia y lógica a lo sucedido en el 34 de la rambla Catalunya. Esta tercera película es una fiesta total, un puro divertimento sanguinolento-festivalero para pasárselo pipa, que no engaña a nadie y aquel que no acepte su propuesta supongo que no la disfrutará. Una cinta que a partir de cierto punto se desentiende del estilo found footage (del falso documental) que había caracterizado a la saga y juega su propia liga del aquí todo vale y hago lo que me da la gana. La cámara queda liberada de los personajes y muestra acciones en pararelo hasta reunir a la pareja separada por las circunstancias. Plaza consigue en ese microcosmos crear cine de terror con regusto costumbrista (en ocasiones parece una cinta producto de la unión entre Luis García Berlanga y Sam Raimi) con altas dosis de diversión friqui (mucho choteo cañí) y un final soberbio que evoca (salvando las distancias) a cintas como “Duelo al sol” (King Vidor, 1946) o “Bonnie & Clyde” (Arthur Penn, 1967). Una historia de amor y muerte de las de verdad, hasta sus últimas consecuencias.

Uno de los mejores planos. La novia ha moldeado su traje con la motosierra. Ya no está para fiestas.

Mención especial a todas las actuaciones pero sobre todo destacar la de Leticia Dolera (quién ya coincidió con Plaza y haciendo también de novia en el divertidísimo corto de un minuto “Luna di miele, luna di sangue VII“): desde ya, la nueva scream queen patria. Sensacional tour de force que se marca en donde pasa de ser una dulce chica a punto de casarse a una furiosa novia que lucha por recuperar a su amor. Memorables son esas secuencias con la motosierra al ritmo de Tino Casal (otro gran acierto de la película, la recuperación de ese temazo llamado “Eloise”, que da a la escena un aire de lo más retro), SPOILERS el encuentro con su “madre” bajo la lluvia, la mutilación (ahí vemos hasta qué punto llega su compromiso por amor, sus ganas de sobrevivir) y ese precioso y trágico final repleto de contundencia pero estéticamente bello FIN SPOILERS.

En cuanto a las múltiples referencias (el film está lleno de guiños cinéfilos), tenemos a quizás la más evidente (y un tanto forzada) “Kill Bill” (Quentin Tarantino, 2003-2004) y su novia vengativa, también hay mucho Sam Raimi en la peli sobre todo por esa combinación de sangre, humor negro, terror y friquismo. Esa motosierra (o la espada que levanta Koldo vestido de caballero como si se tratara de “Sant Jordi”) me recordó a las de Ash en la tercera parte de la trilogía Evil Dead “El ejército de las tinieblas” (1992) (film cuyo tono cómico-irónico se asemeja a esta tercera entrega de REC). Y no nos podemos olvidar tampoco del Peter Jackson de los inicios y su mítica “Braindead (tu madre se ha comido a mi perro)” (1992). En cuanto al final, como he comentado anteriormente recuerda a cintas clásicas como “Duelo al sol” (King Vidor, 1946) o “Bonnie & Clyde” (Arthur Penn, 1967) por la representación trágica de un amor condenado a la fatalidad o por el uso de la violencia estilizada a lo Peckinpah.

En la próxima y a priori última parte de la saga que se estrenará a finales de este año, retomará la trama dejada al final de la segunda parte. Ángela Vidal (Manuela Velasco), la joven reportera que accedió junto con su camarógrafo y un grupo de bomberos al edificio infectado, consigue salir de allí con vida. Sin embargo, las fuerzas especiales desconocen que es portadora de la semilla de una extraña infección biológica y demoníaca. Ella es llevada a una instalación provisional de cuarentena. Se trata de una instalación de alta seguridad donde deberá permanecer aislada durante días situada en un antiguo petrolero situado en el medio de la nada, donde será interrogada y analizada. En esta ocasión será dirigida por Jaume Balagueró. ¡Hay ganas de ver el colofón de la saga!.

Hacía tiempo que uno no se lo pasaba tan bien en el cine y es que estamos ante todo un rara avis dentro del aburrido panorama cinematográfico español. A pesar de sus defectos, “[•REC]³ Génesis” es cine gamberro, atrevido, desenfadado y autoconsciente de su concepto festivalero al 100% con gore, humor negro y friquismo a raudales. Un divertimento que hará las delicias de los fans del género, repleto de guiños cinéfilos y personajes secundarios de lo más carismático y con una Leticia Dolera sensacional como nuevo icono del terror español. Directa a cult movie.

Tras la excelente “Robocop” (1987) y antes de firmar la no menos excelente y a reivindicar “Instinto básico” (1992), el holandés Paul Verhoeven nos regaló otra joya de la ciencia-ficción (en esta ocasión basada en un relato de Philip K. Dick) con unos niveles de violencia difícilmente tolerables por el conservador Hollywood actual. Un cinta totalmente mítica con un Schwarzenegger en su salsa, un estupendo Michael Ironside como malo de la función y una Sharon Stone de lo más morbosa. ¡Qué grandes pelis producía la Carolco!.

Como muchos sabréis, siempre he condenado esa lacra llamada acoso escolar o bullying apoyando a la vez cualquier campaña que luche contra esta problemática social. Siempre he estado especialmente sensibilizado con las víctimas que lo sufren y creo que toda esa vorágine de intimidación, hostigamiento, vejación y humillación que se dan en algunos centros educativos debe ser erradicada de raíz de una vez por todas. Son demasiados los casos de chavales con secuelas psicológicas graves, suicidios y actos de violencia extrema como para no tomar cartas en el asunto y reflexionar acerca de un problema muy grave al que no dar la espalda.

El documental “Bully” de Lee Hirsch (bajo la producción de los Weinstein) pretende apoyar la necesidad de un cambio de conciencia colectivo y ser una denuncia acerca de estas execrables prácticas ejecutadas por auténticos delicuentes juveniles, del poder negativo de la tecnología (ciberbullying), de los límites de la capacidad humana para el sufrimiento, de la dudosa moralidad de ciertos adolescentes y de la permisibilidad e inmunidad que existe en algunas escuelas al respecto.

En un principio el MPAA (Motion Picture Association of America) le adjudicó calificación “R”, es decir, no recomendado para menores de 17 años, dado el uso de imágenes de “extrema violencia” y “lenguaje soez” recogidas en el film. El bullying es una realidad incómoda pero que es necesario retratar fielmente para que sea entendida como tal. Y es que como bien indica su realizador “ese tipo de lenguaje está ahí porque es real. Los niños que sufren bullying se tienen que enfrentar a él todos los días“. Tras haber reunido más de medio millón de firmas a través de Internet y sumándole el reconfortante apoyo de celebridades del mundo del cine como Meryl Streep y Johnny Depp, el MPAA ha acabado cediendo y ha eliminado la calificación “R” para el documental, dejándola en un lógico “Para todos los públicos”.

¿Será la película definitiva sobre este preocupante fenómeno?. Espero que al menos no decepcione y cuando esté en formato doméstico sea proyectada en todas y cada una de las escuelas. Ese es su objetivo según el jefe de marketing de The Weinstein Company: “haré todo lo que esté en mi mano para hacer que esta película esté al alcance de todos los padres, profesores y estudiantes del país“. Nadie merece este castigo infinito, nadie.

Os dejo con el trailer del documental. Su fecha de estreno en USA: el 4 de mayo.

A priori parece que tirarán del catálogo (distribución americana) de Paramount tanto novedades como clásicos combinando múltiples géneros para abarcar todos los gustos. Además también contarán con títulos de Miramax, Dreamworks, Warner, Sony y la española TriPictures tras el acuerdo alcanzado. Por tanto habrá material de sobra para horas y horas de buen cine.

Durante las primeras semanas de vida de Paramount Channel, sus espectadores podrán ver la trilogía de “El Padrino” (la cadena arrancará con este plato fuerte), “El paciente inglés“, la maestra “Inteligencia artificial“, “El Espantatiburones“, “Pozos de ambición“, “American Beauty“, el clásico “Desayuno con diamantes“, la adrenalítica “Corre Lola corre“, “Viernes 13, 3ª Parte“, “Valor de ley” o “Atracción fatal” entre otras.

España será el primer país del mundo en disfrutar en TDT de Paramount Channel, esperemos que ofrezcan calidad y variedad. Seguro que esta competencia hace que tanto La Sexta 3 como ésta mejoren el nivel de sus contenidos.

Os dejo con uno de los vídeos promocionales del canal que recuerdan a los de su hermana verde aunque con un mejor acabado en los diseños. Esperemos que la TDT siga apostando por canales culturales y dejando de lado tarots, concursos interminables o reality shows sensacionalistas.

Posiblemente una de las mejores intros de los últimos años dotada de una creatividad y un dinamismo fuera de toda duda. Eso si, como es habitual en el cine del francés, epilépticos abstenerse.

La edición es de absoluta referencia a todos los niveles, de 10, digna de demo para los colegas cinéfilos. Cuenta con una imagen espectacular (de lo mejorcito en HD que uno haya visto superando incluso en nitidez a films actuales) en donde el Technicolor brilla con luz propia, un sonido en VO impresionante (DTS HD Master Audio 5.1), unos menús cuidadísimos y unos contenidos adicionales exhaustivos que incluyen todos los que ya aparecieron en la edición de 3 dvds de antaño, además de nuevos documentales (en calidad 1080p) y el libreto propio del digibook con curiosidades sobre tan monumental producción.

Un must have en toda blu-rayteca que se precie. Un ejemplo de remasterización, de mimo a la hora de presentar un producto y a un precio asequible para nuestros bolsillos. Os dejo con algunas capturas extraídas del Blu-Ray, con la review de la edición y con el trailer del digibook en calidad 1080p.