Un pelotón de soldados al mando del sargento Tony Meserve (Sean Penn), decide hacer una locura y raptar de un poblado a una chica vietnamita para tener algo con lo que “divertirse”. Eriksson (Michael J. Fox) es el novato del grupo y ve impotente como sus compañeros, desquiciados por el horror y la brutalidad de la guerra, no tienen el más mínimo reparo en hacer lo que les da la gana, aunque ello suponga la mayor de las atrocidades.

“Corazones de hierro” (Casualties of war, 1989) supone un brutal acercamiento a la guerra de Vietnam desde una perspectiva reflexiva. Un retrato sobre el lado oscuro de la naturaleza humana, sobre la larga cicatrización de las heridas de guerra, sobre el estado de demonización que pueden llegar a alcanzar ciertas personas en un conflicto bélico cuyo espíritu y moral están totalmente corrompidos. El film ofrece un pulso memorable sobre el remordimiento, el miedo, la culpa, la angustia, la maldad, el conformismo, la ética y el orgullo. Un drama bélico de difícil visionado que suele hacer mella en los espectadores por su tremenda dureza in crescendo y la terrible injustícia e impotencia que desprende la historia narrada. Describe a la perfección un duelo entre lo racional y lo irracional, entre el respeto y la crueldad, todo desde un punto de vista tan seco y contundente que irremediablemente aflora los sentimientos más puros de aquellos que la ven. Posiblemente, (y sin ánimo de comparar) junto a “La pasión de cristo“, uno de los films más duros y dificiles que un servidor haya visto.

Actuaciones sensacionales -Sean Penn encarnando al sargento Tony Meserve como malo de la función y sobre todo Michael J. Fox como novato y ser humano más racional del grupo, siempre con un desesperado intento por hacer lo correcto para mantener los principios y el sentido de la justicia ante la adversidad de las circunstancias-, ambientación y fotografía muy logradas y una inolvidable banda sonora de Ennio Morricone.

Pero ante todo, “Corazones de hierro” es un majestuoso ejercicio de estilo que en ocasiones sigue las reglas del thriller, con una planificación de aupa, magistral dilatación en el tiempo y una puesta en escena marca de la casa De Palma. Sin lugar a dudas, una de las cintas más infravaloradas, sinceras, críticas y duras sobre la guerra de Vietnam erigiéndose como un alegato antibelicista que refleja los demonios de la condición humana y la lucha por mantener la integridad moral.

La escena que os adjunto es la del asesinato de la chica vietnamita secuestrada, una de las más duras y trágicas de la cinta, la cual empieza con un mini plano secuencia (hacia al final hay otro, se echa en falta que no sean tan largos como suelen serlo en otras de sus películas) y prosigue con un uso del montaje impecable, como de costumbre en la filmografía del cineasta, que innegablemente mantiene la tensión en el espectador. Morricone hace el resto.

Acción, Bélico, Drama, Escenas Brian de Palma, Corazones de hierro, John C. Reilly, John Leguizamo, Michael J. Fox, Sean Penn

Sin lugar a dudas, el inicio de “Dinosaurio” (2000), en donde describe el accidentado viaje del huevo, es una de esas escenas que merecen ser vistas en cine.

“Dinosaurio” consiguió unir realidad con animación con resultados ciertamente decentes (al menos para aquella época) y se agradeció su valentía visual y que Disney se atreviera con algo diferente, al menos desde el punto de vista técnico, ya que anteriormente ya había rodado muchos films de imagen real con dibujos animados integrados.

Otra cosa es la película en global, la cual a parte de irregular, desaprovechada y en exceso infantil, no dejaba de ser una especie de versión de “En busca del valle encantado” (1988) pasado por el filtro Disney, sin la frescura ni la simpatía del film de Don Bluth.

Como comentaba, la escena que os adjunto es el prólogo de la película -sin duda lo mejor de toda la cinta-, la cual también fue utilizada como teaser promocional del film y en donde destaca el sensacional score de James Newton Howard.

Animación, Aventuras, Escenas Dinosaurio, Disney

Por muchas críticas negativas que haya tenido “El libro de Eli“, no creo que sea una película tan floja y mediocre como algunos apuntan, al menos, no tan tremendamente nefasta.

Es cierto que no inventa nada ni aporta demasiado al género y su tufillo católico puede resultar poco soportable, pero es innegable que tanto el look de la película (una fotografía espléndida), una dirección eficaz de los Hughes brothers, además de apostar por rodar un film apocalíptico en clave de western o chambara asiático, tienen su mérito.

Para situarse, Eli (Denzel Washington) y su compañera van hacia el oeste en busca del lugar desde el que empezará todo (un viaje que recuerda un poco – salvando las evidentes distancias- al de otras cintas como “Hijos de los hombres“), escapando del grupo de Carnegie (Gary Oldman), un tipo obsesionado en conseguir un libro en concreto que justamente guarda Eli en su mochila. En el camino, Eli divisa una casa y antes de entrar son recibidos por una pareja de ancianos con oscuros secretos. Acto seguido, aparece Carnegie y su banda y entonces empiezan a detrozarlo todo con todo su arsenal. Cualquier cosa para conseguir tan ansiado libro.

Os dejo con justamente esa escena del tiroteo a la casa, que a mi personalmente me encanta. Vale, es un falso plano secuencia con sus trucajes, pero no deja de resultar alucinante.

Acción, Ciencia Ficción, Escenas, Suspense Denzel Washington, El libro de Eli, Gary Oldman, The Hughes Brothers

S.Guijuelo (Sancho Gracia): Pero dígame, ¿quién es usted?
Modesto Pardo (Antonio Resines): Yo soy el final de la historia.


“La caja 507” es sin dudarlo uno de los mejores thrillers que ha dado el cine español en los últimos años. Filmado con una tremenda sobriedad por parte de Urbizu, junto con un guión magnífico y unas interpretaciones (sobre todo de Resines y Coronado) de primer orden, el film se erige como una de las propuestas más destacadas dentro del cine de género.

Un retrato sobre la corrupción, sus consecuencias y sobre una venganza (metáfora de la caja 507 con la caja de Pandora), mostrado desde una veracidad y un control de ritmo digno de elogio. Sin olvidarnos de una elegante y contundente puesta en escena, dosificando siempre con maestría, muestra de la madurez como realizador de Urbizu.

Os dejo con una escena -que podríamos considerar el final- en donde vemos como Resines jamás se dejará coaccionar y seguirá luchando por vengar a su hija. Un detalle muy interesante de la escena es que antes de la conversación, cuando llegan al pasillo, hay un plano en donde vemos toda la ciudad del fondo a rebosar de obras y construcciones, dejando constancia del verdadero factor que ha generado toda esta espiral de venganza y odio: la corrupción urbanística.

Me quedo con la frase: “Quiero ver como caen las cabezas de todos los que se han hecho ricos con la muerte de mi hija“, ya que resume a la perfección las intenciones del protagonista. Nunca se saciará su sed de venganza hasta que todos los responsables hayan caído, sin importarle las consecuencias.

Disfrutar de la escena.

Acción, Drama, Escenas, Suspense, Thriller Antonio Resines, Enrique Urbizu, José Coronado, la caja 507

Alejada de la violencia hiperboleizada de cintas como “A better tomorrow” (1986) y “Hard Boiled” (1992) de John Woo o “City on fire” (1987) y “Full Contact” (1992) de Ringo Lam, “The mission” (1999) apuesta por una acción más pausada, llevando la violencia hacia un clasicismo determinado, muy propio de un cineasta del calibre de Johnnie To, todo un virtuoso de la puesta en escena.

Capaz de regalarnos planos secuencias inolvidables como los de “Breaking News” (2004) o “Exiled” (2006) y otras secuencias como la de “The mission” en donde un magistral montaje y una composición de planos tan original como económica, hacen merecedor a Johnnie To de un lugar predominante dentro del cine asiático moderno. Un cineasta que poco a poco va alcanzando una madurez impresionante en sus obras. En “The mission” consigue unir a la perfección – bajo una sobria dirección- acción, humor negro y drama en una de sus mejores películas, contando en el elenco con dos de sus actores fetiches más incombustibles dentro del cine HK como Anthony Wong y Simon Yam.

Sin duda, la escena más famosa y lograda del film en cuestión es la que tiene lugar en el centro comercial, usando las escaleras y las columnas como parte de la acción. Con un ritmo pausado y sutil, un tema musical apropiado, lleno de silencios, miradas, acciones fuera de plano y un uso del sonido magistral, To compone un mosaico de una masacre desde un estilismo difícilmente superable.

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Os dejo con el inolvidable inicio de “Man on the moon” (Milos Forman, 1999) en donde en un ejercicio puramente participativo y desafiante hacia el espectador, Forman presenta la cinta como si de una función más se tratara.

En clave de humor, vemos un falso final que no para de encallarse (como la vida del propio humorista) para finalmente dar paso a sus recuerdos de la infancia grabados en super 8. Una escena para el recuerdo con un Jim Carrey camaleónico y absolutamente magistral. Uno de los prólogos más divertidos y brillantes que un servidor haya visto (finalizando con música de REM, casi nada).

¿Todavía hay quién duda del enorme talento y versatilidad de Jim Carrey?.

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Aunque considere a “Crash” (2004) como uno de los máximos exponentes del fatalismo invosímil prevaleciendo en la mayoría del metraje la trampa y la manipulación emocional al cine astuto y verdadero, sí rescataría dos escenas que gracias a su potentísima (y conseguida) fuerza emocional consiguen no solo estremecerme sino rendirme ante ellas. Dos escenas que claramente están muy por encima del resto del film.

Dichas dos escenas serían aquella en donde Daniel (Michael Peña) le cuenta a su hija la historia de una capa mágica y la del accidente de tráfico entre Matt Dillon y Thandie Newton. Ésta última es justamente la que me parece más detacable y la que os adjunto a continuación.

En la escena podemos ver como John (Matt Dillon), un polícia corrupto que anteriormente había abusado de Christine (Thandie Newton), se reencuentra con ésta en una situación límite. Debe salvar a la mujer que hace apenas días fue su víctima. Escena portentosa (eso si, la explosión final sobraba mucho), con un control del ritmo genial y un face-to-face entre Dillon y Newton inolvidable. La redención del perfecto polícia corrupto. Las segundas oportunidades que en ocasiones brinda el azar.

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Pocos directores hoy en día son capaces de ofrecer productos de un nivel tan óptimo como David Fincher. Quizás “La habitación del pánico” (2002) no sea su mejor película (indudablemente ese honor le pertenece a “Zodiac“), ya que tenía un target más comercial de lo habitual en su carrera, pero personalmente considero que resiste increiblemente bien al paso de tiempo e incluso gana revisionada años después. Una película que merece ser recuperada, revisionada y reanalizada.

“La habitación del pánico” es de aquellas cintas en dónde claramente importa más la forma que el contenido, en donde la atmósfera opresiva y claustrofóbica (acentuada con esos tonos metálicos-verdosos) es un personaje más, la cual unida a un trabajo con el sonido fantástico consiguen que nos sumerjamos en ese microcosmos (casa) de angustia y terror.

La escena que os adjunto es una de las más logradas de la película, formalmente hablando. Meg (Jodie Foster) y su hija Sara (Kristen Stewart), encerradas en la habitación acorazada, aprovechan el momento en que los ladrones discuten un piso más abajo, para salir e intentar encontrar el móvil para poder pedir auxilio. Una secuencia que recuerda a otro gran maestro: Brian De Palma, en saber jugar con elementos tan esenciales como la cámara lenta y el montaje en paralelo de forma talentosa. Porque reconozcámoslo, el montaje de dicha escena es para quitarse el sombrero. Lección sobre cómo crear suspense mediante el montaje. El poder de la imagen por encima de la palabra. Una pequeña joya maestra.

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“La niebla” (1980) es posiblemente una de las cintas más olvidadas e infravaloradas de la filmografía de John Carpenter.

Una historia de terror rural sobre fantasmas siguiendo los cánones clásicos, con una atmósfera y una fotografía tremendamente conseguidas, actuaciones decentes (sobre todo Hal Holbrook) y con una dosificación (siempre huyendo de cualquier exceso) y una tendencia a la sugerencia, de agradecer.

Recordemos la historia tenía lugar en Antonio Bay, ubicado en la costa de California. Mientras sus residentes se preparan para las celebraciones del centenario de la ciudad, la tripulación de un viejo barco aparece brutalmente asesinada. Al mismo tiempo, en el mar, una misteriosa niebla que oculta un mortífero secreto comienza a desplazarse inexorablemente cada noche hacia la costa. Según una leyenda local, estos extraños sucesos están, aparentemente, relacionados con un terrible acontecimiento sucedido hace cien años. A medida de que, por fin, el día del centenario se aproxima el horror se acerca a su clímax.

La escena que abre el film (tras una cita de Poe que le va como anillo al dedo) es capaz de en tres minutos y medio mediante una ghost story de aquellas que se cuentan a la luz de una hoguera, dar muestras de las verdaderas intenciones del film.

Un viejo lobo de mar -fantástico John Houseman- contando la leyenda del barco Elizabeth Dane a un grupo de chicos que rodean el fuego. ¿Cuántas películas salen airosas al plasmar en pantalla una buena historia, de esas que se cuentan al calor de una hoguera?. Más bien pocas, pero ésta es una de ellas. Una escena antológica.

Escenas, Suspense, Terror Jamie Lee Curtis, John Carpenter, La niebla

A día de hoy, “En busca del arca perdida” (1981) todavía sigue siendo el perfecto paradigma del buen cine de aventuras. Una cinta que bebe de los seriales de los años 30, y que combina como ninguna otra acción, aventuras, humor, fantásticos efectos especiales e interpretaciones la mar de majas. Y es que de la unión de Spielberg, Kasdan y Lucas salió uno de los personajes más míticos e iconográficos de la cultura cinematográfica de los últimos años.

El film se inicia con uno de los mejores prólogos que ha dado el cine. El logo de la Paramount se mimetiza con una montaña de una remota región de América del Sur. Allí asistimos a la presentación (dotada de mucha fisicidad) del personaje principal, primeramente apareciendo como un hombre siempre entre sombras, misterioso, masculino y duro. Indiana es presentado enseñando primero su principal arma (el látigo) para posteriormente salir de las sombras y mostrarse al público. La figura enigmática convertida en héroe de la trama. A la vez, poco a poco nos van describiendo el entorno y los personajes que rodean a Indiana sin dejar de lado generosas dosis de aventura, misterio y emoción.

Podríamos decir que este prólogo es un ejemplo sobre cómo presentar y definir a un personaje en apenas minutos, ya que las bases sobre las que se sustenta el resto de la película están descritas en estos primeros minutos. Desde la recuperación del héroe clásico masculino, el fatal desenlace para los traidores, los artilugios identificadores del personaje principal que refuerzan su condición heroica (sombrero, látigo y cazadora de cuero), sus puntos débiles que rompen la seguridad del héroe convirtiendo esa dureza en humanidad e indefensión (posteriormente nos describen su ofidiofobia -miedo a las serpientes-) hasta su particular rival, el arqueólogo Belloq (todo héroe tiene un villano), con quién mantendrá un intenso duelo a lo largo de todo el metraje.

Serpientes, trampas, rocas gigantes, bichos, reliquias, aventuras. ¿Qué más se puede pedir?.

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