Todos los títulos o nombres están expuestos de forma no preferencial en los listados. Este año como grandes novedades incluyo el doble de seleccionadas por categoría, he ampliado el premio a la mejor banda sonora diferenciando entre score y soundtrack y he vuelto a fusionar las de “Mejor guión original” y “Mejor guión adaptado” en una sola. Como en la edición pasada, también se incluye el trailer (de la peli, de un tema de la banda sonora o de la edición en blu-ray o dvd, dependiendo de la categoría o de la disponibilidad), una vez por película y bajo el icono . La mayoría de trailers he intentado ponerlos en HD y VOSE o doblados. Las marcadas en azul son las elegidas como ganadoras, el resto serían las nominadas, aunque he de decir que todas merecen galadornes. Este 2011 ha sido sin duda uno de los mejores años de esta década en lo que a cine se refiere, de ahí que haya tantos ex-aequo. Es bien sabido que esto de los premios o las listas siempre es injusto por tener que elegir a una entre las mejores o sólo elegir diez por categoría y muy subjetivo, pero bueno. Decir que también he actualizado y añadido películas en la 2ª edición del año pasado. Si queréis echarle un vistazo, podéis acceder desde los links relacionados al final del post.

Espero que los disfrutéis. ¡Os deseo un feliz año a todos y esperemos un 2012 cargado de toneladas de buen cine!

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Acción, Animación, Aventuras, Blu-Ray, Comedia, Drama, Dvd, Premios, Terror, Western Premios Gencinexin

Durante una noche del verano de 1839, cincuenta y tres esclavos negros que viajaban a bordo del navio “La Amistad”, se rebelaron y tomaron el control del barco frente a las costas de Cuba. Fracasado su intento de regresar a África, fueron detenidos por tropas de los Estados Unidos y se encontraron a merced de un sistema judicial ajeno, en un territorio extraño.

“Amistad” posiblemente sea una de las obras menores de Steven Spielberg debido a sus constantes altibajos, a su falta de rigor histórico y a no saber explotar al máximo las posibilidades dramáticas sin caer en convencionalismos. No es capaz de emocionar al espectador como otros films del rey Midas, y la historia pedía a gritos más identificación emocional. A pesar de ello, estamos ante una obra más que interesante, bien intencionada, con un notable acabado y que cuenta con buenas actuaciones de todo el reparto (en especial Djimon Honsou y Anthony Hopkins), una estupenda partitura a cargo del maestro John Williams y alguna que otra escena memorable.

Sin más preámbulos, os dejo con la mejor escena de la película sin lugar a dudas: el pasado del personaje de Cinque (Djimon Honsou) y su agónico viaje hasta llegar a los Estados Unidos. Siete minutos y medio en donde refleja claramente el sufrimiento al que eran sometidos los esclavos y las barbaridades que se cometían en alta mar. Mención especial para la escena nocturna en las entrañas del galeón español desde donde emerge el niño (libre, sin cadenas) de entre la multitud mojada por la lluvía y aterrada por la incertidumbre y el frío.

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Drama, Escenas Anthony Hopkins, Djimon Honsou, Matthew McConaughey, Morgan Freeman, Steven Spielberg

Pido disculpas a los lectores por tener tan abandonado el blog últimamente pero entre trabajo, prácticas y estudio apenas me queda tiempo libre para actualizar este pequeño rincón cinéfilo. Aún así esta semana habrán dos nuevas escenas comentadas brevemente.

Os dejo con los nuevos teaser poster de la esperadísima y cada vez más oscura “The dark knight rises” (impresionante afiche y muy del estilo de Nolan) y el reboot “The amazing Spider-man” en el cual tengo depositadas muchas esperanzas a pesar de ser un gran fan de la trilogía original firmada por Raimi. Para verlas con mayor detalle pulsar sobre ellas.

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Hoy sale en Francia una magnífica edición de “El silencio de un hombre” (Le samurouraï), film de culto realizado por Jean-Pierre Melville, obra cumbre dentro del polar francés y una de las películas favoritas de un servidor.

La edición constará de 2 discos (un blu-ray y un dvd) con un nuevo transfer 2K realizado por Quinta Industries a partir del negativo original. Los contenidos adicionales son los siguientes: libreto de 32 páginas con análisis del film, el documental inédito “Melville-Delon : El honor y la noche” (2011), entrevista a Alain Delon a propósito del film (Monsieur Cinéma 1967), el reportaje de JT de 20h (1967) y el trailer de cine.

Esperemos que por aquí alguien se anime y edite este peliculón como dios manda que la execrable edición en dvd a cargo de Manga Films todavía trae pesadillas a sus poseedores.

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Londres, 1818. Un affaire secreto comienza entre el joven poeta inglés de 23 años, John Keats (Ben Whishaw), y su vecina, Fanny Brawne (Abbie Cornish), una extrovertida y elegante estudiante. La atípica pareja empieza mal, él viéndola a ella como una como una estilosa descarada, y ella en absoluto impresionada no sólo por su poesía, sino por la literatura en general. Sin embargo, cuando Fanny descubre que Keats está cuidando de su hermano menor, gravemente enfermo, se ve conmovida y le pide entonces que le enseñe cosas sobre la poesía, a lo que él accede.

La poesía se convierte así en un remedio romántico que funciona no sólo para resolver sus diferencias, sino como combustible de un apasionado romance. A la vez, Fanny deberá hacer frente al escritor, amigo y socio de Keats, Charles Brown, que no parará de poner trabas para que la relación no prospere.

Cuando la alarmada madre de Fanny y la mejor amiga de Keats descubren la relación, ésta ya es imparable. Intensamente y sin remedio, absortos el uno en el otro, los jóvenes amantes se ven llevados por poderosas y nuevas sensaciones. “Me siento como si nos estuviéramos disolviendo“, le escribió Keats. Juntos cabalgaron entonces en una ola de obsesión romántica que no hizo sino hacerse más fuerte a medida que sus problemas crecían.

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Lo quieran o no, Amélie ya forma parte del imaginario colectivo. Resulta imposible pasear por Montmartre en París o ver el Café des Deux Moulins y no recordar este film. Y es que Jean-Pierre Jeunet consiguió una obra prácticamente redonda mezclando costumbrismo con fantasía de forma impecable.

Tras su periplo estadounidense con la muy correcta y a reivindicar “Alien: Resurrección” (de la cual reniega de su versión en blu-ray y con razón), Jeunet regresó a su país de origen para firmar una fábula contemporánea que se aleja un poco de los mundos oscuros de “Delicatessen” o “La ciudad de los niños perdidos” (aunque manteniendo puntos en común) y apuesta más por una historia sobre personas que sobreviven en un mundo en el que no se sienten cómodas y al que parecen no pertenecer.

El director francés que para un servidor es uno de los mejores exponentes a nivel europeo en lo que a fantástico se refiere, posee tantos defensores como detractores. Con un estilo indiscutiblemente peculiar, Jeunet siempre se ha caracterizado en ofrecer productos con un rico imaginario propio pero salpicadas de elevadas dosis de exceso (tanto formal como narrativo) que no suelen ser del agrado de los críticos más puristas. “Amélie” es uno de sus films que sin renunciar a su estilo consigue mejores resultados. No podemos decir lo mismo de cintas posteriores como “Largo domingo de noviazgo” la cual posee un ritmo terrible y su duración es a todas luces excesiva o “Micmacs” que resulta demasiado reiterativa y deja claro que Jeunet está algo estancado en cuanto a ideas.

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Cine de autor, Comedia, Drama, Escenas, Fantástico Amélie, Audrey Tatou, Dominique Pinon, Jean-Pierre Jeunet, Mathieu Kassovitz

“Nostalgia de la Luz” (2010) es un film sobre la distancia entre el cielo y la tierra, entre la luz del cosmos y los seres humanos y las misteriosas idas y vueltas que se crean entre ellos. En Chile, a tres mil metros de altura, los astrónomos venidos de todo el mundo se reúnen en el desierto de Atacama para observar las estrellas.

Aquí, la transparencia del cielo permite ver hasta los confines del universo. Abajo, la sequedad del suelo preserva los restos humanos intactos para siempre: momias, exploradores, mineros, indígenas y osamentas de los prisioneros políticos de la dictadura. Mientras los astrónomos buscan la vida extra terrestre, un grupo de mujeres remueve las piedras: busca a sus familiares.

El documental ha estado seleccionado en el Festival de Cannes de 2010. Fue el film inaugural de los festivales de Marsella y Leipzig de ese mismo año. Considerado como el mejor documental europeo para la European Film Academy, se alzó también con el premio del público en los festivales de Toronto y Biarritz, con el premio de cine Decouverte y del Age d’Or en el festival de Bruselas, con el galardón al mejor documental en el Festival de Abu Dhabi y con el premio especial del jurado en los Festivales de Sheffield y de Ronda. Su circuito festivalero no le fue nada mal, sin duda.

A priori tiene muy buena pinta y la fotografía de Katell Djian apunta maneras. Los anteriores trabajos de Patricio Guzmán, tanto “Salvador Allende” como “Mi Julio Verne” entre otros, ofrecían mucho rigor y oficio. Un servidor intentará verla pronto y cuando disponga de tiempo dar una opinión al respecto. De momento, aquí tenéis el trailer:

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Apenas meses después del estreno nacional de la maravillosa “Arrietty y el mundo de los diminutos“, film debut de Hiromasa Yonebayashi con guión del gran Hayao Miyazaki, nos llegan nuevas notícias del Studio Ghibli. Si ya en su día nos hicimos eco del trailer japonés, del libro de arte y de las dos ediciones de la banda sonora (una con la voz de Aoi Teshima y la otra con sólo la música del compositor Satoshi Takebe), ahora se une el cartel francés (que se puede ver en la cabecera del post) al primer póster japonés de “Desde la colinas de las amapolas“, el nuevo film animado de Goro Miyazaki, tras la muy mejorable “Cuentos de Terramar“.

El film se basa en el manga shojo de Tetsuo Sayama y Chizuru Takahashi, adaptado por su padre Hayao Miyazaki. Ambientada en los años 60, la historia gira en torno a Umi Matsuzaki, una joven de Yokohama, que intenta salir adelante tras la desaparición de su padre en un accidente marítimo y la ausencia de su madre, fotógrafa, que está viajando constantemente. Umi debe cuidar a sus hermanos, mientras que regenta la casa de huéspedes de sus padres, y colabora en el periódico de la escuela.

En Japón se estrenó a mediados de Abril, aquí como suele ser habitual en cutrelandia todavía está sin fecha de estreno. Seguramente la distribuya Aurum, como hasta ahora ha venido haciendo con el resto de la colección Studio Ghibli. En países como Francia, Bélgica o Suiza se estrena en Enero de 2012. Esperemos que por esas fechas también podamos disfrutarla en nuestra querida península.

Adapt. Cómic, Animación, Anime, Drama Desde la colina de las amapolas, Goro Miyazaki, Hayao Miyazaki, Studio Ghibli

Un nuevo peligro maléfico amenaza la tierra. Enloquecido por el poder, el rey Hiperión (Mickey Rourke) ha declarado la guerra a los hombres. Después de reunir a un ejército sediento de sangre formado por soldados que él mismo mandó desfigurar, Hiperión quema Grecia a su paso mientras busca un arma de poder inimaginable, el legendario arco Epiro, hecho por Ares en el Olimpo.

El hombre que posea este arco podrá liberar a los titanes, que llevan encerrados detrás de los muros del monte Tártaro desde el principio de los tiempos y claman por vengarse. En manos del rey, el arco significaría la destrucción de la raza humana y la aniquilación de los dioses. Pero la ley prohíbe que los dioses se entrometan en los conflictos de los hombres. Nada pueden hacer para detener a Hiparión, hasta que un campesino llamado Teseo (Henry Cavill) les devuelve la esperanza. Zeus encomienda en secreto una misión a Teseo, la de salvar a su pueblo de Hiperión y sus hordas.

Después de reunir a un grupo entre el que se encuentra la visionaria sacerdotisa Fedra (Freida Pinto) y el astuto esclavo Stavros (Stephen Dorff), el héroe deberá encabezar la rebelión si no quiere ver su patria destruida y la desaparición de los dioses.

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Acción, Aventuras, Drama, Fantástico, Trailers Freida Pinto, Immortals, John Hurt, Luke Evans, Mickey Rourke, Stephen Dorff, Tarsem Singh

Después de haber sido condenado a siete años por tráfico de drogas, a Monty Brogan le quedan sólo 24 horas de libertad antes de ingresar en prisión. Después de haber sido el rey de Manhattan, está a punto de decir adiós a las luces de los flashes, a sus sueños de grandeza y al disparatado tren de vida que lo alejó de quienes lo querían de verdad.

En estas últimas horas de libertad intenta recuperar la relación con su padre (Brian Cox) y con sus dos mejores amigos de juventud: Jacob (Philip Seymour Hoffman), un tímido profesor, y Slaughtery (Barry Pepper), un brillante broker de Wall Street. Y también con su novia Naturelle (Rosario Dawson), aunque podría ser la persona que lo delató a la policía.

Tras destacar en su día el brillante monólogo de Edward Norton dentro del apartado de escenas de este blog, repetimos película con otra secuencia magnífica de “La última noche (25th hour)“. En esta ocasión, hemos optado por los poderosos títulos de crédito que abren el film, cuya finalidad radica en rendir homenaje a la ciudad de Nueva York y a las víctimas del 11S.

Las bellas vistas nocturnas de la urbe con los focos situados en la zona cero simulando las torres gemelas, unido a la emotiva partitura in crescendo de Terence Blanchard, consiguieron ponernos los pelos de punta a aquellos que disfrutamos de esta joya de Spike Lee en el cine. Imágenes y música que representan y simbolizan injusticia, rabia, pesar, pero también esperanza gracias a esas conmemorativas luces que emergen del dolor más profundo.

Resulta complejo destacar una sola escena de tan magna (como injustamente olvidada) película. Sólo por la conversación entre Barry Pepper y Philip Seymour Hoffman delante de la zona cero, esas actuaciones tan convincentes, el citado monólogo maestro lleno de ira a cargo de Edward Norton, el trágico desenlace de la fiesta de despedida o el inmenso final, ya merece ser vista. Sin más os dejo con los créditos iniciales:

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Drama, Escenas Anna Paquin, Barry Pepper, Edward Norton, La última noche, Philip Seymour Hoffman, Rosario Dawson, Spike Lee

“Senna“ es la historia verídica de la leyenda brasileña de las carreras de coches, Ayrton Senna, considerado por muchos como el mejor corredor de todos los tiempos.

Abarcando la titánica trayectoria de Senna en la Fórmula 1, la película retrata su viaje físico y espiritual, para bien y para mal; su búsqueda de la perfección y su transformación definitiva de un principiante increíblemente dotado, que irrumpió en la F1 en 1984, al mito en que se convirtió tras los trágicos sucesos de Imola en 1994.

Realizada con la plena colaboración de la familia Senna y la dirección de Fórmula 1, Senna es la primera película documental sobre su vida, con increíble material de archivo, la mayoría jamás visto con anterioridad.

Atención a la edición de coleccionista limitada en Reino Unido (la cual no llegará por estos lares) de uno de los documentales del año. La edición (si pulsáis sobre la imagen lo veréis con más detalle) incluye un blu-ray, un dvd, la copia digital y un modelo del Lotus 97T que conducía Ayrton Senna. Los audios son DTS-HD Master Audio 5.1 en Inglés, Japonés y Brasileño y dos pistas en DTS 5.1 en castellano y alemán.

Como contenidos adicionales tiene:

- Audiocomentario del director y sus ayudantes.
- Documental: La más grande de las victorias
- Entrevistas
- Videos caseros
- Entrevista de Radio “Perdida” con Gerald Donaldson.
- Trailers (Brasil, Japón, Internacional).

La edición de momento es sólo para aquellos sin problemas de bolsillo pues ronda los 300 euros. Más económica sale la special edition normal que está sobre los 20 euros y aunque te quedes sin el cochecito, a nivel audiovisual ofrece lo mismo. Sabiendo que distribuye Universal, si esperamos unos cuantos meses, igual la podemos comprar a 9.95 €. Es cuestión de tener paciencia. El blu-ray y el dvd que saldrán en UK serán exactamente iguales a los de España.

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Os dejo con una comparativa -con capturas realizadas por un servidor- entre la execrable edición de “La reina de África” que lanzó hará unos años Manga Films en dvd y la maravillosa special edition en blu-ray con una imagen y sonido totalmente remasterizados a cargo de Paramount Pictures. Mientras que en el dvd el Technicolor parece haberse ido de vacaciones a Can Cun, en el blu-ray brilla en todo su esplendor.

La edición en dvd lanzada en su día por Manga Films es un absoluto despropósito de principio a fin, debido a una imagen que presenta una colección infinita de defectos de todo tipo, a un sonido (tanto doblado como original) de lo más pobre y a la ausencia total de extras. A parte de las manchas y las rayas típicas de un celuloide desgastado, encontramos cierto desenfoque, abundante grano, defectos de compresión con pixeles del tamaño de un elefante, colores difuminados (ruido de chroma), colores de baja intensidad y tonos oscuros poco contrastados (ruido de bajo nivel). En las siguientes capturas podéis comprobar como se ha perdido la viveza y la naturalidad del color tendiendo hacia tonos más grises y apagados. Viendo las enormes diferencias entre algunas imágenes del dvd y el blu-ray, incluso la paleta de colores parece diferente.

Este deplorable tratamiento de la imagen echa por tierra el exquisito trabajo en Technicolor del gran director de fotografía Jack Cardiff en algo que recuerda a como quedaba lastrada la labor de Claude Renoir en la no menos demencial edición de “El río” perpetrada por la Filmoteca Fnac. Para colmo, la cosa no queda ahí, pues la imagen de “La reina de Africa” se presenta recortada (si comparáis con las capturas en blu-ray se ve claramente) y proviene sin lugar a dudas de un master analógico cuyos defectos quedan al descubierto por mucha digitalización chapucera que hayan hecho. Debido a esto en las últimas tres líneas de la imagen encontramos una molesta franja de ruido (algo que nos teletransporta a los años más chungos del VHS regrabado varias veces encima) que incordiará de lo lindo a aquellos que decidan ver el film desde un proyector u ordenador, pero no a los que opten por hacerlo delante de un televisor ya que parte de los bordes de la imagen quedan ocultos por defecto (overscan).

En cambio la imagen del blu-ray es magnífica dejando constancia del minucioso trabajo de restauración que han llevado a cabo los señores de Paramount. Se recupera el colorido y el sombreado original, los negros contrastados y todo parece mucho más enfocado. La edición conmemorativa de Paramount incluye un cofre de cartón duro con dígipack de tres palas conteniendo ocho postales, fotogramas siguiendo el proceso del Technicolor, un libro de 133 páginas escrito por Katharine Hepburn, el cd con la banda sonora y el blu-ray.

Vean y juzguen por ustedes mismos. Incluso parecen films diferentes.

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Aventuras, Clásicos, Comparativas, Drama comparativas, Humphrey Bogart, John Huston, Katharine Hepburn, La reina de África

Ciudad de México: un fatal accidente automovilístico afecta trágicamente a tres personas. Octavio (Gael García Bernal), un joven adolescente, decide fugarse con Susana, la esposa de su hermano; el Cofí, su perro, se convierte en el medio para conseguir el dinero que necesitan para poder escapar juntos.

Al mismo tiempo, Daniel, un hombre de 42 años, deja a su esposa y a sus hijos para irse a vivir con Valeria, una hermosa modelo. El mismo día en que ambos festejan su nueva vida, el destino hace que Valeria sea víctima del trágico accidente.

Reconozco que Alejandro González Iñárritu no es santo de mi devoción. Parte de su filmografía reciente está plagada de fatalismo inverosímil y de un tremendismo depresivo de lo más deleznable (“Biutiful” es la joya de la corona en este aspecto). Sin embargo, rescato “Amores perros“, su ópera prima, que aunque ni mucho menos es una obra maestra sí funciona como drama sucio y sórdido de un México delictivo y corrupto. Sin duda, la historia mejor construída y más interesante es la primera interpretada por el ya consolidado Gael García Bernal. Tanto la segunda parte con Valeria (Goya Toledo) (la cual chirría cosa mala en la trama) como la de Daniel (Emilio Echevarría) no acaban de convencer.

La escena que a un servidor más le gusta del film es el inicio. Un arranque contundente, directo y desgarrador firmado con un estilo convulsivo que busca el realismo (y el caos de la situación) mediante la cámara en mano, un montaje adrenalítico, un gran uso del sonido, una velocidad deudora del mejor Scorsese (“Uno de los nuestros“) o Tarantino (“Pulp Fiction“) y que consigue atrapar el espectador sin darle un minuto de respiro. Tres vidas entrecruzadas mediante un accidente. Disfrútenla.

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Acción, Drama, Escenas Alejandro González Iñárritu, Gael García Bernal, Martin Scorsese, Quentin Tarantino

Ya tenemos el trailer de “Shame” (podéis acceder a él pulsando sobre la imagen), esperadísimo film por el que el Michael Fassbender (sin duda uno de los actores del momento) ganó la Copa Volpi en el último festival de Venecia. El film ha cosechado multitud de premios y críticas positivas y por el trailer, realmente la cosa promete, al menos un tour de force genuino por parte del actor alemán. A parte del trailer también se han publicado un par de pósters del film, que esperemos que alguno de ellos sea el final y no se quede como el teaser.

La sinopsis del film es la siguiente: Brandon (Michael Fassbender) es un treintañero de Nueva York con serios problemas para controlar y disfrutar su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y teniendo contactos con solteras en Manhattan… Nuevo trabajo de McQueen -que repite con Fassbender- tras su aclamada y notable ópera prima “Hunger“. El argumento está enfocado a “examinar la naturaleza de la necesidad, de cómo los humanos vivimos nuestras vidas y reaccionamos ante las experiencias que marcan nuestro camino“.

Drama, Thriller, Trailers Carey Mulligan, Michael Fassbender, Shame, Steve McQueen

Os dejo con el plano secuencia inicial de “Boogie Nights“, segundo largometraje de mi adorado Paul Thomas Anderson. Un plano que recuerda claramente tanto en su concepción como en su significado al de “Uno de los nuestros“ (Martin Scorsese, 1990) y en el que se nos describe el ambiente de las fiestas de alto standing en Hollywood.

La escena se inicia con casi tres minutos de plano secuencia hasta ser quebrantado (con ralentización incluída para dejar constancia de la trascendencia) por el flechazo profesional entre el director de cine porno Jack Horner (Burt Reynolds) y Eddie Adams (Mark Walhberg), un camarero del local. Pronto dicho cineasta le reclutará en el mundillo del cine X ofreciéndole un futuro prometedor. La película sirve para homenajear aunque indirectamente a John Holmes, uno de los actores porno más destacados de toda la historia que ya fue interpretado por Val Kilmer en “Wonderland“, y que saltó a la fama por sus 35 cm de miembro viril xD.

El ascenso y caída de Dirk Diggler (nombre artístico del anteriormente citado Eddie Adams) sirve a Anderson como vehículo para explorar a la gente, la moda y los eventos de finales de los ’70 y principios de los ’80. Cine coral en estado puro (con actuaciones sensacionales de todo el elenco) que repetiría y superaría en la monumental “Magnolia” (1999).

Espero que lo disfrutéis, os lo dejo en HD y VOSE.

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