Es bien sabido que el panorama de la cinematografía española no pasa por un buen momento y, en muchas ocasiones, nos inundan con proyectos que solo aportan vacuidad y desinterés al espectador, salvo casos contados, y El camino de los ingleses, es una clara excepción a ello, aunque a muchos les pese estas palabras xD.

Sin haber leído la novela homónima ni visionado la anterior y, según dicen, recomendable cinta de Antonio Banderas, Crazy in Alabama, para un servidor, este film supone el primer acercamiento a la corta obra como realizador del actor malagueño y, bajo el humilde punto de vista de un aspirante a crítico amateur, la cinta realmente causa una buena impresión, consigue alzar el vuelo del, en términos generales, falto de talento y cansino cine nacional, y transforma el habitual hastío en alegría por poder descubrir un film tremendamente interesante y realizado con un formalismo ejemplar.

A lo que a uno le lleva a expresar que la película constituye un pequeño punto de inflexión dentro de la mediocridad habitual de estrenos nacionales, porque, si bien es cierto, cada año existen films españoles de calidad, pero cuantitativamente no compensa.

Con grandes dosis de cinefilia y referencias que van desde el cine de Almodóvar (algo muy evidente, ya desde el propio cartel de la película), el cine indie americano e incluso a David Lynch, por sus numerosos y conseguidos momentos oníricos, Antonio Banderas compone una obra muy interesante y muy personal, con algunos fallos narrativos que crean cierta confusión, con algunos personajes que podrían estar algo mejor perfilados pero que ello queda medio perdonado por la grandísima puesta en escena, el riesgo de su propuesta, algunas de las actuaciones, el uso del color en el film, el juego focal que sinceramente es fascinante y una música que se mueve entre la clásica cuerda y el jazz.

El film nos habla sobre el juego de la vida, y como la misma está controlada, queramos o no, por el azar. Un azar que es tan variable como el tiempo, para bien o para mal, como nos intenta comunicar el narrador, curiosamente un locutor primerizo de radio, encarnado por un decente (quien lo iba a decir!) Fran Perea, como si de una crónica radiofónica más (a los espectadores) se tratase.

Narrativamente hablando, es mejorable y, como algunos films corales, al tener tantos personajes y tantas situaciones, se tiende a no construirlos perfectamente a todos, lo cual lleva a momentos en donde la narración se vuelva confusa. Ello hace que el ritmo decaiga por alargar determinados pasajes que deben aportar nostalgia a Antonio pero que al espectador hacen retrasar la trama y convierten el ritmo de la cinta en un pelín irregular.

Se pueden substraen ciertas lecturas interesantes de la trama, pues el film no solo nos habla del amor, sino también del autoconocimiento, de la muerte, de la trascendencia de la misma, de aprovechar la vida, de abrir los ojos (es decir, madurar), del deseo, de la traición, de dejar atrás el pasado, de la culpa, de la liberación como ser y, por supuesto , de las dos caras de la fortuna.

Como se ha mencionado anteriormente, lo más destacable del conjunto es su formalismo, el como está contada la historia por encima de lo que cuenta. El inteligente uso del desenfoque es una de las señas del film, véase por ejemplo tras marcharse el personaje de Marta Nieto del coche de Paco (Félix Gómez), ese juego que se hace con las luces desenfocadas transformando dos en una, como si esa separación diese esa libertad corporal y espiritual al personaje masculino, y quizás también al femenino. Estos detalles son los que enriquecen la obra.

Pero si hay algo que realmente merezca la pena, para un servidor, son los momentos oníricos y, en ocasiones, surrealistas de la película, totalmente (y salvando mucho las distancias) dedudores del gran Lynch, Hitchcock (recuerden Vertigo y sus minutos bizarros) e incluso de Buñuel, los cuales contienen una puesta en escena memorable, unos planos tremendamente elaborados con un encuadre medido, un uso del sonido fabuloso y unos dialogos que hablan por sí solos. Es lo que dota de “ese algo más” al film.

Mención a parte, tendría lo aportado en temas fotográficos por el gran Xavi Giménez, uno de los mejores profesionales de este país en estos ámbitos, el cual juega con el colorido, en ocasiones, con el abuso de contraste (aunque no tanto y tan a menudo como el encasillado, fotográficamente hablando, Janusz Kaminski) y las escenas nocturnas con cierta luminosidad amarillenta. En donde el trabajo de Giménez cobra mayor relevancia y protagonismo es en las escenas surrealistas, en donde, a parte del uso de filtros, contienen unos contraste de luz realmente impresionantes (véasen las escenas de la sala de quirófanos, o las secuencias entre Alberto Amarilla y Victoria Abril). Posiblemente, este año se lleve el Goya por tan magno trabajo, de hecho, por su trayectoria con Filmax y otras producciones ya va siendo hora que sea premiado, aunque ya es bien sabido el poco valor que puedan tener premios de esa categoría.

Las actuaciones son bastante decentes y la del personaje principal, interpretado por Alberto Amarilla, una buena interpretación aunque quizás algo contenida en demasía. Encuentro ciertamente más natural a Raúl Arévalo. Lo poco que sale el gran Juan Diego, está bien. En cuanto a María Ruiz, la cual me recuerda físicamente mucho a alguien más o menos cercano, construye más o menos bien su personaje, pero le falta algo. Aunque hecho en falta una mayor identificación emocional por parte del espectador con los personajes, denoto cierta frialdad en el film.

Sobre el plano final, permítanme decirlo, es magnífico, como perpendicularmente se entrecuzan Miguelito (Alberto Amarilla) y Luli (María Ruiz), visualmente representando a dos personajes destinados a no estar juntos, dos almas quizás malditas y ambas con amor a sus pasiones respectivas (la poesía y el baile).

Quizás producto de ser el primer visionado o no, considero que estamos ante una película interesantísima, atípica en el cine español actual (digan lo que digan) y que impulsa, de una mejor o peor manera, al espectador a reflexionar sobre algunas etapas de la vida.

Quizás pueda parecer un film pretencioso y que oculta su vacuidad en su lograda puesta en escena, pero particularmente opino que es una buena película pese a sus fallos, con momentos de un riesgo cinematográfico elogiable, tal y como está el cine nacional.

Críticas, Drama Antonio Banderas, El camino de los ingleses

The Astronaut Farmer narra la historia de un astronauta de la NASA (Billy Bob Thornton), que se retira obligadamente de su trabajo para tratar de salvar la granja de su familia. Sin embargo, el antiguo astronauta no puede olvidar su sueño de viajar al espacio y comienza a fabricar su propio cohete. En contra de tomarle por loco, el gobierno tratará de detenerle por todos los medios.

Lo cierto es que es realmente interesante a priori, no solo por el magnífico casting (Billy Bob Thornton es uno de los grandes actores y de los más injustamente infravalorados) sino también por binomio que forman los Polish, directores y guionistas de esa autentica joya semidesconocida, fotográficamente espléndida, olvidada pero fascinante Northfork, la cual, si no han visto, se la recomiendo encarecidamente.

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Tras la excelente Cinema Paradiso o las decentes Malèna y La Leggenda del pianista sull’oceano y tras 6 años de inactividad, nuestro amigo italiano Giuseppe Tornatore se ha vuelto muy hitchcockiano en su nuevo film, presentado en el reciente festival de Roma: La sconosciuta.

Se pueden observar, solo por el trailer, claras referencias a films como por ejemplo Vertigo, Los pájaros o Vestida para matar‘ de De Palma, pues el hecho de que el film sea hitchcockiano lógicamente conlleva ser depalmiano.

También podemos ver que contendrá una fotografía realmente oscura, sin olvidarnos de ese música absolutamente herrmanniana.

Esperemos encontrarnos algo realmente interesante, desde luego, por el trailer lo parece. Actualmente, prepara para el 2008 Leningrad, de nuevo, en tareas de realización y guión.

Drama, Thriller, Trailers Giuseppe Tornatore, La desconocida, La sconosciuta

AVISO: Esta critica contiene spoilers que destripan el argumento de principio a fin, quien no haya visionado el film queda avisado.

Unas estadísticas de los cómics vendidos al año y del tiempo que se emplea en leerlos abren el film dan paso a uno de los flashbacks que se nos irán presentando a lo largo de la película. En unos grandes almacenes por el año 1961, nace un niño, el cual, no cesa de llorar.

La madre y los allí presentes asustados buscan a un médico que les atienda cuanto antes. El médico que les asiste no sale de su asombro al comprobar que ese niño tiene brazos y piernas rotas con multitud de fracturas. Shyamalan nos presenta por primera vez a Elijah (de niño) reflejado desde el vidrio de la habitación, y como luego explicaré, usará el reflejo en un cristal siempre que nos presente de nuevo a este personaje (más conocido posteriormente por los niños como Don Cristal). Antológica escena inicial que finaliza con un crescendo en la portentosa música del siempre genial James Newton Howard. Uno de los inicios más sabios e impactantes visto en años.

Tras el inicio, aparece ya el que será el protagonista, David Dunn, cuya profesión es de guardia de seguridad en un estadio de fútbol, interpretado por un colosal Bruce Willis (un actor a reivindicar por sus últimos trabajos). David Dunn está en un tren desde New York con dirección a Philadelphia, el tren 177.

Shyamalan, ahí ya comienza a presentarnos algún que otro detalle absolutamente destacable, como puede ser la cámara subjetiva por parte del espectador (véase esos planos entre los asientos delanteros siguiendo a Willis, como si nosotros fueramos un pasajero más viendo la acción desde nuestras propias pupilas). Planos tomados como si de una 3a persona se tratara. Posteriormente en el film veremos más uso de esta particular manera visual de rodar. En el tren, al lado de David, se sienta una chica de buen ver, y de algún modo, algo torpemente intenta medio ligar con ella. Muchos pensarán, “¡qué escena tan tonta, no aporta nada!”, pero yo ni mucho menos lo veo así, aporta muchísimo, el hecho de que David se quite el anillo, con solo esa escena, nos está indicando sin decirnoslo explícitamente que es un hombre casado pero que su relación no va bien, y quizás esté llegando a su fin.

Luego ocurre un accidente, el cual ha sido sentido o notado minutos antes por David (véase esa escena de su rostro girándose, como si notara que fuera a ocurrir algo malo). La toma siguiente, es una de las tomas más inteligentes que haya visto en mucho tiempo, una toma estática, con un encuadre medido y que juega con la profundidad de campo de una forma escandalosamente eficaz. Es la escena en donde a David Dunn sentado en una camilla junto a un médico, en donde éste le comunica que ha sobrevivido al accidente del tren en donde viajaba y que no se explica como no solo ha sobrevivido sino que como es que no tiene ni un solo rasguño.

Pero, fíjense como lo hace Shyamalan: Nos muestra a David (Willis) en el fondo con el médico, con un primer plano desenfocado de un herido en una camilla cubierto por una sabana del hospital, ese herido es el único superviviente junto a él pero está crítico y se está muriendo. Mientras el médico y David están hablando, en ese primer plano desenfocado vemos como se amplia poco a poco una mancha roja (sangre) sobre las sábanas indicándonos que está muriendo, un recurso puramente hitchcokiano, se nos da información por 2 bandas, eso es jugar en un mismo plano, dar la máxima información todo ello con una elegancia superlativa y ahorrando tomas innecesarias.

La impactante notícia sobre el accidente y su enigmática salvación dejan a David en un estado extraño de semishock. Al salir de la consulta médico le esperan a parte de periodistas, su mujer Audrey y su hijo Joseph, primera aparición de Robin Wright Penn y Spencer Treat Clark. Una escena fabulosa pues Joseph une las manos de sus padres para a ver si con eso se puede recuperar la relación de una vez por todas, al girarse Joseph, separan sus manos, síntoma claramente visual de que la relación entre ambos es prácticamente insalvable, ni aún con una casi tragedia de por medio se puede recuperar a priori (Shyamalan como siempre todo de forma muy visual).

Se celebran la misa por las victimas del accidente en el tren 177 en donde hay más de un centenar de muertos. David acude a ella. A la salida de la misma, se encuentra una nota de Limited Edition en el parabrisas, en donde está escrito: “¿Cuantos días has estado enfermo en tu vida?“. El plano concluye con un bello centital.

Tras recibir esa carta y antes de ir a Limited Edition, David pregunta a su mujer (R. Wright Penn) si se acuerda ella de si él ha estado enfermo alguna vez. Ella responde que se lesionó y no pudo volver a jugar a fútbol, pero no recuerda si ha estado enfermo o ha tenido algún catarro alguna vez. David no logra comprender porque no puede recordarlo, Audrey, su mujer, le insta que “Puede que estemos demasiado cansados para acordarnos“.

Saltamos, con otro flashback, al año 1974 y se nos presenta a Elijah, ya con 13 años, de nuevo reflejado en un vidrio (en este caso un televisor), en una escena absolutamente con encuadre fijo, toda reflejada desde la televisión y que podemos apreciar a un Elijah con el brazo roto, que va con muletas y que ha perdido toda esperanza y ganas de vivir y mejorar. Su madre, intepretada por Charlayne Woodard, no sabe que hacer con él, está preocupada, a la vez le dice “Si actúas así ahora y tienes miedo, jamás te podrás retractar. Tendrás miedo durante toda tu vida“, y le busca motivaciones. Le promete que si hace todos los días un esfuerzo en bajar al banco de la calle, allí le estará esperando un cómic nuevo. Ahí nace la gran pasión de Elijah Price: los cómics, pasión que se convertirá en obsesión. Como bien decía anteriormente, Shyamalan nos vuelve a presentar a Elijah reflejado en un cristal (reflejado en lo que más se parece, algo frágil pero peligroso a la vez), una forma de presentar a un personaje simplemente magistral. Recalcar la frase que dice el niño a su madre del porque no quiere bajar a la calle: “Los chicos me llaman Don Cristal porque soy asi de frágil“.

Volviendo a la época actual, tercera y última presentación de Elijah Price, interpretado ya esta vez por Samuel L. Jackson (en uno de sus mejores papeles en el cine, todo haya que decirlo), y en esta ocasión reflejado en el vidrio de un cuadro de su galeria de arte de novela gráfica, es decir, de cómics, llamada Limited Edition. David, junto a su hijo, van alli a visitar a tan extraño personaje para averiguar el porqué de la nota encontrada en el parabrisa y que citaba la frase anteriormente dicha (si habia estado alguna vez enfermo).

Elijah, comenta a David que él buscaba una combinación de palabras (único superviviente), que de los desastres que ha habido es la primera vez que da con ello, y él puede ser la persona que estaba buscando. Él quiere ayudar a descubir la verdadera identidad de David para a la vez saber su propia identidad. También prosigue diciendo el porque buscaba alguien así: porque cree que debe haber alguien como él pero opuesto, es decir, en la misma curva pero al otro lado del espectro. Elijah explica a David la afección que padece, una enfermedad genética grave llamada Osteogénesis imperfecta que consiste en que no fabrica cierta cantidad de proteinas y sus huesos tienen muy poca densidad, y lógicamente, se rompen con mucha facilidad.

A lo que concluye con una de las frases del film: “Si hay alguien igual a mi en el mundo y estoy a un lado del espectro, ¿porque no puede haber alguien opuesto al otro extremo, alguien que no enferme, que no se lesione como los demás y probablemente él ni lo sepa, la clase de persona que hay en los cómics, puesto aquí para proteger a los demás, cuidarnos“. Como bien dice Elijah:”¿Por qué será que de todas las profesiones del mundo, ha elegido la protección?“.

Destacar también la escena en que Elijah persigue a un señor del que David por instinto supone que lleva un arma con unas caracteristicas especificas. Véase la buenísima escena de la caída por las escaleras y la forma de presentarnos las escaleras para el personaje de Elijah, casi como algo terrorifico, hiperbólico o inalcanzable. Unos planos simplemente perfectos.

Sin dudarlo, El protegido es el camino de un personaje (David) para autoconocerse y para aceptarse. El conocimiento de esos poderes que por falta de o bien autoestima o bien autocreencia no han sido desarrollados, el poder de saber por instinto si una persona ha hecho algo malo, es su habilidad, su gran poder como por ejemplo el volar para Superman o la elasticidad y los poderes arácnidos para Spider-man, pero en este caso algo mucho más creíble, posible y cercano.

En esta búsqueda del autoconocimiento y de la razón por la que está en este mundo, David regresa a su escuela para informarse si estuvo enfermo o si sufrió alguna lesión. La respuesta es No, pero si que hubo un accidente en la piscina, estuvo 5 minutos sumergido y estuvo a punto de ahogarse, quedando con el paso de los años como una falsa leyenda urbana del colegio contada entre los críos. La entrevista con la directora concluye diciendo: “¿Sigues teniendo fobia al agua?”. Ahi Shyamalan ya nos explica cuál es el punto débil de David: el agua. Es su particular kriptonita

Ese autoconocimiento lleva a David a las pruebas de peso, ¿Cuánto realmente puede levantar?, a acordarse de como salvó del accidente automovilístico a su esposa, de como nunca se lesionó y optó por dejar el fútbol únicamente por amor (negándoselo a su mente durante años), a comprobar y redescubrir su fobia al agua y sobretodo a saber el porque de la tristeza que le invade todas las mañanas, porque … ¿realmente hace lo que debería estar haciendo alguien como él?.

Su vida familiar está dañada, sus relaciones matrimoniales son casi un sonado fracaso pero todo puede cambiar. Como bien decía Peter Parker en Spider-man, “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad, Ésa es mi virtud y mi maldición“, renunciando a Mary Jane por su compromiso con la sociedad, pues algo parecido le ha estado ocurriendo a David Dunn estos años, aunque en este caso compatibilizará ambas cosas, como se verá.

Elijah le dice que su gran punto débil es el agua, como el suyo es su enfermedad (fisica y mental ojo). David replica diciendo: “Los héroes no mueren así,las personas normales si“, dándose una existencia normal y negando sus dotes fantásticas y únicas. Elijah le invita a comprobar su don y a iniciar su verdadera misión en este mundo: salvarnos, protegernos, cuidarnos. Elijah concluye diciendo “La vida real no cabe en las viñetas que se dedicaron para ella“, queriendo decir a David que la vida real no es como en los cómics, es dura, cruel, imprevisible y en donde no habrá segundas oportunidades. Ser un héroe en esta vida no es algo fantasioso o divertido, es algo peligroso y sobretodo duro.

Tras acabar con el autodescubrimiento y por fin saber su lugar en este mundo, acude a una galeria en casa de Elijah en donde al fin se dan la mano, y este es el momento en que conocerá a fondo a su, hasta ahora, amigo. Un personaje absolutamente loco, con ideas obsesivas, capaz de cometer atentados terroristas con el único fin de encontrar a su opuesto, con serios problemas emocionales y mentales y con una sangre fría que aterra. Citando las frases de Elijah: “¿Sabes lo que más miedo da?. No saber cual es tu misión en este mundo, no saber porque estás aquí. Es una sensación horrible“. Un personaje atormentado, aislado socialmente, con una inteligencia y elegancia extremas pero con una bondad escondida por el temor, por el miedo a sobresalir de su pena, de su enfermedad, de su cobardia ante la vida. Un personaje rico en detalles y excelentemente creado por Shyamalan e interpretado por Samuel L. Jackson. Una persona que cree que su vida, su existencia es injusta y busca explicaciones al porque es asi, la explicación la encontró en los cómics y la esperanza en David Dunn.

Al enterarse de quien es realmente Elijah y lo que ha hecho, David Dunn no querrá saber nada más de él, fueron amigos como también lo fueron Clark Kent y Lex Luthor o Peter Parker y Harry Osborn, pero ya nunca podrán volver a ser lo que fueron. Sus ideas, sus principios y su concepto de la vida es absolutamente opuesto y ,ante eso, no habrá nada que hacer.

Un final maestro sin dudarlo, que si bien, no creo que dé un giro radical a la historia, aunque si la dota de aún más calidad si cabe.

Shyamalan nos describe en El protegido la historia de 2 autodescubrimientos, el de un héroe (David (Bruce Willis)), con sus problemas emocionales, personales , de familia, con sus imperfecciones y con sus grandes dudas existenciales, un villano (Elijah (Samuel L. Jackson)) con un problema de identidad grave, problemas mentales e ideas enfermizas, un personaje opuesto al “héroe” de la función en casi todo.

Veamos, el director nos presenta a 2 personajes totalmente opuestos en muchos aspectos incluidos fisicos. David es blanco, calvo, saludable, nunca ha enfermado o lesionado, buena persona, fuerte como una roca pero bondadoso, viste informal y discreto, sin grandes alardes económicos, noble, se dedica a proteger a los demás, tiene mujer e hijo, con una infancia en apariencia normal; por el contrario Elijah es negro, con pelo, enfermo de por vida, ha sufrido más de 50 lesiones y fracturas, siempre ha estado enfermo, frágil pero peligroso como un cristal, viste de forma elegante, tiene una buena fortuna, falso, sacrifica a los demás por sus intereses, mala persona, sin familia propia exceptuando a su madre y con una infancia tormentosa e infeliz.

Estamos ante una lucha entre el bien y el mal de una forma sabia, realista y ante todo inteligentísima, una película llena de sabiduria y detalles preciosos sobre la existencia humana y sobre los problemas de saber quién realmente somos y porque estamos aquí.

No solo en eso se nos diferencia a tan opuestos personajes. Fijaros en la fotografía, extraordinaria por cierto, de Eduardo Serra. Con el personaje de David Dunn pasa de tonos apagados a mucho más calidos a medida se encuentra a si mismo, con Elijah es todo lo contrario pasa de esos tonos cálidos a prácticamente azulados (con tonos cercanos a su color favorito: el violeta) a medida que va llegando su hora final. El porque del tono oscuro hacia el final del film con el personaje de Elijah tiene su explicación: Una vez David sabrá su verdadera identidad no habrá vuelta atrás, nada será igual, nunca jamás podrán volver a ser amigos ni volver a sacar lo poco bueno que tenia, para él es una satisfacción saber el porque está aquí en el mundo pero una pena el perder esa pequeña porción de bondad que le quedaba.

También cabe destacar el vestuario, David viste casi siempre de claros, verdes y azules (el chubasquero que usa para la lluvia y que es metafóricamente usado como “traje de superhéroe”), en cambio Elijah viste no solo mucho más elegante sino siempre de prendas oscuras ya sea negro o sobretodo violeta (el color de la realeza y de la distinción).

El protegido supone no solo una excelente cinta de corte fantástico sino un apasionante drama humano, una historia también sobre el bien, sobre las personas a las que se aprecian, ¿porque de que sirve proteger a los demás si tu vida está rota?. Un drama humano en donde también está la otra cara de la vida, la de un personaje que nació sin oportunidades de ser igual a los demás, objeto de la injusticia del azar y que la desesperanza y la falta de cariño y compañía han alimentado una mente de obsesiones hasta convertirla en enfermiza. Es un villano malvado pero que también desprende pena al espectador.

Algunas de las escenas eliminadas son simplemente increíbles, yo destacaría 2. La escena de la ducha en donde David llora de rabia interior con una actuación de Willis impresionante, y un flashback que traslada al año 69, que fué descartado, en donde Elijah Price, aún de niño sube a una noria y todo ello se convierte en un absoluto infierno, 2 escenas dignas del montaje final pero que se cayeron en la sala de montaje supongo para el bien de la fluidez narrativa y del ritmo de la cinta.

En el aspecto técnico, la película es insuperable, reitero, insuperable. La dirección es de lo mejor que he podido ver en los últimos años. Unos planos medidos, un encuadre tremendamente sabio, un uso de los planos cenitales, picados, cámara subjetiva (3a persona) y contrapicados, no solo novedoso sino de una elegancia asombrosa. El film rebosa de clasicismo por los 4 costados y no contiene ningún tramo fuera de lugar, mal realizado o mal montado. Un auntentico sacrilegio no nominar al director al oscar por este trabajo, incluso se permite hacer un homenaje al revés de Psicosis de Hitchcock (esa escena en donde la cámara gira hasta llegar a un primer plano del ojo de Samuel L. Jackson para hacer un encadenado con el logotipo circular de la empresa en donde trabaja R. Wright Penn, ¿No os recuerda a la famosa escena del el desagüe (circular) encandenado con el primer plano del ojo de Janet Leigh muerta en la ducha?). El montaje, como he dicho anteriormente, es fantástico y las escenas están perfectamente intercaladas. La fotografía de Eduardo Serra, una joya, perfectamente nominable, un uso fotográfico peculiar para ambos personajes incluso para las escenas de colores cálidos, basandose en la paleta colorista usada para los cómics. La música de James Newton Howard una obra maestra, minimalista, con muchísima fuerza y única. Una enorme partitura que no solo se dedica a acompañar la pelicula sino que la engrandece como buena banda sonora.

Las actuaciones son colosales, Bruce Willis realiza, para mí, la actuación de su vida, memorable creación, por no hablar del siempre excelente Samuel L. Jackson que aquí también logra uno de sus mejores y más complicados personajes de su carrera cinematográfica. Robin Wright Penn está decente aunque su papel es tremendamente secundario, Spencer Treat Clark, que hace del hijo, está como siempre horroroso, casi al nivel del cameo del gran escritor y director, pero reconozcámoslo, pésimo actor llamado M. Night Shyamalan.

Solo me queda por decir que El protegido la considero no solo una obra maestra y la mejor película con diferencia de su realizador, sino un joya del cine contemporáneo, de una originalidad sin límites y de un riesgo cinematográfico a nivel de dirección y guión simplemente ejemplar.

Recordar que El protegido formaba parte de una trilogía inicial, compuesta por una primera parte en donde se conocian los poderes, una segunda parte que luchaba contra el mal, y una tercera parte que luchaba contra su villano. Tristemente o no (porque quizás sea mejor así), jamás veremos la trilogía completa, o eso parece. No creo que nunca le den luz verde a Shyamalan para hacer una trilogía tan arriesgada en los tiempos que corren y más cuando la primera parte no obtuvo el éxito esperado.

Pero eso da igual, el hindú nos ha regalado una obra maestra que no solo es original y valiente, sino tan real, dura y emotiva como la vida misma. La mejor película sobre lo que es realmente un superhéroe, una autentica radiografía de un personaje imperfecto, y de su opuesto.

Una de mis películas favoritas.

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Wong Kar-Wai en la dirección, Christopher Doyle en la fotografía y Tony Leung y Maggie Cheung en facetas interpretativas, componen una sinfonía minimalista sobre un amor tan profundo como impalpable, un amor contemplativo (de miradas que hablan) más que físico; una historia de amor atípica, novedosa y de una calidad artística sinceramente insuperable.

Pura poesía visual. Inolvidable escena con el tema “Yumeji’s Theme” de Shigeru Umebayashi.

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” I´ve seen things you people wouldn’t believe, Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched C-Beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate. All those… moments… will be lost in time like tears in the rain… Time to die.” Roy Batty (Rutger Hauer)

Inolvidable escena entre Deckard (Harrison Ford) y el replicante Roy Batty (Rutger Hauer).

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¿y esta es la película independiente del año?. Juas! En parte, y aunque no llegando a esos límites, me ha recordado al caso del film-despropósito Monster, un telefilm que pretendía hacerse pasar por una película indie, cuando en realidad, estaba llena de mediocridad por todos lados, incluyendo realización y actuaciones, porque soy de los que piensan que la sobreactuación de Theron es tan monstruosa como su personaje.

No se engañen, Pequeña Miss Sunshine, no es ni la joya que pretenden vender, ni siquiera una buena película independiente; simpática lo es, pero poco más. Además que, un servidor, sigue sin comprender como este telefilm (si, porque cumple con muchos de los parámetros que caracterizan a los mismos) haya podido conseguir premios importantes en festivales de un supuesto prestigio como Sundance o San Sebastian y a lo que a uno le lleva a replantearse como se configuran los jurados de los festivales, ya que últimamente parecen no casos aislados (véase hace unos años como “directores” como Michael Moore ganaban la Palma de oro en Cannes arrebatándosela injustísimamente a Park Chan-Wook o sin ir más lejos, lo de este último año en Sitges, un palmarés que ni cristo entendía en algunas secciones).

Volviendo a nuestra “querida” pinicula, la misma en si, no es más que una road-movie, con un exagerado estilo semi-indie, con cámara en mano y todas esas cosas, que están muy bien si se usan para dar un toque documentalista o realista a la trama, véase el ejemplar uso de la cámara en mano en Hijos de los hombres o en algunos tramos de la excelente Como ser John Malkovich, pero en Miss Sunshine sirven intentar engañar al espectador de que está viendo una joya indie de esas la mar de cool, cuando en realidad, estamos ante un telefilm de sobremesa, simpático pero lleno de clichés, con personajes tremendamente estereotipados y momentos de lo más forzado e inverosímil.

Y es que creo que el problema de esta pequeña producción, radica en que está creada y concebida como un film de Hollywood, si, no les engaño, asi está concebida, y si me apuran mucho, pensada para los oscars o los ISA, pues contiene más de un tramo tremendamente academicista y de regusto oscaril (y eso tiene delito en un producción que se las da de indie rompedora).

También quería recordar, que la fabulosa música del film, no es propiamente un score (la parte de M. Danna si), más bien una variante , prácticamente calcada, de un disco del fantástico grupo ruso DeVotchka, algo parecido a lo que hizo en su dia Yann Tiersen con Amélie y su disco anteriormente editado. El hecho es que, Liev Schrieber ya hizo uso de la música de este gran grupo en la muy recomendable Everything is illuminated, con Elijah Wood de protagonista.

A parte de los tremendos y numerosos fallos que uno ha podido ver en un primer visionado, no todo es maligno en esta pequeña no gran obra, pues dispone de personajes frikis, mal construidos y muy desaprovechados en algunos casos, pero con cierto encanto. No son creíbles, sus reacciones son forzadas y no dan el pego como “familia yanki chunga de esas que están rotas y destruidas con las que hay poco que hacer”, pero caen en simpatía, eso sí, poco más. El acertado final, dota de un poco de gamberrismo a la cinta (ya le hacia falta tras unos mediocres 99 primeros minutos) y se recurre a un número musical del todo inesperado que da cierto toque de calidad a la cinta, pues, con él, se pone en entredicho todo el metraje anterior y expresa claramente la tontería del viaje en sí, aunque haya servido para muchas cosas (entre ellas, deshacerse del abuelo cocaínomano, o el que el nietzscheano mudo, al fin hable y ya pueda expresar y “descubrirnos” lo horroroso que es el mundo y lo mal que va todo. ¡menuda novedad, tio!).

Lo más remarcable del film, lo único debe ser, es la metáfora tan curiosa de la furgoneta, que deben ir subiéndose todos una vez arrancada, pues todos son personajes que siempre están en el limite de perder el último “tren de la vida”. Ellos han de subirse a la vida, han de adaptarse y sobre todo aceptarse como son. En la autoestima está la solución. Es el único acierto a nivel de trama de la cinta, junto al majo final.

Siguiendo en mi afán por desprestigiar obras tremendamente sobrevaloradas, vease mi “adorada” Infiltrados de Scorsese, Pequeña Miss Sunshine me chirría, y cuando algo chirría, como se diria aquí en catalunya, ¡Malament rai!. Los personajes no se los cree ni el santo papa, el papel de la madre, tan carente de importancia, no aporta absolutamente nada al conjunto, los papeles de Kinnear (por cierto, interpretándose a si mismo, como siempre) y su padre están muy mal llevados, mal construídos e inverosimiles. El resto, más o menos por ese camino, por tanto, me lleva a decir que la pequeña es la que me ha caído más en gracia, la más natural de todas y que da un repaso al resto, aunque sin pasarse claro y que eso, pase en un film indie, manda huevos!.

Algo que me sorprendió muy negativamente, es lo desaprovechado que está el personaje de Steve Carell, pensaba que entre él y el chico se crearía un vínculo de educación o de profunda reflexión, y me encuentro con conversaciones banales y momentos decepcionantes, y eso que Steve no lo hace mal, pero claro, cuando cuentas con un personaje tan pobre cuando podria ser muy rico en matices, y con menos detalles que un Seat Panda, poco se puede hacer.

Formalmente, no me ha parecido nada del otro mundo, es más, creo que sigue la linea de un telefilm barato, pero con actores de serie A (o eso creo xD), pues solo me convencieron las escenas del viaje con los puentes, que tampoco es demasiado original si vemos alguna que otra roadmovie o videoclips y poco más.

En fin, poco más se puede decir, solo que me ha parecido infantil, por tanto, nada adulta, ni en sus planteamientos ni en sus personajes, y lo peor es que pretende serlo y no hay nada que me saque más de quicio que en una obra haya un ápice de pretenciosidad por lograr profundidad de la más absoluta vacuidad. Eso es algo infimamente cualitativo, pues querer ser políticamente incorrecto con tan crédulas formas, no consigue resultados justamente meritorios.

Mensaje para los defensores del film: Lapídenme o llévenme a la hoguera si quieren, pero estas son mis humildes e incendiarias impresiones sobre tan justito film. Que quieren que les diga, no me ha gustado y uds lo sobrevaloran, me parece fabuloso, este año toca esta, el año que viene igual otra basura de Ron Howard. Así es la vida.

Menos mal que, siempre nos quedarán Solondz, Payne o PTA entre otros verdaderos maestros del cine indie, los cuales hacen cine de verdad, no telefilms.
Toda una tragicomedia telefílmica…

Comedia, Críticas, Drama, Independiente Alan Arkin, Greg Kinnear, Little miss sunshine, Paul Dano, pequeña miss sunshine, Steve Carrel, Toni Collette

En su fantástica Grizzly Man, el aclamado director Werner Herzog explora la vida y muerte del experto en osos Grizzly Timothy Treadwell que vivió entre estos osos durante trece años sin ningún tipo de armas y grabó todas sus aventuras en la selva durante las cinco últimas temporadas que estuvo allí. En Octubre de 2003 los restos de Treadwell, junto con los de su novia Amie Huguenard, fueron encontrados cerca de la zona donde acampaban en el Parque y Reserva Nacional de Katmai en Alaska. Un oso les había atacado y devorado. Fueron las primeras víctimas de un ataque de un oso en el Parque. El oso sospechoso de las muertes murió posteriormente disparado por oficiales del parque.

Herzog utiliza las imágenes originales que Treadwell había grabado para mostrar su retrato de esta compleja e imponente figura a la vez que explora cuestiones más amplias sobre la difícil relación entre el hombre y la naturaleza.

Próximamente comentaré como es debido el último film, que, en este caso es un documental, del gran cineasta germano Werner Herzog. Con una estructura que, en su día, gran parte de público y crítica extranjera, pensó que se trataba de un falso documental, el director ahonda en la pasión por algo, en vivir para algo y, literalmente, en dar la vida por algo, usando en su mayor parte material de Treadwell, es decir, Herzog compone un cuento lírico y casi personal desde material ya rodado, añadiendole momentos propios. Un documental lleno de poesía y amor a la naturaleza. Una obra maestra rotunda y una de las mejores películas vistas el último año.

Hipnótica como pocas. Imprescindible.

Cine de autor, Críticas, Documental, Drama falso documental, Grizzly Man, Werner Herzog

¿Realmente la envidia continuada siempre es, y será, sana?. ¿Y por qué no hacerse por pasar por alguien de forma falsa y dejar la existencia mediocre y de don nadie? Eso es lo que pensaría el personaje principal, del film en cuestión, Tom Ripley, encarnado en pantalla, de forma colosal, por Alain Delon.

René Clément en el 60 adaptó la novela de Patricia Highsmith “the talented Mr Ripley” de una forma asombrosa, en un film que mantiene la tensión en el espectador en todo momento, una realización muy cuidada, interpretaciones muy conseguidas y localizaciones reales.

Lo interesante del film, y por extensión de la novela original, es la idea del crimen perfecto, o más bien la idea de adquirir una vida deseada de la única forma posible para un fracasado, enfermo mental aunque genio: engañando no solo a sí mismo sino al resto.

La metamorfosis cumple con creces ese anhelo de querer ser alguien, de desear la vida del otro (en este caso de Phillipe Greenleaf, interpretado por Maurice Ronet), de abandonar esa vida llena de mediocridad y sin nada que contar, a ser, y sobre todo, sentirse, alguien importante. Ser un alguien falso en vez de un don nadie verdadero, eso es a lo que puede acceder, tristemente, Tom Ripley. Y ahí radica el gran acierto del film, en retratar tan bien eso, y sobre todo en el trabajo con los actores, que es, sinceramente sensacional.

Como decía anteriormente, el film nos habla de la envidia, de la dualidad de personalidades (suplantación), del amor y el desamor y sobre todo de los límites, de forma exagerada, claro está, que puede llegar el querer incrementar la propia autoestima.

Ni mucho menos se nos presenta a Tom Ripley como un vencedor en la trama, sino siempre como un fracasado y, a la postre, enfermo mental, el cual recurre al asesinato y al autoengaño en vez de esforzarse en cambiar su vida o su manera de entenderla, en tomar las riendas de su propia existencia.

Estamos ante uno de los mayores farsantes, y dementes, en cuanto a personajes, que ha dado la historia del cine, el cual, ha tejido un plan casi perfecto para poder salir de su miseria y poder tener una vida deseada sin apenas esfuerzo. Su elevada inteligencia hará el resto. Aunque, no todo en la vida sale como uno desea, y en su juego hay más jugadores y por tanto más trampas. Su reacción ante el peligro no siempre será la más inteligente, por tanto, sabemos que su personaje es capaz de planear de forma sabia y exhaustiva cuando dispone de tiempo y tras un estudio de los posibles problemas a posteri.

Clément realiza el film de forma pulcra, cuidando mucho los detalles, haciendo un análisis visual del proceso de suplantación de una persona, con un tratamiento de los personajes formidables, los cuales están muy bien trabajados. La cinta se aparta de sentimentalismos, de excesos de planos (ver el poco uso de cortes) y contiene un formalismo increíble (ver la escena en donde Ripley deja a Freddy, rodado todo a la altura de las piernas como ya hiciera Hitchcock en el memorable inicio de Extraños en un tren, curiosamente otra adaptación de Highsmith, o también la escena en donde Ripley delante del espejo imita a Phillipe con ese encuadre tan logrado que nos indica visualmente la “doble” personalidad del personaje y su control ante ella), refleja perfectamente el acoso y el miedo interior de Ripley y traslada al espectador a terrenos del género negro pocas veces visto con tanta sobriedad. Recalcar también el tremendo parecido fisico entre Ronet y Delon, que hace, si cabe, más verosimil su transformación/suplantación.

Decir que en este film, a diferencia del remake, no se explora en la orientación sexual de Ripley, dejando de lado todo eso, y se deja como un sentimiento de admiración a la vida de Phillipe, de querer ser como él, en ningún momento, de amarle.

Los fantásticos títulos de crédito que abren el film son fabulosos, con un uso muy inteligente de filtros y tonalidades, los cuales parecen incluso de la talla de los de un genio como Saul Bass.

Las actuaciones son formidables. Maurice Ronet (quizás algunos le recordarán en la maravillosa El fuego fatuo de Louis Malle, o en La mujer infiel de Claude Chabrol), en su papel de Phillipe Greenleaf, representa claramente un viva la vida, un chico bien con dinero para malgastar sin oficio ni beneficio pero con respaldo económico de sus padres. La chulería y el dinamismo de su personaje están muy bien reflejados. El actor volvería a trabajar con Clément años más tarde en La maison sous les arbres.

Para Marie Laforêt, que interpreta el rol de Marge, A pleno sol supone su debut en el mundo del cine como actriz, tras no producirse en el proyecto fallido de Malle, Liberté. En el film, su actuación es bastante convincente y en algunos tramos destacable, aunque nunca llegando a plantar cara para un duelo interpretativo con ese grande que es Alain Delon. Posteriormente, ha trabajado con realizadores del calibre de Claude Chabrol entre otros.

Billy Kearns encarnó al extravagante amigo de Phillipe, Freddy Miles, personaje bastante secundario, el cual, lo hace estupendamente bien, el poco tiempo que sale. Aunque prefiero la espléndida interpretación de Philip Seymour Hoffman del personaje, en el remake americano.

Pero si hay un nombre propio en este film, lógicamente tras la increíble labor formal de Clément, no es otro que el fabuloso actor francés Alain Delon, un actor un tanto infravalorado por algunas voces críticas aunque el tiempo va dejando en su sitio como uno de los grandes. Su personaje refleja ese envidia, esa baja autoestima, esa enfermedad llamada codicia. Una actuación memorable, en la falsedad de su personaje radica la riqueza. No se pierdan a Delon en obras tan memorables como sus trabajos con Visconti (Rocco y sus hermanos, El gatopardo), Antonioni (El eclipse), Melville (El silencio de un hombre (Le Samouraï), El círculo rojo, Un flic) o con Malle (su episodio en Historias extraordinarias). Volvió a coincidir con Clément en Quelle joie de vivre! y en la internacional ¿Arde París?. Excepcional actor.

Solo decir que en 1999, Anthony Minguella hizo un remake de este film, llamado El talento de Mr Ripley, la cual, a pesar de ser un remake, no era una típica copia, es más, aporta muchas cosas a la trama, cuenta con unas actuaciones de Damon, Law, Paltrow y Seymour Hoffman, increíbles (aunque un tanto basadas en las del film original), y más que empañar la obra de Clément o la novela de Highsmith, en mi opinión, la complementan, y es, sin lugar a dudas, otra excepcional película, con muchísimos aciertos, aunque el film francés, es más sutil que el americano, bajo mi punto de vista.

Un reflejo claro de una metamorfosis como autoengaño. Una joya del thriller europeo y del polar francés.

Clásicos, Críticas, Drama, Noir, Thriller A pleno sol, Alain Delon, Marie Laforêt, Maurice Ronet, Plein Soleil, René Clement

La excelente película del realizador taiwanés Ang Lee está teniendo un tratamiento en este país escandalosamente malo y ante todo irrespetuoso ante su obra.Primero Universal la estrenó en cines con un doblaje absolutamente pésimo, pero eso fue casi lo de menos para lo que vendría después.

Tras los casos sonados de, por ejemplo, las ediciones “especiales” de Psicosis (imagen y sonido lamentables y sin restaurar), Matar a un ruiseñor (1er dvd de la edición anterior e imagen no anamórfica y de dudosa calidad), Jarhead (el dvd de extras no lo incluye), King Kong (la Deluxe Edition de 3 dvds se edita en todo el mundo menos en España) o Munich (el dvd de extras no lo incluye), con Brokeback Mountain quisieron superarse a sí mismos, y la editaron en un “maravilloso” Fullscreen , es decir, sin respetar formato cinematográfico. ¿Cómo se puede editar un film que usa tan bien el encuadre y con esa fotografía, en fullscreen?.

Ahora, Universal España ha decidido reeditarla, tras la multiples quejas de aficionados y en definitiva, de gente con sentido común, y lo hará en widescreen, que es como debería haber salido desde el inicio, o si acaso, que lo hubiera hecho en dos ediciones con ambos formatos para que sea el consumidor quien decida cual le interesa más. La edición en cuanto a extras y presentación será idéntica a la hasta ahora editada, exceptuando lo comentado anteriormente (Widescreen).

Se daba esto como un triunfo, como si la voz del aficionado se hubiera escuchado y en parte se ha hecho, pero ojito porque, mirad lo que está a puntito de salir en Zona 1 (USA) y en nada igual está por aquí: una edición especial con 2 discos.

¿Como se pueden sacar en un mismo año 3 ediciones de un film reciente?. Simplemente lamentable.

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El egoísmo del mundo capitalista es evidente, las diferencias entre clases sociales prácticamente inevitables, los gobiernos irresponsables y la iglesia para nada comprometida como debería estarlo ante esta eterna problemática. Ocurría en los años 50 en los barrios pobres de México, sigue inalterable en la actualidad en cualquier parte del mundo.

Buñuel junto a la inestimable ayuda del guionista Alcoriza, construye en el film Los Olvidados, un retrato sobre un fracaso social, sobre la fatalidad de un mundo encubierto por intereses, sobre la “ceguera” ajena, que parece irreversible, al contemplar y no actuar.

El dolor y la frustración abundan en esas calles marginales de México, en donde los conflictos, el vandalismo y la violencia estaban a la orden del día y Buñuel supo plasmarlo a la perfección en esta obra, con un tono absolutamente realista que no neorrealista (únicamente por el surrealismo), semidocumentalista, con escenarios reales y un casting no profesional, todo ello unido a escenas surrealistas y oníricas propias de su estilo.

Como mencionaba anteriormente, el surrealismo y los elementos buñuelianos están muy presentes en la cinta, a pesar de que el director no contara con una libertad absoluta sobre la obra. Las famosas escenas de las gallinas son un claro ejemplo de ello, que cobran mayor entidad surrealista en la aparición tras la paliza al viejo ciego o en el sueño de Pedro. Pero sin lugar a dudas, la escena surrealista por excelencia del film, es la secuencia onírica de Pedro , totalmente metafórica y con un sonido cercano a lo fantasmagórico.

El erotismo está también muy presente en el film, esas miradas llenas de perversión de El Jaibo hacia la madre de Pedro, la leche derramada por las piernas de Meche o el acoso del viejo ciego a la joven son muestras de otro de los sellos típicos del realizador.

Sin olvidarnos de la presencia en varias escenas de la pederastia, en concreto, la escena en comentada anteriormente del acoso de Don Carmelo (el ciego) a la joven u otra mucho más sutil, en donde Buñuel recurre magistralmente al mutismo para mostrarnos, a través de un escaparate, de una forma poderosamente visual, como un hombre intenta “comprar” a Pedro.

Una de las escenas mejores y más personales del film la encontramos cuando Pedro lanza el huevo a cámara, que, en realidad, es un huevo lanzado al mundo, un mundo cegado y egoísta, el cual es capaz de observar y no actuar.

Aunque el personaje más interesante de la historia quizás lo encontramos en un secundario, el viejo ciego Don Carmelo, que, en si, es como una metáfora. Representa claramente las ideas gubernamentales, las cuales pretenden tapar esa cruda realidad (cuando dice frases del estilo: “Uno menos, así irán cayendo todos, ¡Ojala los mataran a todos antes de nacer!”), pero no solo eso, también representa, en parte, a la iglesia (fíjense en esa escena que entre quejas se acuesta a dormir, mostrándonos en el plano una cruz colgada en medio del portal) indicando, de forma extremadamente sutil, que la iglesia también mantiene ese pensamiento ante la problemática de la marginalidad y la delincuencia juvenil. Su irreversible ceguera es la misma que la del gobierno, las instituciones o la iglesia metafóricamente hablando.

La estética del film está tremendamente cuidada, en donde destacan algunos planos subjetivos, los ralentís de la secuencia onírica o esos fundidos en negro tan elaborados que ayudan al ritmo de la cinta. La labor fotográfica en B/N de Gabriel Figueroa es digna de elogio, con un estilo del tipo expresionista muy marcado durante toda la película.

La cinta mexicana es, en el fondo, un film de denuncia social brutal, una critica a los gobiernos y la iglesia y, sobre todo, un documento sobre la injusticia con los, bien nombrados, olvidados y su incapacidad por evitar la hostilidad de esos entornos. Buñuel consiguió una obra rica, no solo en cuanto a contenido sino también en cuanto a forma, todo ello, evitando poner el final optimista y engañoso a favor del realista y crudo.

Una de las obras más fascinantes, valientes y necesarias que ha dado el cine y que sirve para recordarnos algo duro de leer pero real: los vemos pero apartamos la mirada.

Clásicos, Críticas, Drama Los olvidados, Luis Buñuel

Un corto magistral de Iván Sáinz-Pardo, un realizador que cursó estudios en Berlín. Atención a la factura técnica (fijaros en el estupendo plano secuencia hacia el final o la elaboradísima escena de Simone dando un beso a su madre), a la narrativa (con sus giros argumentales), al uso tan inteligente de diversos medios (la incursión del modo documental), la cuidadisima puesta en escena, el ritmo, sin olvidarnos de la fantástica música y la colosal fotografía (tonos azulados para Simone, cálidos para las escenas con su madre).

Momentos sutiles abundan en dicho cortometraje, un ejemplo de ello sería el juego que se hace con las zapatillas de casa de Simone o con el telefono, o también el hecho de que su padre (fijense cuando lo vean) no salga reflejado en el vidrio del autobús. Si bien es cierto, es un corto que veo también influencias de cineastas de la talla de Shyamalan, por ejemplo.

Un espléndido corto. Inquietante, hitchcockiano, sabio y sobretodo con una historia que no deja indiferente. Os lo dejo en V.O. con subtítulos en castellano, disfrutadlo. Todo un carrusel de sueños…

Cortometrajes, Críticas, Drama, Fantástico, Suspense cortometraje, El laberinto de Simone, Iván Sáinz-Pardo

El gran Kora-Eda, nos regala (porque esto es un regalo) una película ya no solo sorprendente y real como la vida misma, sino a parte imprescindible dentro de la cinematografía contemporánea, en mi opinión.

Con ecos a cineastas como Michelangelo Antonioni, Alfred Hitchcock u otros locales como los mismísimos Kurosawa, Mizoguchi o Kitano, Kora-Eda construye en Nadie Sabe un retrato sobre la madurez, sobre la crueldad de la vida, sobre lo que realmente significa alcanzar la madurez siendo un niño y lo que conlleva eso.

Sin dudarlo, una de esas grandes películas sobre la pérdida de la inocencia y un film absolutamente rosselliniano y neorrealista (escenarios reales de Tokio, luz naturalista, actores no profesionales, situaciones extremas y que nos muestra la dura realidad sin artificio alguno).

La labor de dirección del director es realmente rozando la perfección, con un tono con a veces toques que nos recuerdan a algunos films indies y con un tratamiento absolutamente documental de la trama sin ningún tipo de artificio ni nada por estilo. Se mueve en muchas ocaciones rozando el género documental, el cual tiene una finisima linea con el ficción.

El argumento del film trata de 4 niños que viven tranquilamente con su madre en un pisito de Tokio. Ninguno tiene el mismo padre y tampoco han ido nunca al colegio. El propietario del piso ni siquiera conoce a tres de ellos (ya que los transportaban en una maleta para que les dejaran coger el piso). Un buen día, la madre desaparece dejando un poco de dinero y una nota para que el mayor se ocupe de sus hermanitos. Así empieza una nueva vida para los cuatro niños que sólo se tienen a sí mismos, una vida que nadie sabe. Cruelmente abandonados, los cuatro se arreglan para sobrevivir en su pequeño mundo en el que fijan sus propias reglas. Pero al enfrentarse al mundo exterior, se derrumba el frágil equilibrio que habían conseguido mantener.

Y de eso exactamente va el film, de como sobrevivir en la vida, de como enfrentarse al mundo exterior, de como llevar una família sin saber hacerlo, de como querer llorar y no poder hacerlo, de ser responsable cuando jamás lo has sido, de madurar cuando se es aún inocente, de perder la ilusión de jugar y solo pensar en como acabar el dia con algo de comer.

Nadie Sabe es un film realmente sobrecogedor por su mensaje, por su compromiso y por su honestidad.

El guión es sabio, muy sabio y está lleno de verdades. Kora-Eda tardó 15 años en poder plasmarlo en la pantalla y la espera ha merecido la pena, ha conseguido hacer una gran película.

Los actores del film no son actores profesionales (los niños y niñas), y la madre solo era actriz de tv en japón y Nadie Sabe supone su debut en el cine. Todos y todas están fantásticos pero sobresale uno entre todos y es sin dudarlo Yûya Yagira en el papel de Akira, es al que la madre le responsabiliza de la situación y le deja a su cargo a toda la familia. Un niño que a pesar de su corta edad es capaz de razonar y reflexionar como alguien mayor y no caer en la delicuencia juvenil cercana a su barrio. Un papel escandalosamente memorable, en serio, ganó merecidamente el premio al mejor actor en el Festival de Cannes. Su expresión toca tantos registros, y representa tan bien la lucha diaria del personaje y la pérdida de su infancia. Fantástica actuación y puro sentimiento real.

Verle en la última escena del film con una canción que resume el film a la perfección, ésta es su letra:

“Cuando le pedí al cielo de medianoche
que las estrellas simplemente brillasen.
En el negro lago de mi corazón derretido
solo puedo fluir.
¿Me dará el ángel todavía una mirada al pasado?
¿Quieres esparcirte en mi corazón?
El viento del invierno que llega mece las olas,
llamándome en la oscuridad.
Con ojos tan marchitos como el hielo
me hago mayor y maduro
una joya con un fuerte hedor
que no permite que nadie se acerque
Ohhhhh Ohhhhh”

Por cierto, el film se estrenó en España primero en el BAFF para luego estrenarse en contadas salas y posteriormente Cameo la editó en dvd.

En definitiva, estamos ante una película que sé que a muchos no gustará y a otros si. Un film de duración quizás recortable (142 min) pero que supone sin dudarlo una de las cumbres cinematográficas japonesas del 2004. Una de las grandes peliculas sobre la pérdida anticpiada de la inocencia.

Asia, Críticas, Drama Hirokazu Kora-Eda, Nobody Knows

Sobrecogedor relato. Es lo primero que a uno se le viene a la cabeza tras ver este valiente, comprometido y ante todo necesario documental ficcionado, que supone una acertadísima denuncia social de esta cruda realidad.

Camino a Guantánamo nos narra la historia de de 4 amigos británicos que en el 2001 viajaron desde Tipton para asistir a la boda de unos de ellos en Pakistán. Tardaron dos años y medio en volver a casa. En su viaje fueron capturados por la Alianza del Norte y luego pasaron a manos estadounidenses, que los condujeron hasta Kandahar.

Tres de ellos fueron trasladados a la base norteamericana de Guantánamo, donde permanecieron más de dos años prisioneros, sometidos a humillaciones y torturas. De el 4o (Monir) todavía no se sabe nada, se cree que murió en un bombardeo.

En el año 2004 fueron trasladados a Londres. Tras ser interrogados, fueron puestos en libertad sin cargos. Aún ningún gobierno o autoridad les ha pedido disculpas ni devuelto su dignidad. Ha tenido que ser Winterbottom, un cineasta comprometido con las injustícias, quien destaque a estos falsos culpables en un documental tremendamente inteligente, con un ritmo colosal, que se mueve entre el estilo documental (entrevistas, imagenes de archivo) y la ficción, que evita cualquier tipo de sentimentalismo fácil y se ocupa en meternos de lleno en una historia llena de terror, un camino hacia el infierno más puro centrándose sobre todo en la historia roada con una sobriedad impresionante.

Recalcar que el film supone una denuncia ciertamente contundente, véanse las declaraciones de Bush y otros gobernantes de EEUU justo antes de ver todo lo que ocurre en la prisión ubicada en Cuba, lo que viene a decir que la mentira nunca podrá ocultar la realidad existente.

Guatánamo es a todas luces, una institución de una legalidad dudosa, y sino, ¿porque está ubicada fuera de EEUU?, que no cumple el tratado de Ginebra y que rompe cualquier norma humanitaria, jurídica y social. Eso, que pase en el siglo XXI, pues es, no solo lamentable, sino muy triste y da mucho que pensar de en qué manos está el mundo. ¿Cuantos inocentes habrán encarcelados allí? ¿Cuantas famílias rotas? ¿Hasta cuándo?.

Rodada con cámara digital, Winterbottom, en este caso junto a Mat Whitecross, los cuales por dicho film ganaron el Oso de Plata en la Berlinale a la mejor dirección, nos regalan esta trágica road movie hacia el más duro de los infiernos, un lugar similar a un zoológico (como así lo indican algún que otro recluso) pero con malos tratos, vejaciones e interrogatorios incansables y reiterativos sobre lo mismo. Un lugar sin leyes, sin respeto, sin sentido común. El uso de actores desconocidos, lo cuales están realmente convincentes, dota de mucho realismo a la historia contada y el tono documental le queda estupendo al film, cuidado, no de falso documental como si lo haría Werner Herzog en su Grizzly Man, aquí no se engaña a nadie ni tampoco quiere abrir un debate en torno a eso, las imagenes son ficción pura pero sobre algo real pero que intentan mostrar la realidad de una forma absolutamente creíble.

En un país democrático, ¿puede ocurrir algo así?. ¿Acaso se puede solucionar un conflicto actuando como se actúa y conviertiendolo en una guerra? ¿Acaso se pueden condenar a inocentes sin juicio previo y sin que dispongan de unos derechos mínimos?.

Camino a Guantánamo, es un golpe bajo a la conciencia estadounidense. Nada cambiará, pero ahí queda eso. Un film imprescindible y memorable.

Críticas, Documental, Drama Michael Winterbottom, Road to Guantánamo

Tras unos minutos iniciales del film en donde se nos presentan diversas escenas semimudas (con solo sonido y música de fondo), que sirven como presentación coral de los personajes y que nos recuerda al inicio de films como El cazador de Cimino o algo más vagamente a La lista de Schindler de Spielberg, podemos augurar que el film formalmente va a ser impecable, y ello es confirmado durante el resto del metraje.

Muchos calificarán la obra de Clooney como tediosa o un simple coñazo, con un tema pasado en cuanto a entorno histórico e importancia actual, y que tiene carencias de ritmo un tanto destacadas, pero nada más lejos de la realidad. El film posee una fuerza narrativa brutal y un mensaje ético no solo ejemplar sino necesario y totalmente válido aún hoy en día pues la manipulación visual y el partidismo barato siguen existiendo, la política del miedo sigue viva en muchos lugares del mundo (sobre todo en Estados Unidos) y promueve y recuerda el periodismo valiente y comprometido con la sociedad y su problemática.

Dejando un poco de lado las cuestiones argumentales y narrativas, que son ampliamente valorables, el tratamiento visual y técnico de la cinta es magistral pero dificil de valorar por muchas personas, ya que se trata de un film de una formalidad basada en el minimalismo y en la corrección. Enviadable es como Clooney nos cuenta esta historia, sus recursos para dar dinamismo o tensión a una escena, el porque de la utilización narrativa de según que planos o la bellísima puesta en escena digna de un auténtico maestro.

Remarcables son el uso de las lentes en dicho film con un juego focal tremendamente inteligente, los planos secuencia para dotar realismo y amplitud a las escenas, los encuadres tan medidos, las escenas con profundidad de campo y el uso excepcional de mostrar gran cantidad de información en una escena y mismo encuadre, o los movimientos tan sutiles y casi inapreciables en ocasiones de la cámara que no son gratuitos ni mucho menos.

Las escenas mudas o semimudas son un alarde de dirección, véase por ejemplo la escena que perdemos la imagen de la réplica del senador McCarthy al programa que se emitió 3 semanas antes inculpándolo, en donde el personaje interpretado por Frank Langella se mueve entre sombras por el despacho mientras no dejamos de oir la conversación de McCarthy, una representación del miedo a la posibles represalias guvernamentales o a la caída de una televisión o medio por un riesgo cometido. Clooney usa el silencio o las escenas solo con música de fondo para ensalzar un momento o una persona. Muchas veces el silencio dice mucho más que las palabras y he aquí un ejemplo. También, el uso de los personajes en off es espléndido en el film, y algo muy acertado por parte del realizador.

La fotografía inmejorable de Robert Elswit consigue transportarnos visualmente hacia los 50, ayudada por una música minimalista que complementa a la perfección las bellas y cuidadas imagenes. Un trabajo de iluminación fascinante y que recibió una merecidísima nominación al oscar en su respectivo apartado.

Las actuaciones son muy convincentes, pero destaca una sobre las demás, y es la del excelente y reivindicable actor David Strathairn, el cual realiza una portentosa reproducción de su personaje, el hombre que plantó cara al mismísimo McCarthy junto a su equipo de la CBS, Edward R. Murrow.

Buenas noches, y buena suerte, es un film cuya tremenda calidad es posible que sea difícil de detectar por una inmensa mayoría de espectadores pues en la sutileza de sus detalles radica la grandeza de la obra de Clooney, por como presenta a los personajes, como usa los contrapicados para engrandecer la figura periodistica y popular de Murrow, como presenta los momentos importantes con silencios, como usa las miradas de los actores o como la luz abre el campo a la imagen entre otras cosas. Un director que ya destacó en su brillante aunque algo irregular ópera prima Confesiones de una mente peligrosa y aquí reafirma su innegable talento tanto visual como cultural. Un film que retrata fantásticamente bien una época de represión política, de falta de libertad de expresión escandalosa y la lucha por un futuro mejor.

La película es un canto a la libertad de expresión, nos viene a decir que la lucha contra las injusticias siempre estará presente y aunque no se consigan los objetivos fijados o quizás se pierda la ilusión, no hay que dejar ese compromiso de la lucha, en este caso nos habla de la lucha usando el poder de la palabra y su importancia en nuestra sociedad.

Un film que invita a la reflexión y que consigue dar una lección educativa de ética, compromiso y de cinematografía totalmente gratificante, pero sobretodo, un film necesario y de obligatorio visionado.

Críticas, Drama, Histórica George Clooney, Good night and good luck