Espectros incompletos:

“La carencia te da la libertad” (Manuel Martín Cuenca)

Óscar (Rodrigo Sáenz de Heredia) es guardia de seguridad en una salina. Tiene treinta años, está solo y su vida no pude ser más gris y monótona. Cada día, cuando termina su turno, vuelve a casa y lo primero que hace es mirar el buzón, pero nunca llega la carta que espera.

Un día la rutina se rompe: Óscar va a la residencia de ancianos donde vive su abuelo, enfermo de Alzheimer, y resulta que ha sido trasladado al hospital. Cuando la directora le anuncia que han avisado a su hermana María (Verónica Echegui), se queda petrificado porque hace dos años que no sabe nada de ella y ni siquiera sabía que en la residencia tenían su teléfono.

Dos días después ella aparece en Almería. Viene acompañada de su novio, Jean, un francés del que jamás había oído hablar Óscar. La relación entre los dos hermanos parece tensa, algo ocurrió en el pasado que los ha marcado definitivamente. María pretende pasar página, pero él no está dispuesto a ello.

Antes de empezar con la crítica, me gustaría agradecer a Filmin que tras un proceso de selección laboral han tenido el detalle con los no contratados de regalarnos un código de visionado gratuito. Decir que a parte de su amabilidad, de contestar (muchas empresas han olvidado ya el respeto al candidato) y de su atención, la calidad de video y audio vía streaming ha sido realmente muy buena.

Tras las excelentes “La flaqueza del Bolchevique” (2003) y “Malas temporadas” (2005), Manuel Martín Cuenca consigue en su tercera obra de ficción alcanzar la plenitud absoluta como artista ofreciendo un producto sutil hasta el extremo y en donde no hay cabida para la retórica. El cineasta almeriense apuesta por un cine poco accesible, exigente con el espectador y profundamente visual.

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Cine de autor, Críticas, Drama Antonio de la Torre, Manuel Martín Cuenca, Michelangelo Antonioni, Robert Bresson, Rodrigo Sáenz, V. Echegui

Os dejo con el trailer de “Shark night 3D“, la última locura cinematográfica de David R. Ellis (si, ese stunt man convertido en director y con look a lo Briatore), director de las cachondas “Destino final 2” y “Serpientes en el avión“. La cosa pinta a buena serie B (el bajo presupuesto se nota), a un aquatic horror bruto como pocos, con personajes trogloditas que merecen morir y con generosas dosis de ketchup y desnudos.

“Shark night 3D” narra la historia de siete amigos que pasan un tranquilo fin de semana en una casa junto a un lago en la zona del Golfo de Louisiana. Pero lo que parecían unas perfectas vacaciones se convierten rápidamente en una pesadilla infernal provocada por los ataques de unos tiburones de agua dulce. ¿Tiburones en un lago? xD

Tal y como pasaba en la maravillosa “Piraña 3D” de Alex Aja, no nos engañemos, estamos ante cine sin pretensiones, cine para pasarlo teta no apto para puristas.

Acción, Suspense, Terror, Thriller David R. Ellis, Shark Night 3D

Uno de los directores más transgresores y traviesos del panorama europeo, Lars Von Trier, se ha pasado tres pueblos en sus últimas declaraciones tras el pase de “Melancholia” (¿otra obra profundamente deprimente y con cierto deje misógeno?) en el festival de Cannes.

Siempre asociado a la polémica y al escándalo, el cineasta danés últimamente propenso a la depresión (recordemos el retraso que sufrió su anterior film), ha ido más allá manifestando barbaridades como “Durante mucho tiempo pensé que yo era judío y estaba muy contento de serlo. Pero resultó que no era judío y descubrí que realmente era nazi porque mi familia era alemana. Eso también me produjo algo de placer, así que… ¿qué puedo decir?. Entiendo a Hitler. Pero creo que hizo cosas malas, claro, aunque puedo verle en su búnker. Y he llegado a un punto… creo que entiendo al hombre. No diría que es bueno, pero le comprendo mucho y empatizo. Pero vamos, no estoy a favor de la Segunda Guerra Mundial y no estoy en contra de los judíos, ni siquiera de Susanne Bier; era una broma. Estoy a favor de los judíos, pero no demasiado, porque Israel es como un grano en el culo“.

Ante semejantes paridas, la actriz del film, Kirsten Dunst, se llevó la mano a la cabeza y le susurró algo al cineasta intentando arreglar la situación. El moderador también trató de ayudarle a salir de tal berenjenal pero debido a la indignación generada y al aluvión de preguntas, Von Trier terminó añadiendo el desafortunado comentario “Vale, soy un nazi“.

Era de esperar que el festival de Cannes se pronunciase ante este nuevo y esperpéntico espectáculo a cargo de Von Trier. La película (de la cual hablan maravillas por cierto) parece que continuará en competición por la Palma de oro, pero el director danés ha sido declarado como persona non grata con efecto inmediato. Por tanto, a uno de los niños mimados de Cannes, se le puede haber haber acabado eso de mostrar sus films en el festival más importante y lujoso del mundo. La ruptura entre Cannes y Von Trier es un hecho y eso que hasta ahora parecía un binomio indisociable. La organización ha expresado su profundo pesar por haber sido usada por Von Trier para “expresar unos comentarios que son inaceptables, intolerables y contrarios a los ideales de humanidad y generosidad que presiden esta cita“.

Y es que este enfant terrible del cine debería aprender a pensar antes de hablar pues hay cosas que no se pueden ni se deben decir en público. La provocación no es aceptable en un certamen de esta categoría, por mucha inmunidad o potestad como autor que crea que tiene Von Trier. Y es que de la boca de este señor ya han salido demasiadas perlas.

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En plena madurez artística y tras esas dos obras maestras llamadas “Inteligencia artificial” y “Minority Report“, Steven Spielberg optó por rodar consecutivamente dos producciones más pequeñas y de características similares como fueron “Atrápame si puedes” y “La terminal“, pero no por ello menos interesantes. Dos cintas consideradas injustamente menores dentro de la filmografía del cineasta norteamericano, que tratan de forma bastante acertada temas como la familia o la búsqueda de un lugar / hogar en el mundo.

Aunque no estamos hablando de una cinta perfecta en todos los sentidos (algún momento un pelín más sentimental de la cuenta), “Atrápame si puedes” no deja de ser la típica película infravalorada por algunos y que el tiempo empieza a poner en su sitio. El retrato que hace de un astuto y jovencísimo falsificador viviendo en una época en donde todavía reinaba la inocencia, unido a una dirección asombrosa (menudo ritmo le imprime Spielberg), unas actuaciones fantásticas (atención al trio DiCaprio-Hanks-Walken) y a una fotografía y banda sonora maravillosas, convierten al susodicho film en todo un divertimento que incluso gana en posteriores visionados. Una película que nunca uno se cansa de ver y cuya primera hora resulta todo un prodigio de ritmo y montaje.

Os dejo con los magníficos títulos de créditos, muy al estilo de antaño (con Saul Bass en la memoria) en donde nos cuentan mediante imágenes por donde irán los tiros en la película. Además dichos créditos están acompañados por un tema musical espléndido a cargo del maestro John Williams, cuya banda sonora se divide principalmente en tres tipos de tracks (diversión, investigación, familia).

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Comedia, Drama, Escenas, Suspense Atrápame si puedes, Christopher Walken, Leonardo DiCaprio, Steven Spielberg, Tom Hanks

Las siguientes novedades en dvd de Versus Entertainment sólo se pueden calificar con un adjetivo: antológicas. Cintas de una calidad superlativa, buenos másters, necesarias recuperaciones de clásicos (algunas de ellas todavía inéditas en formato digital), ediciones cuidadas desde el diseño hasta los contenidos adicionales (algunos de ellos incluso exclusivos) y unos libretos con críticas realmente interesantísimos.

Desde este humilde blog, no nos cansaremos de destacar a una compañía que hace muy bien las cosas, que apuesta por editar películas quizás minoritarias en unas ediciones ejemplares y que su riesgo en estos tiempos bien merece nuestra recompensación. Junto con Intermedio, Cameo y Tribanda, la mejor distribuidora española con diferencia.

“El legado tenebroso” Edición coleccionista:

En “El Legado Tenebroso” los parientes del viejo rico Cyrus West están esperando su muerte para heredar. Pero el viejo Cyrus estipula que su voluntad deberá ser leída 20 años después de su muerte. Durante el día designado, sus expectantes herederos llegan a su mansión.

La voluntad es leída y resulta que la única heredera es Annabelle West, siempre y cuando ella demuestre que está cuerda. Si no fuese así, el dinero y algunos diamantes irían a parar a otra persona, cuyo nombre está en un sobre sellado. El señor Crosby, abogado del viejo Cyrus, desaparece antes de poder revelar a Annabelle el nombre que contiene el sobre sellado.

La edición de este gran clásico del cine mudo contará con 2 discos incluyendo las dos versiones del film (la estrenada originalmente en cines y otra tintada en color sepia remasterizada) además del cortometraje “Rebus Film Nr. 1” (Paul Leni, 1925) y un libreto de 38 páginas con textos de Israel Paredes y Tonio L. Alarcón como extras.

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Directores, Drama, Dvd, Suspense, Terror, Thriller, Videos Musicales, Western Versus Entertainment

Espectacular montaje he encontrado de esa obra maestra de Kubrick llamada “2001: Una odisea del espacio” (para un servidor la mejor película de todos los tiempos) a ritmo del grupo indie MGMT. El montaje está hecho con Final Cut Pro y los resultados saltan a la vista: maravilloso.

Ciencia Ficción, Cine de autor, Fantástico, Suspense, Videos Musicales "2001: Una odisea del espacio", MGMT, Stanley Kubrick

De vacaciones por Tópicolandia:

Tras un grave accidente de autobús, un grupo de turistas norteamericanos y australianos se encuentra sin medio de transporte en un remoto pueblo costero de Brasil. Allí en seguida confraternizan con la gente del lugar y montan una fiesta, pero a la mañana siguiente descubren que los nativos no eran tan hospitalarios como parecían, y que las paradisiacas playas de arena blanca y las junglas exuberantes esconden un secreto oscuro e inquietante.

A pesar de la hondonada de críticas negativas que recibió en su día, “Turistas” (no confundir con la cinta homónima de Alicia Scherson) no deja de ser un slasher que entretiene y se deja ver. Evidentemente no estamos ante ninguna joya cinéfila ni siquiera dentro del subgénero, pues aquí no tenemos ni ejercicios de metalingüismo cinematográfico (saga “Scream“), ni una dirección acojonante (caso de “Halloween“) o elementos que renueven de alguna manera lo mil veces visto. Tampoco es especialmente destacable como cinta de acción tipo survival, aunque sería injusto no destacar algunos elementos que sí son acertados.

Mientras en “Hostel” (Eli Roth, 2005) ponían a Eslovaquia como un país tercermundista casi más peligroso que el mismísimo reino de Mordor, aquí el amigo Stockwell hace lo propio con Brasil, dejando una imagen del país bastante pobre. El planteamiento es muy similar al film de Eli Roth y mantiene bien la tensión en un primer tramo de la cinta. Jóvenes aventureros que tras un accidente de autobús encuentran una playa paradisíaca y deciden quedarse unos días más disfrutando del entorno, las mujeres y unas cuantas copas de más. Error del que se acordarán para siempre y no me refiero a la resaca posterior. A partir de ahí, la cinta es un mezcla de varias películas del género, todo un tanto previsible, con cantidades industriales de tópicos y en donde se echa en falta un poco más de diversión gore y una trama más trabajada. Tras saltar por una cascada y resultar gravemente herido uno de los chicos locales que les acompaña y les hace de guía, encuentran refugio en una deshabitada casa en medio de la selva. En ella hay electricidad, estanterias repletas de libros, mucha comida y camas. Tranquilos, aunque lo parezca, no es Dharmaville. Lo que ellos no saben es que los ocupantes de ella son unos asesinos enfermos dispuestos a acabar con todos.

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Críticas, Suspense, Terror, Thriller Desmond Askew, John Stockwell, Josh Duhamel, Melissa George, Olivia Wilde, Turistas

“El 6 de junio nace en Barcelona un nuevo festival de cine especializado en Asia. Casa Asia Film Week se celebrará en los Cines Girona de la ciudad y en la sede de Casa Asia y pretende convertirse en un importante acontecimiento cultural destinado a difundir la mejor cinematografía producida en el continente asiático. De este modo, el festival, que presentará durante una intensa semana una treintena de películas de distintos géneros, toma el relevo al reconocido festival BAFF, que anunciaba el cierre de sus puertas en 2010.

El festival se estructura en dos partes: arranca con el Portal Asia (del 6 al 8 de junio en Casa Asia), con actividades culturales y proyección de películas y documentales sobre cine español hecho en Asia, y continúa con el propio festival Casa Asia Film Week (del 9 al 12 de junio), con cintas que se podrán ver en las tres salas de los Cines Girona. Además, las proyecciones se enmarcarán en tres secciones diferentes: «Sección oficial» —en la que competirán películas asiáticas de reciente producción—, «Panorama» —que recoge una selección de las mejores producciones asiáticas de los últimos dos años— y, finalmente, «Retrospectiva» —dedicada a un director o a una filmografía de la historia del cine en este continente.

La cinematografía de Hong Kong tendrá un papel destacado en esta primera edición, gracias a la colaboración del Hong Kong Economic and Trade Affairs Office (HKET0). Dos de las mejores producciones hongkonesas de este año servirán para abrir y cerrar el certamen: el 9 de junio, “Reign of Assassin” de John Woo y Chow-bin Su para la inaguración, y el 12 de junio, “The Stool Pigeon” de Dante Lam, para la clausura.

El certamen también cuenta con dos sesiones especiales inéditas en la gran pantalla: una en homenaje a Japón, con la proyección de la superproducción Space Battleship Yamato del cineasta Takashi Yamakazi, cedida por la distribuidora Mediatres Estudio, y otra con el preestreno de la película china “Confucio“, interpretada por Chow Yun-Fat.

El Premio Durián de Oro también renace en este certamen tras el BAFF, y volverá a distinguir al mejor largometraje de la sección oficial, tras la deliberación de un jurado internacional compuesto por expertos en cine y críticos.

Esta semana de cine asiático está organizada por Casa Asia y cuenta con la programación de Ángel Sala y Mike Hostench del Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, así como con la coordinación general de Gloria Fernández y Enrique Garcelán de CineAsia. Dirige el certamen Menene Gras Balaguer, responsable del departamento de Cultura y Exposiciones de Casa Asia.

Casa Asia Film Week, el único festival especializado en cine asiático que se celebra hoy en día en nuestro país, aspira a convertirse en uno de los mejores certámenes de cine asiático en Europa y en punto de encuentro con otros festivales que tienen un claro acento asiático como son los de Cannes, Venecia, San Sebastián, la Berlinale, Locarno, Udine Far East Film Festival, Rotterdam, Cines del Sur de Granada, Las Palmas, la SEMINCI y el Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya”.

Fuente: Casa Asia

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En los últimos años el cine patrio de género se está afianzando como uno de los más potentes a nivel internacional. La nueva hornada de cineastas cada vez más consolidados ofrece productos mucho más genuinos e interesantes que cualquier cinta de terror al uso, con la mitad de presupuesto. Jaume Balagueró, Paco Plaza, Luis Berdejo, Jaume Collet-Serra, Juan Carlos Fresnadillo, Eugenio Mira, Guillem Morales, Miguel Ángel Vivas o Rodrigo Cortés son claros ejemplos de ello.

Aunque algunos de los directores anteriormente citados ya han realizado proyectos en el extranjero, Jaume Collet-Serra (realizador de la notable “La huérfana” y del primer número uno español del box office americano “Sin identidad“) junto al actor y productor Juan Sola han fundado la productora Ombra Films, a la que podríamos definir como una plataforma para directores españoles con el objetivo de que puedan dar el salto a Hollywood y de paso tener más oportunidades (recordemos que el propio Collet-Serra en su día emigró en busca de ellas). La productora se encargará de generar películas de terror, thrillers y fantásticas en lenguaje anglosajón y de bajo presupuesto.

La primera producción de Ombra Films será “Mindscape“, dirigida por Jorge Dorado (codirector de aquella maravilla en forma de cortometraje titulado “La guerra“) y con un guión a cargo del debutante Guy Holmes que narra la historia de un hombre con la habilidad de entrar en las mentes ajenas.

Cada vez es más frecuente ver como cineastas españoles de cine de género son reconocidos fuera de nuestras fronteras. Muchos de ellos ya han trabajado en el extranjero (Fresnadillo, Collet-Serra, Berdejo, David & Álex Pastor), otros lo han hecho desde aquí mismo en inglés y con reparto internacional (Cortés, Amenábar, Serra, Balagueró, Plaza) y luego vienen los que están a punto o empiezan a hacerlo (Morales, Bayona, Dorado). Es indudable que el cine español de género está en muy buena forma. Esperemos que sigan surgiendo talentos, que se les de oportunidades además de financiazión para demostrarlo y se mantenga tanto el nivel como el prestigio alcanzado.

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Tres años después de aquella broma cinematográfica llamada “La teniente O’Neill” (1997), Ridley Scott firmó una de las cintas más premiadas y taquilleras de su carrera. Pero no nos engañemos, aunque en su día se hiciese con nada más y nada menos que cinco estatuillas doradas, el tiempo la está poniendo en el lugar que le corresponde.

El film, aún ser un generoso espectáculo visual y un cinta comercial muy bien parida, adolece en algunas cosas capitales como el ritmo (sobre todo en su versión extendida), un guión irregular y un tanto grandilocuente o ciertos personajes a la postre desaprovechados. “Gladiator” (2000) es un producto con gran factura técnica y artística pero tremendamente vacío en su contenido. Su historia de venganza que resulta simplista y nada novedosa, sus personajes -los cuales carecen de una deseada profundidad-, por no hablar de sus innumerables licencias históricas, lastran la calidad final de un film mejorable en muchos aspectos.

Sin embargo, resulta innegable que el tito Ridley con este film resucitó el peplum, un género por aquel entonces totalmente enterrado, ofreciendo una cinta visualmente poderosa dotada de una gran factura, vibrante por momentos, con unas actuaciones más que decentes del trío protagonista (sin olvidar al gran Oliver Reed, con mayor protagonismo en la versión extendida) y con una banda sonora antológica a cargo de Hans Zimmer y Lisa Gerrard que alcanza cotas verdaderamente épicas.

La escena que os adjunto es posiblemente una de mis favoritas dentro de la cinta. No es ni mucho menos una de las que suelen destacar de este film, pero resulta tan poderosa como cualquier otra. Una escena en donde podemos comprobar la ambición extrema del emperador Cómodo (sensacional Joaquin Phoenix) y su fracaso amoroso destinado a la fatalidad.

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