ARCHIVOS DE LA CATEGORÍA: Suspense / Thriller


Retrotrailers: “Cobra” (1986)




Cuando el crimen se extiende como una plaga, el teniente de policía Marion “Cobra” Cobretti es el único remedio para combatirlo. La misión de Cobra consiste, por una parte, en detener a los seguidores de una secta de asesinos y, por otra en proteger a Ingrid, la testigo de un asesinato cometido por la banda. Con lo que no cuenta es con la existencia de un “topo” en el departamento de policía, que se encargará de informar del escondite de la chica.

Os dejo con el trailer de uno de esos productos fascistoides que estaban tan moda en los 80. La escena en el supermercado (llena de frases lapidarias y momentos para el recuerdo) es uno de los mejores y más contundentes arranques que ha dado el cine de acción contemporáneo, le pese a quien le pese. Cosmatos y Stallone en estado puro. ¿Qué más se puede pedir?.




Microcrítica: “Lore” (Cate Shortland, 2012)




loreposterCorre la primavera de 1945, y el ejército alemán se derrumba por momentos. Las fuerzas aliadas están entrando por todo el país, y así, con sus padres ausentes y el Tercer Reich desmoronándose, la joven Lore (Saskia Rosendahl) decide llevar a sus cuatro hermanos 500 kilometros a través de Alemania hasta un lugar seguro en casa de su abuela, en el Mar del Norte. Adaptación de la novela ‘El cuarto oscuro’, de Rachel Seiffert. Como curiosidad, siendo de producción mayoritariamente alemana, la academia australiana (una productora de Australia participa en su producción), la eligió para ser su representante en su año en los Oscar, y optar al premio a la mejor película de habla no inglesa (aunque está rodada en alemán).

Una factura verdaderamente exquisita e hipnótica (amantes del cine sensitivo a lo Malick disfrutarán de lo lindo), describe entre sombras y lágrimas el hundimiento del Tercer Reich desde un perspectiva interesante. Sin embargo, dicho estilo visual aunque estéticamente es intachable, resulta demasiado impostado (no creo que siempre esté justificado) restándole así autenticidad a su discurso formal.

Por otro lado, cuando uno termina de ver el film, le da la sensación de que con una hora hubiera sería suficiente para contar lo que nos narra. No pasa nada por rodar una cinta de 70 minutos. Jacques Tourneur y Edgar G. Ulmer, por citar dos casos, hacían obras maestras de una hora y sabían que estirar el chicle por deporte no era una buena práctica. Aún así, me gusta mucho el clímax turbio (casi fantasmagórico) que envuelve a todo el film. Ese mal rollo subterráneo omnipresente a lo largo del trayecto por esa Alemania dividida y ruín. Extranjeros en su propia tierra. Huérfanos de identidad cuya ideología inculcada por sus padres y fabricada a base de mentiras, se desvanece a una velocidad imparable.

Otro punto a favor del film es el complejo equilibrio que logra entre lo extremadamente íntimo (de ahí que se apueste por la fisicidad y la cámara muy próxima a los personajes) y la desesperación / caos colectivo. El desenlace de “Lore” peca de subrayar en exceso lo que ya es evidente para el espectador (la pérdida absoluta de la inocencia) y creo que podría haber sido mucho más sutil a la vez que elegante. De hecho, toda la escena final yo la hubiera resuelto en un plano de unos pocos segundos SPOILER con la mano de Lore dejando el cervatillo de porcelana ya roto.




Capturas: “Oldboy” (2013)




oldboyA un ejecutivo publicitario (Josh Brolin) lo secuestran y lo mantienen aislado durante veinte años. Cuando por fin lo liberan, sin darle ninguna explicación, se lanza a una búsqueda obsesiva para descubrir quién orquestó un castigo tan cruel y extraño, pero lo que acaba descubriendo es que sigue siendo víctima de una conspiración.

Hablar de “Oldboy” (Park Chan Wook, 2003) es hablar de excelencia cinematográfica. Ubicada dentro de la imprescindible trilogía de la venganza junto a “Sympathy for Mr Vengeance” y “Sympathy for Lady vengeance”, el film coreano se ganó a pulso la etiqueta de cult movie gracias a una realización exquisita, una historia de venganza memorable con altas dosis de violencia y una actuación de Choi Min-Sik que le convirtió en todo un icono del cine asiático moderno. En 2013, Spike Lee, un realizador que ni mucho menos posee el virtuosismo cinematográfico de Park Chan-Wook (aunque eso no quita que su cine tenga virtudes), se puso manos a la obra con el remake. Una nueva versión que llevaba años rondando por Hollywood y que en su día estuvo a punto de protagonizar Will Smith. Gracias a dios, el papel protagonista finalmente ha recaído en el siempre excelente Josh Brolin (lo mejor del film) y, aunque a grandes rasgos quede lejos de la majestuosidad de la obra original, la película destaca sobre todo por la estupenda labor fotográfica de Sean Bobbitt.

Siendo francos, este remake no está demasiado justificado la verdad, ya que en el fondo se nos está explicando la misma historia sin grandes cambios y de forma mucho menos misteriosa e intrigante. Toda aquella puesta en escena final onírica aquí desaparece por completo. Del humor negro, ni rastro tampoco. Incluso podrían haber tomado el manga (el cual difiere bastante del film de Park Chan-Wook) como referencia principal y plasmarlo de forma totalmente fiel, pero en cambio han preferido abordar el film desde un terreno mucho más comercial y repetitivo. Eso sí, Spike Lee se marca un par de planos secuencia excelentes y la composición está muy bien.

Os dejo con 94 capturas ampliables a 1080p del último film del cineasta afroamericano por excelencia. Aunque se trate del remake de un film intocable por los fans, que resulta decente pero poco más, a nivel fotográfico es notable como puede verse en las siguientes screenshots. La calidad de la imagen es muy buena y el grano que se aprecia es provocado. Para quien no haya visto la original ni esta nueva versión, aviso que hay spoilers en algunas capturas.

Captura 1/94 de “Oldboy” (Spike Lee, 2013)

Captura 2/94 de “Oldboy” (Spike Lee, 2013)

Captura 3/94 de “Oldboy” (Spike Lee, 2013)

Captura 4/94 de “Oldboy” (Spike Lee, 2013)




Capturas: “The monolith monsters” (1080p)




Un meteorito gigante cae en la Tierra, cerca del pueblo de San Angelo. Un geólogo encuentra un fragmento y se lo lleva a su laboratorio para analizarlo. Poco después aparece petrificado y el laboratorio está lleno de rocas. En una carrera desesperada contra el tiempo y la naturaleza, otro geólogo que trabajaba con él debe descubrir el secreto que esconden estas rocas mortíferas llegadas del espacio antes de que cubran nuestro planeta y acaben con la humanidad.

Esta vez no encontraremos bestias de laboratorio mutantes, criaturas del espacio ridículas u otras amenazas atómicas. En esta ocasión el peligro llega en forma de roca con la capacidad de multiplicarse y crecer hasta proporciones titánicas. Escrito por Jack Arnold (Llegó del más allá, La mujer y el monstruo, Tarántula!, El increíble hombre menguante), “The monolith monsters” (Monstruos de piedra) es un clásico olvidado del cine de ciencia ficción y, por su originalidad, sus efectos especiales y su suntuosa banda sonora, una de las películas más respetadas por los fans del género.

Os dejo con 45 capturas ampliables en calidad 1080p de este pequeña joyita de la sci-fi de bajo presupuesto. En España fue editada en dvd por el sello L’Atelier 13 en digipack y con el mismo (y estupendo) máster que la edición estadounidense de Universal incluída dentro del pack The Classic Sci-Fi Ultimate Collection. En Blu-Ray sólo ha sido editada en Alemania hasta el momento.

Captura 1/45 de “The monolith monsters (Monstruos de piedra)” (John Sherwood, 1957)

Captura 2/45 de “The monolith monsters (Monstruos de piedra)” (John Sherwood, 1957)

Captura 3/45 de “The monolith monsters (Monstruos de piedra)” (John Sherwood, 1957)

Captura 4/45 de “The monolith monsters (Monstruos de piedra)” (John Sherwood, 1957)




Escenas: “Detention” (2011)




detention_BRLa adolescencia de Riley Jones ha caído del lado de los marginados. Su existencia empeora aun más cuando debe quedarse castigada después de clase y, por si eso fuera poco, un asesino que se diría salido de un slasher empieza a cargarse gente a diestro y siniestro. “No quiero una película de adolescentes que también busque a un público adulto. Este es un film sobre adolescentes y para adolescentes”. Así de rotundo se muestra Joseph Kahn al hablar de “Detention”, una comedia de terror de bajo presupuesto.

Mundo estudiantil por los suelos, referencias por doquier, asesinos sin piedad, alienígenas, viajes en el tiempo y mucho humor absurdo. Todo eso y más ofrece “Detention”. Poco podía esperarse de la nueva película del director de “Torque”, pero Kahn en esta ocasión apuesta por un slasher absolutamente delirante que desprende desvergüenza por los cuatro costados. Con una libertad narrativa brillante y siempre autoconsciente de su target, el film es capaz de reírse sanamente de sus excesos, combinar a la perfección multitud de géneros (comedia romántica juvenil, terror, ciencia-ficción) y suponer una ácida crítica, por no decir un hostión tremendo, al superficial y vacuo mundo adolescente. Una de las cintas más divertidas y genuinas vistas en la edición 44ª del festival de Sitges.

Os dejo con los 10 primeros minutos del film en donde vemos primero como el típico putón popular de instituto, mientras se prepara para ir a clase, explica a cámara su particular guía para no ser un total fracasado. Un recurso que sin duda recuerda a cintas de antaño (como la excelente “Todo en un día”, que no será el único guiño al cine de John Hughes) o más recientes como “Rumores y mentiras”, y después, siguiendo con una estructura similar, se nos presenta a una loser y su trayecto hacia la escuela. Tras ello, tenemos unos títulos de crédito de lo más cachondos. Mala leche a raudales y humor más negro que el tizón en un arranque que no deja títere con cabeza. Espero que la disfrutéis en HD y VOSE (el doblaje de este film es un espanto, huíd de él).




Retrotrailers: “Dagon: La secta del mar” (2001)




dagonPaul y su novia Barbara junto a su socio Howard y Vicki, su glamourosa esposa, están disfrutando de unas vacaciones en la costa de Galicia con motivo del éxito de su nueva empresa dot.com. Inesperadamente, el barco choca contra un arrecife, quedando Vicki atrapada entre los restos. Mientras Howard se queda con ella, Paul y Barbara van al pueblo más cercano en busca de ayuda. Llegan a una decrépita localidad de pescadores llamada Imboca, que parece estar desierta, pero alguien les está observando desde las ventanas. Por fin, aparecen unas gentes extrañas que les ofrecen ayuda.

Cuando Paul regresa al barco descubre con sorpresa que Howard y Vicki han desaparecido. Mientras tanto, Barbara es secuestrada en el hotel del pueblo. Al regresar, Paul es perseguido y gracias a un anciano descubre el oscuro secreto de Imboca: todos adoran a Dagon, un monstruoso dios del mar. Los forasteros son sacrificados; los hombres, despellejados vivos, y las mujeres, ofrecidas como novias para satisfacer a la cruel criatura.

Desde los años 70 con aquel buque insignia del fantaterror llamado Profilmes, el aficionado al fantástico patrio se había quedado algo huérfano en lo que a compañías dedicadas exclusivamente al género se refiere. No sería hasta el año 2001 cuando de las reuniones entre Julio Fernández (alma pater de Filmax) y Brian Yuzna (uno de los grandes defensores de la serie B) surgiría una nueva productora especializada en cine fantástico y de terror de bajo presupuesto llamada Fantastic Factory. Esa suerte de Hammer a la española, salvando las distancias, con clara vocación internacional (todos los films se rodaron en inglés y gran parte del cast & crew era extranjero), estrenó únicamente nueve películas, con desiguales resultados, hasta su desaparición cuatro años después. Tras unos mediocres inicios con “Faust: La venganza está en la sangre” (Brian Yuzna, 2000) y “Arachnid” (Jack Sholder, 2001), llegaría “Dagon: La secta del mar” (Stuart Gordon, 2001), una de las mejores películas de la factoría y dicho sea de paso de lo más potable en adaptaciones de H.P. Lovecraft. En este caso se contó con un gran artesano tras las cámaras como es Stuart Gordon (director de entre otras “Re-Animator” o las reivindicables “Edmond” y “Stuck”) y, aunque se notaban claramente las carencias técnicas, sobre todo en lo referente a efectos especiales, el film destacaba por una cuidada atmósfera y un maquillaje realmente conseguido. Además fue la última aportación del gran Paco Rabal al cine antes de su muerte.

Dejando de lado la delirante “Beyond Re-Animator” (Brian Yuzna, 2003), el nivel siguió aumentando cuando se incoporaron jóvenes talentos de Filmax como Jaume Balagueró con “Darkness” (un film que incluso fue vendido a Dimension, filial de Miramax y funcionó bastante bien en EEUU) y Paco Plaza con su notable debut “El segundo nombre” (bajo el subsello Fantastic Discovery, del que también formarían parte films tan estimulantes como “El maquinista” o “Los abandonados”) y “Romasanta, la caza de la bestia” (2004) una estimable aproximación a la figura de Manuel Blanco Romasanta, más conocido como el hombre lobo de Allariz.




Escenas: “Abre los ojos” (1997)




abrelosojosHeredero de una considerable fortuna, bien parecido y con éxito entre las mujeres, César es un joven a quien la vida le sonríe. Una noche, Pelayo, su mejor amigo, le presenta a Sofía, de quien César se enamora al instante. Esa misma noche, Nuria, la última chica con la que César había mantenido una relación y que sigue aferrada a él de forma obsesiva, se ofrece para acompañarlo a casa. En el transcurso del trayecto, Nuria gira el volante y lanza el coche por un precipicio en cuyo fondo se inicia para César la peor pesadilla que podía imaginar.

Tras el éxito que supuso la excelente “Tesis”, Alejandro Amenábar se puso manos a la obra con un nuevo y ambicioso proyecto que se movía entre el thriller psicológico y la ciencia-ficción (en algunos detalles es innegable que bebe de cintas como “Desafío Total” (1991)). En “Abre los ojos” encontramos elementos del género tales como el juego entre realidad y sueño (la interposición de la realidad virtual con el mundo real), el infortunio de un personaje rico por fuera pero pobre por dentro, la pesadilla infinita, la espiral de giros imposibles, la melancolía teñida de sufrimiento y recuerdos inestables, la dualidad de personajes, el tormento que desencadena la imposibilidad de alcanzar el amor, la superficialidad de nuestros tiempos y los espejos que dibujan aquellos rostros que deseamos volver a ver.

Sin duda una de las mejores escenas que dio el cine español en el año 1997 son los seis primeros e inquietantes minutos del film que comentamos en estas líneas, donde vemos como un Eduardo Noriega despierta solo en su apartamento y tras ducharse, vestirse y coger el coche para salir fuera, descubre una ciudad absolutamente desierta. Y es que esa Gran Vía fantasmagórica sin un alma ya forma parte del imaginario cinéfilo patrio. En los siguientes minutos, se repite esta misma estructura pero ya fuera de un entorno onírico. Toda una declaración de intenciones por parte de Amenábar. Como curiosidad decir que en el plano de la Gran Vía madrileña vacía vemos al fondo cómo la calle ha sido cortada y arriba a una señora asomarse de un balcón. Amenábar se dio cuenta de esto más tarde pero decidió no borrarla digitalmente para su edición en dvd.

Os dejo la escena reescalada a 720p, mejorado el brillo, el contraste y el sonido y añadido un poco de enfoque. Si deciden editarla en Blu-Ray (que creo que están en ello), necesitará una buena remasterización ya que en el máster del dvd se aprecian a veces rayas, alguna manchas, poca definición y la compresión podría ser mejor. Un film notable que a pesar de alguna actuación un tanto floja (Noriega y Cruz) posee suficientes ingredientes (estupenda dirección, montaje y música) como para que los espectadores aficionados al buen thriller disfruten de lo lindo. En cuanto al remake americano que responde al título de “Vanilla sky”, no perdáis el tiempo.




Retrotrailers: “Tesis” (1996)




tesisposterÁngela prepara una tesis sobre la violencia audiovisual. Figueroa, su director de tesis, descubre accidentalmente una película y al día siguiente aparece muerto. Ángela y Chema, un compañero de facultad, deciden llevarse la cinta, descubriendo que se trata de una “snuff-movie” en la que una chica es torturada y asesinada. Un mundo audiovisual diferente y peligroso se abre ante ellos. Ángela puede ser la protagonista de la siguiente “snuff-movie”.

En 1996 y sin haber terminado la carrera, un joven talentoso llamado Alejandro Amenábar firmó una de las óperas prima más fascinantes y valientes que ha dado el cine español. En sus cintas posteriores jamás recuperaría la frescura y el riesgo de su brillante (aunque lógicamente imperfecta) obra inicial. El film abarca temas tales como la banalización de la violencia, el morbo como elemento intrínseco (casi primitivo) de la naturaleza humana, la dudosa moralidad de nuestros tiempos, el consumismo sin escrúpulos con tal de satisfacer esa necesidad de entretenimiento, la fascinación por lo prohibido y ante todo supone una crítica a aquél que no retira la mirada ante lo grotesco, ante lo macabra. A todos nosotros, espectadores vouyers (lo quieran o no) ávidos de carnaza.

Es cierto que abundan los personajes estereotipados (algunas actuaciones dejan un poco que desear), ciertas situaciones resultan inverosímiles y técnicamente la cinta es justilla, pero Amenábar consigue suplir todas esas carencias imprimiendo al film una atmósfera malsana y una tensión que va in crescendo hasta el memorable final. “Tesis” es un thriller entretenidísimo, dotado de una estupenda dirección (al más puro estilo americano) y con un ritmo endiablado gracias al atinado montaje (algo que siempre resulta clave). Posteriormente rodaría la notable y habitualmente infravalorada “Abre los ojos” y su obra más cuidada a nivel estético: “Los otros”. A partir de ahí, todo lo que ha firmado ha sido bastante olvidable.

Os dejo con el trailer original de 1996 de unas de las cintas más entretenidas y populares que ha dado cine español, con sus aciertos y sus defectos.




Repaso a las nominadas al Oscar 2014 (2/3)




Seguimos con tres nominadas más de la lista que optan a la estatuilla dorada esta noche:

El lobo de Wall Street” (Martin Scorsese, 2013):

Basada en la historia real del corredor de bolsa neoyorquino Jordan Belfort. A mediados de los años ochenta, Belfort (Leonardo DiCaprio) era un joven honrado que perseguía el sueño americano, pero pronto en la agencia de valores aprendió que lo más importante no era hacer ganar a sus clientes, sino ser ambicioso y conseguir una buena comisión. Su enorme éxito y fortuna cuando tenía poco más de veinte años como fundador de una agencia bursátil le valió el mote de “El lobo de Wall Street”. Dinero. Poder. Mujeres. Drogas. Las tentaciones abundaban y el temor a la ley era irrelevante. Jordan y su manada de lobos consideraban que la discreción era una cualidad anticuada; nunca se conformaban con lo que tenían.

Estamos sin duda ante el regreso por todo lo alto del mejor Scorsese de los años de “Uno de los nuestros” y “Casino” en un film de lo más salvaje, vibrante y radical con sexo, drogas y pasta a raudales. Un retrato sobre la avaricia y el exceso (a todos los niveles) delirante y sin tapujos que hará las delicias de los fans más acérrimos del cineasta italoamericano. Leonardo DiCaprio ofrece un absoluto recital de registros encarnando a Jordan Belfort (desde su ascenso hasta su caída) y ya va siendo hora de que este excepcional actor -el mejor de su generación- sea reconocido con el oscar. Aquellos que acusan a DiCaprio de sobreactuación, quizás deberían recordar que su personaje anda con droga hasta las cejas, por tanto, están totalmente justificados esos momentos de desfase e hiperactividad.

El resto del reparto también están estupendos, sobre todo Jonah Hill (un actor que vengo reivindicando desde “Superbad” y que aquí recoge el testigo del gran Joe Pesci), Margot Robbie (que recuerda a la Sharon Stone de “Casino”, salvando las distancias) y Matthew McConaughey en un breve pero esencial papel gracias al cual inunda la pantalla con su carisma y de paso eclipsa al resto. Mención especial también para el brillante guión adaptado, el montaje adrenalítico (totalmente justificado) y esa selección musical de chapeau. Pocos cineastas en la actualidad poseen un dominio visual y narrativo tan extraordinario como el amigo Marty. Una obra maestra dotada de un sentido del ritmo impresionante, que seguramente no será premiada (de forma injusta) por los académicos puritanos que gobiernan Hollywood. Espero equivocarme.




Repaso a las nominadas al Oscar 2014 (1/3)




Os dejo con un repaso de las 10 nominadas al oscar de este año en la categoría de mejor película, con microcríticas y sus respectivos trailers. Divido el post en tres, primero para que no sea tan extenso y segundo porque me quedan algunas por ver todavía (en concreto “Philomena” y terminar “La gran estafa americana”).

Her” (Spike Jonze, 2013):

En un futuro cercano, Theodore, un hombre solitario a punto de divorciarse que trabaja en una empresa como escritor de cartas para terceras personas, compra un día un nuevo sistema operativo basado en el modelo de Inteligencia Artificial, diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Para su sorpresa, se crea una relación romántica entre él y Samantha, la voz femenina de ese sistema operativo.

La obra de Spike Jonze es tremendamente coherente. Abarca temas tales como reclamar un lugar en el mundo, sentirse incomprendido dentro de un entorno extraño (familias desestructuradas, futuros distópicos), la búsqueda de la conexión emocional desde prismas aparentemente ilógicos, la conciencia humana desarrollada por inteligencias artificiales, el espíritu del cambio (de afrontar desafíos), la fragilidad del sentimiento o el inevitable fatalismo del autor inestable. En su filmografía encontramos marcianadas metaficcionales (“Cómo ser John Malkovich” y “Adaptation”), cuentos infantiles repletos de madurez (“Donde viven los monstruos”) y amores atípicos (“I’m here”, un exquisito cortometraje sobre un amor robótico que conecta directamente con “Her”). Un maestro multidisciplinar que regala joyas tanto a nivel narrativo como visual y que apuesta por la emoción siempre desde la delicadeza y la inteligencia.

Her” es un retrato sobre el complejo mundo de los sentimientos (la escena con sólo audio resume perfectamente eso) en una realidad donde el aislamiento social y la deshumanización son meras corazas para espectros incompletos que anhelan ante todo (y paradójicamente) esa comunicación, esa conexión emocional como motor de sus vidas. La interpretación de Joaquin Phoenix es verdaderamente brillante, aguantando él solito el peso del film en gran parte del metraje. Pero no menos impresionante resulta la labor de Scarlett Johansson con la voz.

Una de las películas románticas más complejas, originales y fascinantes que he visto. Cine de verdad.




Escenas: “[•REC]³ Génesis” (2012)




rec3posterClara y Koldo están a punto de celebrar el día más importante de sus vidas: su boda. Todo parece marchar de maravillas, y la novia, el novio y sus familiares están disfrutando de un inolvidable día hasta que uno de los invitados comienza a mostrar signos de una extraña afección. Antes de saber lo que está ocurriendo, la novia y el novio se encuentran en medio de un calvario infernal, mientras un incontrolable torrente de violencia se desata en la boda. Entre el caos, Clara y Koldo se separan, y comienzan a buscarse desesperadamente el uno al otro. Lo que comenzó como un idílico día rápidamente se transformará en un descenso hacia una pesadilla de la peor clase.

Os dejo con dos escenas (en HD) verdaderamente memorables: la primera es el momento en el que Clara (Leticia Dolera) culmina su transformación. Pasa de ser una dulce chica a punto de casarse a una furiosa novia que lucha por recuperar a su amor. Con su traje moldeado para la ocasión y usando una salvaje motosierra al ritmo de Tino Casal (otro gran acierto de la película, la recuperación de ese temazo llamado “Eloise”, que da a la escena un aire de lo más retro), culmina su particular catarsis sangrienta recuperando así el protagonismo que debería haber gozado en la malograda boda. La segunda es un momento que aúna tensión y poesía. La mutilación (ahí vemos hasta qué punto llega su compromiso por amor, sus ganas de sobrevivir) y ese precioso a la par que trágico final repleto de contundencia pero estéticamente bello, que evoca al clásico “Bonnie & Clyde” (otra pareja maldita).

A pesar de sus defectos, “[•REC]³ Génesis” es cine gamberro, atrevido, desenfadado y autoconsciente de su concepto 100% festivalero, con gore, humor negro y friquismo a raudales. Un divertimento que hará las delicias de los fans del género, repleto de guiños cinéfilos y personajes secundarios de lo más carismático y con una Leticia Dolera sensacional como nuevo icono del cine de terror español.

Aviso que las escenas contienen generosas dosis de ketchup y spoilers. Espero que las disfrutéis.




Capturas: “Gravity” (1080p)




gravity1Mientras reparan un satélite fuera de su nave, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Son la doctora Ryan Stone, una brillante ingeniera que realiza su primera misión espacial, y el veterano astronauta Matt Kowalsky. La misión exterior parecía rutinaria, pero una lluvia de basura espacial les alcanza y se produce el desastre: el satélite y parte de la nave quedan destrozados, dejando a Ryan y Matt completamente solos, momento a partir del cual intentarán por todos los medios buscar una solución para volver a la Tierra.

Tras firmar la sensacional e infravalorada “Hijos de los hombres” y el necesario documental “La doctrina del shock”, Cuarón se embarcó en un proyecto tan ambicioso como complejo, al que dedicaría seis años de su vida. El resultado salta a la vista. “Gravity” es ante todo una experiencia visual brillante acerca de la supervivencia más primitiva y de un renacimiento espiritual. La lucha titánica de una mujer por gozar de una segunda oportunidad. Planos secuencia interminables (algunos incluso de 12 minutos), 3D acojonante (esa lágrima compartida con el espectador), efectos digitales y animación exquisitas, tensión en estado puro y una Sandra Bullock -digna heredera de la teniente Ripley- impresionante, llevando todo el peso dramático del film y cuya nominación al oscar me resulta tremendamente merecida.

Cabe decir que pocas películas utilizan el Real 3D de forma justificada y todavía menos creadores saben dominar bien la técnica. O al menos hacer un uso creativo de ella. “Gravity” (aunque se haya aplicado a posteriori) es de lo mejorcito en cine estereoscópico junto a “Avatar” y “La invención de Hugo”. Una survivor experience que plantea temas tales como la brevedad de la existencia humana, el desafío a la extinción, el insignificante papel del hombre frente al poder absoluto de la naturaleza o la resurrección de una mujer destrozada. Cada pequeño paso que da hacia su “nueva vida” (hacia ese primer paso, de nuevo, en la Tierra) será a base de lucha y coraje. Y es que pocas veces se ha visto en pantalla a un personaje tan superviviente y batallador, capaz de dejar atrás sus miedos más profundos con tal de poder rehacer su maltrecha vida.

Me gustaría destacar especialmente el final de la película. SPOILERS Como ella vuelve a nacer en una cápsula que simboliza metafóricamente un útero (el film está lleno de simbolismos: ver captura 96). Emerge de las profundidades del mar hacia la luz tras haberse deshecho de su particular “cáscara” (capturas 164 y 165). Sale de nuevo al mundo mojada e indefensa, como lo haría cualquier recién nacido. Le cuesta ponerse de pie y caminar (capturas 169 y 170). Al fin ha conseguido la redención. Es el momento de enterrar el pasado y mirar hacia el futuro (captura 171). FIN SPOILERS

Os dejo con 225 capturas en calidad 1080p de esta joya de la ciencia-ficción moderna. La edición en Blu-Ray ofrece una calidad espectacular a todos los niveles. La imagen se presenta en formato 2.40:1 y no hay escenas en IMAX porque a diferencia de las dos últimas partes de la trilogía de “El caballero oscuro”, el film no se ha rodado así de forma nativa, sino que ha sido convertido a posteriori. Tres cuartos de lo mismo pasa con el 3D, el cual aunque es bueno y creativo, proviene de postproducción. La tasa de bits es de 41.09 Mbps. El disco incluye un buen puñado de pistas de audio (inglés, castellano, alemán, francés, italiano, chino y tailandés) pero la única que realmente vale (y mucho) la pena es la VO en DTS-HD Master Audio 5.1 (48 kHz / 2369 kbps / 16-bit), ya que el resto están en un insuficiente Dolby Digital 5.1. Subtítulos en múltiples idiomas (entre ellos el castellano) perfectamente sincronizados.

En cuanto a los extras, lo suyo hubiera sido que Warner se hubiese currado un Maximum Movie Mode con Cuarón, Bullock y Clooney pero los que hay no están nada mal: Punto de colisión: documental sobre el peligro de la basura espacial narrado por Ed Harris, Animación final, Comenzó con una historia, Desafíos iniciales: Planos secuencia y gravedad cero, Renacimiento del Dr. Stone, Sandra y George, Completo silencio, Previsualizando Gravity, El amerizaje, La poesía de la ingravidez, Las tonalidades del espacio, Tecnología espacial, Fuego en la Estación Espacial Internacional, Detrás del visor, El sonido de la acción en el espacio y Aningaaq (Un cortometraje de Jonas Cuarón que conecta con la acción del film). En total, casi 3 horas. Sin más, espero que disfrutéis de las capturas tanto del film como de los extras. Ojalá Cuarón se lleve el oscar porque lo que ha hecho en “Gravity” es una auténtica barbaridad técnica.

Captura 1/225 de “Gravity” (Alfonso Cuarón, 2013)

Captura 2/225 de “Gravity” (Alfonso Cuarón, 2013)

Captura 3/225 de “Gravity” (Alfonso Cuarón, 2013)

Captura 4/225 de “Gravity” (Alfonso Cuarón, 2013)





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