Os dejo con una serie de imágenes de “Días del cielo” (Terrence Malick, 1978) en donde podemos comprobar la suprema calidad fotográfica del film obra del siempre genial Néstor Almendros. Un trabajo exquisito, con un acabado cercano a lo pictórico y con un uso de la luz natural asombroso.

Próximamente haré repasos similares con las otras obras de Malick referente a los trabajos en la dirección de fotografía de Tak Fujimoto, John Toll y Emmanuel Lubezki.

Todas las capturas han sido extraídas del blu-ray que editó Criterion. Espero que las disfrutéis.

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Dentro de la animación made in USA está claro que nadie iguala la calidad tanto técnica como artística de Pixar, para un servidor la única compañía del sector capaz de emocionar inteligentemente, junto con la japonesa Studio Ghibli. Sin embargo, sus perseguidoras, en algunas ocasiones si que nos han ofrecido personajes realmente entrañables.

Mientras que Dreamworks nos regaló los maravillosos pingüinos de la saga “Madagascar“, la justita Blue Sky (que trabaja para la Fox) tiene al carismático Scrat de “Ice Age” como máxima estrella. Dichos personajes son usados con inteligencia ya que funcionan perfectamente en dosis controladas (ya sea en cortos o en escenas puntuales) pero que resultarían reiterativos si se les dedicase un largometraje en exclusiva. Mientras los primeros apuestan por un lenguaje propio del cine de espias / militar y gracias a su velocidad y exageración consiguen sacar una sonrisa al espectador, el segundo es eminentemente físico (y mudo). En ambos casos se da cita la más absoluta genialidad. Os dejo con el último y divertidísimo corto de Scrat (al que podéis acceder pulsando sobre la siguiente imagen), seguramente una de las ardillas más desgraciadas de todo el planeta xD.

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En el panorama cinematográfico español a parte de los estrenos, los direct-to-dvd (la más que correcta “The midnight meat train” (Ryûhei Kitamura, 2008) tuvo ese trato vejatorio en nuestro país) y los cada vez más habituales retrasos, existe una especie de limbo en donde descansan -en algunos casos quizás para siempre- ciertas películas que, o bien por problemas con los derechos de distribución o bien por dejadez (como ocurre con gran parte del cine asiático), no han sido ni posiblemente serán estrenadas nunca.

Resulta cada vez más frecuente comprobar como un buen número de películas estrenadas en festivales como Sitges o el extinto BAFF por citar dos casos, nunca llegan a estrenarse en cines comerciales (a no ser que tengan majors tras de ellas), debido a que la mayoría de distribuidoras patrias prefiere apostar por productos masticados que sean un valor seguro en taquilla que por otros mucho más arriesgados que quizás requieran del boca-oreja para llegar tener grandes números. La ley del papel verde es la que impera, como siempre. Aún así, hay casos totalmente inexplicables. Por ejemplo, esos films de calidad contrastada o al menos muy interesantes que a la vez poseen grandes dosis de entretenimiento, por tanto, para nada incompatibles con un amplio público, pero que todavía siguen sin encontrar fecha de estreno o distribuidora.

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En la tranquila y pequeña ciudad de Riverton, la leyenda cuenta que un asesino en serie juró regresar para matar a los siete niños que nacieron la noche que él murió. Han pasado 16 años, y vuelve a haber desapariciones. ¿Se ha reencarnado el psicópata en uno de los siete adolescentes o sobrevivió aquella noche que le dieron por muerto? Sólo uno de los chicos sabe la respuesta.

Antes de rodar esa maravilla del metaterror llamada “Scream 4” (uno de los films más divertidos y frescos del año, le pese a quien le pese), el amigo Wes Craven escribó y dirigió el film que nos ocupa en estas líneas, otro slasher -en esta ocasión con toques paranormales- con buenas intenciones pero que no acaban de fructificar. “Almas condenadas“, que nos llega con un retraso de medio año -una práctica cada vez más habitual en nuestro país, tristemente-, como muchos de los films made in Craven, arranca de una forma magistral definiendo a un psicópata de múltiple personalidad de forma esmerada, trágica e hiperbólica. Tras ese prólogo lleno de acción y ketchup, prosigue una primera mitad más que digna en donde se nos describe el mismo pueblo 16 años más tarde cuando unos jóvenes personajes, que nacieron exactamente el día en el que dicho asesino fue herido de muerte por la policía local, idolatran y viven en sus propias carnes la leyenda maldita del destripador.

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Navegando por la red he encontrado este vídeo sobre dibujos y cuadros de Ken Harman que rinden tributo a films de Quentin Tarantino y los hermanos Coen. Incluso se atreve a mezclar ambos universos mediante su arte.

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Marie (Cécile De France), una joven de 20 años, es invitada a pasar unos días en la casa de los padres de su mejor amiga (Maïwenn). Allí, en una granja aislada, rodeada de campos de maiz, Marie y su amiga piensan encontrar la tranquilidad necesaria para estudiar. Pero no será más que una ilusión; la primera noche llega a la casa una furgoneta conducida por un implacable asesino que masacra uno por uno a los miembros de la familia. Marie decide actuar para salvar a su amiga. Empieza un trepidante duelo entre ella y el asesino.

Es cierto que “Alta tensión” posee un guión que puede parecer tramposo o inverosímil (cosa que no es del todo cierta ya que se trata de la versión subjetiva de un personaje), pero eso no quita que estemos ante un producto destacable en muchos otros apartados. Como en la mayoría de los films de Alexandre Aja, aquí tenemos a unos personajes aparentemente normales que abandonan su acomodada cotidianidad para enfrentarse a situaciones extremas en donde deberán comportarse casi como animales y cuyas existencias estarán gobernadas por la más pura supervivencia. Aja demuestra en cada plano su maestría a la hora de jugar con el tempo, alargando el suspense hasta sus límites a la vez que ofreciendo un absoluto disfrute para los amantes del terror más bruto (si amigos, los litros de ketchup no faltan). “Alta tensión” hereda con resultados más que notables la truculencia y la sequedad expositiva característica del cine de terror de los 70, visto en aquellas míticas cintas de Wes Craven, Tobe Hooper o Meir Zarchi entre otros.

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El slasher llega a la televisión:

13 semanas. 25 sospechosos. 1 asesino. Los familiares y amigos de Henry (Christopher Gorham) y Trish (Katie Cassidy) se acomodan para celebrar una boda en una isla en la cual el pasado está grabado con sangre y violencia. La mejor amiga de Henry es Abby (Elaine Cassidy), que abandonó la isla años atrás tras el asesinato de su madre a manos del serial killer John Wakefield. Ahora, ha reunido fuerzas para no fallar a Henry en el día que tendría que ser el más feliz de su vida, aunque el terror volverá y la fiesta acabará convirtiéndose en pura supervivencia.

A un servidor, a riesgo de morir lapidado por sus colegas cahieristas y demás puristas alérgicos a las palomitas, siempre le ha interesado el subgénero del slasher aún a sabiendas de sus tremendas carencias en algunos sentidos (no en todos los casos, pero si en muchos). Quizás esta simpatía que uno siente por este tipo de productos sea consecuencia de la habitual e injusta infravaloración y generalización a la que son sometidos. Es cierto que existen slashers que resultan ser bodrios claramente confesables, pero no es ético meter en el mismo saco a todas las cintas teen con matarife a bordo. Podría uno ponerse a hablar de la excelente saga de ghostface a cargo de Wes Craven (un ejercicio de metalingüismo cinematográfico la mar de majo) o de otras cintas independientes muy potables, pero centrémonos en “Harper’s Island“, una serie de televisión con sus pro y sus contra que no acaba de funcionar.

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Lo de Warner España no tiene nombre. Tras su manía en retrasar estrenos en cine (algo que le están copiando otras compañías como Paramount), editar ediciones en blu-ray como la de “Seven” (primera tanda de ediciones con sonido en castellano 2.0 y parte de los extras y cómic sin traducir o subtitular) o la del “El nombre de la rosa” (con doblaje en sudamericano en aquellas escenas sin doblaje patrio) o su habitual no subtitulación de los audiocomentarios (algo claramente inadmisible a estas alturas), ahora se une el caso del pack “Superman: Anthology“.

Era un lanzamiento planificado para Julio, que no presentaba demasiados problemas a nivel de authoring ni subtitulado (la mayoría de extras ya estaban en anteriores ediciones) y con una presentación que recordaba al homónimo pack en dvd que salió hace año. Pero a medida que se acercaba el día en el que debía salir a la venta, más rumores iban apareciendo. Primero se dijo que en España no saldría dicho pack, únicamente saldrían las películas por separado sin editar el Director’s Cut de “Superman 2” por tratarse de un disco dentro del pack. Sólo días más tarde, Warner confirmaba que ahora sólo se pondrían a la venta las ediciones individuales de cada film y que el pack sí saldría por estos lares pero…. el ¡¡1 de Noviembre!!. Cuatro meses más tarde que en el resto del mundo, casi nada.

Lo más curioso es que tanto en USA como en UK, el pack contiene en todas las películas doblaje castellano y subtítulos, así que la decisión de Warner España de retrasar tanto un lanzamiento clon a nivel mundial sin dar ninguna justificación no tiene demasiado sentido. Espero que este retraso sirva para incluir la pista mono en castellano con el doblaje original de la primera película dirigida por Richard Donner, ya que en los packs extranjeros sólo se incluye el horripilante nuevo doblaje 5.1 en castellano (¡qué manía con los redoblajes!).

Al menos Warner se porta con los precios y es la compañía que más rebaja sus blu-rays (últimamente los títulos de catálogo sólo a 9.99 euros), pero no costaría nada cuidar más sus productos y supervisarlos mejor, ofreciendo así una experiencia completa al consumidor.

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Mientras DreamWorks sigue desarrollando una nueva secuela en 3D de la saga “The Ring“, la japonesa Kadokawa Pictures ha anunciado que en 2012 tendremos secuela -aunque yo dudo si finalmente será una especie de remake o reboot con elementos nuevos- de Ringu en 3D bajo el título “Sadako 3D“.

Sadako (en su versión yanqui Samara), caracterizada por su pelo largo y negro que cubre su rostro, se ha convertido en un todo un personaje icónico dentro del género de terror japonés, que ha servido de inspiración (y copia) tanto en productos americanos como asiáticos (no sólo dentro del J-Horror). Kôji Suzuki, el autor de la novela original, indicó que la nueva película en 3D incluye una escena muy similar a la original en donde vemos a Sadako saliendo de un aparato de televisión. Aunque esto pueda hacernos dudar si se trata o no de un remake tridimensional del excelente film realizado por Hideo Nakata hace ya trece añitos, parece que no será así ya que el propio Suzuki ha comentado que su historia sobre el regreso de Sadako es completamente nueva.

Recordemos que la saga Ringu cuenta con cuatro películas japonesas: “Ringu“, “Ringu 2” (secuela de la primera parte), “Rasen” (otra secuela de la primera parte) y “Ringu 0: Birthday” (precuela), una serie de televisión titulada “Ring: The Final Chapter” de 12 episodios, y su secuela “Rasen” con 13. Además existe una versión coreana “The Ring Virus” que más bien aporta poco y los dos remakes americanos, el primero bajo las órdenes de Gore Verbinski (un dignísimo remake con una atmósfera realmente malsana, aunque inferior a su homónima japonesa) y la fallida segunda parte dirigida por Hideo Nakata, que ya fue responsable de las cintas japonesas.

En España únicamente tenemos en dvd la primera entrega japonesa en una edición muy pobre a cargo de Filmax (calidad de imagen y sonido pésima), y las dos cintas americanas bajo el sello Dreamworks. Curiosamente hará unos años, la propia Dreamworks editó en zona 1 (USA) un pack muy majo llamado “Ringu: Anthology of terror“ que incluía todas las películas japonesas (las 4) con subtítulos en español y todo. Lástima que Dreamworks (bueno Universal Iberia, que era la que por aquel entonces se encargaba de distribuir todo el catálogo de Dreamworks en España) no creyera conveniente editar también por estos lares tan jugoso pack. Vale que los derechos de la primera Ringu todavía pertenecían a Filmax, pero no sería la primera vez que se llega a un acuerdo entre compañías para formar un pack común. En UK, Tartan (dentro de la colección Asia Extreme) editó también un pack muy interesante aunque no incluía “Rasen“.

Como gran fan de la original japonesa sólo espero que sea una digna cinta de terror y que use el 3D con sapiencia no con exceso. Y de paso, por pedir que no quede, que vuelva Hideo Nakata tras las cámaras!.

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Tras la última y extraordinaria hornada de clásicos, Versus Entertainment sigue non-stop y anuncia sus siguientes lanzamientos en dvd para finales de Junio, concretamente para el día 28. Se trata del film mudo “Robin Hood“, la versión de Allan Dwan (un cineasta del que Versus ya editó la magnífica “Filón de plata” (1954)) y el clasicazo “La ciudad desnuda” de Jules Dassin.

“La ciudad desnuda” (1948)
Nueva York. Una isla, una ciudad, una resplandeciente metrópolis en la que todo puede ocurrir. He aquí la historia de multitud de personas y también la historia de la ciudad en si misma.
Es la una de la madrugada, en una calida noche de verano, y Nueva York duerme. Bajo el auspicio de las sombras, dos hombres asesinan a sangre fría a la joven modelo Jean Dexter. El teniente de homicidios Dan Muldoon y su joven ayudante Jimmy Halloran reciben el encargo de desentrañar el caso y dar con el paradero de los asesinos. Mientras tanto el corazón de la ciudad sigue latiendo.

Basada en una idea original de Malvin Wald, “La ciudad desnuda” (The Naked City, 1948), fue rodada íntegramente por Jules Dassin en las calles de Nueva York, siguiendo un estilo cuasi documental en un intento por aunar en un mismo relato un argumento propio del cine negro con una estética neorrealista. Inspirándose en la obra del fotógrafo neoyorquino Weegee, la película de Dassin lograría dos premios de la Academia, a la mejor fotografía (William H. Daniels) y al mejor montaje (Paul Weatherwax).

La edición contiene el ensayo visual “Bajo el asfalto” de Virginia García y Javier Sales, además de un libreto con textos exclusivos de Tonio L. Alarcón e Israel Paredes.

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Año 1607. John Smith (Colin Farrell) es un capitán inglés que llega en una expedición a las costas de Virginia con la intención de quedarse y explorar el lugar. En una misión de reconocimiento será apresado por los indios nativos, enfadados por el asentamiento de los colonos. Smith salvará su vida gracias a la intervención de una muchacha (Q´Orianka Kilcher), con la que iniciará una historia de amor.

El recientemente galardonado en Cannes Terrence Malick nos regalaba en 2005 otra de sus obras profundamente reflexivas y de gran calado visual. La cinta, como el resto de su filmografía, se caracteriza por una estilizada puesta en escena, una búsqueda incesante de la belleza a través de la imagen en donde el preciosismo gana la batalla a la historia. Tal como ocurría con su anterior película, la colosal “La delgada línea roja“, Malick nos habla de una barbaríe desde el interior haciendo un retrato psicológico de pensamientos e inquietudes -con un gran uso de la voz en off- bajo un marco que engrandece el poder infinito de la naturaleza y su comunión con el hombre. Mención especial al excepcional trabajo fotográfico (en esta ocasión a cargo del mexicano Emmanuel Lubezki), con dos tipos de tonalidades bien diferenciadas: por un lado la selva virgen y esplendorosa, por otro el campamento gris y deprimente de los ingleses. Un trabajo de nivel similar al alcanzado por el gran John Toll en su anterior cinta.

Os dejo con el inicio de la película (en su extended cut) en HD y en VOSE. Un inicio prácticamente mudo y con un montaje a ritmo de “Das Rheingold” de Richard Wagner -como buena invasión que es-, que nos cuenta en imágenes entre otras cosas el agua que discurre como prueba del fluir de la existencia (a nivel metafórico), el descubrimiento mútuo de civilizaciones ajenas, el miedo a lo desconocido, el fin de la libertad individual, el ansiado nuevo mundo o la simbiosis existente entre naturaleza y ser humano. Escenas con un poder visual innegable que evocan al cine de Flaherty, Kubrick, Renoir o Murnau entre otros.

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Cine de autor, Drama, Escenas Christian Bale, Christopher Plummer, Colin Farrell, Terrence Malick

Es bien conocido que una de las cosas más peligrosas en este país es enfurecer al bueno de Arturo Pérez-Reverte. El escritor y académico murciano no es amigo de moderse la lengua y suele despacharse a gusto cuando las cosas que ve no le gustan. Si encima se trata de la adaptación de una obra suya a cargo de Antena 3 Televisión y Telemundo (televisión estadounidense de habla hispana) es para esperarse lo peor. Un autor que parece maldito con las adaptaciones de sus obras, pues por lo general han resultado fallidas (incluida “La novena puerta” (1999) de Roman Polanski que a la postre es una de las más interesantes).

Os dejo con extractos de las críticas incendiarias que ha soltado sobre la nueva serie de A3 basada en su novela “La reina del sur“. Quizás Reverte peque de duro pero dice algunas cosas que todos pensamos acerca de ciertas series patrias:

“Ha sido un disparate infumable. Lo digo ahora que ya ha finalizado y no perjudico a nadie. Y me costó cumplir la promesa. Pero mantuve mi palabra. Se trata de una caspaserie presunta y falsamente española, cutre y llena de errores intolerables. Ha sido una bazofia como el sombrero de un picador. Si llego a saber la versión casposa que iban a proyectar aquí, no habría consentido que se visionase en España. Contar errores y detalles que en América dan igual, pero que en España chirrían y enfurecen. Ignorancias, tergiversaciones, acentos“.

Pérez-Reverte descalificó la versión “reducida de corta y pega” de Antena 3, de 11 capítulos, pero echó un capote a la americana, de 63 episodios. “Incluso viéndola con ojos críticos engancha“, defendió. También salvó de la quema al reparto. Antena 3 señaló en su momento que La Reina del Sur era un proyecto “inusual” en la televisión española, que pretendía llevar al horario estelar español el género del culebrón diseñado para el consumo latino.

Fuente: El País

Series Tv Antena, Arturo Pérez-Reverte, La reina del sur

Ubicada en el año 2022, la película presenta una distopía. La ciudad de Nueva York está habitada por más de 40.000.000 de habitantes, radical y físicamente separada entre una minoría que vive cómodamente y una mayoría hacinada en calles y edificios donde malvive con agua en garrafas y dos variedades de un producto comestible, soylent rojo y soylent amarillo que son la única fuente de alimentación de la mayor parte de la población. En el filme, la carestía generalizada es el resultado del agotamiento de recursos naturales, la degradación ambiental extrema y la sobrepoblación. No obstante, a pesar del ambiente desolador, sobrevive una pequeña élite que mantiene el control político y económico y puede acceder a ciertos lujos como verduras y carne.

Robert Thorn (Charlton Heston) vive con su amigo Sol Roth (Edward G. Robinson) quien sólo rememora el pasado, cuando el planeta era más habitable. Thorn, policía de Nueva York, se ve involucrado en la resolución del caso del asesinato de uno de los principales accionistas de Soylent, que ha muerto golpeado en su casa. Soylent verde es el nuevo producto alimenticio sacado al mercado que anuncian se produce con plancton de todos los océanos.

El seguimiento de las pistas se vuelve difícil entre una trama que elimina toda posible búsqueda de la verdad y un ambiente espeso y desesperanzado que hace más y más asfixiante el desarrollo de la película.

“Cuando el destino nos alcance” (libre traducción del más idóneo título original “Soylent green“) pertenece a un tipo de ciencia ficción más reflexiva que pirotécnica, más profética que incoherente. Se trata de una gran cinta de sci-fi con pocas conexiones con la mayoría de las producciones actuales del género, las cuales parecen más preocupadas por la cantidad de explosiones / minuto que por contar una historia con cara y ojos. Todo lo contrario ocurría a finales de los sesenta y a lo largo de la década de los setenta en donde este tipo de cine disfrutó de una segunda época dorada tras la de los años cincuenta. La película en cuestión es una de esas cintas injustamente semiolvidadas que desde luego merecen ser rescatadas.

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Ciencia Ficción, Drama, Escenas Charlton Heston, Edward G. Robinson, Richard Fleischer, Soylent Green