Un kebap de lo más indigesto:

Aire, Agua, Tierra y Fuego son cuatro naciones enlazadas por el destino cuando la Nación del Fuego declara una brutal guerra a las demás Naciones.

Tras un siglo de lucha, no parece haber esperanza de que algo pueda cambiar este entorno de destrucción. Entre el combate y la valentía, Aang descubre que es el único Avatar con el poder de manipular los cuatro elementos. Aang se une a Katara, una Maestra Agua, y su hermano Sokka para restablecer el equilibrio en este mundo atormentado por la guerra.

Basado en la exitosa serie animada del canal televisivo Nickolodeon, esta película supone el primer capítulo en la lucha de Aang por sobrevivir.

Amigos, mi divorcio con Shyamalan está en trámites. Hasta ahora he sido de los que ha defendido al autor hindú hasta la saciedad, reconociendo su valentía en proyectos un tanto vapuleados por crítica y público como la muy interesante “El incidente” o en menor medida, la fallida “La joven del agua“. Es cierto que desde que no colabora con la Disney y tiene mayor libertad, Shyamalan firma obras mucho menos estimulantes y más autocomplacientes.

Su carrera empezó con la correcta “El sexto sentido“, una cinta bien rodada y con buenas intenciones, pero que no aguanta segundos visionados por sus grandes incoherencias. Siguió con posiblemente su obra maestra, “El protegido“, una atípica y sensacional radiografía de un superhéroe imperfecto. Luego vendrían dos joyas como “Señales” o la romántica “El bosque“. Dos obras que no harían más que confirmar el enorme talento del hindú en lo narrativo y lo visual. Tras ello, dejó la Disney porque rechazaron (y con razón) “La joven del agua“, y se fue a Warner a rodarla, con plena libertad. Desde entonces, ha rodado las películas en diferentes estudios, ya que la interesante “El incidente” -todo un homenaje a las cintas de ciencia-ficción de los 50- está bajo el sello Fox.

Volviendo a “Airbender: el último guerrero“, nos pondremos en situación. Esta semana he estado de visita por tierras granadinas degustando cine “de autor” de lo más demencial con mi amigo Ramón de Cinemadreamer. Hacía tiempo que no veía cosas tan rematadamente malas pero a la vez tan divertidas. Yo, como buen fan de Shyamalan, le recomendé que fuéramos a ver su última y alocada película de artes marciales, porque confiaba que, a pesar de los trailers tan chungos que tenía y de las críticas tan rotundas y negativas por parte de la prensa especializada y del público, mantendría la calidad del hindú tan incomprendida por ciertos sectores. Pero nada más lejos de la realidad, es un bodrio con todas las de la ley. Y por ello, me alegro de haberla disfrutado en un cine de verano (con bocatas y bebida incluidos) a precio acorde a la calidad de la película: 4.50 euros. Al menos sirvió para que nos echáramos unas buenas risas al contemplar el enorme pastiche shyamalanero.

Debo reconocer que no he visto el “anime” americano para poder comparar la adaptación hecha por el cineasta hindú, pero dejando de lado eso, considero que la película no solo no aprovecha sus enormes posibilidades sino que aburre soberanamente al espectador llevándole al hastío más absoluto y haciendo que 103 minutos parezcan 200. Y eso en un cinta de esta índole, es imperdonable.

Lo que ya me parece el colmo, es la prepotencia del Sr. Shyamalan en las entrevistas acerca del film, insultando -a su manera- a algunos periodistas y reclamando la excelencia de su obra, acogiéndose al decreto de “no han entendido mi película y por eso les parece tan mediocre”. Si usted lo dice(…). Siempre he pensado que un cineasta por mucho talento que tenga, por muchas obras maestras que haga o haya hecho, ante todo ha de ser humilde y respetuoso. Ahí es donde se demuestra gran parte de la grandeza.

Aunque lo niegue, Shyamalan es un cineasta quemado por no tener éxito en el público y cada vez ser más odiado dentro del sector crítico. Es incapaz de reconocer que su último film es un kebap mal parido y encima con sus declaraciones pretende elevarlo a obra casi de referencia y de carácter adulto. ¡Qué cojones!.

Los que siempre le hemos defendido y admirado, poco a poco, nos va desilusionando con sus irregulares propuestas. Pero jamás había presentado una obra tan mediocre y tan insulsa como esta. “Airbender” es cine familiar del peor Lucas, así de claro. Cine infantil que pretende ir de cine maduro y se queda en nada.

Vayamos por partes. Es cierto que la película ha sufrido unos tijeretazos en la sala de montaje de padre y muy señor mío. Sin ir más lejos, escenas del teaser y algunas del trailer han desaparecido por completo del theatrical cut presentado en salas. Desconozco hasta qué punto eso puede afectar al producto, aunque me temo que no demasiado, vista la película.

Como decía, “Airbender” bebe mucho del universo Lucas -ese final, esas capuchas, ese lado oscuro-, de la eterna historia del bien contra el mal y del eterno dilema del héroe obligado por una causa (visto ya en unas cuantas cintas de Shyamalan, de forma mucho más acertada, todo haya que decirlo). Pero personalmente, jamás había visto unos personajes tan insulsos y tan desdibujados escritos por el hindú. Está claro que el chico está en horas bajas, y todo esto más parece un favor a su hija pequeña (fanática de la serie animada) que otra cosa. A esos personajes tan lamentables y deliberadamente seudoprofundos, le acompañan unas actuaciones no menos bochornosas. El actor principal Noah Ringer, que interpreta Aang, recordemos contratado vía internet, hace gala de sus dotes inexpresivas y su enorme falta de carisma. Está claro que el niño sabe moverse y dar patadas, pero lo de la actuación todavía le queda grande. Dev Patel, protagonista de la insufrible “Slumdog millionaire“, aquí interpreta al príncipe Zuko, emulando al Anakin Skywalker de la nueva trilogía galáctica, es decir, cabeza hacia abajo, ojos mirando el horizonte con muy muy mala leche. Pero si hay dos actores que se llevan la palma en el apartado a peor actor son la parejita Jackson Rathbone-Nicola Peltz, los cuales no solo no pintan nada, sino que regalan momentos de verdadera actuación chunga al espectador.

El guión de la cinta promete mucho más de lo que finalmente da, conteniendo frases que rozan lo estúpido (la escena de las piedrecitas, la falsa profundidad de los habitantes del mundo de fuego -el nuevo lado oscuro de la fuerza-, la forma en que están resueltas las cosas, cuando Aang se escapa tres veces del principe Zuko (a cual más irrisoria), etc..), por no hablar de los constantes y reiterativos títulos de crédito recordatorios (hasta el minuto veinte) de en qué mundo nos encontramos, todo un insulto a la memoria del espectador. Aunque me temo que en ese aspecto ha sido imposición de la productora, aunque vete tú a saber.

La banda sonora de James Newton Howard está sin lugar a dudas en otra dimensión de lo que las imágenes ofrecen. Una partitura sensacional combinando temas de acción con intimistas, junto con otros de corte épico que jamás son aprovechados ni bien utilizados por Shyamalan en la película. Una lástima porque la BSO es digna de nominación al oscar.

Shyamalan ha creado su peor película con diferencia. Ya desde ese inicio -más propio de una de los Shaw Brothers que de un film suyo- hacía presagiar lo peor, pero habiéndole dado ya la oportunidad, me niego a ver las dos secuelas que quedan todavía (dar por seguro que el propio Shyamalan se guardará un papel para el mundo del fuego, dejando constancia de sus terroríficas dotes como actor sufridas ya por todos nosotros en “La joven del agua“). Una historia que de haber sido cambiada hacia algo más serio y adulto, podría haber funcionado perfectamente, pero comete el error de mirar demasiado de reojo al peor cine Lucas, tan infantil como poco arriesgado, con personajes sin carisma alguna y con situaciones verdaderamente irrisorias. Pero lo que más molesta es el intento de Shyamalan por vender “Airbender” como un producto místico de elevada calidad, aunque su forzada oscuridad y esa falsa profundidad no engañan a nadie. No hay cosa más odiosa que un film de estas características vaya con pretensiones y aires de grandeza. Ese es su mayor defecto. Sin ir más lejos, cintas como “Centurión” o “Los mercenarios” justamente funcionan por eso, por su aplastante falta de pretensiones, convirtiéndose en un divertimento verdaderamente eficaz.

Un kebap muy mal parido con un guión y unas actuaciones de juzgado de guardia. Todo un bodrio veraniego, que pretende ir de cine adulto quedándose en un Pinypon marcial, inversamente proporcional en cuanto a presupuesto e imaginación, con un doblaje digno del peor cine de Van Damme y con 103 minutos interminables. Una especie de wuxia fantástico en clave de comedia que hace tambalear mi adoración al cine de Shyamalan y pone en trámites mi divorcio cinematográfico con él. Esperemos que se deje de panplinas y vuelva a ofrecer grandes obras reconciliándose con el espectador, porque desde que no colabora con la Disney y tiene mayor libertad, firma obras mucho menos estimulantes y más autocomplacientes. ¿Será la próxima película que tiene preparada con Bruce Willis de protagonista el regreso del mejor Shyamalan?. Esperemos que si. Pero mientras tanto espero que deje de lado su prepotencia y su ego recuperando la humildad de aquí en adelante.

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Ya tenemos primeros datos (incluyendo alguna foto y los concept art) de la esperadísima “Drive Angry 3D” (2011) de Patrick Lussier, el mismo que nos divirtió con la gamberra e infravalorada “San Valentín sangriento 3D“, un slasher con tomate del bueno.

Por los primeros datos que se conocen, todo apunta a una historia de venganza (recordemos que la misma gira entorno a un padre -Nicolas Cage- que vuelve del infierno para vengarse de la gente que mató a su hija y raptó a su nieta) con un look de lo más gótico, con generosas dosis de hemoglobina (el Rated R está más que garantizado) y un aire a película gamberra descarado con cierto aroma a pelis tipo “Mad max“, con influencias del cine de Sarafian, Tarantino e incluso de Burton (por su look) entre otros.

El film se rueda en Real 3D auténtico, es decir no será convertida en post-producción como tantas otras tipo “Furia de titanes” (2010) , se están usando coches de los años 60 tipo Mustang o Dodge Charger y según parece el 60% de la peli será sobre ruedas.

Os dejo imagenes de concept art sobre el film. Apunta a must see, un road movie de lo más chunga, divertimento asegurado!

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Os dejo con dos muestras del mejor aquatic horror para este veranito caluroso. Por un lado tenemos “Piranha 3D” de Alexandre Aja, en donde el ketchup y la diversión están garantizados, por otro tenemos la tvmovie “Sharktopus” una frikada inmensa digna de la mejor serie Z ideal para ver en amigos en donde las risas y el cachondeo superarán (o al menos igualarán) a proyecciones de peliculas de la Asylum tipo “Mega Shark vs Giant Octopus” entre otras ricuras.

Este verano lo pasaremos genial!

Piranha 3D:

Sharktopus:

Aquatic horror para este verano>
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Si hay una película esperada este verano es sin lugar a dudas la última obra del maestro Christopher Nolan: “Inception” (Origen). Tras los alucinantes teaser y trailers, ahora tenemos acceso (a parte de la BSO de Hans Zimmer) al prólogo en versión cómic. En dos palabras: im-presionante.

Podéis acceder al cómic pulsando sobre la imagen:

Acción, Ciencia Ficción, Drama, Fantástico, Suspense, Thriller Christopher Nolan, Cillian Murphy, Ellen Page, Inception, Leonardo Di Caprio, Marion Cotillard

Tras el éxito de crítica en propuestas tan estimulantes como la multipremiada “Tropical Malady” (2004), la interesante “Syndromes and a Century” (2006) o los cortos “Phantoms of Nabua” (2009) y “A Letter to Uncle Boonmee” (2009) los cuales guardan conexiones con la cinta que nos ocupa, en “Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives” (2010) Apitchapong Weerasethakul apuesta una vez más por una ghost story con su particular y característico sello personal.

El resultado: Una cuestionada Palma de oro en Cannes, para algunos una joya, para otros sobrevalorada, incluso algunos se aventuran a decir que es una de las peores palmas de oro de los últimos años en el festival. Saldremos de dudas este otoño cuando la pasen en el Festival de Sitges. “Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives” apunta a una especie de exploración mística de la reencarnación desde la característica sensibilidad que poseen ciertos autores asiáticos. Más cerca de una experiencia visual y mística que de película corriente.

El film nos narra la la historia del Tío Boonmee, un rico granjero que sufre una insuficiencia renal grave y decide pasar sus últimos días entre los suyos en el campo. Los fantasmas de su mujer fallecida y de un hijo desaparecido aparecen y mientras medita sobre la vida, la muerte en el fin de sus días, Boonmee atraviesa la jungla con su familia hacia una cueva, el lugar de nacimiento de su primera vida.

Os dejo con el trailer:

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Adoptado en las calles de Nasaf por el rey Sharaman de Persia, el joven Dastan (Jake Gyllenahaal) crece entre la realeza y rápidamente se gana un lugar como guerrero y príncipe. Por medio de un espía, llega a oídos de sus hermanos Garsiv y Tus que la ciudad santa de Alamut ha estado suministrando armas a los enemigos de Persia. Tus ordena el ataque a Alamut, y una vez derrotada y ocupada, Dastan encuentra a la hermosa princesa Tamina (Gemma Arterton).

Poco después, cuando el rey Sharaman muere en circunstancias misteriosas, Dastan es acusado de su asesinato y se ve obligado a huir acompañado de la princesa Tamina en una angustiosa misión para limpiar su nombre. Ambos combatirán a las fuerzas oscuras y salvaguardarán una antigua daga capaz de liberar las Arenas del Tiempo, un regalo de los dioses mediante el cual es posible viajar al pasado y controlar el mundo.

El masoquismo existe amigos. Parece increíble pero Hollywood sigue apostando por películas basadas en videojuegos. Si cintas como “Resident Evil” (Paul W.S. Anderson, 2002), “Street Fighter: The Legend of Chun-Li” (Andrzej Bartkowiak, 2009) o “Mortal Kombat” (Paul W.S. Anderson, 1995) hicieron que desempolvásemos las antiguas consolas para recuperar partidas de dichos juegos con la esperanza de borrar semejantes bodrios de la memoria, había cierta esperanza que Jerry Bruckheimer -productor palomitero por excelencia- hiciera sus Piratas del desierto con aventuras y acción de la buena sin tampoco exigirle un Indiana Jones moderno claro, pero nada más lejos de la realidad.

Y digo Jerry Bruckheimer (productor) y no Mike Newell (director) porque éste último carece de personalidad tras las cámaras, una vez dejando patente su inexistente discurso cinematográfico en este tipo de productos (atrás quedaron la notable “Donnie Brasco” (1997) o la simpática “Cuatro bodas y un funeral” (1994). Será por presiones del productor barbudo o será por falta de talento (o ambas cosas) pero el resultado final salta a la vista: un producto con enfoque juvenil que está más cerca de parecer un confuso videojuego malo que una película con cara y ojos. Bruckheimer eligió a Newell por dos claras razones: ya había tenido un poco de experiencia en el género de aventuras (recordemos que fue director de algunos capítulos de la serie “El joven Indiana Jones“) y porque es un realizador manejable para sus intereses, con el cual no le costaría nada que el film tuviera su particular sello palomitero.

Es innegable que “Prince of Persia: Las arenas del tiempo” es un blockbuster pre-veraniego al cual no se le debe exigir más allá del entretenimiento puro y duro, pero ello no quita que se le exijan unos mínimos de cara al espectador, pues no sólo se vive de ruido y bíceps. Desde mi humilde punto de vista, la película hace aguas por todos lados, desde un argumento de una sencillez y una ingenuidad aplastante hasta una realización (sobre todo en las escenas de acción) cercano a lo videoclipero, combinando secuencias que abusan del ralentí con otras cuyo horroroso montaje las hecha a perder ya que resultan imposibles de seguir. Como pasaba en “Harry Potter y el cáliz de fuego” (Mike Newell, 2005), aquí volvemos a sufrir escenas de acción confusas y muy mal planificadas. Está claro que Newell no sabe (o no lo dejan) desenvolverse en este tipo de escenas. Sinceramente, creo que debería volver al drama o la comedia (potable) y dejarse de este tipo de cosas.

Si nos ponemos a comparar la saga de videojuegos “Prince of Persia” con el film producido por la Disney, no hay color. Dejando de lado las piruetas iniciales del personaje de Dastan, que recuerdan vagamente a las vistas en el homónimo videojuego y en productos más recientes como “Assassin’s Creed” (otro excelente juego de difícil adaptación), en la película nos encontramos que el protagonista tiene un “padre”, dos “hermanos” y un “tío” cosa que desentona bastante con el original, pero el mayor problema que le encuentro es el hecho de que en toda la película no sale ni un sólo monstruo de arena siendo este el principal tipo de enemigo en el juego.

Ojo, yo no digo que tenga que ser una adaptación absolutamente fiel al original, respeto tanto adaptaciones al pie de la letra como adaptaciones libres, pero si algo se hecha en falta en esta película es sin duda un enemigo menos pasivo que Nizam (Ben Kingsley) y ya de paso, un héroe más carismático y con algo más de garra, porque Gyllenhaal repite su habitual sosería (ya vista en cintas recientes como aquella mala fotocopia llamada “Brothers” (Jim Sheridan, 2009)) y aparente desinterés.

Podríamos definir a la película que nos ocupa como una mezcla entre la desenfadada “La momia” y el bodrio de cartón piedra “El rey escorpión“. Y es que, permitidme decirlo, la película de Newell hace extraordinario al díptico egipcio de Sommers, y eso que ambas producciones son caras en extremo. La diferencia entre ellas radica en algo bien sencillo: buen entretenimiento. Ambas son películas de corte aventurero-infantil, ambas poseen guiones olvidables y ambas poseen un diseño de producción la mar de majo, pero mientras en las cintas de Stephen Sommers los personajes son divertidos y cercanos a los de la serie B del género, en “Prince of Persia” carecen de empatía, de carisma y de gracia. Para colmo, ni mucho menos es una cinta con regusto añejo y el uso excesivo que se hace de la tecnología va en detrimento del resultado final.

La última película de Mike Newell es un despropósito de principio a fin, una subproducto destinado a explotar literalmente la taquilla, tan excesiva como torpe, sin alma alguna y que posee una historia insostenible y tremendamente tediosa (importa bien poco lo que le ocurra a los personajes y todavía menos cómo acaben sus aventuras). Eso si, al menos no pretende engañar a nadie y jamás trata de ser más de lo que es.

En cuanto al casting, hay de todo. Desde actores desaprovechados con el modo pasivo ON (Ben Kingsley), actores que compiten con Tom Welling por el título de “Actor soso del año” (Jake Gyllenhaal -acento inglés chungo incluido- y Gemma Arterton), hasta actores cuya aparición son el resultado de un buen cheque alimenticio y que se toman la cosa a chiste (Alfred Molina). Lo suyo hubiera sido que la Disney en forma de souvenir friki regalara una daga de ésas al entrar en el cine, para que posteriormente apretáramos el botón y pudiéramos regresar un par de horas antes para directamente no entrar al recinto y ahorrarnos los siete euros que cuesta la dichosa entradita.

Acción, Aventuras, Críticas, Fantástico Ben Kingsley, Gemma Arterton, Jake Gyllenhaal, Mike Newell

Tras los buenos resultados de series como “Espartaco” (2010), parece que poco a poco la televisión se anima y apuesta por series de contenido fantástico-épico, algo que hasta hace poco, parecía una utopía y algo únicamente destinado (y viable) para el mercado del cine. Atrás quedaron los tiempos en donde lo más épico -dentro del género de capa y espada- que podía ofrecer la tv eran productos tan sumamente cutres como “Xena: la princesa guerrera“, o “Hércules: Los viajes legendarios“. Gracias a dios parece que la tv con su renovado lenguaje y el cgi baratito, también podrá ofrecernos seriales épicos con (más o menos) cara y ojos.

De todas las series en preparación, la que quizás llame más la atención sea “Game of thrones” (2011), adaptación de la saga literaria “Canción de Hielo y Fuego” escrita por George R.R. Martin, quién a la vez se inspiró en la guerra de los cien años” y en la guerra de las dos rosas, y por supuesto en la obra de J.R.R. Tolkien, Jack Vance y Tad Williams para crear un elaborado mundo de fantasía medieval.

Algo que a priori parece todo un acierto es el hecho de que quieran adaptar cada uno de los libros de la saga en forma de una temporada completa, consiguiendo así realizar (presumiblemente) una adaptación la mar de maja y consistente.

La historia de “Game of thrones” se sitúa en un mundo ficticio medieval, principalmente en un continente llamado Poniente pero también en un vasto continente oriental, conocido como Essos. La mayor parte de los personajes son humanos pero a medida que la serie avanza aparecen otras razas, tales como los fríos y amenazadores Otros del Norte y los dragones del Este, ambos supuestamente extintos al principio de la saga. Hay tres líneas argumentales en la serie: la crónica de la guerra civil dinástica por el control de Poniente entre varias familias nobles; la creciente amenaza de los Otros, apenas contenida por un inmenso muro de hielo que protege el norte de Poniente; y el viaje de Daenerys Targaryen, la hija exiliada del rey que fue asesinado en otra guerra civil hace quince años, quien busca regresar a Poniente a reclamar sus derechos. Estas tres historias interactúan entre sí y son extremadamente co-dependientes.

Dentro del casting encontraremos a rostros más o menos conocidos como Sean Bean, Ian Glen, Lena Heady, Peter Dinklage, Harry Lloyd, Jason Momoa o Jamie Campbell Bower. Detrás del proyecto, como director del piloto, el cual se estranará en 2011, está el siempre interesante Thomas McCarthy, realizador de la estupenda “The station agent” o la interesante “The visitor“.

El tiempo dirá si la espera ha merecido la pena o no.

Acción, Fantástico, Series Tv Game of thrones, Ian Glen, Jamie Campbell Bower, Lena Heady, Sean Bean, Thomas McCarthy

“Película remilgada, estéticamente cursi, narrativamente redundante, éticamente ñoña y musicalmente ordinaria. Una especie de Caperucita y el lobo feroz en versión Hello Kitty.”
Javier Ocaña, crítico de “El País”

“De la misma forma que creo que es imposible la película perfecta o el guión perfecto, es imposible la adaptación perfecta.”
Peter Jackson


Basada en el bestseller “Desde mi cielo” de Alice Sebold, la última película de Peter Jackson nos cuenta la historia de Susie Salmon (Saoirse Ronan), una niña de 14 años cuya vida se ve truncada para siempre al ser violada y asesinada por un psicópata de la zona. Apartada del mundo que conocía, Susie es testigo del impacto que su muerte tiene en sus seres queridos y se debate entre saciar su sed de venganza y el amor que siente por su familia. Mientras tanto el asesino borra hábilmente las huellas del crimen y se prepara para cometer otro.

Debo reconocer que nunca me he encontrado entre los fans incondicionales del señor Peter Jackson, básicamente porque considero que hace ya mucho tiempo se traicionó a si mismo vendiendo su alma al “diablo”, es decir, al Hollywood comercial y vacío.
Atrás quedan los tiempos de su etapa en el cine neozelandés con obras tan interesantes como “Criaturas celestiales” (1994), un film sobre una relación especial de amistad con tintes lésbicos narrado de forma personal e intimista no exenta de un humor negro ciertamente macabro y canalla, y el falso documental “La Verdadera Historia del Cine” (1995) que narraba en tono irónico-cómico la historia de un hipotético cineasta neozelandés ya fallecido que intentaba demostrar que el cine lo inventó realmente él. Incluso sus inicios en el gore o su primera película estadounidense “Agárrame esos fantasmas” (1996) la cual era un producto tremendamente honesto y para nada pretencioso, tenían su encanto y su gracia.

Dejando de lado sus inicios como realizador, siempre he creído que es uno de los directores más sobrevalorados de este planeta, ya que su realización –desde mi punto de vista- suele chirriar y sus decisiones tras la cámara son tan irregulares como torpes. Y esto se ha demostrado definitivamente al tener presupuestos holgados para sus películas –y eso que suele rodearse de buenos equipos- y no tener una voz propia con la que contar sus historias.

Tras la cinta fantasmil con Michael J. Fox a la cabeza, se metió de lleno en la industria hollywoodiense rodando consecutivamente un par de proyectos titánicos con resultados dispares. Por un lado tenemos la entretenidísima trilogía de “El señor de los anillos” con resultados bastante decentes (aunque con una mediocre realización) y por otro lado su versión noña de “King Kong” (2005), una especie de remake de lo más light e insípido de la que muchos todavía nos preguntamos las razones de su existencia, salvo el capricho.

Después de cuatro años de descanso, dedicándose a producir algún que otro film como la sobrevalorada “Distrito 9” (Neill Blomkamp, 2009) y lejos de las mastodónticas producciones a las que nos tiene acostumbrados, todo parecía apuntar a que “The lovely bones” nos devolvería aquel Peter Jackson más intimista y personal, pero nada más lejos de la realidad. Ha vuelto un Peter Jackson (bajo mi criterio) peor que nunca, incapaz de sacar jugo a una historia con grandes posibilidades. Y es que “The lovely bones” se olvida tan pronto como uno abandona la sala y eso es grave viniendo de una cinta presumiblemente cercana y abiertamente positiva.

A Peter Jackson podemos atribuirle dos grandes pecados en esta película: por un lado el no haber sabido llevar la historia ni construir o dibujar bien a los personajes, desaprovechando un material realmente interesante y unas actuaciones más que decentes, y por otro lado, su insistencia en presentar la trama de la novela desde la cursilería (cualquier escena de ese limbo imaginario), desde la redundancia, recreándose en la estupidez, con subrayados innecesarios y con una selección musical de anuncio de colonia mala, en vez de enfocarla desde una óptica más adulta e interesante.

Justamente cuando el film gana en fuerza e interés, es cuando un gran Stanley Tucci entra en escena, un personaje de lo más sombrío perfectamente interpretado por uno de los mejores secundarios que hay hoy en día en Hollywood. Si pasó con grandes y eternos secundarios como Phillip Seymour Hoffman, William H. Macy o Paul Giamatti, a los cuales actualmente les ofrecen papeles protagonistas más que decentes, ¿porqué no a Stanley Tucci?, el cual ya lleva muchos años demostrando la calidad que atesora.

Cuando el film se mete en la piel del asesino, cuando dejamos de lado esos mundos de Yupi y nos adentramos en el misterio y en el thriller, es cuando el film se mantiene un poco a flote y se muestra interesante. El resto del metraje es extremadamente irregular, pareciendo por momentos, una mezcla entre “Ghost“, “Mas allá de los sueños” y cualquier comedia negra de poca monta. Porque no nos olvidemos de esos momentos estrambóticos interpretados en su mayoría por Susan Sarandon, la cual parece tan etílica como insensible durante todo el metraje.

Y es que todo ello denota una construcción verdaderamente demencial en algunos personajes. Sin ir más lejos, los de Mark Wahlberg (padre), Rachel Weisz (madre) y Susan Sarandon (abuela). No me creo a Susan Sarandon como abuela pseudohippie, no entiendo porqué el personaje de Rachel Weisz se tiene que ir al campo (¿wtf?) para olvidarse del tema y volver cuando le de la gana, dejando a su familia con el muerto. Como tampoco entiendo las reacciones del padre[1] (Wahlberg), recorriendo el vecindario con el bate, reconciliándose con su mujer como si nada y rompiendo todos sus barquitos. Todo muy manipulador y tremendista.

Los dos personajes básicos de la trama, el de la niña y el del asesino, son como el blanco y el negro. Por un lado, tenemos que soportar a la cansina rubia durante todo el metraje con su interminable voz en off que subraya lo subrayado y por otro lado tenemos a quizás el único personaje que tiene algo de esencia, el asesino. Lástima que ni tan siquiera le hayan dado un final decente, pues su profética muerte digna de la franquicia “Destino Final” rebaja a la película a una “direct to dvd” como mínimo. Esa muerte absurda que hace justicia o la manera tan fortuita de cómo suceden las cosas, es una muestra más de que a Jackson no le interesaba hacer un film adulto entorno a la vida y la muerte que diera que pensar.

Otro tema que no me ha gustado absolutamente nada, ha sido, como siempre en los films de Jackson, el montaje. Si ya en las cintas de orcos y elfos, a pesar de que les tengo cierto aprecio, me hacía maldecir a diestro y siniestro con un horroroso montaje y un reiterado y pocas veces justificado uso del ralentí, aquí en “The lovely bones“, volvemos a las andadas de la también insufrible “King kong” en cuanto al montaje torpe demostrando una vez más que el montaje no es su fuerte. Dos ejemplos claros de su torpe montaje lo tenemos en dos momentos clave en la trama: la del asesinato de la niña (con un juego de acciones paralelas realmente poco acertado) y la de cuando el asesino intenta tirar la caja fuerte con los restos al vertedero (interminable escena, con una serie de flashbacks horrendos y una cámara lenta que produce como mínimo salpullido).

Lo curioso del caso es que la película no comienza del todo mal, con una voz en off de una niña que cuenta su historia una vez muerta. El problema es cómo se desarrolla todo. Jamás te crees las situaciones, los personajes, las reacciones de éstos o lo que les motiva a hacerlo. Como decía anteriormente, la historia tenía su potencial, independientemente de que la novela sea otro truño ñoño (que no lo sé), pero creo que Jackson podría haber hecho mucho más con este material. De hecho, estoy totalmente de acuerdo con lo que dice en cuanto a las adaptaciones literarias, “es imposible hacer la adaptación perfecta“. En la trilogía anillesca, salió bastante airoso del tema, comiéndose personajes y pasajes, pero era algo lógico e inevitable. En el caso de “The lovely bones“, no lo sé, pero me da a mi que ha suavizado mucho los temas espinosos que se tocan en la trama.

Pero bueno, no quiero acabar la crítica sin destacar ciertas escenas que si me han gustado. Básicamente serían la mayoría de escenas en las que un sensacional Stanley Tucci aparece, sobre todo aquellas filmadas con la cámara “pintalabios” (llegando a su momento álgido cuando es entrevistado por el personaje de Michael Imperioli y se ven entre los pequeños orificios de la casa en miniatura). La escena del asesinato, podría haber dado mucho de sí, pero como comento anteriormente, Jackson suaviza en demasía y además, mete ahí con calzador un montaje con acciones paralelas que únicamente consiguen cargarse parte del suspense y del ritmo.

Sobre el trabajo de los actores, en general bastante bien aunque mejorable. Mark Wahlberg se pasa medio metraje con cara de estreñido, poco creíble, Rachel Weisz poco puede hacer con un personaje tremendamente mal construido y posiblemente recortado en la sala de montaje, Stanley Tucci está excelente aunque demasiado caracterizado para mi gusto (dientes postizos, gafas setenteras, pelo teñido, lentillas,..), Saoirse Ronan lleva como puede a un personaje tan cansino como el suyo y Susan Sarandon iba con un par de copas de más.

Vista en perspectiva, la película adolece de falta de ritmo y constancia, en gran parte por culpa de cualquier escena en ese limbo entre la el cielo y la tierra. Escenas que han debido de poner a Jackson y a Weta Digital pero que al resto de los mortales no traen sin cuidado.

La ecuación que propone el film está más anticuada que las Mama Chicho: zona residencial media americana, familia numerosa super feliz, niña rubia maja a las puertas de la adolescencia y vecino zumbado que se obsesiona con ella. El resto, ya os lo podéis imaginar: lágrimas de cocodrilo, mundos de Yupi e infinita pretenciosidad.

“The lovely bones” es un film que no funciona ni como drama ni como thriller, que se enreda en mundos teletubbiescos en vez de ser un film adulto sobre la pérdida y sobre el más allá, que jamás respeta la inteligencia del espectador, que intenta emocionar bajo la manipulación, que peca de sensiblería y cursilería, dando como resultado final una obra que se mueve entre lo irregular, pasteloso y lo infinitamente ñoño y que contiene uno de los peores finales que un servidor haya tenido que soportar. Un telefilm caro, edulcorado, con un montaje de juzgado de guardia, con música de anuncio de colonia barata (el momento Song to the Siren es de vergüenza ajena) y lo peor de todo, pretencioso hasta decir basta. Sólo para días en extremo melancólicos o para masocas del CGI.

[1] Recordemos que era un papel pensado para Ryan Gosling, el cual casi a punto para empezar a rodar, desestimó el asunto al no verse como padre de una niña de 14 años.

Críticas, Drama, Fantástico, Suspense, Thriller Mark Wahlberg, Peter Jackson, Rachel Weisz, Saoirse Ronan, Stanley Tucci, Susan Sarandon

Todos sabréis que la triogía de “El señor de los anillos” ha sido editada hace nada en alta definición en su theatrical cut, y todo apuntaba a que sería un lanzamiento de referencia audiovisual dentro del formato azul. Bien, pues la sorpresa ha llegado tras ver unas cuantas capturas del blu-ray americano, cuyo máster será identico en las ediciones patrias de Aurum, ya que la imagen se muestra borrosa, con una falta de definición galopante y que más bien parece propia de un dvd reescalado que no de un blu-ray con calidad 1080p. Algo que resulta doblemente insultante tratándose de una saga bastante reciente. Es más, las ediciones extendidas en dvd diría que alcanzan niveles más óptimos que éstos.

Tras ver no hace mucho la irregular “The lovely bones” (2009), de la cual tendréis crítica prontito, solo me faltaba esto para enviar a tomar viento al señor Peter Jackson. Esperemos que al menos las ediciones extendidas si tengan una imagen acorde a los tiempos que corren. Se dice que Jackson trabaja en las conversiones al 3D de la saga y sinceramente, me parece muy bien que quiera seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro, él sabrá, pero estaría bien que no dejara de lado la supervisión de sus productos y trabajara en ediciones con un mínimo de condiciones. Hasta ahora lo había hecho, pero ¡qué fácil es intentar engañar al consumidor!. Los usuarios curtidos ya estamos hasta las narices de estas tomaduras de pelo. Sin lugar a dudas, otro “caso Gladiator”.

Aquí os dejo unas cuantas capturas para que podáis comprobarlo con vuestros propios ojos:

Aventuras, Blu-Ray, Drama, Fantástico Christopher Lee, El señor de los anillos, Elijah Wood, Ian McKellen, Peter Jackson, Viggo Mortensen

Aunque sigue siendo criticada por muchos sectores y calificada, bajo mi punto de vista, erróneamente como un mero remake (con más presupuesto) del film original, “Terminator 2: el juicio final” (1991) es de aquellas cintas que marcan una época, no sólo en el apartado visual y técnico -con unos FX que resisten brutalmente el paso del tiempo-, sino también por el legado dejado (las dos primeras de la saga) en la ciencia-ficción moderna. Resulta innegable que el film ya forma parte de la memoria colectiva, que el T1000 y el T800 son historia del cine y que si sigue siendo recordada como una de las cimas de la ciencia-ficción dentro de la historia del cine, será por algo.

Haciendo un ejercicio puramente nostálgico, confesaré que una de las películas que marcó mi infancia fue “Terminator 2: el juicio final” (1991). Todavía recuerdo cuando la vi en el cine Comedia situado en el centro de Barcelona en una velada inolvidable. La película es una excelente combinación de ciencia-ficción y acción pura y dura, con un ritmo frenético y rodada de manera maestra por James Cameron, cuando todavía no se había metido en historias de titanics o de bichos azules. Ése era el James Cameron que ofrecía productos sin concesiones, brutos como los que más, uniendo historias interesantes y ciencia-ficción de la buena.

Os dejo con el final de la película en versión doblada porque a parte de ser uno de los doblajes que más cariño le tengo, el trabajo de Constantino Romero como Terminator es simplemente perfecto. Una secuencia memorable. Una indiscutible must see!

Acción, Ciencia Ficción, Drama, Escenas, Fantástico Arnold Schwarzenegger, Edward Furlong, James Cameron, Linda Hamilton, Terminator 2