Adoptado en las calles de Nasaf por el rey Sharaman de Persia, el joven Dastan (Jake Gyllenahaal) crece entre la realeza y rápidamente se gana un lugar como guerrero y príncipe. Por medio de un espía, llega a oídos de sus hermanos Garsiv y Tus que la ciudad santa de Alamut ha estado suministrando armas a los enemigos de Persia. Tus ordena el ataque a Alamut, y una vez derrotada y ocupada, Dastan encuentra a la hermosa princesa Tamina (Gemma Arterton).

Poco después, cuando el rey Sharaman muere en circunstancias misteriosas, Dastan es acusado de su asesinato y se ve obligado a huir acompañado de la princesa Tamina en una angustiosa misión para limpiar su nombre. Ambos combatirán a las fuerzas oscuras y salvaguardarán una antigua daga capaz de liberar las Arenas del Tiempo, un regalo de los dioses mediante el cual es posible viajar al pasado y controlar el mundo.

El masoquismo existe amigos. Parece increíble pero Hollywood sigue apostando por películas basadas en videojuegos. Si cintas como “Resident Evil” (Paul W.S. Anderson, 2002), “Street Fighter: The Legend of Chun-Li” (Andrzej Bartkowiak, 2009) o “Mortal Kombat” (Paul W.S. Anderson, 1995) hicieron que desempolvásemos las antiguas consolas para recuperar partidas de dichos juegos con la esperanza de borrar semejantes bodrios de la memoria, había cierta esperanza que Jerry Bruckheimer -productor palomitero por excelencia- hiciera sus Piratas del desierto con aventuras y acción de la buena sin tampoco exigirle un Indiana Jones moderno claro, pero nada más lejos de la realidad.

Y digo Jerry Bruckheimer (productor) y no Mike Newell (director) porque éste último carece de personalidad tras las cámaras, una vez dejando patente su inexistente discurso cinematográfico en este tipo de productos (atrás quedaron la notable “Donnie Brasco” (1997) o la simpática “Cuatro bodas y un funeral” (1994). Será por presiones del productor barbudo o será por falta de talento (o ambas cosas) pero el resultado final salta a la vista: un producto con enfoque juvenil que está más cerca de parecer un confuso videojuego malo que una película con cara y ojos. Bruckheimer eligió a Newell por dos claras razones: ya había tenido un poco de experiencia en el género de aventuras (recordemos que fue director de algunos capítulos de la serie “El joven Indiana Jones“) y porque es un realizador manejable para sus intereses, con el cual no le costaría nada que el film tuviera su particular sello palomitero.

Es innegable que “Prince of Persia: Las arenas del tiempo” es un blockbuster pre-veraniego al cual no se le debe exigir más allá del entretenimiento puro y duro, pero ello no quita que se le exijan unos mínimos de cara al espectador, pues no sólo se vive de ruido y bíceps. Desde mi humilde punto de vista, la película hace aguas por todos lados, desde un argumento de una sencillez y una ingenuidad aplastante hasta una realización (sobre todo en las escenas de acción) cercano a lo videoclipero, combinando secuencias que abusan del ralentí con otras cuyo horroroso montaje las hecha a perder ya que resultan imposibles de seguir. Como pasaba en “Harry Potter y el cáliz de fuego” (Mike Newell, 2005), aquí volvemos a sufrir escenas de acción confusas y muy mal planificadas. Está claro que Newell no sabe (o no lo dejan) desenvolverse en este tipo de escenas. Sinceramente, creo que debería volver al drama o la comedia (potable) y dejarse de este tipo de cosas.

Si nos ponemos a comparar la saga de videojuegos “Prince of Persia” con el film producido por la Disney, no hay color. Dejando de lado las piruetas iniciales del personaje de Dastan, que recuerdan vagamente a las vistas en el homónimo videojuego y en productos más recientes como “Assassin’s Creed” (otro excelente juego de difícil adaptación), en la película nos encontramos que el protagonista tiene un “padre”, dos “hermanos” y un “tío” cosa que desentona bastante con el original, pero el mayor problema que le encuentro es el hecho de que en toda la película no sale ni un sólo monstruo de arena siendo este el principal tipo de enemigo en el juego.

Ojo, yo no digo que tenga que ser una adaptación absolutamente fiel al original, respeto tanto adaptaciones al pie de la letra como adaptaciones libres, pero si algo se hecha en falta en esta película es sin duda un enemigo menos pasivo que Nizam (Ben Kingsley) y ya de paso, un héroe más carismático y con algo más de garra, porque Gyllenhaal repite su habitual sosería (ya vista en cintas recientes como aquella mala fotocopia llamada “Brothers” (Jim Sheridan, 2009)) y aparente desinterés.

Podríamos definir a la película que nos ocupa como una mezcla entre la desenfadada “La momia” y el bodrio de cartón piedra “El rey escorpión“. Y es que, permitidme decirlo, la película de Newell hace extraordinario al díptico egipcio de Sommers, y eso que ambas producciones son caras en extremo. La diferencia entre ellas radica en algo bien sencillo: buen entretenimiento. Ambas son películas de corte aventurero-infantil, ambas poseen guiones olvidables y ambas poseen un diseño de producción la mar de majo, pero mientras en las cintas de Stephen Sommers los personajes son divertidos y cercanos a los de la serie B del género, en “Prince of Persia” carecen de empatía, de carisma y de gracia. Para colmo, ni mucho menos es una cinta con regusto añejo y el uso excesivo que se hace de la tecnología va en detrimento del resultado final.

La última película de Mike Newell es un despropósito de principio a fin, una subproducto destinado a explotar literalmente la taquilla, tan excesiva como torpe, sin alma alguna y que posee una historia insostenible y tremendamente tediosa (importa bien poco lo que le ocurra a los personajes y todavía menos cómo acaben sus aventuras). Eso si, al menos no pretende engañar a nadie y jamás trata de ser más de lo que es.

En cuanto al casting, hay de todo. Desde actores desaprovechados con el modo pasivo ON (Ben Kingsley), actores que compiten con Tom Welling por el título de “Actor soso del año” (Jake Gyllenhaal -acento inglés chungo incluido- y Gemma Arterton), hasta actores cuya aparición son el resultado de un buen cheque alimenticio y que se toman la cosa a chiste (Alfred Molina). Lo suyo hubiera sido que la Disney en forma de souvenir friki regalara una daga de ésas al entrar en el cine, para que posteriormente apretáramos el botón y pudiéramos regresar un par de horas antes para directamente no entrar al recinto y ahorrarnos los siete euros que cuesta la dichosa entradita.

Acción, Aventuras, Críticas, Fantástico Ben Kingsley, Gemma Arterton, Jake Gyllenhaal, Mike Newell

“La niebla” (1980) es posiblemente una de las cintas más olvidadas e infravaloradas de la filmografía de John Carpenter.

Una historia de terror rural sobre fantasmas siguiendo los cánones clásicos, con una atmósfera y una fotografía tremendamente conseguidas, actuaciones decentes (sobre todo Hal Holbrook) y con una dosificación (siempre huyendo de cualquier exceso) y una tendencia a la sugerencia, de agradecer.

Recordemos la historia tenía lugar en Antonio Bay, ubicado en la costa de California. Mientras sus residentes se preparan para las celebraciones del centenario de la ciudad, la tripulación de un viejo barco aparece brutalmente asesinada. Al mismo tiempo, en el mar, una misteriosa niebla que oculta un mortífero secreto comienza a desplazarse inexorablemente cada noche hacia la costa. Según una leyenda local, estos extraños sucesos están, aparentemente, relacionados con un terrible acontecimiento sucedido hace cien años. A medida de que, por fin, el día del centenario se aproxima el horror se acerca a su clímax.

La escena que abre el film (tras una cita de Poe que le va como anillo al dedo) es capaz de en tres minutos y medio mediante una ghost story de aquellas que se cuentan a la luz de una hoguera, dar muestras de las verdaderas intenciones del film.

Un viejo lobo de mar -fantástico John Houseman- contando la leyenda del barco Elizabeth Dane a un grupo de chicos que rodean el fuego. ¿Cuántas películas salen airosas al plasmar en pantalla una buena historia, de esas que se cuentan al calor de una hoguera?. Más bien pocas, pero ésta es una de ellas. Una escena antológica.

Escenas, Suspense, Terror Jamie Lee Curtis, John Carpenter, La niebla

La historia de “Los ojos de Julia” gira en torno a Julia (Belén Rueda), una mujer que sufre una enfermedad degenerativa que le hace perder la vista poco a poco. Un día descubre que su hermana gemela, Sara, ciega debido a la misma enfermedad, aparece muerta en su casa. Julia se niega a creer que se trate de un suicidio y hará lo posible para intentar descubrir qué ocurrió.

¿”The eye” a la española?. Os dejo con el teaser poster y el trailer:

Suspense, Terror, Thriller, Trailers Belén Rueda, Guillermo Del Toro, Lluís Homar, the eye

• “Agnosia” de Eugenio Mira
• “Inception” de Christopher Nolan
• “Piranha 3D” de Alexandre Aja
• “Scream 4” de Wes Craven
• “Splice” de Vincenzo Natali

Posters Agnosia, Alexandre Aja, Christopher Nolan, Eugenio Mira, Inception, lo más esperado, Piraña, Piranha 3D, Splice, Wes Craven

Acción, Aventuras, Drama, Series Tv Lost, Series Tv

Capítulo cenizo donde los haya con un Flocke más gamberro que nunca y con recuperación incuída de la mejor versión de Benjamin Linus regresando a sus orígenes (y siendo lo que realmente nunca dejó de ser en el fondo: un hijo de perra). Como nota negativa (aunque supongo que necesaria), no me acabó de gustar que eliminaran de un plumazo a varios personajes importantes en la serie de forma tan deliberada como injusta (el caso de Alpert clama al cielo), supuestamente debido a que apenas quedan horas de serie. Si Jacob, que también bebió el elixir de la eterna juventud, murió a su manera, ¿porqué Alpert no iba a hacerlo?.

Todo el mundo apunta a este episodio como uno de los más reveladores de los últimos años, aunque hay quienes confunden revelación con confirmación. Y este episodio tan intenso y dramático no hace más que confirmar lo que muchos sabíamos o sospechábamos.

Vayamos por partes. El episodio podríamos dividirlo en tres partes claramente diferenciadas. En primer lugar tenemos el grupo de Jack, luego tenemos el del Flocke y Ben y finalmente el jugoso (y un tanto forzado) flashsideway.


GRUPO DE JACK:

Tras abandonar el submarino (presión submarina olvidada incluida) llegan a la playa. Y mientras Jack le cura la herida de bala a una pálida Kate, lloran la muerte de los cansinos coreanos (de Sayid no parece acordarse ni Dios). Ahí se fortalece el odio y la ira contra Flocke, al que consideran responsable de las muertes acontecidas. Cruces de miradas entre Jack, Kate, Sawyer y el dude, y se ponen camino hacia el pozo para encontrarse con Desmond.

El grupo de Jack hace un alto en el camino al pozo, cuando el dude Hugo se topa con Jacob versión child. Quiere las cenizas que guarda Jumbotron en su bolsillo. Cenizas que guardó en su día Ilana cuando murió el propio Jacob. En un principio (tras ver las sneak peaks de este episodio) pensé que serían para encerrar a Flocke -como se hizo en su día en la cabaña- o incluso para rodear el pozo donde estuvo Desmond y así prohibir la entrada del malo de la función. Pero no, nada de eso, eran para quemarlas y así poder “irse” definitivamente. Eso si, irse no sin antes elegir a su sucesor.

“No os arranqué a ninguno de una vida feliz. Todos teníais fallos. Os elegí porque érais como yo. Todos estábais solos. Todos estábais buscando algo que no podíais encontrar allí fuera. Os elegí porque necesitábais este lugar tanto como él a vosotros. Quiero que tengáis lo único que a mí nunca me dieron: elección.” (Jacob)

Quizás el momento cumbre (¿y algo forzado?) de este dieciseisavo episodio es cuando Jacob se reúne con los cuatro candidatos y les explica todo el entramado. Algo que era de esperar aunque cogido un pelín por los pelos. Preguntas tales como ¿porqué ellos son los elegidos? ¿cuál es el destino de todos ellos? quedaron más o menos explicadas de forma razonable aunque evidente.

Desde la primera temporada siempre se nos ha dejado claro que todos los personajes que llegaban a la isla eran incompletos e imperfectos, personajes que quizás no todos estaban solos pero se sentían solos, personajes en busca de redención y perdón que necesitaban una vía de escape para seguir con sus vidas. Jacob en este episodio al fin asume en público su culpa (lanzar a su hermano a la cueva de la luz). Ellos le deben tanto a la isla, como la isla a ellos. Quizás no guste a una parte del friquismo lostie, pero se debe reconocer que es coherente, quizás previsible y poco sorprendente, pero razonable. Personalmente me esperaba algo más sesudo.

Y sobre eso de que no tuvo elección, no estoy de acuerdo. Pudo marcharse con su hermano y vivir en la otra comunidad e intentar abandonar el lugar, pero tenía miedo. Miedo a lo desconocido, miedo a las inquietudes de su hermano, miedo a perder el amor de su “madre” y muchas dudas. Pero que quede claro que él fue quien eligió, nadie le obligó. Únicamente su madre se lo pidió por favor, pero jamás se lo impuso forzadamente. Pero su extremo servilismo, su miedo y ser chivato de nacimiento pudieron con él.

Lo que está claro es que, a la postre, Jacob es tan manipulador y cobarde como Esaú. ¿Qué precio tiene todo el sufrimiento y la ansiedad que han padecido esas personas?. ¿Cómo piensa devolver la vida a quienes han muerto por una causa egoísta e injustificada?. Jacob es un personaje que despierta cierta antipatía y muy poca compasión. Él solito dejó que fructificaran guerras entre bandos, que el humo negro matara a placer, que sus seres queridos murieran, desestabilizando infinidad de vidas todo únicamente porque no se atrevió a nombrar a Jack en su momento. Jacob dice que no estaba preparado, puede ser, pero ha corrido mucha sangre mientras él se escondía bajo la estatua solo tratando con Alpert.

Por cierto, como comentaba en el post del 6×15, acerté con la teoría de que en el piloto la ubicación en donde despierta Jack, un lugar rodeado de bambú (vegetación poco habitual en la isla) está relativamente cerca de la cueva de la luz. Todo apuntaba a ello.

Jack bebe del agua de la eterna juventud y voilá se convierte en el nuevo Jacob (¡al fin!). Tendrá que proteger la cueva de la luz “hasta que pueda“, vamos, que eso es peor que el matrimonio xD. Jack es el héroe clásico por excelencia de la trama, tenía que ser él el elegido. Muchos pensaran: “Si que se ha decidido rápido en su nueva y sacrificada tarea”, pero está claro que el día en que, tras bajar del faro, se quedó observando el horizonte y el mar, desde ese día, sabe qué es él quien tiene que proteger esa isla, es su destino, el sentido de su vida.

Pero toda historia se repite, toda historia tiene un principio y final y toda historia tiene un héroe y un villano. Sabiendo que Jack es el nuevo Jacob, ¿cuál es la otra variable de este “nuevo” bucle?. ¿Será Sawyer el nuevo AntiJacob?, ¿será Sawyer que por la culpa (no se perdona las muertes del submarino) acabe desquiciado?. Tanto AntiJacob como Sawyer están hasta las narices de la isla. Quieren salir como sea. Y si Sawyer no saliera o no pudiera volver, ¿cómo se lo tomaría?. La otra opción como sucesor de AntiJacob sería Benjamin Linus ahora que ha optado por el sendero del mal y más tras la frase que dice Flocke: “Porque cuando yo me vaya de la isla… podrás tenerla toda para ti.“.

En el 6×15 cuando Esaú despierta del golpe dado por su madre, vemos al poblado arrasado literalmente y el pozo destruido. Seamos sinceros, eso es imposible que lo haya hecho ella, como dije en el post de ese episodio, más bien parecía podructo del humo negro. Pero… ¿y si realmente ya hubiera un humo negro en la isla antes que AntiJacob?. Podría ser que al entrar en la cueva, el humo negro tomara posesión del alma de Esaú y desde entonces sean supuestamente indivisibles. Por tanto -y más si cabe que Jacob no le ha explicado casi nada a Jack sobre su nuevo trabajo-…¿es posible que debido a algo lance a Sawyer (o Ben) dentro y tengamos nuevo monstruito?. Tiempo al tiempo.


GRUPO DE FLOCKE, BEN, MILES, WIDMORE, ETC.. :

Aquí es donde se parte el bacalao amigos, vayamos por partes, porque estos días en la isla ha habido sarao con ketchup. Ben, Miles y el tinerfeño van a la casa del primero a buscar arsenal para echar abajo el avión (el amigo Ben tenía encerrado C4 en su particular escondite). Resulta muy interesante cómo se nos presenta una isla en decadencia. Dharmaville ya no es aquella comunidad limpia e impoluta, con los jardines en perfecto estado. Ahora (como el muelle) está tan estropeada y descuidada que parece ser la viva imagen de lo que acontece en la isla. Tiene hasta cierto aire apocalíptico y exageradamente descuidado.

El citado escondite ya lo “vimos” en la cuarta temporada cuando un Ben aturdido por la muerte de Alex “invocó” al humo negro para que acabara con los militares asesinos. Como dice Ben, más que invocar al humo negro, era el propio humo negro quien le invocaba a él.

Entran allí y Ben les enseña los explosivos que guardaba cuidadosamente. De repente, irrumpe en la casa la chica más fea de la isla: Zoe. Para poco después entrar Charles Widmore, enemigo número uno de Benjamin Linus con su habitual pose de jefazo. Tras una charla, llega a la zona Flocke, con andares de Terminator o de terrateniente cabrón, dirijiéndose directamente adonde se encuentran todo esa gente. Ante la inminente llegada de Flocke, Ben les indica su escondite secreto. Entran todos menos Miles que se larga del lugar con la dinamita y pensando en su futuro (todavía conserva las joyas que robó) y Ben y Alpert se quedan en el porche para recibir e intentar convencer al hombre de negro aka Flocke.

Flocke aparece en su versión humo negro lanzando a Alpert (¿matándolo?) por los aires para tener vía libre y manipular de nuevo y sin intermediarios a Ben Linus. La ¿muerte? de un personaje tan importante y misterioso como Richard Alpert me ha parecido indigna y precipitada para su personaje, pero bueno. Muchos apuntan a que Alpert no está muerto, no sé que pensar. Si Jacob, que también bebió el elixir de la eterna juventud, murió, ¿porqué Alpert no iba a hacerlo?.

Benjamin vuelve a confiar en Flocke (parece no recordar que fue él quién le empujó a matar a Jacob), enseñándole donde se encuentra su escondite secreto y traicionando a quienes se encuentran dentro. Sin pensárselo dos veces, Flocke le corta el cuello a Zoe (no podía sacarle nada así que no tenía utilidad para él), en cambio de Widmore necesita saber el porqué trajo a Desmond a la isla. Flocke le amenaza con matar a su hija Penny si no le dice lo que quiere saber. Tras decirselo, Ben asesina a Widmore a sagre fría, vengándose de él y pronunciando una de las frases del capítulo: “Él no puede salvar a tu hija.“, para posteriormente afirmar Flocke: “Ben, no dejas nunca de sorprenderme“.

Desmond es un mecanismo de seguridad, por si Flocke mataba a todos los candidatos. Una última manera de asegurarse que AntiJacob nunca pueda salir del islote. Él no puede matar a Desmond Hume, pero un recuperado delictivamente hablando Benjamin, si. Si en el episodio “Dr Linus” parecía que al fin su atormentado personaje alcanzaría la redención soñada, todo eso parece haberse ido al traste. Oficialmente vuelve a ser un hijo de perra. Aunque puede que su final se acerque, ya sabemos como acaban todos aquellos que no tienen nada que aportar a Flocke.

Finalmente, Flocke le dice a un desorientado Benjamin Linus la contundente frase “Porque voy a encontrar a Desmond. Y cuando lo haga, me vas a ayudar a hacer lo único que yo no podría nunca hacer solo. Voy a hacer que la isla desaparezca del mapa.“. La season finale se prevee modivita a priori. Con esa última frase me ha venido a la mente la escena submarina de la isla hundida de uno de los primeros episodios de esta sexta y última temporada (flashsideway por cierto). Definitivamente, Ben ha optado por el sendero de la maldad, el itinerario sangriento y deshumanizado, quizás por su constante contacto con el hombre de negro, o porque la esencia de su ser es tan oscura como la noche y tarde o temprano salen este tipo de cosas a flote. La gente no suele cambiar. Benjamin tiene la posibilidad de elegir 2 caminos: la condena o la redención. Él decide cuál es su futuro: morir con honor y redimido, o ¿quizás ser el nuevo humo negro?.


FLASHSIDEWAY:

Quizás una de las partes que va a dar más juego de cara a la season finale, aunque resulte un tanto forzada, sea la del flashsideway. Situaciones cogidas por los pelos son por ejemplo el hecho de que varias frases conecten de forma tan potente en Locke como para creer en ello y ofrecerse al Dr Shepard para que sea operado o cómo compran la libertad a una polícia (Ana Lucía) para salir del furgón.

Pero dejando de lado esas cosas producto de las prisas y de la falta de minutos, nos encontramos de nuevo a Desmond Hume intentando reunir a todos los del vuelo Oceanic 815 en el concierto que supuestamente dará el hijo de Jack. Eso si, parece que el bueno de Hume está consiguiendo su objetivo y en la season finale definitivamente confluirán ambas realidades de forma absoluta.

Algunas cosas que quedan por saber:

- ¿Dónde está el cuerpo de Christian Shepard?
- ¿Cuál es la naturaleza de Jacob y su hermano? ¿Porque no pueden matarse el uno al otro?
- ¿Porqué realmente AntiJacob no puede abandonar la isla?
- ¿Cuáles fueron los primeros habitantes de la isla? ¿Quién construyó la estatua?
- ¿Quién fue el primer guardián de la cueva de la luz?
- ¿Retormarán un personaje tan importante (y descuidado) como Walt?
- ¿Será Ben (o Sawyer) el nuevo “hombre de negro”?
- ¿Qué hará Ben (o Sawyer) para que Jack le lance -accidentalmente o no- al interior de la cueva de luz?
- ¿Cómo acabarán con “el hombre de negro”?
- ¿Será una historia cíclica que acabe en el inicio del piloto?
- ¿Asesinará Ben a Desmond en la isla?
- ¿Asesinará Ben a Penny?
- ¿Conseguirá Desmond su propósito en la realidad alternativa?
- ¿Habrá muerto Richard Alpert?
- ¿Intentarán usar el C4 que guarda Miles contra la cueva de la luz?
- ¿Conseguirán liberar a AntiJacob del humo negro?
- ¿Cómo harán confluir realidad alternativa con la realidad en la isla?

Muchos y complicados enigmas quedan por resolver en la season finale de dos horas y media, pero nada es imposible, y sino que se lo digan a las cintas de antaño que en 70 minutos con una virtuosa labor de elipsis y síntesis, eran capaces de contarnos mucho más que películas actuales de 200 minutos.

Con tanta expectación es probable que resulte un tanto decepcionante la resolución de todo, aunque espero que se esmeren y acaben la serie con matrícula de honor, con un nivel superior al de estos últimos episodios.
Eso si, nadie nos quitará estos seis años de disfrute, nadie nos quitará las interminables charlas friquis entorno a la serie, nadie nos quitará la ilusión de dejarnos llevar cada semana por las aventuras de estos losers a la deriva.

Digan lo que digan, ninguna serie había logrado tanto y tan merecidamente. Ninguna serie había dado tanto juego y tanto debate. Independientemente de cómo terminen la serie, solo queda decir una cosa: Gracias!.

Acción, Aventuras, Drama, Series Tv Lost, Series Tv

A día de hoy, “En busca del arca perdida” (1981) todavía sigue siendo el perfecto paradigma del buen cine de aventuras. Una cinta que bebe de los seriales de los años 30, y que combina como ninguna otra acción, aventuras, humor, fantásticos efectos especiales e interpretaciones la mar de majas. Y es que de la unión de Spielberg, Kasdan y Lucas salió uno de los personajes más míticos e iconográficos de la cultura cinematográfica de los últimos años.

El film se inicia con uno de los mejores prólogos que ha dado el cine. El logo de la Paramount se mimetiza con una montaña de una remota región de América del Sur. Allí asistimos a la presentación (dotada de mucha fisicidad) del personaje principal, primeramente apareciendo como un hombre siempre entre sombras, misterioso, masculino y duro. Indiana es presentado enseñando primero su principal arma (el látigo) para posteriormente salir de las sombras y mostrarse al público. La figura enigmática convertida en héroe de la trama. A la vez, poco a poco nos van describiendo el entorno y los personajes que rodean a Indiana sin dejar de lado generosas dosis de aventura, misterio y emoción.

Podríamos decir que este prólogo es un ejemplo sobre cómo presentar y definir a un personaje en apenas minutos, ya que las bases sobre las que se sustenta el resto de la película están descritas en estos primeros minutos. Desde la recuperación del héroe clásico masculino, el fatal desenlace para los traidores, los artilugios identificadores del personaje principal que refuerzan su condición heroica (sombrero, látigo y cazadora de cuero), sus puntos débiles que rompen la seguridad del héroe convirtiendo esa dureza en humanidad e indefensión (posteriormente nos describen su ofidiofobia -miedo a las serpientes-) hasta su particular rival, el arqueólogo Belloq (todo héroe tiene un villano), con quién mantendrá un intenso duelo a lo largo de todo el metraje.

Serpientes, trampas, rocas gigantes, bichos, reliquias, aventuras. ¿Qué más se puede pedir?.

Acción, Aventuras, Escenas Alfred Molina, En busca del arca perdida, George Lucas, Harrison Ford, Indiana Jones, Lawrence Kasdan, Steven Spielberg

Si existe una película infravalorada en la última década, ésa es sin duda “Camino a la perdición” (2002), segundo film de Sam Mendes. No solo fue una injustícia que fuera ninguneada en la edición de los oscar de aquel año, sino que parece que ciertos sectores la tildan de academicista y previsible. Es cierto que quizás no tenga una historia tan intensa como otras cintas noir de antaño pero su exquisitez formal está fuera de toda duda y por encima de la media. Hay quiénes confunden academicismo con perfección formal, hay quiénes no entienden que en ocasiones es más importante el cómo se cuenta que lo que se cuenta y hay quiénes no aceptan una historia de redención que sigue los parámetros del cine más clásico.

“Camino a la perdición“, le pese a quién le pese, es una obra maestra rotunda, no ya por su trama argumental, la cual no es demasiado original, sino por cómo Mendes compone el film. Mendes da una lección de cine en cada plano, sumergiendo a sus personajes en caminos que se cruzarán desembocando en desenlaces fatales. Como en la mayoría de sus films, la fatalidad y la redención cobran una gran importancia.

La elegancia de los planos y un sabio montaje (ver la magistral escena en que van sacando dinero de Capone de los bancos) hacen de ésta una película-orgasmo para todo buen cinéfilo. La presentación del personaje de Tom Hanks, el asesinato visto desde los ojos de un niño, la visita de Hanks al moroso en un momento puramente deudor del western, Michael Sullivan (Hanks) llegando a la casa después de que gran parte de su familia haya sido asesinada (cine mudo en estado puro, en donde las miradas hablan por si solas), el encuentro Hanks-Law en el restaurante de carretera, la muerte de Tom Hanks (una escena que recuerda a la que destacaba hace unos meses de “Revolutionary Road“, acabando con un plano con un encuadre y una composición cercano a lo pictórico) o la escena de la muerte de Newman, son algunos de las momentos cumbres que esconde esta joya del cine.

Un film de gran fuerza visual (muchas escenas podrían pasar perfectamente como cine mudo) con una fotografía magistral de Conrad L. Hall y un acabado formal de primera.

Quizás la escena que reúne mayor cantidad de aciertos a nivel formal es la que os adjunto a continuación. Primero vemos a Michael Sullivan (Hanks) preparándose para una noche de venganza, dejando una nota a su hijo por si no vuelve. Algo violento se acontece por los planos contrapicados al personaje de Hanks. A continuación tenemos el momento en que Sullivan asesina a todos los compañeros de John Rooney (Newman), para posteriormente entre lágrimas acabar con éste. Mendes rueda ese plano giratorio – momento mudo, otorgando absoluta importancia a la imagen y a la partitura de Newman- teniendo como referencia al personaje de Newman y acabando en éste. Newman es el radio de la media circunferencia que describe la cámara. No se oyen los disparos cuando Sullivan mata a los demás, sólo se oye el atronador sonido de la tragedia: Sullivan asesinando a lo más parecido a un padre que tuvo.

Tras esa catarsis sangrienta bajo la lluvia, Sullivan se irá a por Connor Rooney (Daniel Craig), autor material del asesinato de su família. Mendes nos brinda un plano secuencia memorable, empezando desde arriba hasta encuadrar centralmente al personaje de Hanks, para luego -sin traicionar a su espectacular plano- mostrar a Connor Ronney asesinado desde el reflejo de una de las puertas. Uno de los mejores planos que un servidor haya visto en los últimos años. Simplemente orgásmico.

Sin más, os dejo con la escena:

Drama, Escenas, Noir, Thriller Camino a la perdición, Jude Law, Paul Newman, Road to perdition, Sam Mendes, Tom Hanks

“Across the sea” es un capítulo construído totalmente en forma de flashback regresando de nuevo a tiempos ancestrales en donde podemos ver el nacimiento y desarrollo de los dos hermanos: Jacob y el futuro humo negro. Los orígenes de los protagonistas más veteranos en la isla. Un nacimiento esperado: Jacob y otro inesperado: AntiJacob. Para uno había nombre, para el otro no.

El episodio se inicia con un naufragio y la llegada de Claudia, madre de los dos pequeños, la cual una vez en la isla se adentra en la selva donde se encuentra a una misteriosa mujer residente llamémosle “Eva” (que habla un idioma extraño que podría ser una mezcla entre inglés antiguo y latín) la cual le advierte que están solas y no hay nadie más allí.

Claudia acepta la ayuda aparentemente desinteresada de dicha mujer para poder parir a sus dos hijos y tras ello, “Eva” la asesina por temor a que algún día se los lleve con los otros habitantes de la isla, a los que define como gente malvada y peligrosa. Nacerán sin ser corrompidos y preparados para cumplir con su futuro deber. Por cierto, ambos bebés nacen y sus cuerpos misteriosamente no están manchados de la sangre de la madre (detalle ciertamente poco cuidado).

Pasan los años, y vemos como ya entonces jugaban al backgammon, Jacob con las fichas blancas y su hermano, como no, con las negras. Ya nos definen a un Jacob más calmado y servicial y a un llamésmosle Esaú, más inquieto, rebelde e inconformista.

Un día intentando dar caza a un jabalí se topan con un grupo de hombres, lo que les sorprende porque creían que estaban solos en la isla, tal y como les había dicho su madre adoptiva. Regresan para explicarle lo sucedido y entonces es cuando ella decide llevarlos a un lugar clave de la isla; el lugar que explicará el motivo del porqué están allí. Una cueva de dónde sale una luz cegadora, una especie de fuente de la vida.

“La más cálida y brillante luz que nunca hayáis visto o sentido. Y debemos asegurarnos de que nadie la encuentre nunca. Porque un poquito de esta misma luz está dentro de cada hombre. Pero siempre quieren más. Si intentaran llevársela, podrían apagarla. Y si la luz se apaga aquí, se apaga en todas partes. Por eso he protegido este sitio” les dice la madre adoptiva. “Eva” les explica que uno de ellos deberá proteger de por vida ese lugar, ya que ella no prevee estar eternamente. Queda claro que trata a ambos hermanos de forma atenta pero diferente, considerando a Esaú como el más especial (aunque inconscientemente, también como el más a temer).

Mientras uno aceptaba su estancia en la isla sin cuestionarse demasiado las cosas (Jacob), el otro tras la rebeladora aparición de su madre biológica multiplica su curiosidad por saber que hay más allá del océano. Su inquietud se transforma en obsesión por conocer su verdadero origen y ver el mundo que su madre adoptiva le prohíbe conocer.

Por la noche, Esaú intenta persuadir a Jacob de que le acompañe y abandone a su madre adoptiva, pregonando que no es su verdadera madre. Ahí se da inicio a una rivalidad ente ambos llena de envidia e ira que durará miles y miles de años. Una vez más se nos muestra el lado oscuro de Jacob: demasiado servicial, sin personalidad, chivato y envidioso hasta el extremo. Un Caín vestido de blanco cuyo pronto es tan o más salvaje que el del propio Esaú.

Esaú en su afán por salir de la isla, encuentra puntos de la misma en donde el metal se comporta de manera diferente debido al fuerte magnetismo. Excavando durante años, encuentran un punto en donde parecen dar con algo, ahí construyen el pozo. Pronto la madre adoptiva echará por tierra su proyecto para salir de la isla y arrasará con el poblado donde vivía, matándolos a todos, destruyendo el pozo y quemando todas las casas, en un acto – por las proporciones del desastre – más bien propio del humo negro que de una simple mujer. La madastra esconde mucho amigos, mucho más de lo aparente.

Y como pasaba en la Bíblia y en las venganzas shakespearianas, ojo por ojo. Esaú entre lágrimas asesina a su madre adoptiva y Jacob lanza a éste dentro de “la fuente de la vida” condenándole eternamente al infierno, a vagar sin cuerpo por la isla. Ambos mueren, “Eva” y “Adán” (Esaú). Y Jacob pasará un tiempo solo en la isla. Durante los años siguientes, el humo negro adoptará el cuerpo del propio Esaú, a la espera de poder tomar otro de alguien muerto con el que conseguir su propósito de abandonar la isla. Casos conocidos de esto son Christian Shepard, el hermano de Ecko, Locke y alguno que otro más.

Jacob es el nuevo guardián, que debe proteger el secreto más importante de la isla. Eternamente joven (gracias al vino/elixir de la eterna juventud) y siendo consciente de su responsabilidad. Poco a poco se irá concienciando de su deber y abandonando la isla justificada e intermitentemente para dar con los candidatos durante años y años.

Vayamos por partes. Este capítulo, como es costumbre en la serie, más que respuestas – que da algunas – invita a pensar más preguntas, como: ¿Quién fue el primer guardián de la cueva de la luz? ¿Quién la descubrió? ¿Cómo se ha creado el humo negro? ¿Porqué no pueden matarse Jacob y Esaú? ¿Porqué no pueden abandonar la isla (en el caso de Jacob antes de tomar el vino)? ¿Cuál es la naturaleza de ambos seres?. Sabemos que nacieron de forma biológica, que son hermanos, ¿pero es simplemente que la isla les eligió?.

Sobre el pozo que aparece en este episodio, recordemos que Desmond está ahora mismo atrapado en éste. Todo el mundo se pregunta si Desmond será realmente el candidato número 108 que aparecía en la rueda del faro con el nombre de Wallace. ¿Séra realmente su verdadero apellido y no Hume?. Está por ver.

Algo que resulta tremendamente irritante de este episodio es el flashforward final que subraya en exceso. Un flashforward que nos devuelve a un momento de la primera temporada del que todo buen fan de lost se debería de acordar. Y es que con el simple plano de Jacob metiendo las dos fichas en la bolsita y los dos cuerpos fallecidos, ya era más que suficiente para que cayéramos en ello, en la escena de “Adán y Eva” de la primera temporada. El hecho de que se subraye tanto lo considero una falta de confianza hacia los fans por parte de los guionistas. Uno de los momentos más subrayados y torpes de toda la serie. Quiero pensar que ha sido una imposición de la ABC…

Bueno, dicho esto, ahí van mis dos teorias de hoy.

La primera tiene que ver con las conexiones entre Lost 6×15 y el episodio piloto de la primera temporada. Es bien sabido que los showrunners de Lost siempre han mantenido la premisa de que todo está explicado en el piloto y a medida que avanza la serie nos vamos dando cuenta de que ciertos detalles llaman mucho la atención, sobre todo los de los primeros minutos. En su día pensamos que los Oceanic Six habían viajado en el tiempo hasta el instante en que el avión caía. Recordemos que muchos de ellos, excepto Hugo, no salían en la escena del accidente (por ejemplo Kate) y que Jack provenía del interior de la isla. Lo que sostiene mi amigo Carlos, que comentaba algo así en Facebook, sobre que los primeros minutos del piloto son el final de la serie -algo en lo que yo también creo- cobra fuerza con este último episodio. Voy a desarrollarlo a mi manera.

Es más que posible que Jack sea el sustituto de Jacob como guardián y es más que probable que tras esta temporada se tenga que quedar en la isla en su nuevo cargo. En el flashsideway se reunirán todos gracias al amigo Desmond en la fiesta que Eloïse prepara para Daniel “Faraday” Widmore. La pregunta del millón es… ¿qué hace Jack en el episodio piloto en medio de la selva?. Es la pregunta que muchos nos hemos estado haciendo durante muchas temporadas. Podría ser que proviene de un viaje en el tiempo, cierto. Pero también podría ser algo más.

Tras revisionar el 6×15 he descubierto algo. Fijaros en las siguientes capturas de los primeros minutos del episodio piloto comparándolas con otras capturas del 6×15. Fijaros en que la vegetación de la zona donde se encuentra la cueva con la luz está formada sobre todo por caña, una vegetación no muy usual dentro de la isla. ¿Y qué vemos en los alrededores de donde despierta sobresaltado Jack en el piloto?. Creo que Jack antes de llegar a la playa, está cerca de la zona de la cueva. En ese instante, es probable que se empalme la sexta temporada con la primera, conviertiendo la historia en algo plenamente circular. En el piloto el momento en que abandona esa zona tan frondosa para acercarse a la playa, lo filman en un travelling aproximándose cada vez más al personaje de Jack, dando a entender como si hubiese salido de otro sitio dentro de la misma isla, o que proviniera de un recóndito y diferente lugar. Os dejo capturas para que comparéis:

Capturas del episodio 6×15:

Capturas del episodio 1×01:

Otra cosa. Vamos a hablar un poco de Locke. Si recordamos la primera temporada, los primeros capítulos, aparte de tener una actitud entre extraña y peculiar, juega al ancestral Backgammon, se pasa horas mirando el mar al horizonte (como AntiJacob), protagoniza escenas un tanto siniestras (la escena en que come la naranja o la escena en que todos celebran en la playa mientras él mira al horizonte con un enfado patente, ¿enfadado por el posible progreso de una comunidad?), sabe cazar y rastrear jabalís, se sabe mover a la perfección por la isla etc…

Es raro por no decir imposible que tras el accidente de avión de repente pudiera andar. Es cierto que la isla tiene poderes curativos, se ha demostrado mil y una vez, pero soy de los que opinan que hay algo más. En su tiempo, pensé -como mi hermano Fernando- que en el accidente Locke murió y ya desde el piloto era AntiJacob AKA Flocke, pero evidentemente, eso no se sostiene con las temporadas siguientes, más cuando el verdadero Locke es asesinado por Benjamin Linus. En cambio, tengo algunas teorías más factibles.

Podría haber muerto en el accidente y haber sido resucitado (no sé si en el templo o dónde) otorgándole de nuevo su condición de persona sin minusvalía. Podría provenir del pasado o futuro, en un viaje temporal, ya que resulta extraña su posición de muerto en la escena del accidente (como si hubiera estado en una tumba, como si se estuviera levantando de un viaje temporal, descolocado).

También otra teoría posible es que Locke tuviera una conversación con Christian Shepard (AntiJacob) que aún no hemos visto, en donde le explicase muchas cosas. De ahí que Flocke, en los últimos capítulos cuando le preguntaron “¿Por qué Locke?”, respondiese “Porque fue lo suficientemente estúpido como para creer en la isla“… ¿o lo suficientemente estúpido para creer sus mentiras?.

En definitiva, 6×15 es un capítulo interesante, no excelente (ni mucho menos como el 6×09) y que parece postergar millones de respuestas para la season finale (con lo bueno y lo malo que eso conlleva). Me hubiera gustado que indagasen más en los orígenes de Jacob y Esaú, espero que lo hagan próximamente. No me gusta que intenten acabar la serie de forma precipitada por su voluntad de atrasar millones de cosas para el final. Espero que finales como el del 6×14 no se repitan: tan precipitado como pasteloso, y ante todo poco creíble (se pasaron la presión submarina por ahí).

Gran serie, confiemos en que los episodios que quedan sean sutiles y que los guionistas confien en nuestra limitada inteligencia. Vale que no somos ingenieros de la NASA pero somos fans acérrimos y, lo que es más importante, tenemos memoria.

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Os dejo con el fantástico spot “Eye Candy” para publicitar las Sony Bravia HD realizado por Will Hyde de la agencia chickINchair Productions. Un anuncio colorido, creativo, en parte gracias a la libertad que da la marca (la potencia de una marca que no necesita enseñar su producto necesariamente) y con unos efectos y animaciones realmente conseguidas. El anuncio se desarrolla en tres partes: “Nacimiento de Color”, “Explosión de color” y “Liberación de color”.

Basándose en el mundo teatral de la fotografía de moda, el commercial de casi dos minutos y medio de duración, está rodado con un gran drama visual y magia escénica. Abundan los objetos esféricos que representan el punto en “make.believe” como una conexión a través de Internet y los colores conviven a la perfección combinándose de forma tan efectiva como preciosista.

En “Eye candy” la acción real y la animación se unen en un matrimonio sin fisuras de intensidad visual y asombro. Por cierto, la música de Matt Hutchinson, tremendamente deudora del tema “Cançao do mar” de Dulce Pontes, fue compuesta para la ocasión.
Un muy buen anuncio.

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Sin ánimo de desprestigiar a la Filmoteca Fnac, la cual hace una encomiable labor en su esfuerzo por editar clásicos inéditos en formato dvd, si que me gustaría resaltar que algunos de sus másters utilizados en sus ediciones (no justamente baratas) son del todo insuficientes para poder disfrutar de un visionado en plenas garantías, es decir, y para ser claros, hay casos en donde un divx se ve mejor que sus películas de venta.

Si bien es cierto que hay ediciones muy conseguidas en cuanto a calidad de máster, como podrían ser las de Louis Malle o Robert Bresson por ejemplo, en cambio otras, sobre todo las de Jean Renoir o Pier Paolo Pasolini, se presentan con una calidad pésima e inadmisible, con un contraste y un color tan pobre como se queda el bolsillo de uno tras pagar varias de sus ediciones.

Y es que, que un divx (ripeado de la edición Criterion si,… pero al fin y al cabo un divx) se vea infinitamente mejor que nuestra querida edición patria de nada más y nada menos que 3000 de las antiguas pesetas, pues es un poco triste o, más bien, una autentica vergüenza. No solamente es el horroroso color y la poca calidad audiovisual (definición y contraste son pobrísimos), sino también añadirle que la relación de aspecto no concuerda, que está llena de rallas, abundante realce de contornos y que para colmo tiene más grano que las quinceañeras con acné.

Básicamente amigos, el Technicolor se fue a tomar por saco. La imagen restaurada de la edición de Criterion en comparación con la de Avalon no da lugar a la duda, simplemente no hay color. He aquí unos claros ejemplos.
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Comparativas, Dvd Avalon, comparativas, Criterion, El río, Jean Renoir, The river

Bueno bueno, confirmado. Parece que la distribuidora americana Criterion -la mejor del mundo sin lugar a discusión- va a editar con todo lujo de detalles (y como se merece) esa obra maestra llamada “La delgada línea roja” tanto en dvd como en blu-ray, bajo la supervisión del propio Terrence Malick.

Para ello habrá una concienzuda remasterización de imagen, muchos extras jugosos e incluso se rumorea que incluirá el ansiado original cut del film, en donde podremos ver total o parcialmente mucho metraje de la obra que se quedó en la sala de montaje y las interpretaciones inéditas hasta la fecha de Billy Bob Thornton, Mickey Rourke, Martin Sheen, Jason Patrick y Viggo Mortensen, así como las actuaciones completas de George Clooney y Adrien Brody, ambos testimoniales en el theatrical cut. Recordemos que el film original duraba seis extensas horas (lejos de los 170 minutos de la versión estrenada en cines). Esperemos al fin poder disfrutar de esta obra en toda su magnitud.

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Tras los buenos resultados de series como “Espartaco” (2010), parece que poco a poco la televisión se anima y apuesta por series de contenido fantástico-épico, algo que hasta hace poco, parecía una utopía y algo únicamente destinado (y viable) para el mercado del cine. Atrás quedaron los tiempos en donde lo más épico -dentro del género de capa y espada- que podía ofrecer la tv eran productos tan sumamente cutres como “Xena: la princesa guerrera“, o “Hércules: Los viajes legendarios“. Gracias a dios parece que la tv con su renovado lenguaje y el cgi baratito, también podrá ofrecernos seriales épicos con (más o menos) cara y ojos.

De todas las series en preparación, la que quizás llame más la atención sea “Game of thrones” (2011), adaptación de la saga literaria “Canción de Hielo y Fuego” escrita por George R.R. Martin, quién a la vez se inspiró en la guerra de los cien años” y en la guerra de las dos rosas, y por supuesto en la obra de J.R.R. Tolkien, Jack Vance y Tad Williams para crear un elaborado mundo de fantasía medieval.

Algo que a priori parece todo un acierto es el hecho de que quieran adaptar cada uno de los libros de la saga en forma de una temporada completa, consiguiendo así realizar (presumiblemente) una adaptación la mar de maja y consistente.

La historia de “Game of thrones” se sitúa en un mundo ficticio medieval, principalmente en un continente llamado Poniente pero también en un vasto continente oriental, conocido como Essos. La mayor parte de los personajes son humanos pero a medida que la serie avanza aparecen otras razas, tales como los fríos y amenazadores Otros del Norte y los dragones del Este, ambos supuestamente extintos al principio de la saga. Hay tres líneas argumentales en la serie: la crónica de la guerra civil dinástica por el control de Poniente entre varias familias nobles; la creciente amenaza de los Otros, apenas contenida por un inmenso muro de hielo que protege el norte de Poniente; y el viaje de Daenerys Targaryen, la hija exiliada del rey que fue asesinado en otra guerra civil hace quince años, quien busca regresar a Poniente a reclamar sus derechos. Estas tres historias interactúan entre sí y son extremadamente co-dependientes.

Dentro del casting encontraremos a rostros más o menos conocidos como Sean Bean, Ian Glen, Lena Heady, Peter Dinklage, Harry Lloyd, Jason Momoa o Jamie Campbell Bower. Detrás del proyecto, como director del piloto, el cual se estranará en 2011, está el siempre interesante Thomas McCarthy, realizador de la estupenda “The station agent” o la interesante “The visitor“.

El tiempo dirá si la espera ha merecido la pena o no.

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La ciudad de Harmony está marcada por un sangriento suceso del pasado. Tom (Jensen Ackles), un minero inexperto, causó un accidente que le costó la vida a varios compañeros y dejó en coma a otro, Harry Warden. Cuando éste despertó, justo el día de San Valentín, asesinó a veintidós personas con una piqueta y después fue acribillado. Una década más tarde, Tom vuelve a Harmony para enfrentarse a sus miedos y recuperar a su ex novia. Sin embargo, un extraño asesino con casco de minero anda suelto clamando venganza.

A principios de los 80, la película canadiense “San Valentín Sangriento” (George Mihalka, 1981) consiguió entretener y angustiar a un público acostumbrado a los numerosos títulos de terror de la época (“Halloween“, “Una venganza sangrienta“, etc…). Con los años, se convirtió en una cinta de culto, un auténtico slasher, hasta el punto de ser considerada por Tarantino -exageradamente como de costumbre en él- como “la mejor película de horror de todos los tiempos“.

En 2009, los “ávidos” productores norteamericanos pensaron en hacer un remake usando lo último en tecnología estereográfica para poner al público literalmente en medio de una pesadilla de terror gracias al 3D y -como no- con altas dosis de hemoglobina. El resultado: nada del otro mundo, pero sin duda una cinta de lo más simpática, directa y desenfadada. Un slasher que no engaña a nadie, que ofrece ketchup a raudales, que no pierde el tiempo ni siquiera en presentar a los personajes y que resulta tan explícita como honesta, ya que jamás pretende ser más de lo que es. Un divertimento con matarife minero, el cual parece una especie de versión de Jason Voorhees pero con pico.

Si en algo destaca “San Valentín sangriento 3D” es en su incorrección política, llegando a recordarme a films de David R. Ellis o Steve Miner, cineastas capaces de dirigir auténticos pastiches pero con una falta de pretensiones y una mala leche impresionantes. Además la película, como ya ocurría en la nada desdeñable e injustamente vapuleada nueva versión de “Viernes 13” (Marcus Nispel, 2009), también funciona en su voluntaria decisión de apostar por tópicos y lugares comunes del subgénero sin aburrir al espectador (desnudos y sangre no faltan).

Otra cosa son las actuaciones, en su mayoría olvidables y poco trabajadas, aunque por otro lado es algo habitual dentro del slasher. La pesadilla legendaria que azota la memoria del pueblo vuelve a cobrar vida con Jensen Ackles como protagonista. El actor de la serie “Sobrenatural“, además de asistir a una venganza tridimensional el día de San Valentín, se ve envuelto en un triángulo amoroso que completan la siempre sensual Jaime King y Kerr Smith. Dicho trío parecen estar en constante competición por llevarse el galardón al peor yogurin del año. Y es que debemos reconocer que uno de los mayores lastres de la película radica en la inverosimilitud de los personajes. SPOILER Jensen Ackles jamás da el pego en su bipolar personaje, no consigo creerme a Jaime King como madre y todavía menos me creo al siempre insufrible Kerr Smith como sheriff del pueblo (el sheriff más joven de la historia vamos xD). FIN SPOILER. Sin embargo, en la mayoría de films de Patrick Lussier (como la posterior “Furia ciega 3D“) los personajes están muy pasados de vuelta y en la exageración y desenfado radica su gracia.

Como decía anteriormente, un servidor no espera que ahora los slashers de repente nos vayan a regalar actuaciones del siglo, pero eso si, los infumables prolegómenos que tenemos que tragarnos en muchas cintas de suspense o terror que a la postre únicamente sirven para poner en la lista negra al autor de semejantes libretos por la forma tan chsuca que tiene de presentar a los personajes, aquí nos los ahorran yendo directamente al grano, pasando totalmente de definir y perfilar a las victimas y a los verdugos de turno (¿realmente importa?) y ofreciendo una brutalidad de lo más freak sin concesión alguna. Porque ya desde el inicio de la película, hay toda una declaración de intenciones: Durante la fiesta, es entrar en la mina, no pasar ni un minuto, y ya estar el matarife dando por culo con el pico. ¡Es de agradecer amigo Patrick, es de agradecer!.

Resultaría inmerecido no destacar la habilidad de Patrick Lussier en saber moverse en terrenos del slasher con soltura dotando a la cinta de una puesta en escena destacable, como también no hacer incapié en un uso de las tres dimensiones de lo más cachondo (aunque le pese al amargado del Cameron) y un montaje que para el gusto del que esto suscribe no está nada mal. Pero no esperemos cosas maestras de una cinta de este tipo. Ya sabemos que el argumento está trillado, como también que circula en ambientes conocidos, que repite fórmulas de antaño y que muchas cosas carecen de lógica o sentido, pero la pregunta que se deberían hacer ciertos sectores de la crítica o aficionados con Cahiers bajo el brazo es ¿realmente no ofrece lo que promete?.

Sería injusto calificarla desde ese prisma, porque jamás se olvida de lo que realmente es, jamás abandona la honradez para caer en la pretenciosidad y a la postre resulta ser una película simpática, con una mala leche tremenda y efectiva desde sus propósitos y sus objetivos trazados.

Críticas, Suspense, Terror Jaime King, Jensen Ackles, Kerr Smith, My bloody valentine 3D, Patrick Lussier