Durante una noche del verano de 1839, cincuenta y tres esclavos negros que viajaban a bordo del navio “La Amistad”, se rebelaron y tomaron el control del barco frente a las costas de Cuba. Fracasado su intento de regresar a África, fueron detenidos por tropas de los Estados Unidos y se encontraron a merced de un sistema judicial ajeno, en un territorio extraño.

“Amistad” posiblemente sea una de las obras menores de Steven Spielberg debido a sus constantes altibajos, a su falta de rigor histórico y a no saber explotar al máximo las posibilidades dramáticas sin caer en convencionalismos. No es capaz de emocionar al espectador como otros films del rey Midas, y la historia pedía a gritos más identificación emocional. A pesar de ello, estamos ante una obra más que interesante, bien intencionada, con un notable acabado y que cuenta con buenas actuaciones de todo el reparto (en especial Djimon Honsou y Anthony Hopkins), una estupenda partitura a cargo del maestro John Williams y alguna que otra escena memorable.

Sin más preámbulos, os dejo con la mejor escena de la película sin lugar a dudas: el pasado del personaje de Cinque (Djimon Honsou) y su agónico viaje hasta llegar a los Estados Unidos. Siete minutos y medio en donde refleja claramente el sufrimiento al que eran sometidos los esclavos y las barbaridades que se cometían en alta mar. Mención especial para la escena nocturna en las entrañas del galeón español desde donde emerge el niño (libre, sin cadenas) de entre la multitud mojada por la lluvía y aterrada por la incertidumbre y el frío.

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Drama, Escenas Anthony Hopkins, Djimon Honsou, Matthew McConaughey, Morgan Freeman, Steven Spielberg

“Sucker Punch” es una de las películas más (voluntariamente) excesivas, hipnóticas, violentas y fantasmas dentro del panorama cinematográfico del 2011. Muchos usarían esos argumentos para descalificarla y condenarla a la hoguera, pero ¿qué importa cuando el resultado final es todo un divertimento hiperbólico?. A pesar de las innumerables críticas negativas que ha recibido, un servidor defiende la última ida de olla visual de Zack Snyder. ¿Es un videoclip gigante? Puede. ¿A veces parece un videojuego? También. Pero jamás engaña a nadie, ofrece lo que promete y además tiene un prólogo y un final cojonudos.

Aunque es cierto que las conexiones entre el baile y el mundo imaginario están cogidas con pinzas y haya cierta sensación de caos en el conjunto, gracias al tremendo ritmo que imprime Snyder a la cinta unido a una impresionante banda sonora llena de versiones antológicas, hacen que olvidemos los defectos que arrastra y nos dejemos llevar sensorialmente hablando. Mención especial a esa sensacional actriz llamada Abbie Cornish (atención al momento en que se despide de Babydoll) capaz de en una cinta de carácter claramente comercial como esta demostrar una vez más que es (y será) una de las grandes, dando un repaso al resto del reparto (que tampoco creo que lo hagan tan mal como algunos afirman).

Olvidaros de las malas críticas que puedan condicionar vuestra opinión, olvidaros de las consideraciones negativas de un público que no ha querido aceptar la historia que propone (no estamos ante una película para nada plana), olvidaros de los pedruscos que os puedan tirar los puristas gafapastas, únicamente hay que dejarse llevar y disfrutar. Ansiedad. Azar. Impotencia. Rebelión. Generosidad. Lucha. Amor. Libertad. Cult movie en toda regla.

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Acción, Artes Marciales, Aventuras, Escenas, Fantástico Abbie Cornish, Carla Gugino, Emily Browning, Gerard Plunkett, Jena Malone, Sucker Punch, Zack Snyder

El inspector de policía Ma (Donnie Yen), cuyas violentas maneras le han valido la apertura de un expediente, se encuentra asignado a un caso de tráfico de drogas. Infiltrado en la banda, su colega Wilson (Collin Chou) ha logrado la detención de uno de sus miembros pero, con dos hombres todavía en libertad, mantener la seguridad dará lugar a un rosario de trepidantes persecuciones y furibundos combates.

Desde el éxito de la notable trilogía “Infernal Affairs” y de los films de género de la Milkyway firmados por el gran Johnnie To, no paran de surgir propuestas en clave de thriller de lo más interesante dentro del reciente cine asiático. En esta ocasión tenemos un producto claramente inferior a otros como “A dirty carnival“, “Man From Nowhere“, “I’m a Dad“, “Memories of murder” o la maestra “I saw the devil” por citar unos ejemplos, pero no por ello del todo desdeñable.

Años antes de regalarnos la maravillosa saga de “Ip man“, Wilson Yip rodó “Flash point“, un thriller irregular aunque aceptable que une acción hiperboleizada (como tanto les gusta a los hongkoneses) con toques de peculiar humor. Nos encontramos con la típica historia de infiltrados (posiblemente una de las tramas más manidas dentro del cine asiático) pero que sin embargo posee unos personajes no tan estereotipados como en otros productos carne de videoclub, y recuerdan por su sentido de la amistad y del honor a los vistos en el cine de John Woo (“The killer“, “A better tomorrow” o “Hard boiled“).

“Flash point” no engaña a nadie. Es una película absolutamente honesta con el espectador. Son 90 minutos llenos de acción, coreografías trepidantes (tan elaboradoras como contundentes), situaciones de humor bastante bien resueltas y un Donnie Yen simplemente sensacional. No busquemos otro “Election” aquí, esto es lo que hay y el film es consciente de ello. Os dejo con el antológico duelo entre el citado Yen y Collin Chou de nada más y nada menos que ocho minutos. Espero que lo disfrutéis.

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Acción, Artes Marciales, Asia, Escenas Collin Chou, Donnie Yen, Louis Koo, Ray Lui, Wilson Yip

Londres, 1818. Un affaire secreto comienza entre el joven poeta inglés de 23 años, John Keats (Ben Whishaw), y su vecina, Fanny Brawne (Abbie Cornish), una extrovertida y elegante estudiante. La atípica pareja empieza mal, él viéndola a ella como una como una estilosa descarada, y ella en absoluto impresionada no sólo por su poesía, sino por la literatura en general. Sin embargo, cuando Fanny descubre que Keats está cuidando de su hermano menor, gravemente enfermo, se ve conmovida y le pide entonces que le enseñe cosas sobre la poesía, a lo que él accede.

La poesía se convierte así en un remedio romántico que funciona no sólo para resolver sus diferencias, sino como combustible de un apasionado romance. A la vez, Fanny deberá hacer frente al escritor, amigo y socio de Keats, Charles Brown, que no parará de poner trabas para que la relación no prospere.

Cuando la alarmada madre de Fanny y la mejor amiga de Keats descubren la relación, ésta ya es imparable. Intensamente y sin remedio, absortos el uno en el otro, los jóvenes amantes se ven llevados por poderosas y nuevas sensaciones. “Me siento como si nos estuviéramos disolviendo“, le escribió Keats. Juntos cabalgaron entonces en una ola de obsesión romántica que no hizo sino hacerse más fuerte a medida que sus problemas crecían.

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Lo quieran o no, Amélie ya forma parte del imaginario colectivo. Resulta imposible pasear por Montmartre en París o ver el Café des Deux Moulins y no recordar este film. Y es que Jean-Pierre Jeunet consiguió una obra prácticamente redonda mezclando costumbrismo con fantasía de forma impecable.

Tras su periplo estadounidense con la muy correcta y a reivindicar “Alien: Resurrección” (de la cual reniega de su versión en blu-ray y con razón), Jeunet regresó a su país de origen para firmar una fábula contemporánea que se aleja un poco de los mundos oscuros de “Delicatessen” o “La ciudad de los niños perdidos” (aunque manteniendo puntos en común) y apuesta más por una historia sobre personas que sobreviven en un mundo en el que no se sienten cómodas y al que parecen no pertenecer.

El director francés que para un servidor es uno de los mejores exponentes a nivel europeo en lo que a fantástico se refiere, posee tantos defensores como detractores. Con un estilo indiscutiblemente peculiar, Jeunet siempre se ha caracterizado en ofrecer productos con un rico imaginario propio pero salpicadas de elevadas dosis de exceso (tanto formal como narrativo) que no suelen ser del agrado de los críticos más puristas. “Amélie” es uno de sus films que sin renunciar a su estilo consigue mejores resultados. No podemos decir lo mismo de cintas posteriores como “Largo domingo de noviazgo” la cual posee un ritmo terrible y su duración es a todas luces excesiva o “Micmacs” que resulta demasiado reiterativa y deja claro que Jeunet está algo estancado en cuanto a ideas.

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Cine de autor, Comedia, Drama, Escenas, Fantástico Amélie, Audrey Tatou, Dominique Pinon, Jean-Pierre Jeunet, Mathieu Kassovitz

Después de haber sido condenado a siete años por tráfico de drogas, a Monty Brogan le quedan sólo 24 horas de libertad antes de ingresar en prisión. Después de haber sido el rey de Manhattan, está a punto de decir adiós a las luces de los flashes, a sus sueños de grandeza y al disparatado tren de vida que lo alejó de quienes lo querían de verdad.

En estas últimas horas de libertad intenta recuperar la relación con su padre (Brian Cox) y con sus dos mejores amigos de juventud: Jacob (Philip Seymour Hoffman), un tímido profesor, y Slaughtery (Barry Pepper), un brillante broker de Wall Street. Y también con su novia Naturelle (Rosario Dawson), aunque podría ser la persona que lo delató a la policía.

Tras destacar en su día el brillante monólogo de Edward Norton dentro del apartado de escenas de este blog, repetimos película con otra secuencia magnífica de “La última noche (25th hour)“. En esta ocasión, hemos optado por los poderosos títulos de crédito que abren el film, cuya finalidad radica en rendir homenaje a la ciudad de Nueva York y a las víctimas del 11S.

Las bellas vistas nocturnas de la urbe con los focos situados en la zona cero simulando las torres gemelas, unido a la emotiva partitura in crescendo de Terence Blanchard, consiguieron ponernos los pelos de punta a aquellos que disfrutamos de esta joya de Spike Lee en el cine. Imágenes y música que representan y simbolizan injusticia, rabia, pesar, pero también esperanza gracias a esas conmemorativas luces que emergen del dolor más profundo.

Resulta complejo destacar una sola escena de tan magna (como injustamente olvidada) película. Sólo por la conversación entre Barry Pepper y Philip Seymour Hoffman delante de la zona cero, esas actuaciones tan convincentes, el citado monólogo maestro lleno de ira a cargo de Edward Norton, el trágico desenlace de la fiesta de despedida o el inmenso final, ya merece ser vista. Sin más os dejo con los créditos iniciales:

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Drama, Escenas Anna Paquin, Barry Pepper, Edward Norton, La última noche, Philip Seymour Hoffman, Rosario Dawson, Spike Lee

Ciudad de México: un fatal accidente automovilístico afecta trágicamente a tres personas. Octavio (Gael García Bernal), un joven adolescente, decide fugarse con Susana, la esposa de su hermano; el Cofí, su perro, se convierte en el medio para conseguir el dinero que necesitan para poder escapar juntos.

Al mismo tiempo, Daniel, un hombre de 42 años, deja a su esposa y a sus hijos para irse a vivir con Valeria, una hermosa modelo. El mismo día en que ambos festejan su nueva vida, el destino hace que Valeria sea víctima del trágico accidente.

Reconozco que Alejandro González Iñárritu no es santo de mi devoción. Parte de su filmografía reciente está plagada de fatalismo inverosímil y de un tremendismo depresivo de lo más deleznable (“Biutiful” es la joya de la corona en este aspecto). Sin embargo, rescato “Amores perros“, su ópera prima, que aunque ni mucho menos es una obra maestra sí funciona como drama sucio y sórdido de un México delictivo y corrupto. Sin duda, la historia mejor construída y más interesante es la primera interpretada por el ya consolidado Gael García Bernal. Tanto la segunda parte con Valeria (Goya Toledo) (la cual chirría cosa mala en la trama) como la de Daniel (Emilio Echevarría) no acaban de convencer.

La escena que a un servidor más le gusta del film es el inicio. Un arranque contundente, directo y desgarrador firmado con un estilo convulsivo que busca el realismo (y el caos de la situación) mediante la cámara en mano, un montaje adrenalítico, un gran uso del sonido, una velocidad deudora del mejor Scorsese (“Uno de los nuestros“) o Tarantino (“Pulp Fiction“) y que consigue atrapar el espectador sin darle un minuto de respiro. Tres vidas entrecruzadas mediante un accidente. Disfrútenla.

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Acción, Drama, Escenas Alejandro González Iñárritu, Gael García Bernal, Martin Scorsese, Quentin Tarantino

Os dejo con el magnífico inicio de “Scream 4” de casi once minutos de duración en donde mediante un divertidísimo ejercicio de metalingüismo cinematográfico, Wes Craven nos presenta una escena que refleja a la perfección lo que se denomina cine dentro de cine con tres capas (dos de metaficción vía “Stab” para acabar con la historia que ocurre en realidad) y que resulta de lo más generosa en cuanto a ketchup se refiere.

Dicha escena incluye puyitas a la saga “Saw” -estoy de acuerdo en que los personajes no se desarrollan de forma convincente a excepción de Jigsaw el cual sí posee un carisma especial- incluso existe un humor autoparódico marca de la casa (SPOILER el irrisorio asesino de las redes sociales, el diálogo sobre la saga “Stab” comparándola con “La dimensión desconocida” o la chica cabrona con un gusto cinéfilo pésimo que elimina de un plumazo a su charlatana -y con más sentido común- mejor amiga Anna Paquin FIN SPOILER).

Nada parece tomarse en serio en este prólogo de la saga de metaterror por excelencia. Su total falta de pretensiones unida a unos personajes voluntariamente deleznables que merecen morir y a su patente desvergüenza, la convierten en una de las escenas más logradas, divertidas y honestas del 2011, le pese a quien le pese.

Como viene siendo habitual, os la dejo en HD y en VOSE. ¡Espero que la disfrutéis como es debido!. Larga vida al slasher.

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Comedia, Escenas, Suspense, Terror, Thriller Anna Paquin, Neve Campbell, Scream 4, Wes Craven

Os dejo con el plano secuencia inicial de “Boogie Nights“, segundo largometraje de mi adorado Paul Thomas Anderson. Un plano que recuerda claramente tanto en su concepción como en su significado al de “Uno de los nuestros“ (Martin Scorsese, 1990) y en el que se nos describe el ambiente de las fiestas de alto standing en Hollywood.

La escena se inicia con casi tres minutos de plano secuencia hasta ser quebrantado (con ralentización incluída para dejar constancia de la trascendencia) por el flechazo profesional entre el director de cine porno Jack Horner (Burt Reynolds) y Eddie Adams (Mark Walhberg), un camarero del local. Pronto dicho cineasta le reclutará en el mundillo del cine X ofreciéndole un futuro prometedor. La película sirve para homenajear aunque indirectamente a John Holmes, uno de los actores porno más destacados de toda la historia que ya fue interpretado por Val Kilmer en “Wonderland“, y que saltó a la fama por sus 35 cm de miembro viril xD.

El ascenso y caída de Dirk Diggler (nombre artístico del anteriormente citado Eddie Adams) sirve a Anderson como vehículo para explorar a la gente, la moda y los eventos de finales de los ’70 y principios de los ’80. Cine coral en estado puro (con actuaciones sensacionales de todo el elenco) que repetiría y superaría en la monumental “Magnolia” (1999).

Espero que lo disfrutéis, os lo dejo en HD y VOSE.

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Drama, Escenas Boogie NIghts, Burt Reynolds, Heather Graham, Julianne Moore, Mark Walhberg, Martin Scorsese, Paul Thomas Anderson

Antes de la irrupción de Pixar con su elevada tecnología, en 1991 Disney ofreció posiblemente su clásico 2D más recordado de todos los tiempos: “La bella y la bestia“, una absoluta obra maestra del cine que combinaba a la perfección fantasía, humor, romance y aventuras en donde la importancia capital de la música era acompañada por unas imágenes de un acabado majestuoso.

Hoy en día la mayor parte de las producciones animadas (a excepción de Pixar, el Studio Ghibli japonés con Miyazaki a la cabeza, Satoshi Kon, Katsuhiro Otomo, cierto cine francés, el stop motion de Aardman Animations y Henry Selick, y contadas cintas de Dreamworks) no son más que una absurda sucesión de efectos digitales que se erigen como mera pirotécnia con fines claramente comerciales que no llegan a emocionarte lo más mínimo. Atrás quedaron la exquisita frescura y sutileza de las producciones tradicionales.

“La bella y la bestia” es un absoluto tesoro animado que logró meterse en la recta final para optar por el oscar a la mejor película (algo inaudito que ni la mismísima Pixar ha conseguido repetir, aunque no por falta de calidad en sus productos sino más bien porque desde hace años existe un premio específico para la animación y también por cierta cabezonería de los académicos).

Os dejo con el impecable final de la cinta, en HD y en VOSE. Y es que como dice uno de los temas musicales: “no hay mayor verdad, la belleza está en el interior“. Espero que la disfrutéis:

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Animación, Aventuras, Drama, Escenas, Fantástico Disney, Gary Trousdale, Kirk Wise, La bella y la bestia

Rafael (Ricardo Darín) dedica 24 horas al día a su restaurante, está divorciado, ve muy poco a su hija, no tiene amigos y elude comprometerse con su novia. Además, desde hace mucho tiempo no visita a su madre, internada en un geriátrico porque sufre el mal de Alzheimer. Una serie de acontecimientos inesperados le obligan a replantearse su vida. Entre ellos, la intención que tiene su padre de cumplir el viejo sueño de su madre: casarse por la Iglesia.

Hablar de “El hijo de la novia” es hablar de cine verdadero. Aunque algunos confunden cine sentido con sensiblería, la película de Campanella -la segunda dentro de su particular trilogía acerca de la família- es una cinta que apuesta por la emoción desde la inteligencia (aunque en algunos casos flirtee ligeramente con la sobredosis emocional), que resulta totalmente equilibrada combinando a la perfección el drama con la comedia y tratando temas como la esclavitud laboral, la tremenda separación social entre padres e hijos, la falta de compromiso, la redención emocional mediante la liberación de sentimientos reprimidos y la búsqueda de los sueños (esa tardía boda que el personaje de Alterio pretende cumplir con su amada de toda la vida).

Con unas interpretaciones majestuosas de Héctor Alterio (atención a la escena en el restaurante cuando le explica a su hijo su proyecto de boda), Ricardo Darín (como siempre, sensacional), Eduardo Blanco (el máximo exponente cómico dentro de esta propuesta) y la española Norma Aleandro, unido a una dirección tremendamente acertada hacen de “El hijo de la novia” un film más que notable, todo un homenaje al cine de buen gusto con una historia amable llena de verdades y en donde mediante personajes desnudados por las circunstancias vislumbramos la belleza de la cotidiano y el amor que merecen nuestros seres queridos.

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Comedia, Drama, Escenas Héctor Alterio, Juan José Campanella, Norma Aleandro, Ricardo Darín

Os dejo con el memorable final (el epílogo con el arácnido saltando y acabando cogido de una gran bandera yanqui prefiero ignorarlo) de la excelente e infravalorada cinta de Sam Raimi en donde Harry Osborn (James Franco) da fe de su rencor por la muerte de su padre, Peter Parker (Tobey Maguire) empieza a ser consciente de que ser Spider-man afecta a su entorno (a aquellos que más quiere), y a una encantadora Mary Jane Watson (Kirsten Dunst) declarándose y recibiendo un sorprendente no por respuesta a pesar del profundo amor que siente él hacia ella. Un gran poder conlleva una gran responsabilidad, esa es su virtud y su maldición.

Acción, Adapt. Cómic, Aventuras, Drama, Escenas James Franco, Kirsten Dunst, Sam Raimi, Spiderman, Tobey Maguire, Willem Dafoe

Cada tantos años aparece alguna película que nos hace reconciliarnos con el cine de calidad y recordarnos el por qué amamos el séptimo arte. Aunque muchos puristas no estén de acuerdo con estas afirmaciones, para un servidor el cine es ante todo emoción y alma, por encima del resto de elementos. Todo film que conmueva al espectador sin caer en la manipulación ni en efectismos baratos, creando en el espectador un vínculo mucho más potente que cualquier otro, es digno de mención. Sin duda Wall•E” es uno de ellos.

Pixar siempre se ha caracterizado por su inteligente minimalismo a la hora de mostrar tanto las relaciones como los hechos (con una economía cinematografía asombrosa), por una narración siempre trabajada (los personajes rara vez suelen estar desdibujados) y por no olvidar nunca la buena evasión para el gran público. Pixar, el perfecto paradigma de toda compañía de animación, son ante todo cineastas además de excelentes animadores, capaces de ofrecer films de una profundidad y una belleza dificilmente igualables dentro del cine norteamericano actual.

Es cierto que “Wall•E” no es una obra totalmente perfecta, pero qué más da. Posiblemente estemos ante una de las mejores películas románticas de la historia del cine. Una primera hora asombrosa de puro cine mudo (con guiño a “La quimera del oro” incluido) junto con su elegantísimo final, hacen que se olvide toda esa segunda mitad algo tediosa y carente de ritmo -justo cuando irrumpe el hombre en pantalla, casualmente los menos humanos de la trama- que rompe ligeramente con la maestría anteriormente mostrada, lo que no quiere decir que en dicha segunda parte no haya momentos de lucidez pixariana y de emoción.

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Animación, Ciencia Ficción, Drama, Escenas Disney, Pixar, Wall·E

Os dejo con una de las escenas más iconográficas dentro del J-Horror (terror japonés) la cual ha sido (y sigue siendo) objeto de homenaje, copia o directamente plagio por multitud de cintas ya sean orientales u occidentales.

La escena en cuestión es el final de la película, por tanto hay SPOILERS, quedáis avisados todos aquellos que no la hayáis visto. Y es que todavía hoy en día da verdadero mal rollo ver como Sadako abandona su pozo y sale literalmente del televisor -al contrario de lo que pasaba en “Poltergeist” donde los espíritus se llevaban a la niña protagonista al interior del mismo- para atacar a un impotente Hiroyuki Sanada, dando fe (esta vez de manera visual y definitiva) de que la maldición era cierta. La fantasía superpuesta con la realidad.

Influenciada por obras como “Kwaidan (El más allá)” y algunas de las historias japonesas de fantasmas más famosas que existen como la de Oiwa y Iemon, llena de traición, asesinato y venganza fantasmal, “Ringu (The ring)” es una de las películas de terror niponas más notables de los últimos años, capaz ella solita de hacer resurgir un género, siendo responsable del posterior boom asiático en todo el mundo y que destaca por el tratamiento de la atmósfera (la puesta en escena de Hideo Nakata es brillante, superada incluso en “Dark water“), por su inteligente control del tiempo narrativo y por su manera de introducir leyendas urbanas de corte fantástico (ese mundo espiritual y fantasmagórico) dentro de la cotidianidad que gobierna nuestro presente. Una indiscutible cult movie.

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Marie (Cécile De France), una joven de 20 años, es invitada a pasar unos días en la casa de los padres de su mejor amiga (Maïwenn). Allí, en una granja aislada, rodeada de campos de maiz, Marie y su amiga piensan encontrar la tranquilidad necesaria para estudiar. Pero no será más que una ilusión; la primera noche llega a la casa una furgoneta conducida por un implacable asesino que masacra uno por uno a los miembros de la familia. Marie decide actuar para salvar a su amiga. Empieza un trepidante duelo entre ella y el asesino.

Es cierto que “Alta tensión” posee un guión que puede parecer tramposo o inverosímil (cosa que no es del todo cierta ya que se trata de la versión subjetiva de un personaje), pero eso no quita que estemos ante un producto destacable en muchos otros apartados. Como en la mayoría de los films de Alexandre Aja, aquí tenemos a unos personajes aparentemente normales que abandonan su acomodada cotidianidad para enfrentarse a situaciones extremas en donde deberán comportarse casi como animales y cuyas existencias estarán gobernadas por la más pura supervivencia. Aja demuestra en cada plano su maestría a la hora de jugar con el tempo, alargando el suspense hasta sus límites a la vez que ofreciendo un absoluto disfrute para los amantes del terror más bruto (si amigos, los litros de ketchup no faltan). “Alta tensión” hereda con resultados más que notables la truculencia y la sequedad expositiva característica del cine de terror de los 70, visto en aquellas míticas cintas de Wes Craven, Tobe Hooper o Meir Zarchi entre otros.

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