He leído en varios blogs que el ministerio de cultura desde el pasado día 18 han puesto una nueva calificación por edades para las películas estrenadas y distribuidas en España, tanto en cine como en vídeo.

Acercándose al modelo inglés o incluso al americano, se han incrementado las diversas categorías intermedias, y se han añadido otras que endurecen, bajo mi punto de vista, en demasía. El propósito está claro, proteger a los menores de contenidos audiovisuales impropios para su edad, pero ¿es realmente efectivo?. Evidentemente no.

Tras el lamentable caso de “Saw VI“, -no por el hecho de que la cinta americana mereciese mis aplausos (de hecho considero a la saga un cine de lo más enfermo) pero opino que debería haberse estrenado, otorgando al espectador su derecho a elegir por sí mismo-, se crea un precedente peligroso y que posiblemente en el futuro más de un disgusto nos va a ocasionar a los fans del cine de terror.

Y a lo que iba, ¿quién hoy en día en España mira la calificación por edades antes de ir a ver una película?. Realmente nos importa tres pepinos, porque nunca nos niegan la entrada y porque queremos disfrutar de la película sin más. Espero que nunca lleguemos hasta el punto de presentar dni’s en la puerta de un cine. Sería verdaderamente lamentable.

Las calificaciones quedan así:

– Especialmente recomendada para la infancia.
– Para todos los públicos.
– No recomendada para menores de siete años.
– No recomendada para menores de trece años.
– No recomendada para menores de dieciocho años.
– Clasificada X prohibido el acceso a menores de dieciocho años.

En cuanto a los logos de las calificaciones, ¿pueden ser más cutres?.

Todavía recuerdo cuando fui a ver al cine “T2: El día del juicio final“, película violenta como la que más según autoridades, y yo, con 11 añitos la disfruté como un enano. En vez de esto, lo que deberían hacer es bajar de una santa vez los precios de los blu-rays, que aquí cuestan el doble que en amazon.

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Dentro del mundillo de los spots publicitarios, el cineasta Hadi Shuaid se ha ganado merecidamente un lugar destacado, por un lado por su refinado gusto a la hora de dar forma a sus pequeñas creaciones y por otro por su larga trayectoria en este ámbito (ha realizado más de cien anuncios publicitarios para clientes como IKEA, Mercedes, MasterCard, Audi, Aids Foundation, Seat, Nokia, Magic FM o MTV).

Su enfoque inimitable combina la pasión por la narración clásica, una mirada cuidadosa, una puesta en escena y una composición trabajada, una elaboración reflexiva y una creencia en la traducción de ideas en la pantalla mediante el poder de la imagen. Normalmente, Hadi ha trabajado para marcas de alto standing, lo cual debido a la potencia de la marca (marcas que ya no necesitan venderse), le ha permitido un espacio libre para la creatividad, pues muchos commercials no necesitan ser exclusivamente anuncios para vender algo concreto sin más, dejan aire para las ideas.

Hadi es un director que siempre se esfuerza para crear una pieza única y atractiva, buscando una idea poderosa como núcleo del spot, una mirada imaginativa y una construcción inteligente.

Os dejo con el spot que hizo para Mastercard “Sleepers“. Un spot con una factura excelente y en donde describe visualmente lo realmente significativo en la vida, lejos de cualquier fortuna u opulencia. La vida transcurre nunca para (trenes, bicis, etc), vives, transitas, haces viajes de novios, vas a conciertos, compras cosas a tus hijos y vives una vida junto a tus seres queridos. ¿Cuál es el precio de la felicidad?. Una maravilla.

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Cometí el error de dejarme llevar por la reacción de los medios y el público ante la película, la experiencia me ha demostrado posteriormente que ninguna de las películas que estreno tiene que ver con ninguno de mis trabajos anteriores.

Me lo pregunto todo el tiempo y es una idea que siempre está en mi cabeza. El otro día volvía a preguntármelo, ¿debería hacer “El Protegido 2“?. Aun sigo pensando al respecto y me pregunto si ya es demasiado tarde.
M. Night Shyamalan

Es bien sabido que “El protegido” (2000) nació inicialmente como parte de una trilogía entorno a la creación de un superhéroe y de un villano, tal cual como los cómics de la Marvel pero llevándolo al terreno de la cotidianidad con regusto fantástico. En su día se dijo que Shyamalan quería hacer secuelas para continuar con esa historia, desarrollarla hasta alcanzar el cénit final en la tercera parte. La segunda parte de entonces narraba cómo Elijah Price (Samuel L. Jackson) se escapaba de la institución mental en la que había sido encerrado, cómo reincidía en el delito y cómo era perseguido por David Dunn (Bruce Willis). No sé sabe mucho más al respecto.

Tristemente, el resultado en taquilla de la cinta protagonizada por Bruce Willis fue satisfactorio, pero no un bombazo como si lo había sido su anterior film “El sexto sentido” (1999), lo cual hizo que la Disney no viera con tan buenos ojos continuar con dicha historia, y el hindú se decidiera por preparar algo diferente (la excelente “Señales” (2002)), dejando aparcado el proyecto. Sin embargo, independientemente de la taquilla, cabe decir que Shyamalan nos regaló una obra maestra absoluta, toda una radiografía de un superhéroe imperfecto, una película sublime en contenido y forma.

Vista la calidad de la película, para mi gusto, perfecta, no sé si realmente aportará ahora hacer una precuela sobre ella, que es lo que apuntan todos los rumores. Básicamente, porque ya en el primer film estaban los flashbacks que resumían la infancia (al menos la del personaje de Samuel L. Jackson, cuyo pasado es sin duda el más interesante) y algún tramo de juventud (en el caso de Bruce Willis). Lo único que no hemos visto detalladamente es el accidente en la piscina de David Dunn (Bruce Willis) cuando era niño y cómo preparaba los atentados Elijah Price (Samuel L. Jackson), pero vamos, casi que preferiría una continuación con nuevas ideas a una precuela.

Aún así, estando detrás de las cámaras Shyamalan y supuestamente contando con el mismo equipo técnico que la primera parte (o con otro igual de eficaz), el resultado será como mínimo interesante. Pues me incluyo en el grupo de cinéfilos que adoramos el trabajo del cineasta hindú (aunque también le criticamos cuando lo merece, por ejemplo en la justita “La joven del agua” (2006)).

El trailer de “The last airbender” -próxima película del director- me da mal rollo, la veo muy comercial y muy saltimbanqui, aunque confío en que Night Shyamalan ofrezca algo decente. En cuanto a los rumores sobre “El protegido“, espero que en breve sean oficiales, pues es una de mis películas favoritas

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Para los no aventajados en el inglés que no puedan disfrutar de las impecables ediciones de Criterion, es una auténtica suerte que compañías como Studio Canal edite grandes joyas del cine con tanto mimo (una imagen restaurada, un packaging con un acabado inmejorable y unos extras brutales).

Os dejo una magnífica promo sobre los títulos de Studio Canal en Blu-ray, con alguna que otra novedad. Espero que aquí acaben editando algunas películas que no se sabe porqué -supongo que por tema de derechos- no han visto la luz por estos lares, casos de “Senso” de Visconti, “El honor perdido de Katharina Blum” de Schlöndorff o “El año pasado en Marienbad” de Resnais (aquí tiene los derechos Cameo). De las novedades próximas, a parte de las dos pelis de Godard y las cintas británicas, las cuales sí están confirmadas, no se sabe todavía que pasará aquí con “Mulholland Drive” de Lynch (desconozco si Manga Films todavía conserva los derechos) y “El tercer hombre” de Reed (en este caso lo veo muy complicado, porque Suevia Films ya la ha editado en blu-ray).

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“Matrix” supuso un soplo de aire fresco para la ciencia-ficción de finales de los 90. Un film que bebe claramente de la cultura cyberpunk de cintas como “Ghost in the shell” (sobre todo en el apartado visual), que combina mito, religión, filosofía y artes marciales a partes iguales y con resultados sorprendentes, cuyo mayor acierto radica en saber dosificar a la perfección dichas temáticas, no como pasaría en las secuelas en donde la acción tenía un mayor peso lastrando el resto.

A sabiendas de lo difícil que es elegir una escena entre todas, me quedo con una en la que Morfeo le explica a Neo en qué consiste “Matrix”, el terrorífico papel del hombre en la sociedad (con claros ecos a “Un mundo feliz” o “1984″) y cómo es el mundo real. Una maravilla. Disfrutarla.

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Cuando vienen unos premios de la academia (ya sea la española o la yanqui) es inevitable pensar en las ausencias y las injustícias, pero por una vez vamos a dejar de lado eso, y centrémonos en lo que dio de sí la gala.

En esta ocasión, fue presentada por el humorista catalán Andreu Buenafuente, que en algunos momentos estuvo acertado y en otros no tanto, pero que en el fondo se mostró muy descafeinado, con un discurso muy light, algo edulcorado y poco ácido. Durante la gala pocas carcajadas consiguió arrancar, sinceramente.

Como pasa en este tipo de eventos, hacia el final la gala se hizo un poco larga, aunque mucho menos que en años anteriores, en buena parte por quitar la publicidad y algunos sketches musicales o humorísticos de años pasados que lo único que lograban era cortar el ritmo de ésta.

En la gala hubo tres momentos culminantes: El discurso de Álex de la iglesia, el goya entregado a Antonio Mercero y la reconciliación de Almodóvar con la Academia. El discurso del presidente fue directo, humilde y verdaderamente honesto. Sin usar un léxico rebuscado ni cosas por el estilo, De la iglesia puso los puntos sobre las íes, mostrándose crítico (en el buen sentido) con su gremio y recordando quienes realmente son: trabajadores. A la vez hizo un llamamiento a las autoridades para ayudar y apoyar el cine español y de paso denunciar la falta de oportunidades de tantos y tantos cineastas en España. Era la nota de denuncia que necesitaba la gala, entre tanta fiesta y premio. Fue un discurso para ratificar que en España existe el talento, le pese a quien le pese, y deben dejar florecer ese talento y promoverlo. Un discurso en busca de la humildad y el entusiasmo para seguir haciendo buen cine. Para mi gusto, el mejor presidente que ha tenido la Academia en años, un tipo que no solo sabe de cine sino que resulta sumamente cercano y cálido con los de su gremio.

El goya honorífico entregado a Antonio Mercero fue el momento más emotivo de la noche, sin lugar a dudas. El cineasta que no pudo asistir a la gala por estar enfermo de Alzheimer, recibió en su casa de manos de Álex De la iglesia el ansiado premio. Álex le dedicó el premio con un discurso cálido y sincero hacia él. Un Goya bien merecido para uno de los cineastas más importantes de la televisión española.

La vuelta a los premios Goya de Pedro Almódovar fue toda una sorpresa y consiguió que los asistentes a la gala acabaran levantándose de sus butacas con un interminable aplauso. Almodóvar con su característica labia, explicó el plan de De la iglesia por sorprenderlos a todos y el camino de éste hasta conseguir que aceptarse la propuesta. Volvía Almodóvar y encima para dar el premio más importante de la noche. Otra gran decisión de Álex De la iglesia.

Del resto de la gala me gustó también el regreso momentáneo de Rosa María Sardà (la mejor presentadora que ha tenido estos premios), que “Celda 211” haya triunfado como la gran película que es -goyas cantados para Luis Tosar y Daniel Monzón-, que Xavi Giménez -uno de los mejores directores de fotografía de este país- al fin se haya llevado el goya a la mejor fotografía, que “Ágora” haya conseguido merecidamente los premios a mejor dirección artística, mejor maquillaje y Peluquería y mejor diseño de Vestuario, que Alberto Iglesias se lleve su enésimo goya por su magnífico score de “Los abrazos rotos“, que “La Dama y la Muerte” ganara a mejor cortometraje de animación y que “El secreto de sus ojos” se llevara dos mercecidos goyas (magnífico film de Campanella con una Soledad Villamil inolvidable).

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Si hablamos de cine tailandés seguramente los primeros nombres que nos vengan a la cabeza sean Pen-Ek Ratanaruang, Apichatpong Weerasethakul o los hermanos Pang, pero desde ya hace unos cuantos años el cine de artes marciales tailandés ha ofrecido cintas la mar de interesantes, reinvindicando un lugar destacado dentro del cine de acción marcial contemporáneo.

Podríamos decir que desde la estimable “Ong Bak” (2003), el cine tailandés de artes marciales está de moda, consiguiendo estreno a nivel internacional para muchas de estas películas, la mayoría protagonizadas por el incombustible Tony Jaa, para muchos el sucesor natural de Bruce Lee, o si se quiere, la respuesta tailandesa a Jackie Chan. El dúo Prachya Pinkaew (director) -Tony Jaa (actor) ha dado frutos realmente interesantes, siendo responsables de este resurgimiento, que unido a unas coreografías imposibles, hacen de estas cintas todo un espectáculo visual.

Evidentemente, no estamos hablamos de películas ejemplares en cuanto a argumento o guión, o films que busquen algo más que el puro entretenimiento (ya que son más bien vacuas), lo que no quita que destaquen en labores de realización, con algún que otro plano secuencia fabuloso.

Luc Besson -mediocre director donde los haya- apadrinó para Europa algunas de estas cintas, remontándolas, quitando metraje y cambiando la soundtrack de la película original por otra más occidentalizada (pasando del techno-thai al hip-hop (sic)) con un resultado verdaderamente insultante. Suerte que podemos acceder a las versiones originales vía internet.

A continuación podréis ver un excelente plano secuencia de “Thai Dragon“. Una escena deudora de los videojuegos beat’em up.

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ACTUALIZACIÓN:
Cuatro, Fnac y Walt Disney Studios Home Entertainment te invitan a la inauguración en la Fnac L’Illa de Barcelona (Centro Comercial L’Illa. Av. Diagonal, 557) de Perdidos: La exposición, una muestra que recoge objetos originales utilizados en la serie y descubre los contenidos exclusivos en DVD de la quinta temporada, y que abrirá sus puertas exclusivamente para los medios el martes 23 de febrero de 12:00h a 14:00h.

La exposición estará abierta al público de Barcelona del 23 al 27 de febrero.

Fuente: Walt Disney Studios Home Entertainment

¡”Lost: la exposición” llega a tierras españolas!. La exposición cuenta con 29 piezas de museo que por primera vez salen de Estados Unidos para mostrarse al público.

La muestra estará en Madrid del 9 al 13 de febrero en FNAC Callao de Madrid, para despues viajar el 16 a FNAC Valencia y el 23 a FNAC Illa Barcelona. Una oportunidad única para disfutar de primera mano de estos objetos de la serie. Todo un regalo para los fans de Lost.

Os dejo con imágenes de “Lost: La Exposición” en Madrid:

Vista general.

Mono de operario Dharma.

Tarjeta de visita de Sun en Paik Industries.

Productos Dharma.

Más productos Dharma.

Concurso de carteles.

Cuatro en raya de cuando Hurley estaba en el manicomio.

Cómic de “Flash” de Walt.

Billete de John Locke vuelo Oceanic 815.

Botella de ron de Juliet.

Carta de Penny a Desmond.

Virgenes de la avioneta.

La carta de Sawyer.

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“El único medio de desembarazarse de una tentación es ceder a ella” (Lord Henry Wotton)


La historia nos traslada a finales del siglo XIX, en plena época victoriana, cuando un joven aristócrata heredero de una gran fortuna llamado Dorian Gray (Ben Barnes) a su llegada a Londres conoce al artista Basil Hallward (Ben Chaplin). Impresionado por la belleza física del joven, Basil pinta un retrato de éste, dando como resultado la mejor obra hasta la fecha del pintor.

Un día charlando con Basil, Dorian conoce a Lord Henry Wotton (Colin Firth), un amigo de Basil, y rápidamente se cautiva por la visión del mundo de Lord Henry llena de amoralidad y placer. Exponiendo un nuevo tipo de hedonismo, Lord Henry indica que “lo único que vale la pena en la vida es la belleza, y la satisfacción de los sentidos“.

Al darse cuenta de que un día su belleza se desvanecerá, Dorian permuta su alma por la juventud eterna, provocando -mediante una invocación- que sea el retrato realizado por Basil el que sufra el proceso natural del envejecimiento y no él.

Su búsqueda del placer lo lleva a una serie de actos de libertinaje y perversión, los cuales quedan reflejados en su retrato, como si fuera un recordatorio de los efectos de cada uno de los actos cometidos sobre su alma, y en donde cada pecado queda expuesto como una desfiguración de su rostro o a través de un signo de envejecimiento. Lo que en principio parecía un don, acabará convirtiéndose en una maldición eterna.

Influencias o adaptaciones de “El retrato de Dorian Gray” -una de las mayores obras maestras de Oscar Wilde- las hemos podido ver en multitud de medios ya sea escritos (obras de teatro, cómics), visuales (películas) o sonoros (algún tema de The Futurheads o la banda granadina llamada justamente “Dorian Gray”). Esta nueva versión, firmada por Oliver Parker, como era de esperar, no aporta absolutamente nada interesante a lo visto, quedándose más cerca de un blockbuster vacío que de un acercamiento serio a la obra de Wilde.

“El retrato de Dorian Gray” (2009) es una adaptación libre, no demasiado afortunada, que en ciertos aspectos resulta poco respetuosa con su homónima literaria. Mientras la novela ofrece una historia gótica de temática faustiana entorno al narcisismo de Dorian Gray, siendo a la vez un retrato oscuro y psicológico de éste y de paso una brutal crítica a la Inglaterra victoriana de entonces con su visión indulgente del hedonismo (con Lord Henry Wotton como máximo exponente de ello), la película se queda en algo puramente superficial, cine masticado para nuevas generaciones, desaprovechando una texto tremendamente profundo y de gran valor crítico.

Y es que dista en exceso de la memorable obra del autor irlandés, no solo en su inicio sino también en su cuerpo y desenlace. Más que una adaptación, la obra de Wilde parece la excusa para dar forma a un nuevo animal cinematográfico con más carencias que aciertos. Una versión simplificada del original literario.

Intentando olvidar el hecho de que sea una adaptación, tratándola solo desde el prisma cinematográfico, tampoco consigue salvarse de la quema. Oliver Parker ofrece un producto – obviando vestuario y localizaciones interoriores- poco trabajado, divido en dos claras partes diferenciadas (siendo la segunda mitad, tras esa elipsis temporal, la más nefasta e inconexa) y aparte de los odiosos ralentís, nos obsequia con gratuitas escenas de sexo -con unos horrorosos encadenados en las escenas eróticas- y ketchup que no vienen a cuento. Sobre ese final tan horrendo, mejor no comento nada para no herir sensibilidades. Un cineasta que parece más preocupado en dirigir un largometraje que busca el morbo fácil y una historia masticada, que no en hacer una película digna de mención.

Nada más iniciarse el film, podemos comprobar dos cosas que nos acompañarán durante el resto del metraje: un actor verdaderamente inexpresivo (Ben Barnes) encarnando un papel tan rico en matices como el de Dorian Gray y por otro lado, una ambientación del londres victoriano verdaderamente deplorable (esa horrible panorámica inicial), con unos FX de juzgado de guardia, dejando palpable un ajustado presupuesto en la producción. El film refleja la vida de la alta sociedad londinense por encima, de forma todo muy superficial, cuidando más los interiores que los exteriores, en donde se hace más patente el mediocre trabajo de CGI. Siempre he creído que los mejores trucajes son aquellos que no se notan, jugando inteligentemente con lo que se puede hacer dentro de las posibilidades.

Siendos honestos, Ben Barnes, más conocido por los sectores juveniles como el príncipe Caspian, no da la talla. Un joven que entra dentro del perfil de “actor para adolescentes sin dotes especiales para la interpretación cuyo trabajo se mueve entre la inexpresividad y la sosería”. Vamos, de la misma escuela que Tom Welling, Ashton Kutcher y compañía.
Los diferentes estados que vive el Gray de la película (inocencia, enamoramiento, narcisimo, prepotencia, etc) nunca se ven reflejados en un cambio facial o corporal del actor. Tanto da si está enfadado o feliz, la sosería es la misma. Ni siquiera en la segunda mitad del film, que es donde se requiere más de él.

Como decía anteriormente, uno de los puntos flacos de la película es cómo presentan al personaje de Dorian Gray, con cuatro pinceladas y demasiado distante al original que era mucho más abstracto e interesante. Dista tanto que me lleva a afirmar que este Dorian Gray tiene casi más en común con el Patrick Bateman de “American Psycho” que con el propio personaje de Wilde, por sus delirios sexuales y su violencia. En el film parece más un inocente estúpido con infancia turbia, convertido (a base de obligación) en dandy prepotente siendo más influenciable que influyente.

Mejor parado sale Colin Firth como Lord Henry Wotton, a pesar del lamentable tratamiento de su personaje (jamás creíble y superponiendo su lado maquiavélico de rico ocioso a su ingenio y sus consejos), realiza una interpretación más que decente, demostrando una vez más el enorme talento que posee. Firth se merienda al resto del reparto -cosa no demasiado complicada- en el cual podemos encontrar también a un justito Ben Chaplin como Basil Hallward el pintor que crea el retrato, una fugaz Rebecca Hall y a Rachel Hurd-Wood (vista en la infravalorada “Solomon Kane” (2009)) como la prometida de Gray: Sybil Vane.

Hay dos cosas imperdonables en la adaptación de una obra maestra: no respetar las cualidades de ésta (el tratamiento de los personajes -sobre todo Gray y Lord Henry-, la ambientación, la crítica ácida a la Inglaterra victoriana con su visión indulgente del hedonismo, la eterna juventud, la monstruosidad de la belleza, el peso de la inmortalidad, etc…) y en caso de haber optado por hacer una adaptación libre, independiente de su original, no tener un discurso propio para ello. Por tanto, podríamos definir a “El retrato de Dorian Gray” como una descuidada cinta de target blockbusteriano, que permuta la calidad de la novela por el morbo, la torpeza y la apatía del film. Cine de entretenimiento masticado para nuevas generaciones.

En los tiempos de las clínicas de operaciones estéticas, la sobrevaloración de la belleza, la admiración de la juventud o el culto al cuerpo, todavía es de candente actualidad los temas que ponía encima de la mesa el sr.Oscar Wilde con esta enorme obra. Una obra atemporal e imperecedera. En cuanto al film.. mejor olvidarlo.

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Os dejo con el corto español que opta tanto al goya como al oscar al mejor cortometraje animado: “The lady and the reaper (La dama y la muerte)“. Toda una joya hecha por la compañía granadina Kandor Moon, producida por Antonio Banderas y dirigida por Javier Recio Gracia.

Cine mudo bien hecho. Espero que lo disfruteis.

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La vida del que fuera en la Francia de los años 70 el “enemigo público número uno“, Jacques Mesrine, fue llevada a la gran pantalla por Jean-François Richet (ganador del césar a mejor realizador) en dos entregas: “Instinto de muerte” (2008) y “El enemigo público número uno” (2008) con Vincent Cassel -excelente actor donde los haya- encarnando el rol principal. Aquí en España, que yo sepa, todavía estamos sin fecha de estreno.

Mesrine fue sin lugar a dudas, el más célebre y camaleónico de los gángsters de la historia policial francesa. Convertido en una leyenda, fue erigido por parte de la prensa gala como un símbolo de rebeldía contra el poder, como un héroe (o antihéroe) popular y cuya polémica muerte, abrió un debate político acerca del rol de la policía. Jacques Mesrine murió tiroteado por la policía (como Clyde Barrow) en una emboscada el 2 de noviembre de 1979, tras 18 meses de fuga.

Mientras que la primera parte del díptico se inspira en el libro “L’instinct de mort“, relato entre autobiografía y ficción, publicado por el propio Mesrine a finales de los años 70, relatando la juventud del gángster, autor de espectaculares asaltos y fugas, la segunda aborda la carrera criminal de Mesrine después de fugarse de la prisión hasta el brutal desenlace.

La labor de documentación por parte Abdel Raouf Dafri (co-guionista del film) sobre el criminal francés, investigando y acumulando documentos y testimonios de sus allegados, fue esencial para la calidad y veracidad del resultado final.

En el reparto se encuentran nombres como el citado Vincent Cassel, Cécile De France, Gerard Depardieu, Mathieu Amalric, Elena Anaya, Ludivine Sagnier y Samuel Le Bihan.

Os dejo con el trailer de UK de la primera parte, tiene buena pinta.

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Como viene siendo costumbre, llega febrero y se hacen públicas las nominaciones para los premios de la Academia. Premios que a veces premian la calidad y otras premian la taquilla (añadiendo películas independientes cercanas al telefilm para contentar a cierto sector pro Sundance). Pero si algo caracteriza a los oscars de los últimos años, es su poco afortunada selección de películas, cometiendo graves injustícias.

Es obvio que cualquier premio o puntuación de una obra es tan subjetivo como injusto en cierta manera, pero creo que en los últimos años (salvo con “No es país para viejos“) existe una tendencia a premiar a la que más marketing tenga detrás, o a la que más taquilla amase. Como también encuentro estúpido el hecho de que casi nunca premien películas estrenadas antes del otoño pasado, promoviendo el cine de las majors y apartando otro tipo de cine. Cada vez el listón del cine americano es más bajo, cada vez se cuelan más cintas tramposas y vacuas en las nominaciones y cada vez la Academia pilla más manía a grandes directores (Malick, Mann, Gibson, Shyamalan, etc..). Y cuando aparecen obras de calibre, de cineastas como Scorsese o Michael Mann que dan entidad y prestigio al cine norteamericano, o bien las retrasan condenándolas al ostracismo con estreno en fecha fuera de oscar (caso de “Shutter Island“) o bien las ningunean (caso de “Enemigos públicos“).

Nunca entenderé la manía que le tiene la Academia a Michael Mann. Un cineasta en plena madurez, capaz de hacer films de acción con una sobriedad abrumadora. Y no solo eso, el hecho de que no hayan nominado a “Enemigos públicos” ni tan siquiera a montaje ni a actriz secundaria (maravillosa Marion Cotillard), me parece de juzgado de guardia. Más ausencias destacadas son “Moon” (Sony no la presentó para los oscars, otro “acierto” de la compañía), “Dónde viven los monstruos” de Spike Jonze (inexplicable olvido), “Watchmen“, una cinta de lo más interesante que ni siquiera ha sido nominada a premios técnicos, y quizás la más sangrante: “(500) días juntos“, una comedia romántica inteligente, inusual para los tiempos que corren, y realmente conseguida, que ha sido totalmente ninguneada por la Academia. Otro olvidado ha sido Bruno Coulais y su magnífico score para “Coraline“, una cinta notable que se ha llevado poquitas nominaciones.

Resulta curioso ver qué cintas nomina la Academia y qué cintas ganan finalmente. Si el año pasado tuvimos que sufrir el éxito de “Slumdog millionaire“, más conocida por el menda como “el bodrio hindú de Boyle“, este año todo apunta a que la infumable “Avatar“, cine infantil en 3D que bien podría haber firmado un Lucas en horas bajas, se alzará con unos cuantos oscars, como ya lo hizo con los globos de oro. Sin comentarios.

Tampoco logro entender cómo han sido nominadas cintas telefilmescas como “Precious” (la “Pequeña miss Sunshine” de este año) o la insufrible “The Blind Side” con Sandra Bullock a la cabeza. Pero bueno, de entre las nominadas que haya visto, mis preferencias van con “Up” como film de animación, Haneke y su magnífica “La cinta blanca” y con “Malditos bastardos” de Quentin Tarantino, una película soberbia que, en caso de no ganar, el tiempo la pondrá en su sitio: el de las obras maestras.

Y hablando de tiempo y poner en su sitio,… ¿quién se acuerda de aquella horrible cinta ganadora de cuatro oscars titulada “Una mente maravillosa“?.

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Temporada 6ª y última de LOST, hoy premiere en ABC. El día más importante de la tele ya está aquí!

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