Me he quedado literalmente de piedra al enterarme de la triste notícia. Desaparece una de las productoras estadounidenses más importantes de los últimos años, nacida como emblema del cine más independiente y que, poco a poco, se traicionó a sí misma, llevando a cabo proyectos multimillonarios (a veces sinónimo de calidad y otras de no tanta), sobre todo desde que se hizo filial de la Disney. Miramax ha estado más de treinta años produciendo cine de todo tipo de géneros, aunque el drama ocupó un lugar predominante en su producción.

Poco a poco se fue convirtiendo en una de las compañías que más nominaciones y premios ha obtenido de los últimos años, en ocasiones apostando por un cine de nivel (Scorsese, Tarantino, Minguella, Field, Paul Thomas Anderson) y otras no tanto (Rodríguez, Marshall, Forster, Benigni, Madden).

Miramax siempre quedará como la compañía que dio a conocer a realizadores como Quentin Tarantino, Kevin Smith o -en menor medida- Anthony Minguella entre otros, dándoles una oportunidad y finaciación, pero como comentaré más adelante, no todo era tan bonito. Las colaboraciones con Dimension Films dieron películas inolvidables del género de terror/suspense, regalando cine simpático y sin grandes pretensiones con marcado aroma de serie B (casos de “The faculty” o “Mimic” entre otras), que homenajeaban clásicos y suponían un verdadero disfrute para un espectador sin demasiadas exigencias. Aunque, todo haya que decirlo, también hubo algún que otro bodrio como “Phantoms” o las secuelas de “Scream“, que aunque en aceptable clave autoparódica, no conseguían despertar mi interés.

Miramax, en parte por la insistencia de Quentin Tarantino (padrino en los USA de muchas de ellas), ha sido una compañía que ha apostado por la distribución en Estados Unidos de un cine quizás más minoritario como el asiático (o el europeo) distribuyendo películas como “Hero“, “Iron Monkey“, “Chungking Express“, “Versus“, “Infernal Affairs“, “Zatoichi“, “Shaolin Soccer” o “La princesa Mononoke“. Aunque en ocasiones les daba por hacer un remontaje de la peli (caso de “Zu Warriors” por poner un ejemplo) con el objetivo de occidentalizarla, cagándola sobremanera. Como decía anteriomente, los Weinstein no tienen ni puñetera idea de cine, lo dejaron bien claro en algunas decisiones que tomaron cuando estaban al frente de Miramax.

“El paciente inglés” (1996)

Los entonces jefazos de la compañía, los hermanos Weinstein, nunca fueron hermanitas de la caridad. Jamás se han caracterizado por su cultura cinematográfica (el buen gusto se educa) ni por su buen hacer en la producción. Ellos solo iban por dinero importándoles un pimiento la autoría del director en cuanto a su obra. Los citados hermanos consiguieron sacar de las casillas a un maestro como Martin Scorsese en “Gangs of New York” obligándole a renunciar al final cut (y dejando la película con una segunda mitad llena de tijeretazos cuando todo apuntaba a una obra maestra monumental) o a Quentin Tarantino, que le denegaron la opción de ofrecer “Kill Bill” en una película de larga duración, presionándole para que finalmente tomara la decisión de partirla en dos (lamentable decisión donde las haya, pero qué remedio), y de paso cobrar a la gente dos entradas para ver la misma película.

Los últimas grandes films que se hicieron bajo el sello Miramax eran coproducciones con majors (Paramount, Universal y otras), pues como Dreamworks, la empresa estaba al borde del abismo sin capital suficiente para poder llevar a cabo proyectos en solitario.

“Pulp Fiction” (1993)

Tristemente -en este caso no ha pasado como Dreamworks que ahora es filial de Paramount- con Miramax no se ha podido hacer nada y la crisis económica ha sido la gota que ha colmado el vaso. La marcha de los Weinstein creándose una compañía propia y el recorte de la Disney para las producciones anuales de la Miramax fueron metiendo más leña al fuego hasta perpretar dicha desaparición. Una pena. Quedará en el recuerdo de los aficionados para siempre, igual que otras productoras míticas desaparecidas como Carolco, Tristar u Orion Pictures.

Os dejo con un listado de películas Miramax remarcables para un servidor, algunas obras maestras y otras estimables cintas (es posible que me deje alguna):

- “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino
- “Smoke” de Wayne Wang & Paul Auster
- “El paciente inglés” de Anthony Minguella
- “En la habitación” de Todd Field
- “El talento de Mr Ripley” de Anthony Minguella
- “No es país para viejos” de Joel & Ethan Coen
- “Dead man” de Jim Jarmusch
- “Reservoir Dogs” de Quentin Tarantino
- “El cuervo” de Alex Proyas
- “Las normas de la casa de la sidra” de Lasse Hällstrom
- “El aviador” de Martin Scorsese
- “Secuestrando a la Srta. Tingle” de Kevin Williamson
- “Jackie Brown” de Quentin Tarantino
- “Las horas” de Stephen Daldry
- “Clerks” de Kevin Smith
- “Abierto hasta el amanecer” de Robert Rodríguez
- “Algo en común” de Zach Braff
- “Gangs of New York” de Martin Scorsese
- “El diario de Bridget Jones” de Sharon Maguire
- “Scream” de Wes Craven
- “Equilibrium” de Kurt Wimmer
- “The faculty” de Robert Rodríguez
- “Pozos de ambición” de Paul Thomas Anderson
- “Gerry” de Gus Van Sant
- “Kill Bill” Vol1 & Vol 2 de Quentin Tarantino
- “Persiguiendo a Amy” de Kevin Smith
- “Mimic” de Guillermo Del Toro
- “Beautiful Girls” de Ted Demme
- “Adventureland” de Greg Mottola
- “The lookout” de Scott Frank

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Los lectores de este blog ya saben que un servidor no suele morderse la lengua ante las injustícias de productoras o distribuidoras, y es que cuando las cosas se hacen mal, no está de más dar un toque desde la red y poner los puntos sobre las íes.

Así como lo oís, Sony Pictures, compañía mala donde las haya en cuanto a calidad cinematográfica se refiere, boicotea la mejor película que ha parido en años: “Moon” (2009) de Duncan Jones. Ver para creer.

No es de extrañar que la productora responsable de los mayores bodrios de la década (salvo contadas excepciones) adopte estas estúpidas medidas en contra de la obra como tal y en pro del producto consumible (cualquier burda comedia de la Sony o cinta con Will Smith a la cabeza valdría como ejemplo).

Este tipo de notícias resumen el estado de las producciones made in USA, en donde los artistas, a no ser que se produzcan sus propios trabajos como Spielberg o Coppola, apenas cuentan en las decisiones de sus obras. Y quizás algunos penséis que todo esto sea porque Duncan Jones, director de “Moon“, su ópera prima, no tenga suficiente caché dentro de la industria todavía, pero a un veterano y maestro como Scorsese, la Paramount le ha hecho tres cuartos de lo mismo con “Shutter Island” (otra con una pinta excelente), retrasando su estreno porque la productora quería volcar todo el marketing en el último film de Jason Reitman “Up in the air” de cara a los oscar.

Duncan Jones, visto esta injustícia, ha solicitado en su perfil de Twitter apoyo para que los responsables de Sony recapaciten en su decisión. El cineasta afirmaba lo siguiente: “Hemos tenido más de lo que hemos pedido pero han elegido los films que van a presentar y no estamos en sus planes. Dicen que cuesta demasiado para nuestra pequeña película ya que tendrían que insertar un anti-copy en los dvd ya que aún no está en el mercado de alquiler de los USA“. Es para reir por no llorar, vamos!.

Un cinta de la calidad de “Moon” que ha supuesto un estimable éxito de público y crítica, merece un mejor trato y ser al menos candidata a ser elegida para los premios de la academia. Es una cinta de presupuesto ajustado que apuesta por el lado reflexivo y metafísico de la sci-fi, con un guión elaborado, un diseño de producción asombroso deudor del mejor Kubrick, evocando al añorado cine de ciencia ficción de los 70 en donde prevalecía el talento y la imaginación a los fuegos artificiales vacuos, y con un Sam Rockwell que ofrece una doble interpretación memorable y digna de mención especial.

Desde aquí, esperemos que Sony sepa dar mejor trato a la mejor película que han tenido en años. Aunque viendo el cine habitual producido por la compañía japonesa, mejor no esperemos grandes cosas…

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Tras el irregular aunque remarcable “Our love to admire” (2007) y el disco en solitario del líder de la banda Paul Banks bajo el seudónimo Julian Plenti titulado “Skyscraper” (2009), según explicó Sam Fogarino, batería del grupo británico, en una entrevista para la revista Paste, parece ser que la banda sacará un nuevo disco disponible para inicios del 2010.

Hasta aquí una gran notícia, pues “Interpol” es uno de esas grupos que aunque beban claramente de sus referentes (la sombra de bandas como “Joy Division” es muy alargada), poseen un sonido realmente trabajado y oscuro. Pero también añade Fogarino en la entrevista, que parece ser que quieren recuperar el sonido de su segundo disco (“Antics“), con el fin de reafirmar su identidad.

Dicha premisa se podría interpretar de dos formas. Por un lado, “Antics” (2004) es un disco fabuloso (aunque creo que es bastante superior el primero que sacaron: “Turn On The Bright Lights“) y en caso que editen un album de sus caracteristicas, estaríamos hablando de quizás uno de los discos del año. Pero por otro lado, el hecho de que retrocedan “en busca de su identidad” para sacar su nuevo álbum sin optar por innovar o perfeccionar, da un poco de miedo y a la postre puede resultar un proyecto tan fallido como reiterativo en su propuesta.

En 2010 saldremos de dudas, de momento, confiemos en Interpol

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Sylvia (Charlize Theron) es una bella gerente de restaurante cuyo comportamiento amable, a la vez que profesional, esconde un tormentoso pasado al que tiene que enfrentarse cuando recibe la visita de un hombre que llega de México. Sylvia se lanza a un viaje por el tiempo y el espacio en el que se conectan unos personajes que luchan por ser felices en sus relaciones.

En México, una chica huérfana de madre, María (Tessa la), vive feliz con su padre y el mejor amigo de éste hasta que un trágico accidente lo cambia todo. En la ciudad de Las Cruces, en la frontera de Nuevo México, dos adolescentes, Mariana (Jennifer Lawrence) y Santiago (J.D. Pardo), luchan por sacar adelante su amor después de la repentina muerte de sus padres.

En un remolque abandonado, una ama de casa, Gina (Kim Basinger), emprende una apasionada aventura que conectará a Sylvia y a los demás, haciendo que sus mundos colisionen.

Guillermo Arriaga se embarca en su primera experiencia como realizador, sin dejar su labor de guionista, con resultados desiguales, ofreciendo una propuesta tan irregular como gélida en su composición.

De nuevo, nos encontrarnos temas y situaciones recurrentes en el imaginario del guionista mexicano: vidas rotas, traumas del pasado, desamor, infortunio, pecado o desesperación. Pero curiosamente, a diferencia de en algunas cintas de Iñárritu [1], aquí hay cierto lugar para la esperanza y para las segundas oportunidades, pero todo desde un oscuro dramatismo.

“Lejos de la tierra quemada” es un film que se estructura siguiendo un montaje acronológico sin demasiada justificación, como viene siendo habitual en las historias de Arriaga. Pero a diferencia de la trilogía del dolor (Amores Perros-21 gramos-Babel), aquí se juega con vidas entrecruzadas pero también con flashbacks de personajes ya incluidos en otras historias insertados en ocasiones de forma confusa con el único objetivo de intentar ocultar cierta pobreza o vacuidad en el conjunto. De esa confusión se pretende construir un previsible puzzle ya visto en telefilms del calibre de “21 gramos” pero sin su fuerza actoral.

Guillermo Arriaga se muestra en su debut como director algo más contenido que en las dos últimas colaboraciones con Iñárritu. Gracias a dios no nos encontramos la excesiva grandilocuencia de sus anteriores trabajos (sobre todo el que le valió el premio de Cannes a Iñárritu …), aunque eso si, parece inevitable encontrarnos con el omnipresente tufillo a fatalismo inverosímil de sus relatos.

Quizás en donde haya estado más desligado de esa estructura haya sido en “Los tres entierros de Melquiades Estrada“, pues aunque en su primera mitad habitaba también la confusión y un montaje con saltos temporales, ello daba paso a una segunda en donde teníamos un western crepuscular de lo más violento y para nada complaciente. Curiosamente, para un servidor el film dirigido por Tommy Lee Jones es el que posee el libreto de Arriaga más agraciado y potable. La fórmula de Arriaga para contar historias parece que empieza a dar señales de agotamiento y evidente extinción a la larga.

“Lejos de la tierra quemada” es un film sencillo cumpliendo en el apartado formal (Arriaga consigue una buena realización en su film debut, aunque su esteticismo resulta algo gratuito) pero con una propuesta narrativa que ya resulta algo repetitiva y cansina. Su gélidez sirve para guardar distancias con la acción, aunque bajo mi criterio, son demasiadas, ya que no solo no emociona lo que debería emocionar (nunca llegando a la banalidad) sino que parece más bien un mosaico de situaciones y sensaciones a medio gas quedándose en un film dramático poco consistente.

Las actuaciones son correctas, destacando por encima de todas la de Jennifer Lawrence, sin lugar a dudas lo mejor de la película. Del resto tenemos a una limitada Kim Basinger (actriz sobrevalorada donde las haya), un inexpresivo Joaquim De Almeida y una Charlize Theron que aunque contenida, ofrece una actuación por debajo de sus posibilidades, optando por esa nueva moda de mostrar un look desaliñado (sin ir más lejos, como el caso de Brad Pitt en “Babel” (2006)) en busca de un ansiado premio que evidentemente no llegó. Personalmente me parece mejor actriz de lo que ofrece en este film -eso ya se puedo ver en “En el valle de Elah” (2007) con su correctísima actuación-, porque a pesar de sus carencias, posee una presencia destacable. Al menos en “Lejos de la tierra quemada” no recurre a la sobreactuación de anteriores trabajos claramente sobrevalorados, como es el caso de la horrenda “Monster” (2003) de Patty Jenkins.

Visionando el film un servidor deduce que o bien el cineasta mexicano no ha tenido libertad absoluta (con el ansiado final cut) para rodar ciertas escenas o bien la falta de experiencia en el terreno y sus claras miras a las formas en que Iñárritu planificaba, le han privado de que algunos momentos posean un mejor acabado.

Pongamos un claro ejemplo de ello: la escena (segunda captura adjuntada en esta crítica) en que Carlos (José María Yazpik) va a visitar al hospital a Santiago (Danny Pino), el cual acaba de tener un grave accidente con la avioneta. Dicha escena está estupendamente resuelta porque siempre se ve desde el punto de vista de María (Tesse La), observando desde el cristal lo que ocurre en la habitación, mientras padre (Santiago) y amigo (Carlos) discuten sobre algo que ni el espectador puede adivinar, representando la tristeza del momento con esa lágrima que recorre el rostro de María. Y es lo que muchas veces se ha comentado: la dificultad en el cine actual de aguantar planos o primeros planos. He aquí un ejemplo. Lejos de aquel famoso primer plano de la maravillosa Gong Li que Zhang Yimou rodó en “La linterna roja” (1991), aquí Arriaga en vez de mantener el plano intentando expresar o inspirar mediante la exploración del rostro humano (en este caso de Maria), corta la escena relegándola de ser algo realmente interesante y destacable.

A parte de esas escenas que personalmente no me convencen en su acabado, no podemos obviar ese final de película tan empalagoso como mediocre, que bien podría haber sido un spot de tv de la campaña de marketing del film. El final, aunque formalmente interesante, resulta muy forzado, estructurado en ese mini videoclip resumen de la película usando esa manera tan poco sutil de relacionar los acontecimientos al son de una música claramente santaolalliana. Un final que nos recuerda al de otra pesadilla cinematográfica llamada “Crash” (2004) de Paul Haggis.

El esfuerzo por el cineasta mexicano de contarnos esta historia fronteriza de amores imposibles, desiertos naturales y anímicos, sentimientos abruptos, adulterios, asesinatos, familias enfrentadas y redención es estimable pero insuficiente, supongo porque siempre da la sensación de que puede dar más, está todo a medio camino y que en conjunto no ofrece algo lo necesariamente potente como para que el espectador se sienta interesado e identificado emocionalmente (tanto con sus personajes como con la historia que nos narra). Se queda en una especie de revisión mexicana de Romeo y Julieta pasada por la brocha gorda de “Babel“, con un poquejo de fatalismo made in “Crash“.

Guillermo Arriaga siempre ha sido un guionista claramente sobrevalorado, pues sus guiones rezuman fatalismo inverosímil, hiperdramatismo caduco y se estructuran en un montaje acronológico jamás justificado. En su debut como director, aún cumpliendo en el apartado formal (en ocasiones con cierto esteticismo gratuito), sigue en la misma senda y empezamos a pensar que el problema es que es incapaz de ofrecer algo diferente.

[1] Recordemos que Arriaga ha firmado todos los guiones de todas las películas de Alejandro González Iñárritu, hasta “Babel” (2006) que supuso el fin de su colaboración profesional y de su amistad.

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“Los planetas” es quizás el grupo que mejor ha representado el indie español en las últimas dos décadas, el cual no solo posee discos memorables sino videoclips de gran factura, muy por encima de la calidad habitual, al menos en el sector español.

“Los planetas” no son ni más ni menos que una pequeña colección de datos y un enorme aluvión de sensaciones y de sentimientos, de recuerdos y nostalgia, de noches de música y melancolía. Un origen subterráneo en Granada a principios de los 90 y la única intención de transmitir un mensaje a través de un vehículo artístico, consiguieron forjar uno de los grupos históricos del panorama patrio.

En general, la mayoría son excelentes, pero os dejo con tres canciones cuyos videos musicales son simplemente sensacionales:

Uno de los mejores grupos que ha dado España

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Hay alguna idea original en mi cabeza, en mi cabeza calva. Tal vez, si fuera más feliz, no se me caería el pelo. La vida son dos días.

Necesito vivirlos al máximo. Hoy es el primer día del resto de mi vida. Soy un tópico ambulante. Tengo que ir al médico a que me vea la pierna. Tengo algo, un bulto. He vuelto a llamar al dentista. Lo voy dejando. Si me dejara las cosas de un día para otro, sería más feliz.

Me paso el día sin mover este culo de foca. Si no tuviera el culo tan gordo, sería más feliz. No tendría que llevar siempre las camisas por fuera; como si engañara a alguien. FOCA. Debería empezar a correr otra vez. 8 kilómetros al día, pero hacerlo de verdad. O hacer escalada, pero tengo que dar un giro a mi vida. ¿Qué tengo que hacer? Tengo que enamorarme. Tengo que echarme novia. Tengo que leer más, cultivarme… Si aprendiera ruso o yo qué sé… O tocar un instrumento. Podría aprender chino, sería “el guionista que sabe chino y toca el oboe”. Eso sería brutal.

Debería cortarme el pelo al uno. Dejar de hacer creer a todos y a mí mismo que tengo una mata de pelo… ¡Qué ridículo! Ser auténtico, una persona segura, ¿no es eso lo que atrae a las mujeres? Los hombres no tienen que ser atractivos. Aunque eso no es verdad, sobretodo hoy en día. Hoy se les exige tanto a los hombres como a las mujeres. ¿Por qué debería creer que debo pedir perdón por existir? Quizás sea la química celular. Quizás es eso lo que me pasa, una alteración química. Todos mis problemas y mi ansiedad podrían deberse a un desequilibrio químico o a una serie de psinapsis defectuosas.

Tengo que hacérmela mirar. Aunque seguiré siendo feo, eso no tiene cura.

Nicolas Cage (Charlie Kaufman) en “Adaptation“, dirigida por Spike Jonze, escrita por Charlie Kaufman. Uno de los mejores guiones de los últimos años. El film es todo un ejercicio de metalenguaje cinematográfico.

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Dos de los mejores grupos del panorama nacional son sin duda Havalina y Second. Dos grupos con multitud de referencias y calidad, que ya tardaban mucho a tener un post dedicado en este blog.

Os dejo con los temas “On an island” (parte de ella al menos) de los amigos murcianos Second y “Noches sin dormir” por parte de Havalina. Se accede a los videos musicales pulsando sobre las imagenes de los discos respectivos. Disfrutadlos.

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Jia Zhang-Ke, tras haber fundado dos años antes la sociedad de cine independiente más importante de su país: Youth Experimental Film Group, rueda el film insignia de la sexta generación, su ópera prima: Xiao Wu (1997). Rodada en 16mm, con actores no profesionales y con una realización cercana al documental, sería como la Tierra amarilla[1] de la nueva Generación.

Una cinta autobiográfica en dos sentidos, por un lado en el sentido más literal, llena de recuerdos, lugares, vivencias y experiencias del propio cineasta vertidas en la cinta (recordemos su turbio pasado en su adolescencia) y por otro lado como cineasta, como si fuera un Xiao Wu (metáfora del cine clandestino) frente a ese mundo capitalista que no comprende y no alcanza (metáfora de la cinematografía oficial y opulenta).

Xiao Wu narra las desventuras de un carterista homónimo de Fenyang que no encuentra su lugar en el mundo, inadaptado a unas mutaciones que discurren a una velocidad inalcanzable e incomprensible para él y que se arrastra y vagabundea por las calles ahogado en la tristeza y la extrañeza. Un personaje sin futuro, aferrado a sus orígenes[2] y que no parece progresar o adaptarse a las nuevas situaciones como algunos de sus ex-compañeros de negocio.

Jia Zhang-Ke, como Bresson en Pickpocket (1959), nos presenta primero sus manos (su arma) para luego presentar su cuerpo. También durante el hurto inicial (todo un guiño a la cinta francesa) parece que estemos viendo a Martin Lasalle cometer uno de esos robos tan característicos y sigilosos. Una cinta de mucha fisicidad y con unos planos secuencia larguísimos en donde parece que sigamos desde atrás al carterista, como si la cámara documentara y recogiera una historia plenamente verídica sin ficción alguna.

Hay numerosos puntos en común entre Xiao Wu y Pickpocket. A parte de los comentados, ambos personajes parecen encerrados en su mundo, buscan su lugar intentando sobrevivir y ambos acabaran de igual manera: apresados y con relaciones amorosas imposibles. Pero mientras en la cinta de Bresson, el carterista realiza su “trabajo” por creerse superior y querer sentir ese riesgo en la vida a costa de todo, Xiao Wu, es un personaje menos psicológico y más anti-héroe si cabe, mucho menos perfecto y más a la deriva. Sería como un aprendiz de aquel Michel de la cinta francesa.

Xiao Wu es un artesano del robo y cabeza de un grupo de ladrones a los que explota y no aprecia, pero a la vez es un chico solitario, inseguro, enamoradizo y un hijo rebelde dentro de una familia rural. Dependiendo del contexto y del entorno adoptará una de esas identidades distinta. El personaje también representa a toda una generación con una identidad elusiva y espectadores de un cambio incesante.

Como apunta Kevin Lee en su artículo sobre el cineasta chino para la website Senses of Cinema, “Jia asume su identidad de alter ego (Xiao Wu en pantalla) para “robar” estilos cinematográficos de otros realizadores como Bresson, Godard o De Sica“. En la cinta podemos ver referencias a films como Al final de la escapada (1960), de Jean-Luc Godard (en su final), Ladrón de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica, pero sobre todo a The Boys from Fengkuei(1983), de Hou Hsiao-Hsien. El film del realizador taiwanés retrata ese espíritu juvenil, evoca esos sentimientos sencillos y personales y habla sobre su experiencia vital de la misma forma que Zhang-Ke en su film. Podemos decir que la cinta de Hsiao-Hsien inspiró claramente a Zhang-Ke en su ópera prima.

El toque surrealista de la cinta (veremos que en su filmografía casi siempre hay un lugar para el surrealismo o la existencia de escenas que rompen con todo lo anterior) es la escena tomada del film The killer (1989), de John Woo, que no vemos pero oímos, usándolo como una comparación entre el antihéroe de la trama (Xiao Wu) y el de los heroic bloodshed, además como homenaje a la mítica cinta y crítica de la influencia televisiva en China. La importancia de la música en el cine de Jia Zhang-Ke ya está presente en Xiao Wu, ejemplo de ello es la abundancia de escenas de karaoke (con todas esas canciones pop de tanto éxito en su país). Es uno de los elementos de comunicación entre sus personajes más representativos de su cine.

Como decía anteriormente, Zhang-Ke adopta el papel de alter ego con Xiao Wu, en su manera de rodarle, pero no solo para “robar” estilos cinematográficos como comentaba Kevin Lee, sino también para situarse literalmente como una sombra del personaje, siguiéndole en sus planos secuencia preferentemente desde atrás.

Jia prefiere que sus actores no lean el guión, busca la improvisación, la naturalidad y evita que todo parezca forzado y que los actores parezcan acotados o limitados a un guión preestablecido, de ahí su insistencia en reunir a actores no profesionales (como en su día hizo Bresson).

El famoso final del film es un plano secuencia con ese constante y ligero movimiento de cámara habitual en todo el metraje, describiendo esa tensión entre entorno y personaje y siempre filmado desde el punto de vista del personaje, a su altura (como el resto de la película, exceptuando algunas escenas con su novia, que cambia de punto de vista a ella). No estaba en el guión y debido a la cantidad de curiosos que rodeaban el rodaje, a Jia Zhang-Ke se le ocurrió utilizarlos en la trama, rodando al público, como si de un experimento se tratase.

El espectador convertido en protagonista, el equipo técnico también, formando un conjunto que emanaba un aire de realismo enorme. El observador observado. Xiao Wu una obra en los límites entre ficción y realidad.

Posteriormente, Zhang-Ke, se pasaría a los 35mm para rodar una obra mucho más ambiciosa que abarca un período de 10 años titulada Platform (2000). Continuaría con el documental In public (2001) y con su último film de ficción rodado clandestinamente: Placeres desconocidos (2002), ya filmado en digital, como el resto de su filmografía posterior.

[1] Tierra Amarilla (1984) de Chen Kaige fue uno de los films más simbólicos e importantes al inicio de la Quinta Generación.

[2] Recordemos la frase que le dice Xiao Wu a Xiao Dong, un ex-ladrón convertido en empresario, tras no invitarle a su boda por temor a que le relacionen con él o le recuerden su pasado: “Echa un vistazo a tu tatuaje, bastardo“.

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Os dejo mis impresiones sobre algunas de las películas que esta noche optan a los premios (puede ser que en alguna que otra crítica, hayan spoilers):

NO ES PAÍS PARA VIEJOS (Joel & Ethan Coen, 2007):

Pocas veces se sale del cine con la satisfacción que otorga al espectador un film del calibre de No es país para viejos. Por supuesto, no es un film fácil y no es para todos los públicos, pero quien pensara que sería una película comercial más, andaba plenamente equivocado. Es cine de autor puro y duro y como pensé el día que la vi, no a todo el mundo gustará, sobre todo porque mucha gente no suele tener algo básico para poder degustar el gran cine que habita en ella: paciencia y atención.

La falta de costumbre y la inmediatez de hechos a la que tiene a algunos acostumbrado el cine actual, hace que un film como el de los Coen parezca realmente una rareza en el horizonte y, porqué no decirlo, toda una celebración para los cinéfilos. Ya era hora de tener en cartelera una obra tan llena de profundidad y que invita a la reflexión.

Gran parte de su grandeza radica en su excepcional adaptación de la novela de Cormac McCarthy, haber conseguido captar todo su tono sombrío sin olvidar un humor negro característico también de los realizadores. El film ahonda en términos tan interesantes como la codicia, el respeto, la elección, la fortuna, el cazador y la presa o el lugar en la sociedad de los veteranos.

El concepto de cazador-presa es muy interesante como está tratado. Ya desde un inicio se nos muestra a Josh Brolin cazando, posteriormente su personaje parecerá haber entrado en gracia al encontrar una enorme fortuna, pero no es más que el inicio de un espiral al infierno y no dejará de ser una presa en continua huida. El personaje de Bardem siempre va por delante del resto, como un cazador tras su presa. Nunca falla, nunca perdona, nunca incumple una promesa, por muy macabra que sea. Al final del film, es él quien se convierte en una presa acechado y aturdido por las sirenas de la policía, huyendo ensagrentado. Dicha escena es muy interesante porque concuerda con una escena anterior de Josh Brolin, cuando pedía una chaqueta a unos chicos y les pagaba desproporcionadamente. En este caso, como en áquel, vemos comos los críos discuten por el dinero que les ha dado el personaje de Bardem, como los chicos en la otra escena. La codícia del dinero y sus consecuencias está perfectamente plasmado en la cinta. El dinero puede ser tan cancerígeno como un asesino.

Sin lugar a dudas, me quedo con varias escenas memorables: La escena de la moneda en la gasolinera, cualquier diálogo de Tommy Lee Jones (sobre todo el del sueño al final y el de su conversación con el viejo), el cara a cara entre Bardem y Woody Harrelson, cuando Bardem sale de la casa de la novia de Brolin y se mira si la suela de sus botas se han manchado de sangre, con una economía de planos y una sutileza increíble, dándonos mucha información con lo mínimo, evitando lo explícito y confiando en la inteligencia del espectador.

Lo que refleja también el film de los Coen es que los veteranos apenas entienden lo que está pasando, les aturde, les sobrepasa la violencia que nos rodea, violencia sin sentido, violencia macabra y sin lugar a explicación. La violencia solo conlleva a más violencia y la combinación armas, dinero y codicia solo hacen que incrementar a la misma.

Su espléndido guión, las enormes actuaciones (en general todos pero sobretodo dos: Bardem está magnífico -con acento neutro incluído-, pero sería injusto olvidar el monumental y sobrio trabajo de un actor de la talla de Tommy Lee Jones), su sutileza, el respeto hacia el espectador que posee y su enorme elegancia la convierten en un verdadero clásico instantáneo y una obra maestra para paladares exigentes.

Debería ser la gran triunfadora de esta noche. Para un servidor, es la que más cine posee de las nominadas a mejor película.

JUNO (Jason Reitman, 2007):

Juno es la cinta indie del año que no podía faltar en las nominaciones!. Parece que en los últimos años si o si debe estar nominada al menos una cinta independiente para que un sector no se sienta (presumiblemente) marginado y para que los académicos eviten escuchar sus quejíos el resto del año. Pero, seamos realistas, Juno, como ocurría el anterior año con la insufrible Pequeña Miss Sunshine, no es un film totalmente independiente, nada más hay que ver su costosa campaña publicitaria pro oscar, más bien, es una cinta pseudoindie. Mantiene un poco la forma y esos personajes estrambóticos de las cintas independientes, pero a la vez, contiene estrategias comerciales ciertamente cuestionables.

Aunque no suponga un peliculón ni mucho menos, lo más destacable de Juno es lo bien contruídos que están los personajes, a parte de un guión no excesivamente original pero muy fresco, ameno y entretenido. La cinta no cae en tramos aburridos, va bastante al grano y se sostiene sobre todo por la tremenda actuación de Ellen Page, que a quienes ya la disfrutamos en Hard Candy, no nos supone una sorpresa su elevado talento. Por lo demás, destacar una cuidada y magnífica selección de canciones para la banda sonora, una dirección correcta de Jason Reitman (director de la destacable Gracias por fumar (2005)), los diálogos entre Juno y el marido de la pareja (desde música punk hasta el cine de Argento), el tono cómico e irónico que envuelve a toda la cinta y el carisma de un personaje magnífico: Juno.

Una cinta estimable y con detalles muy interesantes pero desde mi punto de vista, un poco sobrevalorada y con la etiqueta demasiado visible de “peli Sundance“.

EXPIACIÓN (Joe Wright, 2007):

Aunque la cinta contenga un marcado aroma academicista, posee evidentes virtudes de las cuales destaco una dirección mucho más virtuosa y ágil de lo que a primera vista parece. Las actuaciones en el film son más que correctas, la fotografía muy trabajada, un gran montaje y la música de Dario Marianelli magnífica, el mayor rival de Alberto Iglesias en la conquista del oscar de este año en el apartado de banda sonora.

Pero aunque la cinta no cuente nada nuevo ni excesivamente original, el ritmo y la dirección hacen de ella un film destacable y notable en muchos momentos. La cámara siempre se mueve con una suavidad y elegancia magistral y en los momentos de acción el montaje funciona a la perfección. Yo destacaría ante todo, el maravilloso plano secuencia que se marca Wright cuando el protagonista masculino (Robbie) llega a la playa y observa el panorama militar: una secuencia memorable.

Contiene una duración ajustada y acorde a lo que se tiene que contar y es algo importante hoy en día, en donde abundan las producciones excesivas tanto de metraje como de otros apartados.

En teoría, no tiene mucho que hacer con las dos favoritas claras: Pozos de ambición y No es país para viejos, pero desde luego, supone una cinta de lo más maja, cuidada y de gran factura. Finalmente, le perdonamos su marcado tono academicista y su lado más lacrimógeno xD.

El final es sencillamente cojonudo, aunque yo la hubiera acabado con el primer plano de Vanessa Redgrave cuando finaliza su monólogo tan chuli.

POZOS DE AMBICIÓN (Paul Thomas Anderson, 2007):

Monumental (como no) cinta del amigo Paul Thomas Anderson que contiene algunos de los mejores momentos del cine del año. La cinta claramente bebe del cine de maestros de la talla de John Huston (¿hace falta que diga el film?) o Stanley Kubrick entre otros. El inicio ya predispone y avisa al espectador de que va a ver un ejercicio cinematográfico tan arriesgado como talentoso. Sus primeros minutos mudos y de una consistencia abrumadora hacen mearse encima hasta el cinéfilo más exigente xD.

La cinta prosigue de forma excelente con un guión del propio Anderson, verdaderamente magistral, lleno de detalles que invitan a la reflexión y de momentos de una fuerza constatable. El gran Daniel Day Lewis, para mi gusto, está fantástico como Daniel Plainview, aunque un tanto sobreactuado, al menos en el tramo final del film, en donde parece una versión chunga de su carnicero en Gangs of New York. Aunque todo el mundo eleve a los altares a Day-Lewis, sería injusto olvidarnos de Paul Dano, que nos regala una actuación impagable, llena de matices y mucho más contenida y perfecta que la de Day-Lewis, según mi humilde punto de vista.

El personaje de Day-Lewis, recuerda a otros personajes deshumanizados y desquiciados por la codicia, por el poder, casos por ejemplo de el personaje de Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre o (salvando un poco las distancias) Kirk Douglas en El gran carnaval de Billy Wilder, personajes que llevan al límite incluso sus vidas con tal de lograr sus imposibles objetivos.

El film, como he comentado anteriormente, posee momentos verdaderamente ejemplares y de gran virtuosismo cinematográfico como por ejemplo: toda la escena en donde la torre arde y el accidente de H.W. (hijo del personaje de Day-Lewis) con un inteligentísimo uso del sonido, las escenas en la iglesia con un Paul Dano magistral (sobre todo aquella en que intenta extraer los fantasmas de una señora o la del “bautizo” de Day-Lewis para eximir sus pecados) o cuando Day-Lewis se enfrenta a Dano metiéndolo literalmente en un charco de petróleo.

La obra no la calificaría de perfecta por su excesivo metraje y por un tramo final un tanto irregular que no del todo innecesario pero demasiado excesivo, valga la redundancia. PT Anderson logra una obra muy arriesgada y de agradecer para el espectador que le vayan estas rarezas.

Pozos de ambición es un retrato sobre el poder, sobre la codicia, sobre el egoísmo, sobre la gradual decaída de dos hombres, dominados por sus respectivos miedos producto de su locura, su radicalismo, su autoengaño y sus aires de grandeza. La dirección es sencillamente maravillosa, pero ¿la de “No es país para viejos” es menos excepcional?.

En cuanto a Michael Clayton, la quinta nominada a mejor película, a día de hoy, todavía no he encontrado el momento para verla. Me han hablado muy bien de ella y las actuaciones de Clooney, Wilkinson y Swinton parecen maravillosas. Aunque no me atrevo a lanzar un pronóstico sobre el film, sin ni tan siquiera haberlo visto.

El oscar a mejor película se lo daría a No es país para viejos, pero el de dirección no sabría por cual decidirme si por Paul Thomas Anderson, los hermanos Coen o Julian Schnabel (con un increíble trabajo en La escafandra y la mariposa), el trabajo de los tres es realmente memorable a partes iguales.

Hecho en falta en las nominaciones principales films de la categoría de Zodiac de David Fincher (porque sencillamente, es una obra maestra), El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford de Andrew Dominik (aunque solo sea por su riesgo y las escenas del atraco al tren y la del asesinato, ésta con un control del tempo verdaderamente orgásmico), Cuatro meses, tres semanas, dos días de Cristian Mungiu (porque junto a Deseo, peligro es una de las mejores películas extranjeras del año) o Promesas del este de David Cronenberg (una obra memorable con un plano final para quitarse el sombrero). El caso de la cinta de Fincher, es verdaderamente sangrante pero bueno.

Que gane el mejor. Mi voto para el oscar a mejor película es para No es país para viejos, me parece, con diferencia, la mejor de las nominadas. La más redonda.

Bélico, Cine de autor, Comedia, Drama, Independiente, Premios Atonement, Juno, No country for old men, Oscars, There will be blood

Uno, tras visionar el último film de Sean Penn, irremediablemente le viene a la memoria un simpático y, en general, desconocido film de James B. Clark, titulado por estos lares como El muchacho y su montaña (1969), basado en la obra de Jean Craighead George (1), la cual trataba de un niño que huye de la vida acomodada que conoce para pasar un verano (y alguna que otra estación más) en las montañas viviendo de lo que la naturaleza le otorgue, acompañado de la literatura del maestro Thoreau y consiguiendo alimento mediante el cuidado de algas y la caza proporcionada por el buen hacer de su halcón peregrino.

Hacía rutas salvajes sería la hermana mayor (y seria) de El muchacho y su montaña, pues mientras en el film de B. Clark, no había pretenciosidad alguna (aunque fuera todo un poco Disney y edulcorado), en la cinta de Penn, hay un cierto exceso, y no solo de metraje.

Bien podríamos decir que Penn comete el mismo error, aunque no a igual nivel, que su buen amigo mexicano Alejandro González Iñarritu que tanto “queremos” en esta web: la búsqueda de una desorbitada grandilocuencia mediante el uso de su cámara consiguiendo crear una entromisión subrayada e innecesaria con la realidad filmada.

Existe una voluntad clara de entrometerse visualmente a lo contado. Y Penn, para contarnos la historia (y hacerse notar como cineasta) interfiere en el apartado formal con mecanismos de dudoso gusto y efectividad como el abuso de planos aéreos, rotatorios (todo un tópico en este tipo de historias) y de cámara lenta. No obstante, la utilización de pantallas partidas me resulta acertada, no así, las letras en pantalla que afean el conjunto y suponen un mecanismo muy poco sutil para describir que se trata de un diario.

Como ocurría en Babel de nuestro “apreciado” Iñarritu, Penn busca postales imposibles, filma el cielo, busca planos rebuscadísimos y en definitiva parece intentar decir: “Ey, mirad que bueno que soy!” o algo así como “Soy indie y me mola serlo“, pero a diferencia de la cinta multilingüe del mexicano, en ésta si que hay un sentido en mostrar los paisajes y su espectacularidad, es decir, que algo menos de culpa si tiene el hombre, puesto que la naturaleza es un personaje más.

Por supuesto, Penn no ha tenido la sutileza que tiene Malick en cómo mostrar la naturaleza.

Otro aspecto negativo -muy de moda hoy en día-, y que comparte por desgracia con las obras de Iñarritu, es el montaje acronológico injustificado, pues la novela es totalmente lineal.

Como adaptación de la novela homónima de Krakahuer, decir que es bastante aceptable y decente, además de fiel. Aunque, para un servidor, lo más destacable de la cinta sean la notable fotografía de Eric Gautier, habitual primer operador de Olivier Assayas, la excepcional soundtrack de Eddie Vedder de los Pearl Jam y las notables interpretaciones de Emile Hirsch, el cual lleva todo el peso de la película, y Hal Holbrook, con una breve pero memorable aportación.

Aunque Hacia rutas salvajes contenga elecciones en lo cinematográfico que no me acaben de convencer, personalmente y por motivos que se escapan a la razón, me encantan las road-movies de personajes solitarios con una superación personal y con retos, y ésta no iba a ser menos. Y es que el film de Penn posee un final de una belleza y un mensaje tan desgarrador como cierto. La vida es imprevisible, toda supervivencia requiere preparación y estudio exhaustivo previo (cosa que el protagonista carecía claramente de ella), pero sobre todo, y lo más importante, es que hay que aceptarse a uno mismo como quien es. Sus ideales eran apasionantes e ilusionantes, pero utópicos. Al menos, tuvo valor para probarlo.

Pero aunque a un servidor le apasionen este tipo de historias y películas, sintiendo cierta debilidad por ellas, no quita lo dicho ya anteriormente, Penn va en busca de una desorbitada grandilocuencia mediante el uso de su cámara consiguiendo crear una entromisión subrayada e innecesaria con la realidad filmada, y eso quita muchos enteros al film, aún así, me sigue pareciendo una más que decente road-movie.

(1) Autor que no solo escribiría la novela que daría pie a “El muchacho y su montaña” titulada “My side of the mountain“, sino también una especie de segunda parte llamada “On the Far Side of the Mountain“, no adaptada para cine.

Aventuras, Críticas, Drama, Independiente Emile Hirsch, Hacia rutas salvajes, Hal Holbrook, Into the wild, Sean Penn, William Hurt