Os dejo con una de las escenas más memorables de “La noche es nuestra” (2007) de James Gray, uno de los mejores policiacos que recuerdo de los últimos años. Una vibrante persecución en coche con desenlace fatal, donde Bobby (Joaquin Phoenix) y Burt (Robert Duvall) caen en una emboscada tendida por los gángsteres rusos.
Escena que reune una magnífica dirección, un impecable montaje y un uso brutal del sonido. Disfrutarla.
Tras deleitar a más de uno con sus super ediciones en blu-ray (muchas de ellas también disponibles en cutrezona, es decir, españa), la Studio Canal Collection vuelve al ataque con nuevos y jugosos títulos editados con la máxima calidad. Esperemos que todos ellos sean editados en España y no se pierda ninguno por el camino por el tema de derechos (aunque en esta hornada dificil lo veo salvo los casos de “El graduado” o “Delicatessen“, que en su día sí fueron editadas en dvd bajo el sello Studio Canal / Universal).
A continuación os dejo la lista de las ediciones que Studio Canal (Optimum Home Entertainment) pondrá a la venta en UK a partir del próximo septiembre.
“El círculo rojo” de Jean-Pierre Melville
“Delicatessen” de Jean-Pierre Jeunet & Marc Caro
“El pianista” de Roman Polanski
“El graduado” de Mike Nichols
“Mulholland drive” de David Lynch
“El tercer hombre” de Carol Reed
Ya no queda nada para que empiece uno de los festivales más interesantes de la ciudad condal: el BAFF (Barcelona Asian Film Festival). Con una selección de films siempre arriesgada e interesante, este año incluirá dos secciones nuevas, una dedicada exclusivamente al cine de Corea del Sur (mamma mia!) y otra al sudeste asiático.
Las películas se pasarán donde siempre: CCCB, Cine Rex y cine Aribau Club 2 desde el 30 de abril hasta el 9 de mayo. Os dejo un link con el dossier de prensa y los horarios de los pases: Dossier BAFF 2010, Horarios Aribau Club, Horarios CCCB, Horarios Rex, Invitados BAFF 2010. Más info en la web del festival: http://www.baff-bcn.org
Para terminar, el (como de costumbre) fantástico spot del festival, realizado por la empresa Randomhead:
Es bien sabido que hacer una estricta selección, puntuar a un film o intentar completar cualquier lista de mejores películas es un hecho que siempre va ligado a la subjetividad (y en parte, a la injustícia). Pero como digo yo, de vez en cuando viene bien mojarse un poco y hacer selección.
A parte, esto de los tops está en constante mutación o cambio, hoy ves un film increible o te acuerdas de aquel clásico olvidado pero memorable y ya cambiaríamos la mitad del listado, pero bueno, voy a intentar poner las que considero actualmente las mejores por género. Es posible que me deje alguna, pero esto es lo que tiene hacer tops xD.
Las Reglas:
- Decir quién me ha nominado al juego: el buen amigo Ramón de Cinemadreamer
- Nominar a personas/blogs para que continúen el juego (al final de la lista)
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“En los ochenta, los realizadores de la Quinta Generación eran unos auténticos héroes: ellos constituían la ruptura en el cine chino lejos del modelo establecido e intentaron algo nuevo. Pero ellos han cambiado mucho: en sus films actuales, ya no vemos la experiencia de la vida en China. Sin embargo, mi manera de hacer films me permite describir la realidad china sin distorsión.”
Jia Zhang-Ke [1]
“Mientras la Quinta Generación es romántica, la Sexta es urbana, realista y objetiva.”
Zhang Yuan [2]
Política y arte parecen formar un binomio indisociable en China. Todas las generaciones de cineastas han estado enmarcadas, parcial o totalmente, dentro de un período de guerra, inquietud sociopolítica o represión gubernamental de algún tipo, lo que vislumbra el arduo camino recorrido por estos cineastas para mantener su propio discurso.
La falta de medios, libertades y financiación no ha sido obstáculo para que su mensaje de disconformidad y crítica hacia la situación sociopolítica -productora del desagrado general-, salgan a la luz a pesar de la “invisibilidad” y el boicot impuesto a sus obras.
En los años ochenta y durante la Revolución Cultural, la Quinta Generación liderada sobre todo por Zhang Yimou, Chen Kaige y Tian Zhuangzhuang, se dedicó a hacer un cine combativo y comprometido con su realidad, cuyas obras contenían una renovada fuerza estética y un realismo impreso en las imágenes.
Las temáticas transitaban alrededor de la crítica social y política del momento, con tramas incómodas y propuestas formales arriesgadas. Un ejemplo sería “Tierra amarilla” (1984), de Chen Kaige (film evento de esta generación) y en como retrata la figura del soldado (metáfora clara del poder comunista) incapaz de solucionar ni erradicar la tristeza existente abandonando finalmente su misión. En dicho film ya podemos observar detalles en una puesta en escena muy trabajada, una planificación conseguida y una fotografía [3] (a cargo de Zhang Yimou) destacable, usando una paleta de tonos ocre realmente eficaz.
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Películas como “Cadena perpetua” (1994) tristemente no abundan. Cintas como ésta hacen que uno ame irremediablemente el séptimo arte, pues estamos ante cine que ahonda en los sentimientos sabiamente e invita a la reflexión al espectador más exigente. Cine que emociona desde la honestidad no desde la manipulación, que desprende aroma a clásico y que a la postre resulta tan inteligente como entretenido. No resulta nada exagerado afirmar pues que “Cadena perpetua” es una de las cimas del cine de los 90.
Y es que ya va siendo hora de poner a Frank Darabont en su sitio, el de los grandes. Porque aunque en su posterior filmografía jamás haya alcanzado este nivel (únicamente en la reciente “La niebla“, otra obra maestra), siempre se ha caracterizado por ser un cineasta que cuida los detalles, que dirige excepcionalmente a los actores sacando siempre el máximo de ellos y que domina como pocos la narración visual. Sobre todo, Darabont siempre me ha parecido un entusiasta, un realizador que disfruta haciendo lo que hace y haciendo disfrutar a los demás.
El final de “Cadena Perpetua” es uno de aquellos finales que jamás serán olvidados, pero dejando de lado esa típica escena seleccionable del film, yo prefiero rescatar otra tan o más esencial dentro de la película. Me refiero a la escena en que Andy se sincera con Red. El diálogo del miedo contra la esperanza, la palabra de un hombre que no acepta la injustícia contra la palabra de un hombre institucionalizado. Un diálogo magistral. Disfrutarlo.
Es bien sabido que cuando termine la sexta y última temporada, la Disney sacará un megapack con todas las temporadas y todo tipo de detalles. Que si tropecientas horas de extras, que si material inédito, que si un libro / enciclopedia oficial sobre la serie y que si demás gadgets para frikis. Los rumores poco a poco se van haciendo realidad. Lo que está claro es que no será la primera ni la última edición total de “Lost“, pues como todas los chollos será exprimido a lo “Star Wars” (y merecidamente sin duda).
Tenemos ya datos fiables sobre esa megaedición especial con toda la serie. Parece que incluirá más de 30 horas de extras a las que habrá que sumarle 2 horas más con contenido adicional inédito (y seguramente algún que otro falso documental más del estilo “Misterios del universo“). Todas las temporadas en calidad HD (a partir de la 4a de absoluta referencia, las 3 anteriores también muy buenas). Recordar que todos los extras a partir de la 4a temporada de las ediciones ya editadas ya estaban en HD. En cuanto a gadgets del estilo Dharma iniciative pack todavía no se sabe nada, pero tiempo al tiempo. En cuanto al precio, va a doler, la cosa superaría los 240 euros, y via amazon saldría por unos 145 euros. Y bueno, no queda nada para que termine esta gran serie. Aunque la podamos revisionar en HD cuantas veces queramos, echaremos de menos seguir la serie semanalmente y el debate que genera.
“Película remilgada, estéticamente cursi, narrativamente redundante, éticamente ñoña y musicalmente ordinaria. Una especie de Caperucita y el lobo feroz en versión Hello Kitty.”
Javier Ocaña, crítico de “El País”
“De la misma forma que creo que es imposible la película perfecta o el guión perfecto, es imposible la adaptación perfecta.”
Peter Jackson
Basada en el bestseller “Desde mi cielo” de Alice Sebold, la última película de Peter Jackson nos cuenta la historia de Susie Salmon (Saoirse Ronan), una niña de 14 años cuya vida se ve truncada para siempre al ser violada y asesinada por un psicópata de la zona. Apartada del mundo que conocía, Susie es testigo del impacto que su muerte tiene en sus seres queridos y se debate entre saciar su sed de venganza y el amor que siente por su familia. Mientras tanto el asesino borra hábilmente las huellas del crimen y se prepara para cometer otro.
Debo reconocer que nunca me he encontrado entre los fans incondicionales del señor Peter Jackson, básicamente porque considero que hace ya mucho tiempo se traicionó a si mismo vendiendo su alma al “diablo”, es decir, al Hollywood comercial y vacío.
Atrás quedan los tiempos de su etapa en el cine neozelandés con obras tan interesantes como “Criaturas celestiales” (1994), un film sobre una relación especial de amistad con tintes lésbicos narrado de forma personal e intimista no exenta de un humor negro ciertamente macabro y canalla, y el falso documental “La Verdadera Historia del Cine” (1995) que narraba en tono irónico-cómico la historia de un hipotético cineasta neozelandés ya fallecido que intentaba demostrar que el cine lo inventó realmente él. Incluso sus inicios en el gore o su primera película estadounidense “Agárrame esos fantasmas” (1996) la cual era un producto tremendamente honesto y para nada pretencioso, tenían su encanto y su gracia.
Dejando de lado sus inicios como realizador, siempre he creído que es uno de los directores más sobrevalorados de este planeta, ya que su realización –desde mi punto de vista- suele chirriar y sus decisiones tras la cámara son tan irregulares como torpes. Y esto se ha demostrado definitivamente al tener presupuestos holgados para sus películas –y eso que suele rodearse de buenos equipos- y no tener una voz propia con la que contar sus historias.
Tras la cinta fantasmil con Michael J. Fox a la cabeza, se metió de lleno en la industria hollywoodiense rodando consecutivamente un par de proyectos titánicos con resultados dispares. Por un lado tenemos la entretenidísima trilogía de “El señor de los anillos” con resultados bastante decentes (aunque con una mediocre realización) y por otro lado su versión noña de “King Kong” (2005), una especie de remake de lo más light e insípido de la que muchos todavía nos preguntamos las razones de su existencia, salvo el capricho.
Después de cuatro años de descanso, dedicándose a producir algún que otro film como la sobrevalorada “Distrito 9” (Neill Blomkamp, 2009) y lejos de las mastodónticas producciones a las que nos tiene acostumbrados, todo parecía apuntar a que “The lovely bones” nos devolvería aquel Peter Jackson más intimista y personal, pero nada más lejos de la realidad. Ha vuelto un Peter Jackson (bajo mi criterio) peor que nunca, incapaz de sacar jugo a una historia con grandes posibilidades. Y es que “The lovely bones” se olvida tan pronto como uno abandona la sala y eso es grave viniendo de una cinta presumiblemente cercana y abiertamente positiva.
A Peter Jackson podemos atribuirle dos grandes pecados en esta película: por un lado el no haber sabido llevar la historia ni construir o dibujar bien a los personajes, desaprovechando un material realmente interesante y unas actuaciones más que decentes, y por otro lado, su insistencia en presentar la trama de la novela desde la cursilería (cualquier escena de ese limbo imaginario), desde la redundancia, recreándose en la estupidez, con subrayados innecesarios y con una selección musical de anuncio de colonia mala, en vez de enfocarla desde una óptica más adulta e interesante.
Justamente cuando el film gana en fuerza e interés, es cuando un gran Stanley Tucci entra en escena, un personaje de lo más sombrío perfectamente interpretado por uno de los mejores secundarios que hay hoy en día en Hollywood. Si pasó con grandes y eternos secundarios como Phillip Seymour Hoffman, William H. Macy o Paul Giamatti, a los cuales actualmente les ofrecen papeles protagonistas más que decentes, ¿porqué no a Stanley Tucci?, el cual ya lleva muchos años demostrando la calidad que atesora.
Cuando el film se mete en la piel del asesino, cuando dejamos de lado esos mundos de Yupi y nos adentramos en el misterio y en el thriller, es cuando el film se mantiene un poco a flote y se muestra interesante. El resto del metraje es extremadamente irregular, pareciendo por momentos, una mezcla entre “Ghost“, “Mas allá de los sueños” y cualquier comedia negra de poca monta. Porque no nos olvidemos de esos momentos estrambóticos interpretados en su mayoría por Susan Sarandon, la cual parece tan etílica como insensible durante todo el metraje.
Y es que todo ello denota una construcción verdaderamente demencial en algunos personajes. Sin ir más lejos, los de Mark Wahlberg (padre), Rachel Weisz (madre) y Susan Sarandon (abuela). No me creo a Susan Sarandon como abuela pseudohippie, no entiendo porqué el personaje de Rachel Weisz se tiene que ir al campo (¿wtf?) para olvidarse del tema y volver cuando le de la gana, dejando a su familia con el muerto. Como tampoco entiendo las reacciones del padre[1] (Wahlberg), recorriendo el vecindario con el bate, reconciliándose con su mujer como si nada y rompiendo todos sus barquitos. Todo muy manipulador y tremendista.
Los dos personajes básicos de la trama, el de la niña y el del asesino, son como el blanco y el negro. Por un lado, tenemos que soportar a la cansina rubia durante todo el metraje con su interminable voz en off que subraya lo subrayado y por otro lado tenemos a quizás el único personaje que tiene algo de esencia, el asesino. Lástima que ni tan siquiera le hayan dado un final decente, pues su profética muerte digna de la franquicia “Destino Final” rebaja a la película a una “direct to dvd” como mínimo. Esa muerte absurda que hace justicia o la manera tan fortuita de cómo suceden las cosas, es una muestra más de que a Jackson no le interesaba hacer un film adulto entorno a la vida y la muerte que diera que pensar.
Otro tema que no me ha gustado absolutamente nada, ha sido, como siempre en los films de Jackson, el montaje. Si ya en las cintas de orcos y elfos, a pesar de que les tengo cierto aprecio, me hacía maldecir a diestro y siniestro con un horroroso montaje y un reiterado y pocas veces justificado uso del ralentí, aquí en “The lovely bones“, volvemos a las andadas de la también insufrible “King kong” en cuanto al montaje torpe demostrando una vez más que el montaje no es su fuerte. Dos ejemplos claros de su torpe montaje lo tenemos en dos momentos clave en la trama: la del asesinato de la niña (con un juego de acciones paralelas realmente poco acertado) y la de cuando el asesino intenta tirar la caja fuerte con los restos al vertedero (interminable escena, con una serie de flashbacks horrendos y una cámara lenta que produce como mínimo salpullido).
Lo curioso del caso es que la película no comienza del todo mal, con una voz en off de una niña que cuenta su historia una vez muerta. El problema es cómo se desarrolla todo. Jamás te crees las situaciones, los personajes, las reacciones de éstos o lo que les motiva a hacerlo. Como decía anteriormente, la historia tenía su potencial, independientemente de que la novela sea otro truño ñoño (que no lo sé), pero creo que Jackson podría haber hecho mucho más con este material. De hecho, estoy totalmente de acuerdo con lo que dice en cuanto a las adaptaciones literarias, “es imposible hacer la adaptación perfecta“. En la trilogía anillesca, salió bastante airoso del tema, comiéndose personajes y pasajes, pero era algo lógico e inevitable. En el caso de “The lovely bones“, no lo sé, pero me da a mi que ha suavizado mucho los temas espinosos que se tocan en la trama.
Pero bueno, no quiero acabar la crítica sin destacar ciertas escenas que si me han gustado. Básicamente serían la mayoría de escenas en las que un sensacional Stanley Tucci aparece, sobre todo aquellas filmadas con la cámara “pintalabios” (llegando a su momento álgido cuando es entrevistado por el personaje de Michael Imperioli y se ven entre los pequeños orificios de la casa en miniatura). La escena del asesinato, podría haber dado mucho de sí, pero como comento anteriormente, Jackson suaviza en demasía y además, mete ahí con calzador un montaje con acciones paralelas que únicamente consiguen cargarse parte del suspense y del ritmo.
Sobre el trabajo de los actores, en general bastante bien aunque mejorable. Mark Wahlberg se pasa medio metraje con cara de estreñido, poco creíble, Rachel Weisz poco puede hacer con un personaje tremendamente mal construido y posiblemente recortado en la sala de montaje, Stanley Tucci está excelente aunque demasiado caracterizado para mi gusto (dientes postizos, gafas setenteras, pelo teñido, lentillas,..), Saoirse Ronan lleva como puede a un personaje tan cansino como el suyo y Susan Sarandon iba con un par de copas de más.
Vista en perspectiva, la película adolece de falta de ritmo y constancia, en gran parte por culpa de cualquier escena en ese limbo entre la el cielo y la tierra. Escenas que han debido de poner a Jackson y a Weta Digital pero que al resto de los mortales no traen sin cuidado.
La ecuación que propone el film está más anticuada que las Mama Chicho: zona residencial media americana, familia numerosa super feliz, niña rubia maja a las puertas de la adolescencia y vecino zumbado que se obsesiona con ella. El resto, ya os lo podéis imaginar: lágrimas de cocodrilo, mundos de Yupi e infinita pretenciosidad.
“The lovely bones” es un film que no funciona ni como drama ni como thriller, que se enreda en mundos teletubbiescos en vez de ser un film adulto sobre la pérdida y sobre el más allá, que jamás respeta la inteligencia del espectador, que intenta emocionar bajo la manipulación, que peca de sensiblería y cursilería, dando como resultado final una obra que se mueve entre lo irregular, pasteloso y lo infinitamente ñoño y que contiene uno de los peores finales que un servidor haya tenido que soportar. Un telefilm caro, edulcorado, con un montaje de juzgado de guardia, con música de anuncio de colonia barata (el momento Song to the Siren es de vergüenza ajena) y lo peor de todo, pretencioso hasta decir basta. Sólo para días en extremo melancólicos o para masocas del CGI.
[1] Recordemos que era un papel pensado para Ryan Gosling, el cual casi a punto para empezar a rodar, desestimó el asunto al no verse como padre de una niña de 14 años.
Entre el 12 y el 23 de mayo se concentrará todo el glamour del mundo del cine en la localidad de Cannes. La nueva versión de “Robin Hood” de Ridley Scott (ay que miedo me da) será la cinta encargada de inaugurar el certámen, y finalmente “You will meet a dark tall stranger“, lo nuevo de Woody Allen, se presentara fuera de competición y cerrará esta 63ª edición.
De entre las que compiten a la Palma de oro, nos encontramos desde cineastas ilustres hasta cineastas inflados hasta decir basta por cierto sector de la crítica. Eso si, ni una sola película española y como siempre, con dosis generosas de cine asiático. Siguen apostando por nuevas miradas como el cine rumano o el ruso. En cuanto al horroroso cartel de este año, sin comentarios.
Os dejo con la lista de films de esta edición:
EN COMPETICIÓN:
“Another Year“, Mike Leigh
“Biutiful“, Alejandro Gonzalez Inarritu
“Burnt by the Sun 2“, Nikita Mikhalkov
“Certified Copy“, Abbas Kiarostami
“Fair Game“, Doug Liman
“Hors-la-loi“, Rachid Bouchareb
“The Housemaid“, Im Sang-soo
“La nostra vita“, Daniele Luchetti
“La Princesse de Montpensier“, Bertrand Tavernier
“Of Gods and Men“, Xavier Beauvois
“Outrage“, Takeshi Kitano
“Poetry“, Lee Chang-dong
“A Screaming Man“, Mahamat-Saleh Haroun
“Tournee“, Mathieu Amalric
“Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives“, Apichatpong Weerasethakul
“You, My Joy“, Sergey Loznitsa
UN CERTAIN REGARD:
“Adrienn Pal“, Agnes Kocsis
“Aurora“, Cristi Puiu
“Blue Valentine“, Derek Cianfrance
“Chatroom“, Hideo Nakata
“Chongqing Blues“, Wang Xiaoshuai
“The City Below“, Christoph Hochhausler
“Film Socialisme“, Jean-Luc Godard
“Ha Ha Ha“, Hong Sang-soo
“Les Amours imaginaires“, Xavier Dolan
“Life Above All“, Oliver Schmitz
“Los labios“, Santiago Loza
“Octubre“, Daniel Vega
“Qu’est-il arrive a Simon Werner?“, Fabrice Gobert
“Rebecca H.“, Lodge Kerrigan
“R U There“, David Verbeek
“The Strange Case of Angelica“, Manoel de Oliveira
“Tuesday, After Christmas“, Radu Muntean
“Udaan“, Vikramaditya Motwane
FUERA DE COMPETICIÓN:
“Robin Hood“, Riddley Scott
“Tamara Drewe“, Stephen Frears
“Wall Street: el dinero nunca duerme“, Oliver Stone
“You Will Meet a Tall Dark Stranger“, Woody Allen
PASES DE MEDIANOCHE:
“Kaboom“, Gregg Araki
“L’autre monde“, Gilles Marchand
PASES ESPECIALES:
“Abel“, Diego Luna
“Chantrapas“, Otar Iosseliani
“Draquila L’Italia che trema“, Sabina Guzzanti
“Inside Job“, Charles Ferguson
“Nostalgia de la luz“, Patricio Guzman
“Over Your Cities Grass Will Grow“, Sophie Fiennes
Todos sabréis que la triogía de “El señor de los anillos” ha sido editada hace nada en alta definición en su theatrical cut, y todo apuntaba a que sería un lanzamiento de referencia audiovisual dentro del formato azul. Bien, pues la sorpresa ha llegado tras ver unas cuantas capturas del blu-ray americano, cuyo máster será identico en las ediciones patrias de Aurum, ya que la imagen se muestra borrosa, con una falta de definición galopante y que más bien parece propia de un dvd reescalado que no de un blu-ray con calidad 1080p. Algo que resulta doblemente insultante tratándose de una saga bastante reciente. Es más, las ediciones extendidas en dvd diría que alcanzan niveles más óptimos que éstos.
Tras ver no hace mucho la irregular “The lovely bones” (2009), de la cual tendréis crítica prontito, solo me faltaba esto para enviar a tomar viento al señor Peter Jackson. Esperemos que al menos las ediciones extendidas si tengan una imagen acorde a los tiempos que corren. Se dice que Jackson trabaja en las conversiones al 3D de la saga y sinceramente, me parece muy bien que quiera seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro, él sabrá, pero estaría bien que no dejara de lado la supervisión de sus productos y trabajara en ediciones con un mínimo de condiciones. Hasta ahora lo había hecho, pero ¡qué fácil es intentar engañar al consumidor!. Los usuarios curtidos ya estamos hasta las narices de estas tomaduras de pelo. Sin lugar a dudas, otro “caso Gladiator”.
Aquí os dejo unas cuantas capturas para que podáis comprobarlo con vuestros propios ojos:
Muy en la línea de la posterior “Frenesí” (1972) aunque sin llegar a su incuestionable calidad, este film de Hitchcock es sin duda uno de los títulos más violentos (y olvidados) dentro de su filmografía. Aquí nos encontramos a un Hitchcock sin Herrmann acompañando sus escenas -aunque existe una BSO no oficial del compositor para este film-, sin la elegancia de los personas de otras propuestas y con una pareja que sinceramente poca química tenía (Newmann y Julie Andrews).
Eso si, “Cortina rasgada” (1966) tiene una de mis escenas favoritas del maestro del suspense. El film ofrece una escena de asesinato dotada de una tremenda fisicidad (por momentos parece casi bressoniana) y que personalmente me recuerda a la posterior “No matarás” (Krzysztof Kieslowski, 1988), en cuanto a mostrar en imágenes la dificultad que conlleva asesinar a alguien. Hitchcock que venía del cine mudo, siempre ha contado más con imágenes que con palabras y he aquí un ejemplo. Una primera parte de la secuencia en donde el diálogo marca el ritmo y la pauta (que seguro que le encanta a Quentin Tarantino) para entrar posteriormente en otra parte practicamente muda y física.
En esta escena también vemos como el cineasta inglés -sin enfatizarla musicalmente- controla eficazmente la tensión y el ritmo in crescendo con un acabado simplemente perfecto y con un montaje de aupa. Espero que la disfrutéis:
Al fin tenemos trailer de “Splice“, lo último del director de las magníficas “Cube” (1997), “Nothing” (2003) o “Cypher” (2002), el canadiense Vincenzo Natali. “Splice” aborda el tema de la evolución inducida de la especie. Adrian Brody y Sarah Polley son una pareja de científicos que logran una nueva raza híbrida, en principio inofensiva, pero que pronto desarrolla rasgos de depredación, incluso sexual. Una monster movie atípica, con ecos de “Mimic” (Guillermo del Toro, 1997) o “Species” (Roger Donaldson, 1995), pero que sorprende por el excelente uso de los efectos especiales y por las inesperadas ramificaciones de la trama.
Todavía no he podido difrutarla pero gente de confianza cinéfila me dijo en su momento que fue una de las propuestas más interesantes del Sitges pasado. Esperemos que así sea, porque tiene una pinta estupenda.
Si pulsáis sobre la imagen, podréis ver el trailer.
Tras la estupenda “Destino Final 2” (2003), la marcianada “Serpientes en el avión” (2006) y su aceptable incursión en el 3D en la última parte de la franquícia mortífera titulada “The final destination” (2009), todo apunta a que el bueno de Richard R. Ellis repetirá con esta tecnología en “Shark Night 3D“, una cinta de tiburones con jovenzuelos de almuerzo.
Jesse Studenberg y Will Hayes han escrito el guión del film, el cual será rodado este mismo verano en Louisiana. Como productores de la película tenemos a Mike Fleiss, Chris Briggs y Lynette Howell, algunos de los cuales ya fueron responsables de entre otras “Hostel” (Eli Roth, 2005) o “La matanza de Texas” (Marcus Nispel, 2004).
Sabiendo como se las gasta David R. Ellis, la cosa promete y mucho, ya que pinta a película de terror acuática con altas dosis de hemoglobina, regustillo a serie B y con generosas dosis de humor negro, como no. Esperemos que salga algo más decente que la lamentable “Deep blue sea” (Renny Harlin, 1999), el último acercamiento cinematográfico al escuelo sino recuerdo mal. Y no solo el cinéfilo vive de tiburones asesinos, pues recordemos que este mismo verano se estrena en salas la versión en 3D de la mítica “Piraña” dirigida por Alexandre Aja, uno de los cineastas con más talento dentro del género de terror. Este verano, nos pondremos las gafas y el flotador.
“Mis producciones siempre tienen aspectos filosóficos. El más importante es que tenemos que unirnos todos para luchar contra un enemigo común. Como raza, corremos el peligro de destruirnos a nosotros mismos, y mis películas son un aviso contra eso.
Aquí me interesaba mucho la combinación de la gente que sabe que el mundo se acaba y la que no lo sabe. La película tiene muchas discusiones intelectuales.”
Roland Emmerich
Siglos atrás, los mayas nos dejaron un calendario, con una fecha que predecía claramente el final y todo lo que ello conlleva. Desde entonces, los astrólogos la han descubierto, los numerólogos han encontrado las pautas que la predicen, los geólogos dicen que la tierra tiene los días contados; incluso los científicos de los gobiernos no pueden negar el cataclismo de proporciones épicas que espera a la tierra en 2012. La profecía que comenzó con los mayas ha sido ahora contada, discutida, desglosada y examinada por ciertos sectores, en el del cine con resultados cuanto menos mediocres.
El Dr. Adrian Helmsley (Chiwetel Ejiofor), que forma parte de un equipo de geofísicos a nivel mundial que investiga el efecto sobre la Tierra de la radiación sin precedentes de las tormentas solares, se entera de que el núcleo de la Tierra se está calentando. Visto lo alarmante de la situación, el presidente de EEUU Thomas Wilson (Danny Glover) es informado de que la corteza de la tierra se está volviendo inestable y que ello conllevará una catástrofe natural a nivel mundial, por lo que deberá iniciar los preparativos para poder salvar al menos a una fracción de la población. Al mismo tiempo, el escritor Curtis Jackson (John Cusack), tropieza con la misma información. Mientras los líderes del mundo compiten por construir “arcas” para escapar del cataclismo inminente, Curtis lucha por encontrar una manera de salvar a su familia. A la vez, las erupciones volcánicas y los terremotos sin precedentes causan estragos por todo el mundo.
Roland Emmerich, aquel pequeño director alemán fanático de la sci-fi, sigue empeñado en destruir el mundo en sus infumables películas y en crear la madre de todas las catástrofes. Si ya en “Independence Day” agotó los recursos alienígenas metiendo un virus en su sistema (sic) y en “El día de mañana” hizo su versión de “Ice Age” en carne y hueso con Donnie Darko en el reparto, en “2012” el alemán contraataca con otra de destrucción masiva con explosiones, maremotos y terremotos a doquier. Vamos, de todo un poco.
Para ser buen degustador del cine de catástrofes nunca ha sido necesario ser un tipo extremadamente exigente, pero una cosa es permitir ciertas licencias y otra muy diferente es aguantar tostones de 160 minutos en donde impera cualquier cosa menos la lógica. Y eso es lo que ofrece “2012“, un perfecto fast-film que en vez de ser algo tremendamente divertido y dinámico, sin concesiones a la galería, resulta ser un tostón de padre y muy señor mío, que acude en exceso al deus ex machina para solucionar los mil y un conflictos que se producen (tiene delito cómo son rescatados en la nieve) y que cuyo mayor atractivo reside en los efectos especiales (obviando los bochornosos FX del final) y en Charlie Frost (Woody Harrelson) encarnando a un “loco de la colina” (nunca mejor dicho), erigiéndose como el único personaje del film que jamás se toma en serio esta fiesta destructiva.
Dejando de lado su evidente falta de pretensiones, si hay una cosa imperdonable en “2012“, no es su cenutrio guión, sino el aburrimiento tremendo al que somete a los espectadores. A un film de estas características y más sabiendo de quién viene, jamás se le demanda una extrema profundidad pero si un mínimo calado emocional (siempre sin excederse), unos personajes algo carismáticos y un buen ritmo. Nada de eso se encuentra en esta película, ya que independientemente de su acertada superficialidad impuesta y de sus FX, no oculta sus carencias y sus detalles de cara a la galería, como su desacertado patriotismo.
Y si el film aburre, gran parte de culpa la tiene su dilatada duración, excesiva en todos los sentidos. Soy de los que siempre he pensado que una buena cinta de este subgénero debería ser muy directa, sin demasiadas contemplaciones y con una buena finalización. Nunca he entendido porque este tipo de cine siempre pasa de las dos horas, de forma pocas veces justificada.
Aunque Emmerich apunte que su film es “una reinvención de un pasaje bíblico” e intente en las entrevistas parecer que ha hecho un film comprometido y ecologista (de forma claramente oportunista), lo cierto es que nos encontramos una cinta terriblemente desaprovechada y mal enfocada. Como en algunos films anteriores de Emmerich, el punto de partida no es malo, de hecho se queda como lo más interesante de la trama pero poco a poco se va desinflando, rellenando el film con escenas claramente recortables y momentos poco creíbles. Ojo, no penséis que esperaba una cinta profunda y austera, pero tampoco esto. Ya se sabe, en tiempos de crisis, Hollywood siempre recurre a este tipo de cine de evasión, cine que amplifica la realidad llevándolo todo hasta el más puro extremo. Vamos, cine alimentício para actores de talento (y sino ver el cast de muchos films de Michael Bay y compañía) y cine que arrasa en taquilla hasta decir basta.
Justamente donde destaca más la película es cuando se olvida de los pesados y ¿necesarios? prolegómenos (una vez pasada la explicación del meollo) y se mete de lleno en la acción pura y dura, en la mutación del planeta y en las consecuencias. Por tanto, esto me lleva a decir, que lo único potable de toda la cinta es la parte de la huida de Los Ángeles (aunque el trayecto en coche y posteriormente en avión sea cualquier cosa menos creíble), con un ritmo absolutamente demencial y frenético, en donde además se dan cita los efectos visuales más logrados de toda la cinta. En cuanto a los personajes, debo decir que pocas veces he visto unos personajes tan estereotipados y tan desdibujados. Todo ello queda patente sobre todo en el caso del personaje de Oliver Platt, que de lo estereotipado, manido y mal construido que está me recordó al malvado personaje de Giovanni Ribisi en “Avatar” (2009), que ya es decir…
Lejos de suponer un acercamiento serio y científico entorno al calentamiento del planeta, lejos de ser cine de acción y aventuras honesto y de calidad, “2012” es el paradigma perfecto del fast-film actual que en cambio de apostar por algo tremendamente divertido y dinámico, sin concesiones a la galería, se queda en un tostón de padre y muy señor mío, que acude en exceso al deus ex machina para solucionar los mil y un conflictos que se producen y que cuyo mayor atractivo reside en los efectos especiales (obviando los bochornosos FX del final) y en Charlie Frost (Woody Harrelson) encarnando a un “loco de la colina” (nunca mejor dicho), erigiéndose como el único personaje del film que jamás se toma en serio esta fiesta destructiva. Sólo digerible si se acompaña con un buen bowl de palomitas.
Vomitiva.
Se deja ver pero allá usted.
Decente tirando a buena.
Muy buena.
Obra maestra.
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