Me he quedado literalmente de piedra al enterarme de la triste notícia. Desaparece una de las productoras estadounidenses más importantes de los últimos años, nacida como emblema del cine más independiente y que, poco a poco, se traicionó a sí misma, llevando a cabo proyectos multimillonarios (a veces sinónimo de calidad y otras de no tanta), sobre todo desde que se hizo filial de la Disney. Miramax ha estado más de treinta años produciendo cine de todo tipo de géneros, aunque el drama ocupó un lugar predominante en su producción.

Poco a poco se fue convirtiendo en una de las compañías que más nominaciones y premios ha obtenido de los últimos años, en ocasiones apostando por un cine de nivel (Scorsese, Tarantino, Minguella, Field, Paul Thomas Anderson) y otras no tanto (Rodríguez, Marshall, Forster, Benigni, Madden).

Miramax siempre quedará como la compañía que dio a conocer a realizadores como Quentin Tarantino, Kevin Smith o -en menor medida- Anthony Minguella entre otros, dándoles una oportunidad y finaciación, pero como comentaré más adelante, no todo era tan bonito. Las colaboraciones con Dimension Films dieron películas inolvidables del género de terror/suspense, regalando cine simpático y sin grandes pretensiones con marcado aroma de serie B (casos de “The faculty” o “Mimic” entre otras), que homenajeaban clásicos y suponían un verdadero disfrute para un espectador sin demasiadas exigencias. Aunque, todo haya que decirlo, también hubo algún que otro bodrio como “Phantoms” o las secuelas de “Scream“, que aunque en aceptable clave autoparódica, no conseguían despertar mi interés.

Miramax, en parte por la insistencia de Quentin Tarantino (padrino en los USA de muchas de ellas), ha sido una compañía que ha apostado por la distribución en Estados Unidos de un cine quizás más minoritario como el asiático (o el europeo) distribuyendo películas como “Hero“, “Iron Monkey“, “Chungking Express“, “Versus“, “Infernal Affairs“, “Zatoichi“, “Shaolin Soccer” o “La princesa Mononoke“. Aunque en ocasiones les daba por hacer un remontaje de la peli (caso de “Zu Warriors” por poner un ejemplo) con el objetivo de occidentalizarla, cagándola sobremanera. Como decía anteriomente, los Weinstein no tienen ni puñetera idea de cine, lo dejaron bien claro en algunas decisiones que tomaron cuando estaban al frente de Miramax.

“El paciente inglés” (1996)

Los entonces jefazos de la compañía, los hermanos Weinstein, nunca fueron hermanitas de la caridad. Jamás se han caracterizado por su cultura cinematográfica (el buen gusto se educa) ni por su buen hacer en la producción. Ellos solo iban por dinero importándoles un pimiento la autoría del director en cuanto a su obra. Los citados hermanos consiguieron sacar de las casillas a un maestro como Martin Scorsese en “Gangs of New York” obligándole a renunciar al final cut (y dejando la película con una segunda mitad llena de tijeretazos cuando todo apuntaba a una obra maestra monumental) o a Quentin Tarantino, que le denegaron la opción de ofrecer “Kill Bill” en una película de larga duración, presionándole para que finalmente tomara la decisión de partirla en dos (lamentable decisión donde las haya, pero qué remedio), y de paso cobrar a la gente dos entradas para ver la misma película.

Los últimas grandes films que se hicieron bajo el sello Miramax eran coproducciones con majors (Paramount, Universal y otras), pues como Dreamworks, la empresa estaba al borde del abismo sin capital suficiente para poder llevar a cabo proyectos en solitario.

“Pulp Fiction” (1993)

Tristemente -en este caso no ha pasado como Dreamworks que ahora es filial de Paramount- con Miramax no se ha podido hacer nada y la crisis económica ha sido la gota que ha colmado el vaso. La marcha de los Weinstein creándose una compañía propia y el recorte de la Disney para las producciones anuales de la Miramax fueron metiendo más leña al fuego hasta perpretar dicha desaparición. Una pena. Quedará en el recuerdo de los aficionados para siempre, igual que otras productoras míticas desaparecidas como Carolco, Tristar u Orion Pictures.

Os dejo con un listado de películas Miramax remarcables para un servidor, algunas obras maestras y otras estimables cintas (es posible que me deje alguna):

- “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino
- “Smoke” de Wayne Wang & Paul Auster
- “El paciente inglés” de Anthony Minguella
- “En la habitación” de Todd Field
- “El talento de Mr Ripley” de Anthony Minguella
- “No es país para viejos” de Joel & Ethan Coen
- “Dead man” de Jim Jarmusch
- “Reservoir Dogs” de Quentin Tarantino
- “El cuervo” de Alex Proyas
- “Las normas de la casa de la sidra” de Lasse Hällstrom
- “El aviador” de Martin Scorsese
- “Secuestrando a la Srta. Tingle” de Kevin Williamson
- “Jackie Brown” de Quentin Tarantino
- “Las horas” de Stephen Daldry
- “Clerks” de Kevin Smith
- “Abierto hasta el amanecer” de Robert Rodríguez
- “Algo en común” de Zach Braff
- “Gangs of New York” de Martin Scorsese
- “El diario de Bridget Jones” de Sharon Maguire
- “Scream” de Wes Craven
- “Equilibrium” de Kurt Wimmer
- “The faculty” de Robert Rodríguez
- “Pozos de ambición” de Paul Thomas Anderson
- “Gerry” de Gus Van Sant
- “Kill Bill” Vol1 & Vol 2 de Quentin Tarantino
- “Persiguiendo a Amy” de Kevin Smith
- “Mimic” de Guillermo Del Toro
- “Beautiful Girls” de Ted Demme
- “Adventureland” de Greg Mottola
- “The lookout” de Scott Frank

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El día 22 de este mes, falleció mi querida Jean Simmons, unión de belleza y talento, otra estrella del hollywood clásico que nos abandona, pero cuyo recuerdo perdurará entre los cinéfilos. Una actriz capaz de combinar personajes que inspiraban inocencia y bondad con otros fríos y calculadores.

Nos quedará para el recuerdo su trabajo en films como “Espartaco” (1960) de Stanley Kubrick, “Narciso negro” (1947) de Michael Powell & Emeric Pressburger, “Hamlet” (1948) de sir Laurence Olivier, “Cara de ángel” (1952) de Otto Preminger, “Grandes esperanzas” (1946) de David Lean, “Horizontes de grandeza” (1958) de William Wyler, “Extraño suceso” (1950) de Antony Darnborough & Terence Fisher, “Ellos y Ellas” (1955) de
Joseph L. Mankiewicz, “Con los ojos cerrados” (1969) de Richard Brooks o “Desireé” (1954) de Henry Koster.

Nos quedan sus melodramas románticos, sus películas de suspense, sus westerns, sus películas históricas, su rostro angelical. Descanse en paz.

In Memoriam Jean Simmons

Para aquellos que disfrutamos del buen cine sobre relaciones y sentimientos de pareja o amistad, sobre juventud y deseos, sobre alegrías y crisis, sobre el amor y el desamor, ayer falleció uno de nuestros padres cinematográficos, el como muchos llamamos, Woody Allen francés: el gran Maurice Schérer (conocido artísticamente como Éric Rohmer).

Si existe un cineasta que jamás traicionó al espíritu de la Nouvelle Vague, es decir, hacer cine sobre la cotidinidad sin mayores recuersos de los necesarios, ese es Éric Rohmer. Aunque en sus obras más modernas optara por el clacisismo, el cineasta francés siempre apostó por historias que se mueven en lo cotidiano y en las cuales lo fortuito cobraba una importancia trascendental.

Como sus compañeros integrantes de la nueva ola, Rohmer provenía del mundo de la crítica (ver sus excelentes escritos sobre Hitchcock o Chaplin entre otros, defendiendo la necesaria política de autores, para reconocerlos como tales) siendo el redactor jefe de la revista Cahiers du cinéma. Cansados de cierta tradición y rutina dentro del cine francés, decidieron apostar por un cine sin ataduras, sin iluminación artificial, con cámara al hombro y casi siempre en localizaciones naturales, con diálogos que contenían dilemas morales y existenciales e inquietudes intelectuales, obteniendo una total libertad tanto narrativa como técnica en el campo de la producción fílmica.

Estos hijos de Roberto Rossellini (en lo cinematográfico) y de André Bazin (en lo teórico), aunque formaban todos parte de la misma corriente, fueron muy distintos entre sí. Si Godard era el desenfreno y lo radical, Rohmer se caracterizaba – no sé si por ser el más mayor- por mostrar todo de forma más gradual y quizás por ello, fue el que tardó más en ser reconocido, pues su estilo era menos impactante y no tan visualmente arrollador como el Truffaut de los inicios de “Jules y Jim” (1962) o el propio Godard.

Rohmer sin lugar a dudas ha sido uno de los cineastas que mejor a retratado en pantalla las relaciones personales y sentimentales, de ahí que muchos lo comparemos al gran Woody Allen, otro cineasta que a parte de compartir la temática de algunas de sus obras, evita las grandes masas y la fama, como el realizador francés.

Rohmer tras su debut con la notable “El signo del león“(1959), la cual tuvo una acogida algo fría, prosiguió con series de peliculas (entre medias también rodaría otra obra capital en su filmografía llamada “Perceval el galo” (1978)) unidas por temáticas, algo muy característico en su obra: Los cuentos morales (que serían un total de seis largometrajes, destacando “La carrera de Suzanne” (1963), la inolvidable “Mi noche con Maud” (1969) con una magnífica fotografía en B/N de Néstor Almendros y “La rodilla de Clara” (1970)), Comedias y proverbios (con un total de seis largometrajes entre los que destacaban “La mujer del aviador” (1981) “Pauline en la playa” (1983) y “El rayo verde” (1986) por la que ganó en Venecia) y finalmente Cuentos de las cuatro estaciones (en donde, para un servidor, destacan todas, pero la más divertida, juvenil y enredosa es sin duda “Cuento de verano” (1996)).

Tras ello, Rohmer hizo cintas de época destacando en la fotografía y en autenticidad de las interpretaciones, como “La inglesa y el duque” (2001) o su obra póstuma “Los amores de Astrée y Céladon” (2007), sin olvidarnos de la notable “Triple agente” (2004), sobre la guerra civil española.

Uno de los mejores cineastas europeos nos ha dejado. Un perfecto radiólogo de las relaciones humanas y sentimentales, sabedor de la importancia del poder de la palabra. Autor sutil y minimalista como pocos. Gran crítico, mejor director. Descanse en paz.

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Para los que hemos disfrutado de una joya como “Arrebato” (1980), ayer fue un día triste, ya que se nos fué uno de los mayores talentos que ha dado el cine español y uno de los directores experimentales por excelencia: el donostiarra Iván Zulueta. Un artista capaz de, con solo un par de películas, convertirse en mito y en cineasta de culto.

Un director con agudeza para crear una obra rica en detalles, de naturaleza experimental y parcialmente autobiográfica (narraba la historia de un director preso del sexo, las drogas y la insatisfacción).

“Arrebato” hoy en día, sigue siendo la película de culto del cine español de los últimos 50 años por antonomasia.

Aparte de su colaboración con Almodóvar como cámara, sus proyectos para la televisión y la filmación de “Arrebato“, Zulueta rodó unos cuantos cortometrajes y posee una obra gráfica remarcable: “Ataque verbal” (1999) de Miguel Albaladejo, “Entre tinieblas” (1983), “Laberinto de pasiones” (1982) y “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1984) de Pedro Almodóvar o “Furtivos” (1975), “Leo” (2000) y “Camada negra” (1977) de José Luis Borau, son algunos de los carteles para cine con diseño de Zulueta.

Uno de los enfants terribles del cine patrio nos abandona. Descanse en paz maestro.

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Estos días han sido tristes para el cinéfilo. Por un lado, la estupenda Jennifer Jones, inolvidable en su papel de Perla Chávez en “Duelo al sol” (1946) de King Vidor, con ese final tan mítico junto a Gregory Peck, falleció hace pocos días a la edad de 90 años.

También la pudimos ver en otras cintas como “La canción de Bernadette” (1943) de Henry King, “El coloso en llamas” (1974) de John Guillermin e Irwin Allen, “Estación Termini” (1953) de Vittorio De Sica, “Carrie” (1952) de William Wyler o “Madame Bovary” (1949) de Vincente Minnelli, entre otras. Una actriz que aunaba presencia y belleza.

Por otro lado, ayer falleció sorprendentemente la joven actriz Brittany Murphy, a la edad de 32 años, debido a un paro cardíaco. La pudimos ver en cintas como “Cherry Falls” (2000) de Geoffrey Wright, “Inocencia interrumpida” (1999) de James Mangold, “Sin city” (2005) de Robert Rodríguez y Frank Miller o “8 millas” (2002) de Curtis Hanson.

Como pasó en el caso de Ledger, tiene proyectos actualmente en post-producción, como la última cinta de Stallone “The Expendables” (2010) entre otras, por tanto, la podremos ver todavía en pantalla en alguna que otra película más. Un actriz que a pesar de no haber hecho papeles de considerable peso, solía ser competente en pantalla y era muy querida dentro del sector adolescente.

Dos grandes pérdidas, descansen en paz.

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Ayer nos enteramos de la triste notícia. Jacinto Molina (Paul Naschy), al cual conocí muy gustosamente en el salón del cómic del año pasado, ha fallecido.

Sin duda, Paul fue uno de nuestros actores más internacionales, aunque la fama le llegó a nivel nacional algo tarde. Decir que actualmente está considerado como uno de los grandes dentro del fantástico en nuestro país (el cual no solo interpretó a todos los monstruos clásicos sino que a la vez compartió cartel con mitos del género como Bela Lugosi, Christopher Lee o Peter Cushing). Fue a la vez uno de los impulsores en los inicios del festival de Sitges y sobre todo era una persona afable y un gran cinéfilo.

Dando por hecho el estreno inminente de “La herencia Valdemar“, no sé si verán finalmente la luz algunos de sus proyectos semiacabados o en proceso (esperemos que alguien los retome o los finalice).

Otro tema es los pocos premios que recibió a lo largo de su carrera, su mayoría en cértamenes de corte fantástico, y como bien dicen José Luis Alemán el director de “La herencia Valdemar” respecto a la falta del goya honorífico: “La Academia del cine no fue lo suficientemente valiente como para reconocer el trabajo del único mito europeo del cine fantástico“. A lo que añade acertadamente “Todos tenemos mejores o peores trabajos, pero de sus cien películas, más de la mitad son todavía objeto de culto en países como Estados Unidos, Japón y Alemania“.

Sin duda, uno de los mejores hombres lobo que ha dado el cine, con permiso de Lon Channey Jr. Por último, recomendar el notable libro sobre Naschy titulado “Paul Naschy, la máscara de Jacinto Molina” escrito por Ángel Agudo y Ángel Gómez.

Os dejo una de sus últimas entrevistas que le hicieron este octubre pasado en Sitges:

Hasta siempre maestro!

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Ayer falleció tristemente uno de los mayores artistas referente a lo cinematográfico de este país: José Luis López Vázquez, un actor absolutamente ejemplar, cuya calidad era contrastada tanto en comedias costumbristas como en dramas de corte trágico, tan versátil como genuino, erigiéndose como la representación perfecta del españolito medio.

Un actor cuya enorme diversidad de registros, su larguísima carrera (con unas cuantas obras maestras, no solo españoladas) y gracias a ese carisma y a esa presencia que le caracterizaban le han llevado a ser considerado un autentico icono patrio como ya pasara con Fernando Fernán Gómez entre otros por ejemplo. Un actor también muy unido profesionalmente tanto a Luis García Berlanga como a Rafael Azcona.

Cintas imborrables en el imaginario del cinéfilo español son “El pisito” (1959) y “El cochecito” (1960) (junto a “Los chicos” (1958) – en donde no participaba el actor- integrantes de la trilogía española de Marco Ferreri, tres comedias marcadas por un feroz sarcasmo antiburgués), sus colaboraciones con Berlanga (en obras maestras como “Plácido” (1961), “El verdugo” (1963), “Los jueves, milagro” (1957), la trilogía de la familia Leguineche (“La escopeta nacional” (1978), “Patrimonio nacional” (1981) y “Nacional III” (1982)), cintas de corte fantástico o de terror como la extraordinaria “El bosque del lobo” (1970) de Pedro Olea o la mítica cinta para televisión “La cabina” (1972) de Antonio Mercero, films dramáticos de la calidad de “Peppermint Frappé” (1967), el particular homenaje a Buñuel por parte de Carlos Saura, o comedias costumbristas como “La gran familia” (1962) de Fernando Palacios, “Atraco a las tres” (1962) José María Forqué o “Mi querida señorita” (1971) de Jaime de Armiñán, con su inolvidable papel de Adela Castro.

Podríamos estar recomendando más cintas de su vastísima filmografía, pero sería un no acabar. Como curiosidad, decir que George Cukor intentó convencerle para que se mudara a Hollywood tras su participación en “Viajes con mi tía” (1972), pero él nunca quiso hacer carrera fuera de nuestras fronteras.

Nunca olvidaremos su humor marca de la casa y su calidad como actor, descanse en paz.

Uno de los mejores actores que ha dado el cine español.

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Hace unos días nos dejaba el célebre Patrick Swayze, tras su dura lucha (más de 20 meses) contra el cáncer de páncreas que padecía. Su recuerdo merece un post, sin lugar a dudas.

El actor estadounidense participó en una treintena de films aproximadamente, y aunque nunca obtuvo ningún un premio, fue nominado a mejor actor en los globos de oro en varias ocisiones (por sus personajes Johnny Castle (“Dirty Dancing“) y Vida Boheme (“Wong Foo, Gracias Por Todo“).

Entre tanto recuerdo (ya sea vía televisión, radio o internet) a la horrible “Dirty Dancing” con el archiconocido tema “She’s Like the Wind” y a la decente aunque demasiado edulcorada “Ghost“, yo os dejo con un video de una de sus mejores películas (por no decir la mejor) “Le llaman Bodhi“, con un personaje que era el centro de la cinta. Recordemos que también apareció en “Donnie Darko“, una de mis pelis favoritas, asi pues, más triste es todavía la notícia.

Descanse en paz.

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Tras Brad Renfro, otro actor joven se nos va, tristemente. En este caso, un actor tan emergente como Heath Ledger. Para mí, sus mejores películas son Monster’s Ball, Brokeback mountain (siendo, con diferencia, su mejor actuación) y muy posiblemente The dark knight.

Sin más, descanse en paz, toda una lástima.

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Ayer falleció uno de los grandes de nuestro cine: Fernando Fernán Gómez. Excelente actor, director y figura insustituible del cine español. Desde aquí, queremos guardar un minuto de silencio por su reciente desaparición. D.E.P.

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