La curiosa adaptación del clásico de Daniel Defoe que realizó Byron Haskin a mediados de la década de los 60 titulada Robinson Crusoe on Mars, es sin lugar a dudas, uno de esos clásicos de la ciencia-ficción tan simpáticos como olvidados.

Lejos de la vulgaridad y poca gracia de la amplia mayoría de productos actuales de dicho género, el film de Haskin posee una fotografía y un diseño de producción ciertamente remarcable, unos efectos especiales un tanto desfasados pero entrañables y sospechosamente parecidos a los de otro film anterior suyo: La guerra de los mundos (1953) y aunque cuente con unas actuaciones irregulares en general, rebosa entretenimiento por los cuatro costados, consolidándose como una obra ideal para convertirse en joyita de culto para los frikis. Recalcar que la cinta podría haber caído fácilmente en el ridículo viendo el argumento inicial, pero no es así.

Cabe decir que pocas novelas se han adaptado tantas veces y con resultados tan poco satisfactorios como Robinson Crusoe de Defoe. De las realizadas solo sobresalen algunas de la época muda y sobre todo la cinta homónima de Buñuel (sin duda, la mejor adaptación realizada hasta la fecha, con alguna que otra aportación surrealista / onírica muy identificativa del estilo del español) y esta curiosa cinta de Haskin. Para los amigos frikis también tienen Miss Robinson Crusoe o Las eróticas aventuras de Robinson Crusoe (una cinta lejos del cachondismo de Russ Meyer), dos ejemplos de la desvirtualización a la que llegaron algunas de las adaptaciones del clásico original. De la versión telefilmesca protagonizada por Brosnan, me reservo mis incendiarias impresiones.

La cinta de Haskin nos cuenta como una misión a Marte para evitar colisionar con un meteorito, sus tripulantes se ven obligados a eyectarse hacia el planeta pues su nave está siendo atraída por la órbita del planeta. El comandante Draper (Paul Mantee) sobrevive al impacto pero no su compañero. Solo y con escasos recursos, Draper se enfrenta a la posibilidad de perecer en las próximas horas. Pero con una lenta adaptación a la atmósfera de Marte, el descubrimiento de agua y vegetales, la supervivencia de Draper parece segura. Explorando la superficie marciana descubre a naves alienígenas rondando por la zona – las cuales traen a esclavos humanoides a excavar minerales al planeta -. Precisamente uno de los esclavos es rescatado por Draper y comienzan a ser perseguidos por las naves marcianas. Ya con compañía, el astronauta se encargará de educar al esclavo (el Viernes de esta epopeya), y ambos lucharán juntos por sobrevivir ante la hostilidad del clima del planeta y el asedio por parte de las naves extraterrestres.

La forma que tiene Haskin de trasladar el concepto de naúfrago al de astronauta que debe aprender a sobrevivir en un planeta desconocido, no solo está conseguido sino llevado al extremo, aumentando todo lo que la novela ofrecía, pues las condiciones que el protagonista se encuentra son mucho más precarias y peligrosas que su hermano barbudo isleño. Sería como elevar al cubo dicho concepto.

Si Buñuel optaba por aportar su granito de arena en su adaptación mexicana, añadiendo una pizca de surrealismo y variando alguna cosilla (recuerden que el aragonés le apasionaba el personaje y su soledad, que no la novela), aquí Haskin opta por tomarse unas licencias que a priori podrían resultar cuestionables e incluso inverosímiles en según que ámbitos, pero con resultados notables y perdonables viendo las pocas pretensiones y la humildad del film.

Aunque hay detalles que son puramente sci-fi, existe también una intención de narrar algo con realismo, dentro de lo que cabe y de la ficción que supone, como por ejemplo escenas como la construcción de un despertador mediante un reloj de arena, cuando consigue encontrar las algas, la elaboración de un vestido mediante vegetales o las visiones del protagonista producto de su soledad prolongada. La licencia tomada más significativa es Viernes, que aquí nos encontramos a un esclavo humanoide encargado de realizar trabajos de minería.

Pero no todo es oro lo que reluce, pues aunque se trate de un film más que estimable, los FX son un tanto cutrillos y totalmente anticuados (aunque con cierto encanto y en algunos casos muy conseguidos), la cinta se salva en algunos detalles porque no se le puede pedir mucho vista su entidad, y las actuaciones son irregulares y dispares, si bien Paul Mantee está correcto, pero Victor Lundin como Viernes, está cuanto menos que espantoso, con una sosería similar a la de Tom Welling en la pedorra serie teen del hombre de acero.

El film es todo un exponente de la buena sci-fi de antaño, para nada resulta tremendista, patriótica ni triunfalista, es más, es ante todo un relato sobre supervivencia y la superación diaria. Sus mayores virtudes radican en una falta de pretensiones evidente, su humildad, la clara añoranza que despierta en los frikis este tipo de cine tan cuco y por ser una interesante y atípica variante del náufrago defoeniano.

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Pinta espectacular esta monster movie!!

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Está visto que andamos demasiado alejados de la valentía y la sugerencia existente en el género de ciencia-ficción / terror de la década de los 50. Las directrices actuales que presiden las producciones de las majors son única y exclusivamente de índole comercial, sin riesgo alguno, más preocupadas en mostrar y dar una explicación a todo que en sugerir y respetar la inteligencia del espectador.

Films como El increíble hombre menguante de Jack Arnold proponían una mirada seria sobre la soledad humana, la incomunicación, la lucha por la supervivencia en un entorno hostil y el valor de la cotidianidad perdida. El mismo Matheson -autor de la novela-, escribió el guión, obtuvo la libertad que hoy en día no parecen dar las productoras y el resultado así lo confirma, ya que posiblemente sea la mejor adaptación al cine de un libro de Matheson, además de una excelente muestra de gran cine hecho con pocos medios (como mucha de la serie B de antaño).

Evidentemente, Francis Lawrence, no ha tenido la misma fortuna que Arnold, pues tiene como guionistas – creo que podemos decirlo- a dos de los churros más grandes de Hollywood, capaces de escribir bodrios descomunales en forma de libreto como Poseidon, en el caso de Mark Protosevich o El código Da Vinci, en el caso de Akiva Goldsman, posiblemente el peor guionista de USA para un servidor y habitual colaborador del execrable Ron Howard. Trabajar con semejantes inútiles ha debido ser todo un tormento mental para el bueno de Francis Lawrence, un realizador no tan mediocre como a priori puedan pensar, pues su trabajo en el film, desde mi punto de vista, es decente (que no muy destacable). Eso si, por favor, corramos un tupido velo sobre esa cosa llamada Constantine con soso-man Reeves.

Si entramos en comparativas entre libro y film, la película queda como algo realmente poco atractivo. No solo se ha perdido toda esa angustia y terror de la novela, sino también gran parte de su significado, además que no veo por ningún lado la lucha psicológica que aturde a Neville. Como en El increible hombre menguante, en la novela el protagonista era el extraño, el ser “marginado” y un asesino para la “nueva humanidad”. Es el paso al otro lado del espectro.

La cinta de Lawrence parece una versión muy edulcorada, optimista, facilona y a la postre, comercialoide, del excelente libro del autor americano. El aire pesimista de la novela para nada queda reflejado en la cinta. El calado existencialista también parece haber desaparecido del mapa. Todo parece hecho al servicio de los FX (muy buenos en cuanto a localizaciones, muy malo y totalmente fallido en cuanto a infectados), además de contener alguna que otra escena fuera de lugar que rompen claramente el ritmo de la cinta como por ejemplo: las de la cacería inicial con el coche a toda leche (casi me da algo xD), los momentos Shrek y Bob Marley, ambos ciertamente lamentables y puros pegotes cómicos made in El principe de Bel-Air.

En cuanto al final, ¿qué decir?, pues falsamente esperanzador y para nada tan chachi y “de culto” como el de la novela. SPOILER ese Will Smith suicida me pareció casi hasta patriótico y penosete y toda una declaración anti-11S un tanto peligrosa, inmolado para dar vida no para quitarla, sí, pero ojo, en ningún momento presentan a Neville como lo que es: el último eslabón de una raza asesina y extraña, sino casi como un nuevo mesías salvador. FIN SPOILER

Tanto El último hombre vivo como ésta, suponen sendos fracasos en adaptar una de las mejores novelas de sci-fi/terror escritas. Ni Charlton Heston ni Will Smith me convencieron como Neville (aunque debo reconocer que, aunque odie al actor, Will Smith está más contenido que de costumbre y es de agradecer).

Un churro patatero entretenido y ameno. Se habla ya de secuela, propongo que salga Tomatito Bloom como primo hermano de Neville, igual así sale algo aún peor.

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Es bien sabido que año tras año, Francia ofrece jugosas propuestas de género fantástico y de terror . Una de las más interesantes (al menos, a priori) es Dante 01, dirigida y co-escrita por Marc Caro (antiguo colaborador de Jean-Pierre Jeunet) y co-director de obras tan interesantes dentro del fantástico europeo como Delicatessen o La ciudad de los niños perdidos, además de ser un gran diseñador de arte y personajes (ver su impecable trabajo para films como Vidocq o Alien: Resurrección).

El film narra la historia de una prisión espacial de alta segruidad (llamada Dante 01) que orbita un planeta llamado Dante, y adonde sólo envían a los psicópatas más peligrosos, pero no para encerrarles de por vida entre rejas, sino para utilizarles como cobayas humanas en extraños y terribles experimentos. Hasta que un día, César (Dominique Pinon), uno de los reclusos allí, decide liderar una rebelión que acabe con todo lo llevado a cabo en ese lugar, hasta que llega Saint Georges (Lambert Wilson), un misterioso prisionero poseído por una fuerza secreta que, cuando aprenda a controlar, empleará para acabar con la hostilidad de sus compañeros presos y liberarlos de la maligna atracción de Dante.

Por el trailer se puede vislumbrar que tendrá todos esos elementos fantásticos, surreales y siniestros del universo Marc Caro, dejando constancia de que el film dispondrá de una imaginación visual y una factura ciertamente interesante.

La cinta, que protagonizan Lambert Wilson (visto en la trilogía Matrix) en el papel de Saint Georges y el actor fetiche de Caro: Dominique Pinon como César, posee ciertos parecidos a otros films de género como los films Jeunet-Caro, sobretodo la cuarta entrega de la saga Alien, Cube, 12 monos o THX 1138, pero lo que doy por seguro es que lo más interesante de esta cinta será su cuidado look visual, su diseño de producción, su labor fotográfica y su bizarrismo unido a su siniestralidad.

Os dejo con el trailer francés del film:

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Hitman es un videojuego de culto que narra la historia del agente 47, un hombre clonado y perfeccionado para realizar su labor de sicario. Un juego con una alta carga de violencia, una excelente jugabilidad, una trama muy atrapante y el sello identificativo de todo juego de accion donde los detalles abundan, al igual que las armas y las técnicas para asesinar.

Aunque el juego no está recomendado para menores de 18 años y contenga las mencionadas anteriormente dosis de violencia y una temática peculiar, debido a su calidad y su intrigante trama, se convirtió en objeto de culto.

Ahora, nuestros amigos de Hollywood, le dedicarán un remake, más que nada, porque se les deben haber acabado ya el lote de películas asiáticas o europeas listas para versionar, digooo copiar (son grandes en aquello del “Control+C & Control+V .. xD). Actualmente, les toca el turno a los cómics, los manga (atención al proyecto Dragon Ball…del cual me ahorro mis corrosivos comentarios) y a los videojuegos (ahora van a por los serios y duros (¿cuando una peli de GTA dirigida por Bay? xD), dejando de lado lo lamentable que lo hicieron con sagas tan clásicas y excelentes como Resident Evil -inolvidable su segunda parte doble para PS- y Final Fantasy, que junto a The legend of Zelda supone una de las cumbres de la historia de los RPG).

Xavier Gens, director de la (dicen) normalita y muy hardcore Frontière(s), dirige esta cinta calificada como R en USA, pero que dudo mucho que llegue al nivel del juego (si se acerca ya es mucho… ). Habiendo sufrido en mis carnes pesadillas omo las adaptaciones de Tomb Raider (por partida doble, … y con doble siesta), la trilogía de Resident Evil, sin olvidarnos de aquel engendro fontanero llamado Super Mario Bros con Bob Hoskins en el “papel de su vida”, uno va ya con muchas dudas cuando lee algo sobre adaptaciones de videojuegos. ¿Será fiel al videojuego?, ¿lo adaptará según los cánones de Hollywood, o bien será una cinta de violencia estilizada pero cruda?.

En el trailer del film ya puede comprobarse que se han tomado bastantes licencias con respecto al juego (muchas de ellas no muy comprensibles) como la relación (muy efusiva) entre la chica (una espectacular Olga Kurylenko) y el agente 47 (que se lo han sacado de la manga) o el tema de las armas, por ejemplo, pero bueno, esperemos al menos que sea una cinta más decente de lo aparente en el trailer y sea una adaptación maja. Recemos, hermanos XD

Lo cierto es que, dejando de lado si es comparable o no con el juego, pues resulta obvio que no, la cinta podría ser un heroic bloodshed de lo más majo (fijos en el trailer que sale hasta la palomita (típico de John Woo) volando por detrás), con sus ralentís, violencia estilizada y tiros a mansalva.

Os dejo con el trailer del videojuego y el de cine, comparadlos y opinad.

Trailer del videojuego
Trailer de la película

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Tras la excelente serie Perdidos y el (presumible) relanzamiento de la saga Star Trek, la nueva producción de J.J. Ambrams, Cloverfield (anteriormente llamada 1-18-08, cuando aún no disponía de título definitivo), ha tenido una de las campañas de promoción más inteligentes y misteriosas de los últimos años que suscitaba todo tipo de rumores y teorías entre los internautas, además de que cuyo teaser y trailer prometen tensión y suspense del bueno.

¿Será más destructivo que Godzilla (versión japo)?. Pronto saldremos de dudas…

Nada de chorradas al estilo Emmerich o Bay, pues, como en el caso de la excelente cinta de Bong Joon-Ho: The host, aquí parece que también se va a saco.. y nos alegramos por ello XD

Una de las películas de la temporada más esperadas para un servidor. Su estreno en España:Febrero del 2008. Les dejo con el trailer. Si no lo han visto todavía, disfrútenlo.

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Como mola el poster del film de Vigalondo!!
Podremos verla en Sitges.

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En un plazo de cinco años, el Sol se apagará, y toda la raza humana se extinguirá con él. La última esperanza de los hombres es el Ícarus II, una nave espacial con una tripulación formada por 6 hombres y 2 mujeres, que intentarán llevar una gigantesca carga explosiva (del tamaño de Manhattan) para insuflar nueva vida a la estrella (crear una nueva estrella), para que ésta vuelva a brillar y salve de la destrucción al planeta. La nave Ícarus ya tuvo 7 años atrás la misma misión, y fracasó, por tanto, la última esperanza de salvar a la humanidad recae en esa tripulación.

Este es el punto de partida de la última colaboración hasta la fecha entre el guionista Alex Garland y el realizador inglés Danny Boyle. Y si bien el trabajo del primero es muy mejorable, el segundo (como siempre) cumple e imprime a sus imágenes tensión y ritmo, uniendo escenas de acción con otras de un estilo cercano al new age (ayudado de esa música excelente del grupo Underworld), aunque con algunas decisiones en la parte final que para nada convencen, como ya comentaré posteriormente.

“Sunshine” supone una clara decepción dentro de la interesante filmografía de Danny Boyle, ya que uno se esperaba algo de mayor calidad tras sus últimos y fantásticos films (la magnífica y a reivindicar “Millones“(2004) o la adrenalítica y estupenda “28 días después” (2002), la cual supuso para algunos la recuperación del género zombie). Con ello no quiero decir que esta primera incursión en la ciencia-ficción por parte de Boyle no contenga aciertos, sin ir más lejos la ambientación o el sonido están conseguidos, pero se echa de menos muchas cosas. Desde lo poco elaborados que están algunos personajes, profundizando muy vagamente en su psicología, hasta los absurdos e innecesarios giros del guión hace que la película se vaya desinflando poco a poco hasta convertirse tristemente en una sucesión de tópicos del género. Y hay pocas cosas más tristes que ver como una película que podía ofrecer algo más que un mero entretenimiento se quede únicamente en una acumulación de unos cuantos guiños cinéfilos, con una primera mitad que dista mucho de la (casi) bochornosa segunda mitad.

Es agradable que una cinta de género intente rendir homenaje a films tan memorables como “2001: Una odisea del espacio” (Stanley Kubrick, 1968), “Alien” (Ridley Scott, 1979), “2010: Odisea 2” (Peter Hyams,1984) o “Naves misteriosas” (Douglas Trumbull, 1972), mientras tenga una voz propia y no solo sea una sucesión de citas cinéfilas. La cinta de Boyle no consigue despegar del todo, quedando en un intento de hacer algo personal sin acabar de conseguirlo. Y ya se sabe, en el cine no se vive de intenciones sino de hechos.

La primera mitad de la cinta es quizás la más acertada, con algún que otro momento destacado (sobre todo la parte en donde Searle (Cillian Murphy) y Kaneda (Hiroyuki Sanada) -un nombre que enseguida nos recuerda aunque sea inconscientemente aquel fantástico personaje de “Akira” (Katsuhiro Ôtomo, 1988)- tienen que abandonar la nave para realizar una reparación). Esa parte nos recuerda vagamente a la cinta de Brian De Palma “Misión a Marte” (2000), aunque sin su estilo ni su tensión. Le queda mucho todavía a Boyle para acercarse a la calidad de un monstruo del cine como es De Palma.

Algo bueno de la película es que no existen los personajes que se dedican a contar chistes estúpidos o a “amenizar” la trama para aquellos espectadores incapaces de seguir un film minimamente serio, es decir, que no es como en ese tipo de producciones típicas americanas (que se las dan de space opera cuando en realidad no son más que truños cósmicos) y como ocurría en la anterior cinta de género zombie del realizador, se va al grano.

Es un film de presupuesto no muy holgado y aunque esto no es “Hellboy” (Guillermo Del Toro, 2004), es decir, presupuesto bajo que parece mucho más por el buen hacer de los técnicos, sí que se acerca.

Si algo se hecha en falta en este film es sin duda una mejor construcción y desarrollo de los personajes, a parte, claro, de una historia más interesante y un guión mucho más pulido, menos efectista y falsamente místico. Los personajes, seamos realistas, están terriblemente desaprovechados y desdibujados desde un Cillian Murphy de lo más soso hasta una Michelle Yeoh tremendamente testimonial, sin olvidarnos de un Hiroyuki Sanada -el personaje más interesante sin dudarlo- que como ocurriera con Tim Robbins en la cinta de De Palma, desaparece de la pantalla casi antes de que nos demos cuenta.
En cuanto al absurdo guión, la estela new age de Boyle no consigue ocultar su vacuidad ya que no solo contiene altas dosis de poca credibilidad sino que está atestado de tópicos y de situaciones imposibles.

Anteriormente comentaba que la primera mitad del film era posiblemente la más destacable y seria, ya que durante la segunda mitad y el final, el film da un giro y toma un rumbo que resulta cuanto menos forzado y casi irrisorio. La cinta de repente decide transformarse en “Jason X” 2a parte, es decir, como se diría coloquialmente: matón a bordo y a correr.

Eso empobrece (y de que manera) la trama y convierte al film en algo previsible y nada novedoso. A partir de ahí, Boyle opta por una solución visual (el exceso de desenfoque) ni mucho menos acertada, confundiendo constantemente al espectador y como único objetivo ocultar el bajo presupuesto de su cinta. Y nosotros le preguntaríamos al director: Si realmente usted no tenía presupuesto para ese (patético) personaje final, ¿Porqué simplemente no lo muestra en pantalla y juega con la sugerencia dejando que la imaginación del espectador haga el resto? El terror a lo desconocido y a lo invisible es siempre mucho más efectivo y sino que se lo pregunten a realizadores como Jacques Tourneur o Alfred Hitchcock, los cuales deberían darle una lección de cine de suspense a este señor. Aún así, como anteriormente se comentaba, el giro final es totalmente innecesario y estropea el conjunto más de lo que ya estaba.

“Sunshine” es a la postre un film fallido y desde luego es una pena como por un guión tan mejorable (con esa parte final totalmente fuera de lugar) se queda en un producto entretenido sin más. Si bien es cierto que el film toca de forma interesante temas como el sacrificio, la lucha diaria o el humanismo dentro de ese microcosmos en medio de la nada que es la nave Ícarus II y aunque podamos ver destellos del estilo de Danny Boyle en sus planos, esa combinación con la música de John Murphy junto al grupo Underworld que tan bien le sienta a las imágenes y algunos detalles conseguidos, el resultado final es pobre y muy desaprovechado. Pretende no ser una cinta típica pero tristemente lo es y aunque muchos me tiren a la hoguera o me lapiden por decir esto, considero más interesantes cintas de índole similar como la justilla y estimable “Horizonte final“(1997) de Paul W. S. Anderson (hoy en día, todo un alumno aventajado de Bay xD) que ésta.

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Cuando el autor de este blog decía que visionar el último film del surfero californiano, presumiblemente sería equivalente a pegarse un lingotazo de laxante no iba en exceso desencaminado. Más de uno ya le previno a este mentecato del bodrio que consituía dicho film (aunque con ver el teaser o el trailer, era fácil hacerse una idea de por donde iban a ir los tiros), pero como buen masoquista que es uno, se decidió a verla en cine y “disfrutar” de esta basura en toda regla.

Y la experiencia ha sido cercana a tener un grano en el culo o sufrir de hemorroides agudas, es decir y siendo más suave léxicamente hablando, insufrible. Quiero que quede claro que esta crítica (aunque lo parezca) no pretende ser destructiva ni ofensiva hacia la persona de nuestro surfero preferido. Como bien sabréis amigos, desde este blog apreciamos y queremos mucho al bueno de Michael, pues aunque no tenga mucho talento y tenga un difícil carácter, no tiene mala intención, simplemente es que tiene una idea equivocada de lo que significa el término “buen cine”, nada más. No se lo tengáis en cuenta, nació entre palomitas y banderitas yankis, además de ser, desde pequeñito, un gran fan al canal porno de pago.

Para el supuesto hijo bastardo de Frankenheimer, el fracaso de “La isla” (2004) no consiguió hacerle variar su rumbo en cuanto a una mejor elección de sus proyectos. El hombre sigue erre que erre, en busca de films que no solo no aporten ni un ápice de contenido interesante al espectador sino que cada vez resultan más insultantes hacia nuestra inteligencia, más cansinos, más redundantes argumentalmente, más ruidosos y más explosivos (literalmente).

Entre los coches, las chicas y el surf (recordemos, sus más preciados hobbies), a Michael le queda muy poco tiempo para supervisar, leer y proteger de los cibernautas llorones(1) los guiones de sus películas (y sus consabidas e infinitas reescrituras por varios centenares de no acreditados), pues, como bien apunta Josep Parera en su curiosa y efusiva crítica para la revista Imagenes de actualidad (recalcando que no comparto para nada su entusiasmo por este tipo de cine veraniego): “El film carece de un guión que pueda considerarse como tal“. Y así es, un guión ciertamente lamentable, repleto de tópicos, de situaciones manidas, de frases puramente bayianas (es decir, muy estúpidas, pretendiendo ser cools y en ocasiones pro americanas) y con unos personajes terriblemente mal construídos y estereotipados. Ni Akiva Goldsman aposta, podría hacerlo peor.

Universal intenta vender el film como lo último en películas de acción, pero nada más lejos de la realidad. Como ya pasara el verano pasado con el infumable último film de Petersen “Poseidon” (2006), “Transformers” es ante todo una auténtica comedia veraniega, en concreto una de esas teen (para que engañarnos), la cual contiene todos y cada uno de los elementos que constituyen una mala comedia. Es más, incluso el casting incluye a actores puramente cómicos como Bernie Mac, Anthony Anderson o John Turturro (que sería aquí como el Steve Buscemi o el Peter Stormare en “Armageddon“, es decir, papel alimentício donde los haya, para un gran actor, fetiche de los Coen, decidido a tomar las riendas de un personaje que se ríe de sí mismo y que a la postre se erige como lo más interesante de la película).

Esta infecta cosa en forma de celuloide la definiría como un pupurrí de fragmentos de otras películas, desde las comedias teen(2) estilo “American Pie“(1999) o “La vecina de al lado” (2005), films de ciencia-ficción/fantástico como “Independence Day” (1996), “El hombre sin sombra” de Verhoeven, “Terminator 2: El juicio final” de James Cameron o “Gremlins” de Joe Dante, films de la Disney sobre el bólido más travieso: el inigualable Herbie, hasta sus preciados autohomenajes puramente onanistas (“Bad Boys 2” (2003), “Armageddon” (1998), “Pearl Harbor” (2001), “La Roca” (1996)).

De las comedias teen tenemos todo el inicio del film, sin olvidarnos de ese uso tan particular de la soundtrack, que puede parecer cachondo pero a mi me parece sinceramente insoportable XD. Es más, si yo fuera miembro de los Strokes, no hubiera permitido ser publicitado en este engendro robótico en forma de película.

Del film de Emmerich, tenemos multitud de cosas, desde la base en donde se guardaba bajo secreto el robot Megatron congelado (¿Alguien dijo Area 51?), virus alienígenas que infectan nuestras redes (al contrario que en ID, pero de equivalente estupidez) hasta planos muy similares. En este caso no es el presidente del Gobierno el que no se entera de un carajo (Bill Pullman en “Independence Day“) sino el ministro de defensa (John Voight), el cual no se lo piensa ni dos veces en pasar a las armas (recordando a ese presi del gobierno yanki encarnado por el citado Pullman, capaz de volar en un caza y salvar a toda la humanidad).

Sobre los homenajes a sí mismo por parte del realizador, hay infinidad de ellos. Empezando por comentarios sobre “Armageddon“dentro del film (una de sus aportaciones al guión,… ejem), las escenas espaciales o cuando llegan los robots (que casi parecen meteoritos xD) que recuerdan mucho al film producido por su colega-hermano Jerry, y acabando por esa escenita final en el coche entre los dos enamorados felices de la vida que lamentablemente nos recuerda mucho a aquella desafortunada secuencia entre Ben Affleck y Liv Tyler que tenía como único objetivo retardar la trama. De “Pearl Harbor“, tenemos las persecuciones de los cazas y las super explosiones (a cual más contundente), y de “Bad Boys 2“, desde el plano giratorio de 180º (que le moló tanto que lo ha vuelto a repetir) hasta dejar la autopista llena de vehículos destrozados, con esas persecuciones con decenas de coches, autobuses y camiones (lo que haga falta para liar la de Dios).

De todas formas, Michael Bay desde que está con Spielberg en la producción, sus films son mucho menos violentos y más para toda la family, porque la última colaboración con Bruckheimer, “Bad Boys 2“, era un rato violenta en algunos tramos. Si al menos fueran de mayor calidad, pues no pasaría nada, pero no, son mucho más insufribles e infantiles XD. Ojo, que desde aqí no se defiende la violencia gratuita, pero se esperaba algo más hardcore de una lucha entre 2 clases de robots.

Siguiendo con las similitudes/homenajes, el robot Frenzy, perteneciente a los Decepticons, recuerda muchísimo por su movilidad y sus extraños ruidos a los maléficos bichos verdes de “Gremlins” (1984) de Joe Dante, curiosamente producto de otra transformación (en ese caso, por el agua). Cuando Ironhide sale del agua, recuerda a aquella escena de “El hombre sin sombra” (2000) en donde un Kevin Bacon invisible salía de la piscina, sobretodo por el uso del cgi con el agua, y esa piscina rodeada de vapor en medio de la noche. De el film de Cameron (T2), hay muchas cosas similares: el uso del coche de polícia por el robot Frenzy, el cual también utiliza para dar con el chico que buscan (ojo, al cual encontraron vía Ebay.. Internet supera fronteras… y sistemas solares XD), el hecho de que vengan 2 tipos de robots (unos para proteger (Schwarzenegger en el film de Cameron) y otros para destruir (Robert Patrick en T2) y cuya transformación / presentación ante el público se produdzca en entornos abandonados o apartados. En cuanto a la saga Herbie, son evidentes las múltiples similitudes (coche juguetón con vida propia que ayuda al conductor).

También hay cabida en el film para sus preciados contrapicados chuleros (según él, de propia invención), ya saben, esos planos a ras del suelo de gente saliendo de un helicóptero que tanto le ponen a él ante la indiferencia general del resto; esos ralentís tan odiosos con los marines corriendo para salvarnos de una hecatombe inminente o las típicas músiquitas machaconas que tanto abundan en sus películas (ya saben, el hombre sigue abonado a los alumnillos de Zimmer en Media Ventures), y desde luego, la partitura de Steve Jablonsky es de lo más soso que mis castigados oídos hayan podido escuchar últimamente.

La película podría resumirse en dos líneas: 2 clases de robots (Los Autobobs y los Decepticons) que aterrizan en nuestro planeta en busca de la chispa vital (la que no tiene su realizador), unos vinien para defendernos, otros para aniquilarnos e inician una guerra que concluye con media ciudad destrozada y 2 pringaos enamorados.

Michael Bay continúa sin saber dar un dramatismo real y creíble a sus escenas, sin saber filmar escenas serias, de amor o que inspiren tristeza y todo lo oculta bajo un guión juvenil, con personajes de tebeo malo que no transmiten ni el más mínimo sentimiento de empatía y usando herramientas fílmicas de dudosa efectividad para esos momentos. Sus films son tan vacuos como faltos de alma, son únicamente una sucesión de fuegos artificiales carísimos sin orden ni control, unos personajes que pretenden pero no consiguen ser carismáticos (solo lo podrán ser para los más pequeños) y unas luchas entre robots absolutamente confusas y de mala planificación.

Muchos quizás le digan a este pobre friki cinéfilo que su problema es que no acepta que exista otro tipo de cine cuya finalidad única y exclusivamente sea la de entretener, dejando de lado todo lo demás, pero opino (y siempre lo he hecho), que cabe perfectamente la posibilidad de que existan films palomiteros pero a la vez honestos con el espectador medio. No pido que sean films reflexivos y den una lección de cine (para ya tenemos el cine de autor u otras cinematografías), pero al menos que contengan un minimo de interés, unos personajes un poco currados y en definitiva que me aporten un poco más que un mero espectaculo visual de FX made in ILM (para eso ya hay otras cosas,… iba a decir videojuegos, pero de hecho, muchos de ellos superan a muchas películas producidas en Hollywood).

De entre tanto amasijo de hierro salvaría un nombre propio: Shia Labeouf, un actor que junto a un cachondo John Turturro dan un repaso al resto de actores, porque dios mio, Megan Fox (dejando de lado lo buena que esté) es una horrorosa actriz posiblemente con más futuro en Playboy que en el cine convencional. ¡¡La chica siempre pone la misma cara!!. John Voight se le ve como desubicado, despitado y solo parece reaccionar cuando le dejan tener un rifle en sus manos (dar por seguro que a Heston y a su NRA les habrá encantado dicho film), Bernie Mac cree estar actuando en la tercera parte de Los ángeles de Charlie (con un personaje idéntico al de dicha saga) y algunos de los robots protagonistas parecen comediantes retrasados expulsados de las pruebas de casting de La hora chanante.

En definitiva, “Transformers” es la comedia del verano. Divertirá a aquellos que solo busquen ruido y palomitas, que les ponga ver algo ya muy visto (argumentalmente hablando) y que contenga escenas capturadas de otras películas más o menos recientes, lo que la convierte en un producto veraniego equivalente a una bigmac de la cadena de fast-food McDonald’s, de usar y tirar. Lástima que Spielberg no produzca films tan interesantes como los de antaño.

El resto, huyan de ella. No tiren el dinero a la basura.
Un espectáculo circense tan vacuo como innecesario. Suerte del menú pop-corn.

[1] Sale de la frase: “Veo estas polladas de gente que dice que ha leído el guión terminado. Imposible. Yo tenía el único borrador dos meses antes de empezar a rodar. Sí, el ritmo de las escenas es similar, pero es un guión muy diferente. Seguimos escribiendo las voces de los robots. Esta es, de lejos, la película con más acción que he rodado. Tengo 12 set pieces (escenas de acción) enormes. Chico, estoy cansado de estos patéticos llorones de internet.“ Michael Bay, en su página web Shoot fot the edit

[2] Ya saben, chico torpe tras chica guapa en un ambiente escolar y rodeado por lugares y situaciones nada novedosas.

Acción, Ciencia Ficción, Comedia, Críticas Michael Bay, Shia Labeouf, Transformers

Antes de que me echéis tomates, recalco que la escena que aquí adjunto no es ninguna del remake de Soderberg sino de la cinta original de Tarkovsky, un realizador cuya filmografía es tan escasa como magistral (sólo dirigió ocho films). Obras con un poder visual magníficos, con una puesta en escena milimétrica, pues la mayoría de planos tenían una composición y estética simplemente perfectos.

Recordemos que la trama de “Solaris” giraba entorno a Kris Kelvin (Donatas Banionis), un cosmonauta y psicólogo que es enviado al espacio para averiguar porqué los intentos de conocer más sobre el planeta Solaris han terminado en desastre. Aparentemente, los seres queridos ya fallecidos de los tripulantes de las naves terrestres que investigan la superficie de ese planeta, se están manifestando en forma física. Todo comenzó cuando los exploradores humanos hicieron unas pruebas en el Océano de Solaris, sometiéndolo a descargas de rayos X. Fue entonces cuando el planeta les “respondió” examinando sus centros cerebrales y reproduciendo algunos de sus recuerdos en su contra. Kris llega a destino escéptico, pero cuando se le aparezca su difunta esposa Hari (Natalya Bondarchuk), se cuestionará muchas cosas.

A pesar de su consabida lentitud en las cintas, solo por las atmósferas que Tarkovsky creaba y sobre todo por esos personajes y esas historias tan psicológicas y trascendentales convirtien el visionados de cualquiera de sus films en una experiencia cinematográfica única. Su cine demanda total atención e involucración.

El caso de “Solaris“, es un claro ejemplo de ello, una historia de amor atípica convertida en ciencia-ficción psicológica que invita a una reflexión en un ámbito dentro de lo puramente fantástico. Una maravilla, os dejo con la escena final que, sin lugar a dudas, es una de las grandes de la historia del cine. Tan poética como críptica, tan fascinante como perturbadora.

Ciencia Ficción, Escenas Solaris, Tarkovsky

Tras realizar un buen film como fue El sexto sentido, posteriormente su obra maestra El protegido, la eficaz e infravalorada Señales y la poética y romántica El bosque, Shyamalan realiza su primer film fuera de Touchstone Pictures tras la ruptura del acuerdo entre él y la compañía, y según él su film más personal y sentimental.

Por primera vez, hace una película con los estudios Warner Bros, con la que ha contado con total libertad para hacerla, como prácticamente contaba con Touchstone, pero a diferencia de esta, Warner ofrecia 25 millones más de dólares para financiarla.

El film se inicia en mi opinión, estupendamente, con esas pinturas antiguas y con cierto toque infantil (como si de una fábula fantástica se tratara), explicándonos la historia y recordándonos que los humanos hemos perdido el don de saber escuchar.

La historia de la pelicula arranca con Cleveland Heep (Paul Giamatti), una persona que ha estado intentando pasar desapercibido entre las lámparas fundidas y los electrodomésticos rotos de los apartamentos The Cove. Pero en la noche en la que su vida dará un giro, Cleveland descubre a otra persona escondiéndose dentro de la rutina cotidiana de su modesto edificio, una misteriosa joven llamada Story (Bryce Dallas Howard) que vive en los pasajes debajo de la piscina. Cleveland averigua que Story es en realidad una “narf”, un personaje parecido a una ninfa salida de una historia épica para niños y que está siendo acosada por unos monstruos malintencionados que están empeñados en impedir que ella haga el peligroso viaje de vuelta desde nuestro mundo al suyo. Los poderes especiales de percepción que tiene Story revelan los destinos de los vecinos de Cleveland, cuya suerte está irremediablemente unida a la de ella. Tienen que trabajar juntos para descifrar una serie de claves que abrirán el camino a la libertad. El tiempo de Story para aprovechar la oportunidad de volver a casa se está acabando rápidamente mientras los inquilinos arriesgan su vida por ayudarla. Cleveland tendrá que enfrentarse a los demonios que le han seguido a The Cove, y los otros vecinos tendrán que agarrarse a los poderes especiales que Story les ha hecho descubrir, si esperan triunfar en su audaz y peligrosa misión para salvar su mundo y el nuestro.

Al acabar de ver el film, no sé como puntuarlo ciertamente, y pienso que Shyamalan ha hecho un film para él, sin pensar en el espectador en ningún momento. A parte de que la trama contiene multitud de elementos y trozos innecesarios, el hecho de que se dedique a si mismo un personaje tan importante dentro del film pues me parece algo totalmente prepotente y absurdo, y más sabiendo lo mal actor que es el hindú (según él ya tiene ofertas para hacer films con otros directores como actor,… sin comentarios). La película también tiene algún que otro personaje que no aporta prácticamente nada o nada (veasen los fumetas o Reggie (Freddy Rodriguez), y otros que sobran como el crítico de cine, que aún no entiendo de sus escenas y de su monólogo tan pretencioso y falto de humor).

La gente que se hospeda en los apartamentos the Cove son gente con problemas cotidianos, con miedos, con dudas, y de hecho, creo que es una representación de la sociedad en general, del desorden mundial, de la falta de valores actual, de la falta de ilusiones, creencias o fe. Shyamalan propone una visión del mundo en un reducido bloque de apartamentos que nos define un poco a todos, y un ser de otro mundo que viene con una advertencia y a ayudarnos. En el fondo, creo que tiene alguna que otra similtud a ET el extraterrestre de Spielberg, porque su estancia cambia a los demás, les hace ver las cosas de diferente manera.

El personaje de Cleveland Heep, es sin duda junto al de Story (Bryce Dallas Howard) el personaje mejor trabajado. Un personaje que oculta su dolor, una pérdida irreparable, y que ha perdido la ilusión y está absolutamente refugiado en la rutina y perdido. Story ahonda en sus sentimientos más profundos y hace que recupere la fe en si mismo. Ella, por otra parte, es un personaje frágil que necesita ser querido y protegido, y como él, está llena de dudas, le inunda el miedo solo de pensar quien es y su misión, pero ¿realmente hay algún líder que crea que puede serlo sin dudarlo?.

En lo referente a devolver la fe en las personas y al poder de saber escuchar, me parece buena la idea de Shyamalan pero no comprendo muchos tramos del film que estropean el conjunto, además, la historia en sí, me parece demasiado simple, por lo menos en un primer visionado, y con cosas bastante flojas por no decir malas. Me refiero a esos “lobos” que únicamente están para no dejar escapar a las narf, algunos personajes del film bastante mal construidos, demasiado caricaturescos (ver la madre china, los fumetas, Reggie, o la familia hispana entre otros) en muchas ocasiones. A parte, los efectos digitales que han hecho para el film no solo no sorprenden sino que son justillos.

Por un lado la historia, como se desarolla y las situaciones (algunas simplemente lamentables) hacen ya que de antemano no la considere una buena película, y mira que soy un fan acérrimo del cine del hindú. SPOILER Pero que se resuelva el misterio de la trama porque una china vaya contando poco a poco un cuento infantil, me parece muy triste sinceramente FIN SPOILER. Sin embargo, hay que ser objetivo y también decir que el film está escandalosamente bien dirigido, ¿qué film de Shyamalan no lo está?, nos obsequia con planos contrapicados preciosos, cenitales a raudales, con un control del encuadre simplemente casi insuperable, y una facilidad de plasmar en imagenes la historia y un clasicismo brillante. Desde luego, el guión no está a la altura de la dirección, una lástima. También remarcaría la fotografía de un genio que al fin dirige la fotografía en films americanos, me refiero al australiano Christopher Doyle, afincado en Hong Kong y que suele trabajar en films chinos, coreanos o tailandeses, y director de fotografía fetiche de nombres como Wong Kar-Wai (In the mood for love, 2046) o Pen-Ek Ratanaruang (Last life in the universe, Invisible Waves) y también ha trabajado con Zhang Yimou (Hero). En Lady in the water, Doyle hace un trabajo notable, ver esas escenas del final, simplemente magistrales.

Las actuaciones son buenas sobretodo de Paul Giamatti, un actor impresionante, capaz de hacernos reir y al minuto siguiente llorar o sentir pena o tristeza por su personaje. Un enorme actor que deberia ya estar entre los grandes y ganar un oscar merecido. Brillantisima creación. Sobre Bryce Dallas Howard, qué decir de esta actriz ya. Fantástico papel aunque no creo que llegué al nivel de de Ivy para El bosque que era inconmensurable o el poderoso papel de Grace para Manderlay de Von Trier. Del resto, pues destacar a Jeffrey Wright, un papel muy secundario, pero es un actor que me encanta, es fabuloso.
La música de James Newton Howard es asombrosa, ha vuelto a componer otra joya minimalista para un film de Shyamalan. Un autentico genio. Ver el tema final con ese uso tan inteligente de la flauta junto con el piano, denle un oscar ya a ese hombre, por dios.

Destacar ante todo del film varias escenas, la escena en la noche con esos apartamentos ilumiados y ese cielo en nubes que parece sacado de una pesadilla, el primer encuentro entre Cleveland y Story y cuando él le dice “Tu cara me hace recordar a Dios” , la escena en que Cleveland “ayudado” por el gremio y sosteniendo a Story, saca todo lo que lleva dentro, todo ese dolor en una escena fabulosa y con un Giamatti impresionante pero sobre todo ese final, todo rodado desde el fondo de la piscina (bravo por Shyamalan en la dirección y Doyle en la fotografia) que ello dota a la escena de una fuerza, un minimalismo y una elegancia superlativa, todo ello unido a la partitura de Newton Howard y a la ctuación asombrosa de Giamatti (diciendo esa emotiva frase: “gracias por salvarme la vida“) hacen de ella la mejor escena de toda la película.

En definitiva, un film por momentos prodigioso (en contadas ocasiones) y por otros muy fallido, con una historia que no se sostiene, un film hecho para el agrado únicamente de su director sin pensar en absoluto en el espectador, con una grandiosa banda sonora, y unas actuaciones de Giamatti y Dallas Howard fabulosas y en donde Shyamalan ha pecado de prepotencia concediendose casi el papel más importante del film en cuanto a la historia se refiere, por debajo de estos 2 últimos. Sin duda, una lástima, porque si la historia hubiese sido más profunda y algunos de los personajes estariamos hablando de una buena película, incluso de otra gran película de M. Night.

A veces pienso que quizás ha querido solo reflejar una historia de cuento de hadas infantil pero con problemas adultos, aunque lo ha hecho con algo más de fallos que de aciertos bajo mi punto de vista. Ojalá hubiera sido diferente.

Ciencia Ficción, Críticas, Drama, Fantástico Bryce Dallas Howard, La joven del agua, Lady in the water, M. Night Shyamalan, Paul Giamatti

Aquí os dejo con un corto de Chris Marker, bajo mi punto de vista, magistral y muy original tanto en cuanto a trama como en la manera de narrar visualmente la historia mediante montaje fotográfico, pues los personajes son movidos fotográficamente.

Un corto atípico y arriesgado en donde se muestra mucho la fisicidad de los personajes, sus rostros, su sentimiento captado por la cámara fotográfica en momentos precisos, que componen un abanico de sensaciones y sentimientos casi infinito, en un trabajo tremendamente de corte expresionista y muy modernista.

Guerra, viajes en el tiempo, sensaciones, amor, miedo, esperanza, muerte, ¿fin o inicio?.
Decir que 12 Monos de Terry Gilliam se basó en esta joya (si no recuerdo mal ella era Madeleine Stowe y él Bruce Willis).

Para salvar el futuro hay que evitar en el pasado. Disfrútenlo. Está en VOSE.

Ciencia Ficción, Cortometrajes, Críticas Chris Marker, La Jetée

Cuando Quentin Tarantino rodó Kill Bill, podíamos ver como funcionó mucho mejor en crítica el volumen 1 que el volumen 2, por una sencilla razón, mientras el volumen 2 se detenía en explicar y profundizar en personajes que no solo no tenían casi historia sino que a parte se cargaba gran parte del ritmo, en el volumen 1, los personajes apenas importaban, no importaba el qué sino el como estaba contado y sobretodo el como estaba realizado, eso era prioritario. Y este es el principal error, entre otros muchos, de la cinta futurista de Kurt Wimmer, que pretende hacer algo serio cuando lo que debería ser es únicamente un divertimento alocado, surrealista y gamberro como sí es Kill Bill Vol.1.

El director, en esta ocasión, no consigue hacer un film futurista que convenza en ningún momento, a diferencia de su anterior y, por momentos, notable film Equilibrium, todavía inédito en nuestro país por el caso Lauren-Miramax, toda una vergüenza. El gran problema de la cinta es la historia en si, que une con vampirismo con ciencia-ficción de una forma poco afortunada y también decir que es una producción que podría haber estado mucho más cuidada en ciertos ámbitos, ya que Wimmer pretende vendernos un film visualmente novedoso y potente (de hecho, tiene escenas con buenas ideas) pero todo parece muy soso y los FX de la Sega Master System como mucho.

El film cuenta con una gran parte del equipo de nacionalidad china (director de fotografía, efectos digitales, etc), de hecho, en su totalidad se rodó en Shangai debido a la imagen tan futurista y vanguardista de la ciudad.

Ultravioleta peca de excesivo dramatismo que sinceramente, sobra. ¿Y porque sobra? pues porque con la historia que nos plantea Wimmer no hay posible dramatismo creíble, ni siquiera escenas lacrimógenas, simplemente el guión no da para eso y por tanto chirria. Las escenas entre Milla Jovovich y Cameron Bright, tendrían su lógica con una historia mucho mejor construída y narrada, pero tal y como es el guión, es un film para ir a saco total.

Otro error que le veo, es el poco realismo de las luchas y que enpaña claramente el acabado de las mismas. Las coreografías son impresionantes, ya se sabe que los asiáticos en esto son los mejores del mundo, pero echo de menos (y mucho) el ketchup que ponen directores (y que queda tan bien) como Guillermo Del Toro, Takashi Miike, Ryuhei Kitamura o el citado anteriormente Quentin Tarantino. Lo dicho, al film le falta más gamberrismo y menos pensar en las calificaciones por edades, a no ser que nos hayan traído aquí la versión censurada, que lo dudo.

Los títulos de crédito, de lo mejor de la cinta.

Los efectos digitales son un auténtico despropósito, no habia visto algo tan malo gráficamente desde mi pingball programado en lenguaje C. Uno puede llegar a pensar que igual el director quería darle un aire de videojuego, pero rápidamente se descarta esa idea debido a que el look visual del resto del film no es acorde a esas escenas, por tanto, la respuesta es que simplemente son muy malos, y cualquier consola de nueva generación podría superar eso fácilmente.

Cosas destacables del film serían la fotografía de Arthur Wong, la cual juega mucho con el contraste y con el desenfocado, me ha parecido curiosa y acertada en ocasiones y me ha recordado a la que usó en su día Takumi Furuya para Alive de R. Kitamura, el vestuario está también bastante bien y los escenarios naturales no los digitales están decentes. La música de Klaus Badelt (uno de los “chicos MediaVentures“), es bastante floja exceptuando 2 o 3 temas máximo, que están bastante logrados para este tipo de producciones, pero como banda sonora en general, muy muy normalita.

Milla Jovovich podríamos decir que está bastante bien, cosa bastante extraña en esta justa actriz, fisicamente portentosa y en esta cinta tiene algún que otro momento que no está mal. Las coreografías (las que hace ella) están estupendas y supone lo mejor en interpretación de la cinta, cosa que no es que sea para recibir un premio pero bueno. William Fitchner, que ya colaboró con el director en su anterior film, lo poco que sale tampoco es que se luzca demasiado, dejemoslo en pasable. Cameron Bright, así como en Birth estaba estupendo, aquí apenas gesticula y no convece del todo su actuación, aunque tiene una extraña presencia que hace de ese niño un actor a seguir en el futuro, ojalá no me equivoque.

La dirección es muy irregular, tiene momentos flojos pero otros planos conseguidos y muy típicos del cine asiático actual (contrapicados exagerados, cenitales, etc..). También tiene algún que otro acierto a nivel visual, véase la lucha que se va viendo en los reflejos de las gafas o la lucha a oscuras con las katanas por poner dos ejemplo.

Otra escena destacable y que pasa muy desapercibida por la sutilidad, es la escena del encuentro hacia el final (sin spoilers) entre Nick Chinlund y Milla Jovovich, la escena se inicia con un plano general (o quizás plano americano) del personaje que encarna N. Chinlund dejando a un lado la puerta al fondo en desenfocado, mientras se usa el sonido en off para escuchar los golpes que nos sirven de narración auditiva de que Violet (Jovovich) está llegando, se acaban los ruidos, ella entra por la puerta, se reencuentran y comienzan la conversación, todo ello sin cortar. Una sabia planificación, sin dudarlo.No creo que sea un mal director, ahí está la fantástica Equilibrium con Christian Bale, aunque debería dejarse de orgasmos mentales futuristas o al menos currarse más la historia y, si quiere, hacer un drama futurista que nos identifique y que pueda meter esas escenas de drama que tanto le gustan.

Milla Jovovich haciendo el mismo papel de siempre. Los excesos se los deja a Kurt Wimmer.

Otra cosa a comentar era el logrado trailer que salió en su día acompañado de la fabulosa canción 24 del grupo Jem de su último disco Finally Woken, que ciertamente, le quedaba como anillo al dedo a las imágenes.

Resumiendo, lo mejor del film, sin dudarlo, lo encontramos en los títulos de créditos, magníficos, como si de un cómic se tratara, con el mejor tema de la BSO de fondo y un montaje fascinante. Y sin olvidarnos de Milla Jovovich, qué bellezón!!, qué bien queda en este tipo films!, sin duda, uno de los mayores alicientes de la cinta.

Ultravioleta es un film fallido a muchos niveles, pero he visto cosas peores, y la cinta futurista tiene también algunas detalles a destacar. Wimmer debería encauzar su carrera mirando nuevos géneros o al menos rodar un film sci-fi pero con una historia mucho más trabajada. ¿Lo conseguirá?. De momento, debemos decir que Ultravioleta no es más que un aspirante fallido a Equilibrium 2.

Acción, Ciencia Ficción, Críticas, Sci-Fi Kurt Wimmer, Milla Jovovich, Ultraviolet