¿Quién no recuerda este magnífico monólogo a cargo de un enorme Edward Norton lleno de ira y desesperanza post 11-S, en donde Spike Lee no deja títere con cabeza?.
Una de las mejores películas de los últimos años y, para mí, la mejor obra de Spike Lee.
Enorme escena y enorme Norton:
Uno de mis films favoritos, absolutamente deudor de la nouvelle vague (es innegable que la peli es muy Godard), que contiene todo lo mejor del cine Wong Kar Wai – aunque sin la extrema perfección de sus dos últimas obras aunque con más frescura- desde un uso del tempo fantástico, una fotografía de Doyle increíble y 2 historias interesantísimas sobre amor y desamor (la 3era era la, convertida posteriormente en film, “Fallen Angels“) que tienen mucho más en común de lo que aparenta a simple vista, es “Chungking Express” (1994).
Pero si me tengo que quedar con algo a parte del trabajo de Wong Kar Wai, es con las actuaciones y la música (la cual, es tan protagonista o más que ellos, con “The mamas & the papas” a la cabeza).
Takeshi Kaneshiro es, permítanme decirlo, un friki de narices, con el tema de las latitas de piña y la fecha de caducidad, Brigitte Lin aporta sensualidad y misterio, Tony Leung mucho oficio (uno de los mejores actores de la faz de la tierra) y Faye Wong,.. pues es media película, una especie de Jean Seberg a la asiática, cuyo personaje se ha convertido en un icono del cine chino de los 90 (o eso creo yo xD).
Os dejo con una de esas escenas pop de Kar-Wai que tanto me ponen y que, en este caso, expresa muy bien el éxtasis del enamoramiento y de la felicidad por vivir (y de jugar), acompañado por el tema “Dream Person”, una versión de la canción de ‘The Cranberries’ a cargo de la propia Faye Wong. Impagable la escena de la búsqueda de pelos con lupa XD
Una auténtica maravilla. Disfrutarlo.
De las reuniones entre Sergio Leone, Dario Argento y Bernardo Bertolucci para escribir un nueva historia y guión surgió uno de los mejores westerns, que formaria parte de lo conocido como western posmoderno, westerns sobre el final de una época, de un género y de unos personajes discordantes con los nuevos tiempos: “Hasta que llegó su hora” (1968).
Enmarcada en la trilogía de America de Sergio Leone, junto a la excelente “Agáchate maldito” (1971) y la monumental obra maestra “Érase una vez en America” (1984), “Hasta que llegó su hora” contiene escenas imborrables dentro del género y de la historia del cine. Arropadas por la extraordinaria y, en ocasiones, olvidada composición de Morricone, las escenas destilan esa fuerza visual tan característica del cineasta italiano junto a un uso del scope tremendamente logrado, enmarcando magistralmente los bellos parajes desérticos, los pueblos o incluso la inteligencia en como están filmados los interiores.
El film trata sobre los vestigios de una época y el inicio de una nueva era, representado ante todo por el ferrocarril y el papel de la mujer (mucho más significativo que en tiempos anteriores), y el de unos héroes, antihéroes y villanos que ya no pertencen a ese mundo, y como ese mundo, habrán de perecer, pues ya no hay lugar para ellos. Spoiler Los personajes de Henry Fonda (en una antitesis de su Wyatt Earp en “Pasión de los fuertes” de John Ford) y Jason Robards mueren y Charles Bronson desaparece del lugar y se aleja de cualquier tipo de revolución (ferrocarril), la única que ha sabido adaptarse y “renovarse” ha sido la mujer (el personaje de Claudia Cardinale), el único capaz de formar parte de una nueva era.
Hay numerosas escenas destacables, por ejemplo, y quizás una de las menos recordadas pero no menos importantes, es la de Claudia Cardinale mirandose al espejo y pensando: ¿Quién soy yo? ¿Qué va a ser de mi? ¿Cual es mi futuro? ¿Realmente, esta soy yo?. Memorable es también el inicio prácticamente mudo del film, el uso del sonido (Leone ha sido uno de los mejores directores en usar este recurso para crear tensiones y contar historias), el tempo (prácticamente la espera es en tiempo real, un tiempo que se hace palpable, áspero, incómodo, angustiante).
La escena que os adjunto, es la del duelo final entre Bronson y Fonda. Primero, planos generales cada vez más alejados para presentarnos el entorno en donde se producirá el enfrentamiento, para luego, ir aproximando más y los planos reduciendo su duración, a medida se va acercando la hora final, con una utilización del montaje tremendamente eficaz para alcanzar un climax mítico. Allí se explica el porque de la harmónica y ésta vuelve a su auténtico amo. Grandes planos, grandes miradas, enorme música.
Cine de verdad.
Clint Eastwood en el año 1995, nos regalaba uno de los mejores melodramas románticos de la historia del cine (bajo el humilde punto de vista del que esto escribe) ya que pocas veces en el cine se ha expresado un amor con tanta pasión y a la vez sutileza.
De todas las escenas de este magistral film (dificil seleccionar solo una) destacaría ese desgarrador y precioso final de romance, lleno de elementos sutiles, de miradas sinceras, de un semáforo que puede significar el cambio o la rutina, de una luz intermitente (la del faro del coche de Eastwood) que declara amor y a la vez despedida y una mujer (excelente Meryl Streep) dolida y confundida por sus dudas y sobre todo impotente ante la situación, en donde toda esa lluvía intensa representa metafóricamente el dolor interno de ella, sus lágrimas contenidas.
Nunca una mirada ha expresado tanto, nunca una luz ha emocionado tanto. Una auténtica joya técnica y narrativa.
Os dejo con esta magnífica y emotiva escena:
Escena entre Joe Pesci y Ray Liotta en una de las obras maestras de Scorsese: Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990). Como pasar de un ambiente festivo a uno tenso y lleno de suspense en apenas minuto y medio.
TdV: Veréis chicos, lo que realmente tuvo gracia fue aquel golpe en el banco de Secaucus.
Estaba echado en la hierba, se me acerca uno y me dice: ¿Qué haces? y yo digo: Descansando ¿Descansando aquí? como si estuvieras en la playa o en un parque. ¿Me tomas por gilipollas? ¿Es que no puedo descansar o que?
Bueno, pues me trincaron y empezaron a hacerme preguntas, que si esto que si aquello, querían que soltará la lengua a fondo.
¿Qué iba a decirles? No sé nada en absoluto. ¿Hablar yo? Una mierda.
El que manda me dice hoy vas a cantar de plano. Yo le digo, está bien, te diré algo: Vete a joder a tu madre. [risas]
Luego me cae una lluvía de golpes pim pam pum.
Bueno, ya me vistéis en el periódico, tenía la cara hinchada como un globo de verdad.
De modo, que cuando recuperé el sentido resulta que me encuentro de nuevo frente a ese cabrón de mierda que me dice: ¿Vas a hablar ahora cabrón?, y le digo: ¿Pero que haces aquí?, ¿no te dije que fueras a joder a tu madre?. [risas] Creí que me mataba. [risas]
Cabrones! me dejaron como un tomate maduro.HH: Increíble, en esos momentos eres gracioso, muy gracioso.
TdV: ¿Qué insinuas?… Di.
HH: Pues nada, esa historia tiene mucha gracia, eres un tipo gracioso
TdV: ¿Porque lo dices? ¿Por la forma en que hablo? uhhh?
HH: Sí, claro. Eres gracioso. Me refiero al modo en que cuentas las cosas.
TdV: ¿Gracioso por qué? ¿Qué tengo de gracioso?
Anthony: Vamos, Tommy, no le interpretes mal
TdV: Eh espera Anthony, es mayorcito, sabe lo que dice, contesta,.. ¿Gracioso porqué?
HH: Yo….
TdV: ¿Qué…?
HH: Yo solo he dicho que eres gracioso
TdV: Vamos a ver si lo entiendo, porque quizás estoy algo bebido. Sí, es posible, pero ¿como soy de gracioso? ¿Quizás como un payaso de circo?.
Te hago reir, crees que estoy aquí para divertirte. Bueno, ¿porque soy gracioso? ¿qué tengo de gracioso?HH: No sé…. es por como cuentas las cosas ya sabes
TdV: No, no, yo no lo sé, lo dices tú. Tú eres el que dices que soy gracioso.
¿Porque demonios soy gracioso? Vamos !! que coño tengo de gracioso eh?
Dime !! ¿qué tengo de gracioso?[momento silencioso y tenso]
HH: Oye,.. no bromees conmigo, Tommy.
TdV: Será cabrón, me ha descubierto, casi se la pego. Habéis visto como tartamudeaba. [risas]
¿A qué estaba temblando? [risas] A veces no sé que pensar de tí Henry, seguro que no aguantarías un interrogatorio [risas]
Garra de Jaguar, tras haber saltado la cascada (suponiendo un absoluto reto de supervivencia), gracias al agua pierde la pintura azul de esclavo y regresa a su posición de gran cazador. La confianza y autoestima vuelven a él, todo ello reforzado con sus gritos de liberación, ahora se encuentra en un entorno que conoce y domina, en donde se siente Dios, como un ángel exterminador en donde poder juzgar a sus villanos (sus particulares romanos) como merecen.
Un personaje que ha traspasado una barrera, esa cascada representa un cambio, un paso, un salto, el abandonar el rol de presa para convertirse en cazador. El miedo alcanzado durante el inicio del film al comprobar como un pueblo -aunque pacificamente- conseguía traspasar sus territorios, el miedo a esa facilidad de acceso que le aterrorizabase ha mutado en venganza e ira. A partir de ese salt, de ese cambio, Garra de Jaguar entiende que es él quien puede tener el control de la situación.
La presa convertida en amenaza. Una enorme escena.
Escena mítica, representativa del surrealismo cinematográfico, del primer y excelente cortometraje de Luis Buñuel y Salvador Dalí rodado por el año 1929. La secuencia se hizo usando un ojo de vaca, y la sensación es tan realista como escalofriante.
¿Qué decir ya de esta obra monumental de Akira Kurosawa?
Magnífica escena (Watanabe balanzeándose en el columpio en su ansiado parque) para esta sensacional película, una de las grandes historias urbanas de Kurosawa como también lo es El infierno del odio aunque esta, quizás, más en torno al thriller. Unos diálogos llenos de madurez que rebosan inteligencia, una dirección sobria con una actuación de Takashi Shimura inolvidable (junto Tôshiro Mifune el mejor actor japonés de la historia y uno de los mejores a nivel mundial). Y es que cuánto sentimiento desprende su mirada, su rostro.
Vivir (Ikiru) es, ante todo, una película sobre la vida vista desde alguien más cercano a la muerte. Una reflexión madura sobre lo que significa vivir y sobre la lucha por alcanzar un sueño y hacerlo realidad, una búsqueda de la felicidad aún sabiendo que quizás no habrá un mañana. Un alegato a la vida y la esperanza.
Junto a “2001: Una odisea del espacio” de Stanley Kubrick, mi película favorita. Os dejo con la maravillosa escena:
“Thank you for saving my life” es la emotiva frase final del personaje de Paul Giamatti, por cierto, un autentico monstruo de la actuación.
Shyamalan nos presenta un final, que se erige como de lo mejor del film, todo desde el fondo de la piscina y con ese contrapicado final de Giamatti, alzándole como el autentico héroe para los narf y para el mundo. Otro detalle interesante de la escena es cuando el águila se lleva a Bryce Dallas Howard, rodado desde el interior de la piscina, quizás para que nosotros (los propios espectadores) no podamos verlo, pues recordemos que estaba prohibido.
En fin, maravillosa escena final con una enorme dirección de Shyamalan y una fotografía espléndida de Christopher Doyle, para un film irregular pero interesante, aunque en mi opinión, totalmente fallido vistas sus posibilidades.
Wong Kar-Wai en la dirección, Christopher Doyle en la fotografía y Tony Leung y Maggie Cheung en facetas interpretativas, componen una sinfonía minimalista sobre un amor tan profundo como impalpable, un amor contemplativo (de miradas que hablan) más que físico; una historia de amor atípica, novedosa y de una calidad artística sinceramente insuperable.
Pura poesía visual. Inolvidable escena con el tema “Yumeji’s Theme” de Shigeru Umebayashi.
” I´ve seen things you people wouldn’t believe, Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched C-Beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate. All those… moments… will be lost in time like tears in the rain… Time to die.” Roy Batty (Rutger Hauer)
Inolvidable escena entre Deckard (Harrison Ford) y el replicante Roy Batty (Rutger Hauer).
Hoy os dejo una de las muchas escenas (porque no se puede toda la película) de una de las obras maestras más monumentales de la historia: “Octubre” de ese genio llamado Sergei M. Eisenstein, uno de las teóricos rusos del montaje junto a Vertov.
De hecho, su cine se basa sobre todo en la post-producción y sus films, entre ellos “La huelga“, “Octubre” o la enorme “El acorazado Potemkin“, suponen un ejemplo de ritmo, uso musical y montaje espléndido.
Una de las más famosas de la cinta es la que transcurre en el puente (metáfora de pirámide) con un montaje absolutamente alucionante y avanzado a su época.
“Octubre” es una cinta radical, moderna, visionaria y sobretodo un film que -junto a “El acorazado Potemkin“- atesora muchas de las bases del montaje cinematográfico. Una rotunda obra maestra de Eisenstein.
Os dejo con la secuencia:
Uno de los Lynch más cercanos y sensibles, pero no falto de su peculiar estilo, El hombre elefante se erige como una de las obras maestras sobre la naturaleza del ser humano, las apariencias, el sufrimiento, la efimera felicidad, la realidad cruda y por encima de todo, sobre lo mejor y lo peor de las personas.
Un film que siempre emociona, y ante todo, y lo que es más importante: nos hace reflexionar.
El final de la cinta supone un equilibrio entre lo cercano y lo lynchiano (me refiero a esas escenas post mortem), acompañado de la tan hermosa como triste “Adagio for strings” de Samuel Barber -utilizada en otros films como la magnífica “Platoon” de Oliver Stone-, que potencia el lado intimista y solitario de la escena. John Merrick (John Hurt), más conocido como el hombre elefante, muere pero no debido a sus monstruosas deformidades, sino por las secuelas de las palizas recibidas durante años. Merrick siempre se destacó como un hombre tremendamente culto y a pesar de lo mal que le había tratado la vida, era educado en extremo y todo un ejemplo de entereza y espíritu humano. Antes de morir, cumple sus dos grandes sueños: acabar la maqueta de la catedral (con un plano detalle de la cruz que simboliza su inminente muerte) y poder dormir como se duerme habitualmente, es decir, en posición totalmente horizontal, en decúbito supino.
John Merrick a pesar del rechazo ajeno, la incomprensión de la época y las enormes dificultades y marginalidad que le tocó vivir, se contentaba con dos aspectos: sentirse persona y morir en paz. Finalmente consiguió su propósito. Una escena magistral.
Algo que es siempre destacable en el cine de del gran Hou Hsiao-Hsien es la factura que poseen sus films. Hou es sin duda uno de los grandes directores asiáticos de la actualidad y capaz de conseguir lo mejor de actrices tan justitas como Shu Qi (tanto en “Millennium Mambo” o en “Three times“, con ese papel triple) o actores tan enormes como Tadanobu Asano (“Café Lumière“), entre otros.
La escena que os dejo a continuación, es un claro ejemplo de una puesta en escena ejemplar. Un plano secuencia que abre el film, siguiendo al personaje desde atrás, con un juego de luces de corte entre futurista sin dejar su lado naturalista, que hacen de la escena algo hipnótico, casi onírico, en un entorno que la realización del director lo hace casi claustrofóbico para la protagonista pero que a la vez le da libertad, es algo difícil de explicar.
Una Shu Qi “acechada” por la cámara, la cual prosigue alejándose del personaje para posteriormente acercarse reencuadrándolo durante el travelling.
El ralentí aporta aún más estilo si cabe a la escena, sin olvidarnos de la interesantísima utilización del sonido, de su profundidad de campo, y de su juego focal. Pero lejos de ser únicamente un capricho formal, a parte de ello es una excelente e inteligente presentación de un personaje.
Está claro que actualmente es Asia quién arriesga más en formas y tendencias en el cine. Millennium Mambo” es un ejercicio visual absolutamente imprescindible. Disfrutar de la escena:
Escena final de Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore, llamada “la escena de los besos”, con ese montaje de todos esos fotogramas que en su día Alfredo (Phillipe Noiret) tuvo que recortar de las bobinas de celuloide por culpa de la censura, que llegaban al pueblo. Es su particular regalo póstumo a Salvatore (Jacques Perrin). Resaltar la ya mítica banda sonora de Ennio Morricone y la emotividad de la escena.
Un film sobre el cine, sobre el amor por el cine y ante todo sobre la vida. Imprescindible, un clásico contemporáneo.
Vomitiva.
Se deja ver pero allá usted.
Decente tirando a buena.
Muy buena.
Obra maestra.
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