Me he quedado literalmente de piedra al enterarme de la triste notícia. Desaparece una de las productoras estadounidenses más importantes de los últimos años, nacida como emblema del cine más independiente y que, poco a poco, se traicionó a sí misma, llevando a cabo proyectos multimillonarios (a veces sinónimo de calidad y otras de no tanta), sobre todo desde que se hizo filial de la Disney. Miramax ha estado más de treinta años produciendo cine de todo tipo de géneros, aunque el drama ocupó un lugar predominante en su producción.

Poco a poco se fue convirtiendo en una de las compañías que más nominaciones y premios ha obtenido de los últimos años, en ocasiones apostando por un cine de nivel (Scorsese, Tarantino, Minguella, Field, Paul Thomas Anderson) y otras no tanto (Rodríguez, Marshall, Forster, Benigni, Madden).

Miramax siempre quedará como la compañía que dio a conocer a realizadores como Quentin Tarantino, Kevin Smith o -en menor medida- Anthony Minguella entre otros, dándoles una oportunidad y finaciación, pero como comentaré más adelante, no todo era tan bonito. Las colaboraciones con Dimension Films dieron películas inolvidables del género de terror/suspense, regalando cine simpático y sin grandes pretensiones con marcado aroma de serie B (casos de “The faculty” o “Mimic” entre otras), que homenajeaban clásicos y suponían un verdadero disfrute para un espectador sin demasiadas exigencias. Aunque, todo haya que decirlo, también hubo algún que otro bodrio como “Phantoms” o las secuelas de “Scream“, que aunque en aceptable clave autoparódica, no conseguían despertar mi interés.

Miramax, en parte por la insistencia de Quentin Tarantino (padrino en los USA de muchas de ellas), ha sido una compañía que ha apostado por la distribución en Estados Unidos de un cine quizás más minoritario como el asiático (o el europeo) distribuyendo películas como “Hero“, “Iron Monkey“, “Chungking Express“, “Versus“, “Infernal Affairs“, “Zatoichi“, “Shaolin Soccer” o “La princesa Mononoke“. Aunque en ocasiones les daba por hacer un remontaje de la peli (caso de “Zu Warriors” por poner un ejemplo) con el objetivo de occidentalizarla, cagándola sobremanera. Como decía anteriomente, los Weinstein no tienen ni puñetera idea de cine, lo dejaron bien claro en algunas decisiones que tomaron cuando estaban al frente de Miramax.

“El paciente inglés” (1996)

Los entonces jefazos de la compañía, los hermanos Weinstein, nunca fueron hermanitas de la caridad. Jamás se han caracterizado por su cultura cinematográfica (el buen gusto se educa) ni por su buen hacer en la producción. Ellos solo iban por dinero importándoles un pimiento la autoría del director en cuanto a su obra. Los citados hermanos consiguieron sacar de las casillas a un maestro como Martin Scorsese en “Gangs of New York” obligándole a renunciar al final cut (y dejando la película con una segunda mitad llena de tijeretazos cuando todo apuntaba a una obra maestra monumental) o a Quentin Tarantino, que le denegaron la opción de ofrecer “Kill Bill” en una película de larga duración, presionándole para que finalmente tomara la decisión de partirla en dos (lamentable decisión donde las haya, pero qué remedio), y de paso cobrar a la gente dos entradas para ver la misma película.

Los últimas grandes films que se hicieron bajo el sello Miramax eran coproducciones con majors (Paramount, Universal y otras), pues como Dreamworks, la empresa estaba al borde del abismo sin capital suficiente para poder llevar a cabo proyectos en solitario.

“Pulp Fiction” (1993)

Tristemente -en este caso no ha pasado como Dreamworks que ahora es filial de Paramount- con Miramax no se ha podido hacer nada y la crisis económica ha sido la gota que ha colmado el vaso. La marcha de los Weinstein creándose una compañía propia y el recorte de la Disney para las producciones anuales de la Miramax fueron metiendo más leña al fuego hasta perpretar dicha desaparición. Una pena. Quedará en el recuerdo de los aficionados para siempre, igual que otras productoras míticas desaparecidas como Carolco, Tristar u Orion Pictures.

Os dejo con un listado de películas Miramax remarcables para un servidor, algunas obras maestras y otras estimables cintas (es posible que me deje alguna):

- “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino
- “Smoke” de Wayne Wang & Paul Auster
- “El paciente inglés” de Anthony Minguella
- “En la habitación” de Todd Field
- “El talento de Mr Ripley” de Anthony Minguella
- “No es país para viejos” de Joel & Ethan Coen
- “Dead man” de Jim Jarmusch
- “Reservoir Dogs” de Quentin Tarantino
- “El cuervo” de Alex Proyas
- “Las normas de la casa de la sidra” de Lasse Hällstrom
- “El aviador” de Martin Scorsese
- “Secuestrando a la Srta. Tingle” de Kevin Williamson
- “Jackie Brown” de Quentin Tarantino
- “Las horas” de Stephen Daldry
- “Clerks” de Kevin Smith
- “Abierto hasta el amanecer” de Robert Rodríguez
- “Algo en común” de Zach Braff
- “Gangs of New York” de Martin Scorsese
- “El diario de Bridget Jones” de Sharon Maguire
- “Scream” de Wes Craven
- “Equilibrium” de Kurt Wimmer
- “The faculty” de Robert Rodríguez
- “Pozos de ambición” de Paul Thomas Anderson
- “Gerry” de Gus Van Sant
- “Kill Bill” Vol1 & Vol 2 de Quentin Tarantino
- “Persiguiendo a Amy” de Kevin Smith
- “Mimic” de Guillermo Del Toro
- “Beautiful Girls” de Ted Demme
- “Adventureland” de Greg Mottola
- “The lookout” de Scott Frank

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“Gattaca” es, sin lugar a dudas, una de las propuestas cinematográficas de ciencia-ficción más inolvidables de los últimos años, por su estética, por su humanismo, por sus trabajados personajes, por la sobriedad en que rueda las escenas Niccol (siendo su ópera prima), por la música inconmensurable de Michael Nyman y por ser un film que reúne a partes iguales reflexión y emoción.

Una película sobre la condición humana, sobre la deshumanización de una sociedad futura no tan lejana (la frialdad en la estética de los edificios es proporcional a la de las relaciones entre personas), sobre la autosuperación, el esfuerzo, la paciencia y la constancia de un hombre nacido de forma natural (Ethan Hawke) con aspiraciones superiores (las de hombres modificados genéticamente, los cuales al desconocer la adversidad, el concepto de esfuerzo es inexistente y por tanto no experimentan superación alguna).

Personajes que luchan por sus objetivos e ilusiones superándose diariamente (Hawke) y personajes rendidos (Jude Law) que, obligados por una lesión a jugar en una segunda división social, se resignan y prefieren renunciar al bien más preciado, porque en ellos el esfuerzo no es innato, no han nacido para demostrar nada o superar a nadie, siempre han sido los número uno y son incapaces de aceptar cualquier otra cosa.

Podría haber incluído el magnífico final del film, pero prefiero adjuntaros tres cortes de la película, las tres escenas del juego de “la gallina” entre los dos hermanos (Ethan Hawke y Loren Dean), en donde vemos el premio a la constancia y al espíritu de superación. La primera es cuando son niños, la segunda es cuando son jóvenes, la tercera es cuando Vincent (Hawke) está a punto de hacer realidad su sueño: viajar al espacio.

Un clásico contemporáneo. Un film sumamente minimalista, inteligente y redondo en todos los aspectos. Y porque no decirlo,.. una obra maestra cuyo visionado siempre enriquece y llena a cualquier espectador. No creo que haya mejor frase para resumir el film que el eslogan de su poster: “No hay gen para el espíritu humano“.

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Actualmente pocos films asiáticos (y en general) arrancan carcajadas a un servidor, ya sea por su humor de brocha gorda o por sus chistes de mal gusto, pero gracias a dios existen excepciones. Si hay un film que consigue unir comedia y romanticismo de forma extraordinaria, usando el manga como inspiración para hiperboleizar personajes y situaciones, a la vez que regalando secuencias realmente desternillantes es sin duda “My sassy girl” (2001).

Un film tremendamente dinámico, divertidísimo, repleto de buen humor absurdo y personajes de lo más interesante y canallescos, en donde tanto Tae-hyun Cha como Gianna Jun (los dos protagonistas principales) están fantásticos y entre ambos existe una química que resulta esencial para la película. A pesar de su parte final, que se olvida de todo su lado gamberro y se decanta más hacia el romanticismo pastelón, “My sassy girl” es sin duda una de las mejores comedias románticas de los últimos años, un film que siempre es grato revisionar, garantizando grandes dosis de humor y diversión.

Sobre el remake homónimo que los yankis hicieron hace un par de años con Jesse Bradford y Elisha Cuthbert en los papeles protagonistas, decir que no alcanza las cotas cómicas de la original y que no ofrece nada nuevo o destacable, ya que no solo no complementa a la original (como pasa con algunos remakes, hechos desde otro punto de vista), sino que intenta repetir fórmula con un guión de lo más demencial y sin la química que había entre la pareja protagonista del film coreano.

Os dejo con la secuencia inicial en el metro cuando se conocen por primera vez el chico y la chica del film. Me quedaría con muchas escenas pero ésta es una de mis favoritas, la cual no es que tenga un humor refinado ni mucho menos, pero que resulta igualmente desternillante por su lado humorístico puramente deudor del manga. Y es que a Kyun-woo (Tae-hyun Cha), eterno loser donde los haya, le pasa de todo… xD.

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“Mira en lo que te he convertido, pareces uno de nosotros.”
Billy Darley (Garrett Hedlund) a Nick Hume (Kevin Bacon).


Tras rodar ese mismo año “Dead silence“, James Wan consigue con “Sentencia de muerte” firmar su mejor película hasta la fecha, no exenta de algún efectismo y sentimentalismo pero que supone una apuesta dura y fascistoide entorno a la venganza, con una reflexión final mucho más interesante de lo aparente.

Debo reconocerlo, siento debilidad por los films de venganza con justicieros errantes, de ahí que adore tanto el cine de Quentin Tarantino y Park Chan-Wook (o algunas películas interpretadas por Charles Bronson), pero si en las obras de estos cineastas impera el estilismo de qualité y un dominio total de la dirección -obsequiando con secuencias verdaderamente inmensas-, en la cinta de James Wan los momentos más brutos y divertidos son empañados en parte por otros de empalagoso sentimentalismo y efectismo barato.

Si hay algo en común en todas las cintas de James Wan, son sus poco trabajados libretos. Ya en la primera “Saw” (película sobrevalorada como pocas) nos presentaba una cinta tremendamente tramposa con el espectador y que era incapaz de al menos ocultar su falta de coherencia. Tres cuartos de lo mismo pasaba con su siguiente película y con “Sentencia de muerte“. El libreto no solo está lleno de agujeros, sino está todo cogido con pinzas, con tramos tremendamente inverosímiles combinados con otros interesantes, aunque tampoco creo que el propósito de sus creadores fuera realizar una cinta perfecta sobre venganza, se conformaron con que fuera solo bruta y eficaz, sin renunciar a una crítica subterránea de lo más interesante, que parece que algunas voces críticas se niegan a admitir, quedándose solo con la carcasa del film de James Wan.

Para entrar en contexto, la película nos cuenta la historia de Nick Hume (Kevin Bacon), un tranquilo hombre de familia que ve su vida truncada cuando presencia el brutal asesinato de su hijo a cargo de una banda de criminales. Tras ver cómo la justicia deja en libertad a los responsables, Hume jura venganza y comienza a perseguir y eliminar metódicamente a todos y cada uno de los implicados en el asesinato.

Sería sencillo criticar a esta película sin compasión, pero desde mi humilde punto de vista, la cinta tras la primera capa ofrece mucho más. Recuerda a aquellas películas setenteras con Bronson a la cabeza que suponían una crítica despiada del sistema de justicia americano, a la impunidad de ciertos delitos y en definitiva nos venían a retratar el descontento generacional sobre la inoperancia y fuertilidad de la justícia, la psicosis que imperaba entorno a un miedo que era infundado por la desconfianza y la propia violencia.

Con claros ecos a películas como “El justiciero de la ciudad” (1974) de Michael Winner, “Sentencia de muerte” nos habla de la redención de un padre desolado, inmerso en una espiral de violencia (con catarsis final incluída a lo “Taxi Driver” (1976), salvando las distancias) y que le llevará a una inevitable transformación. Atrás habrá quedado el padre de familia y el trabajador responsable, nacerá un monstruo tan despiadado o más que sus propios enemigos. La víctima convertida en cazador.

Dejando de lado sus virtudes, no está de más reprochar ciertas decisiones de James Wan en las escenas más intimistas. Y es que mientras en las secuencias de acción y violencia, James Wan parece moverse en su salsa, ofrececiendo un producto sin concesiones a la galería, bruto como pocos (que es como debe de ser en este tipo de producciones, nada de medias tintas), en las escenas íntimas peca de sentimentalismo y cierto efectismo barato, que no es del agrado. Dentro de las escenas de acción que tan bien resuelve Wan, en especial destacaría la de la persecución, en donde el cineasta malayo se marca un plano secuencia en el parking de lo más interesante.

Las actuaciones son correctas, destacando por encima de todas, a un (como siempre) sensacional Kevin Bacon, una puesta al día del personaje de Paul Kersey (no como el visto en “La extraña que hay en tí” (2007) de Neil Jordan) y que tanto en las escenas chungas como en las de padre de família, cumple con creces. John Goodman realiza un breve aunque importante papel, ya que resulta básico para conocer la naturaleza del enemigo de Bacon y del mundillo en donde se mueven. Goodman y Bacon se meriendan al resto del reparto, ambos están colosales.

El film es un descenso a los infiernos que claramente responde a esa sensación de indefensión que siente el ciudadano medio. Nick Hume (Kevin Bacon) no es más que la respuesta a ello, un hijo nacido de dicha insatisfacción generacional, de ese descontento motivado por una justícia decepcionante en muchos sentidos. “Sentencia de muerte” no solo es el mejor film de Wan hasta la fecha, sino que además supone un acercamiento a la psicosis de la ciudadanía acomodada americana, que amedrentada por la política del miedo e injustícias, se decanta por técnicas fascistoides (el concepto de ‘vigilante’) para analizar el contexto socio-económico, proponiendo como “solución” al conflicto la violencia como producto de la desconfianza existente. Nick Hume (Kevin Bacon) es obligado a descender al infierno, pero si quiere sobrevivir, deberá ser parte de él.

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El día 22 de este mes, falleció mi querida Jean Simmons, unión de belleza y talento, otra estrella del hollywood clásico que nos abandona, pero cuyo recuerdo perdurará entre los cinéfilos. Una actriz capaz de combinar personajes que inspiraban inocencia y bondad con otros fríos y calculadores.

Nos quedará para el recuerdo su trabajo en films como “Espartaco” (1960) de Stanley Kubrick, “Narciso negro” (1947) de Michael Powell & Emeric Pressburger, “Hamlet” (1948) de sir Laurence Olivier, “Cara de ángel” (1952) de Otto Preminger, “Grandes esperanzas” (1946) de David Lean, “Horizontes de grandeza” (1958) de William Wyler, “Extraño suceso” (1950) de Antony Darnborough & Terence Fisher, “Ellos y Ellas” (1955) de
Joseph L. Mankiewicz, “Con los ojos cerrados” (1969) de Richard Brooks o “Desireé” (1954) de Henry Koster.

Nos quedan sus melodramas románticos, sus películas de suspense, sus westerns, sus películas históricas, su rostro angelical. Descanse en paz.

In Memoriam Jean Simmons

La cadena estadounidense HBO, un referente dentro de la producción de series de calidad, estrenará el próximo mes de mazo, “The pacific“, una miniserie bélica producida por Tom Hanks y Steven Spielberg entre otros. Canal+, siguiendo la política de Cuatro con otras series, la estrenará solo un día después de la premiere americana.

Para quienes disfrutamos de la anterior y excelente miniserie de la HBO “Hermanos de sangre” (la cual, entre otras muchas cosas, destacaba por su gran factura y por su lado intimista sin renunciar a la espectacularidad y realismo de sus escenas) es un regalo poder disfrutar de otra serie de tal calibre (bien documentada, de factura plenamente cinematográfica y que a la vez cumple como entretenimiento). Desde luego, tendremos una cita obligada con esta nueva producción.

Si en la serie ambientada en Europa (“Hermanos de sangre“) nos narraba la preparación y posterior participación de la compañía Easy en algunas de las grandes batallas dentro de la segunda guerra mundial (impresionante recreación del dia D), aquí veremos a los protagonistas (con Joseph Mazzello a la cabeza) avanzar por los distintos teatros de operaciones del Pacífico, relatando las batallas en las que intervino la 1ª división de Marines de los Estados Unidos, tales como Guadalcanal, Cabo Gloucester, Peleliu, Iwo Jima y Okinawa. Pasaremos de los campos franceses u holandeses a la espesa jungla de las islas del Pacífico (anteriormente tan bien retradada por otros cineastas como Malick o Eastwood) donde abunda la lluvía, la humedad y la tierra negra (Iwo Jima).

Ya hay ganas de verla, os dejo con los enlaces a los trailers y promos disponibles:

• Teaser Promo
• Trailer 1
• Trailer 2
• Trailer 3


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Existen muchas cosas que se pueden perdonar a una película tras su visionado, ya sea cualquier exceso o concesión a la galería siempre y cuando haya cierto equilibrio o compensación, pero si hay algo que personalmente me saca de quicio, es encontrarse con una cinta cuya columna vertebral sea la trampa, la incoherencia más absoluta y para colmo, ni siquiera esté acompañada por detalles interesantes en otros ámbitos.

Y eso es lo que ofrece “Una escapada perfecta“, ni más ni menos. Un sinfín de clichés, personajes estereotipados, actuaciones olvidables (en donde únicamente salva el cuello un justito Timothy Olyphant de lo más cachondo), apenas existe la tensión, un guión que no se sostiene y erigiéndose como la enémisa película folletín de corte turístico tramposa de principio a fin.

Para entrar en contexto, la cinta nos narra la historia de Cliff (Steve Zahn) y Cydney (Milla Jovovich), una joven pareja aventurera que está pasando su luna de miel en una de las más maravillosas y remotas playas de Hawai. Creen haber encontrado el paraíso en sus tierras salvajes y senderos solitarios, hasta que se encuentran con una pareja de lo más extraña (Kale (Chris Hemsworth) y Cleo (Marley Shelton)) y posteriormente con un asustado grupo de excursionistas que hablan sobre el horrible asesinato de unos recién casados en las islas, y comienzan a preguntarse si quizás deberían abandonar el lugar.

Indecisos sobre qué hacer, Cliff y Cydney se unen a otra pareja, Nick (Timothy Olyphant) y Gina (Kiele Sánchez) para continuar su travesía. Lejos de la civilización o de poder ser rescatados, cada uno de ellos empieza a sentirse amenazado y ya no saben en quien confiar. El paraíso se convierte en un infierno terrenal donde da comienzo una batalla por la supervivencia.

“Una escapada perfecta” no apuesta por una historia de supervivencia honesta, bruta y sin concesiones, casos de “Alta tensión” (2003) de Alexandre Aja o “Eden lake” (2008) de James Watkins, sino que intenta ser un reportaje paradisiaco pretendiendo engañar al espectador con elementos no solo previsibles sino imposibles, inverosímiles e ineficaces para el espectador medianamente curtido en el género.

Y es que, reconozcámoslo, el guión hace aguas y está repleto de agujeros por todos lados y de elementos forzados. Todos sabemos que estos subproductos que ni siquiera llegan al nivel del slasher (que ya es decir) normalmente pecan de libretos algo descuidados y de credibilidad limitada, pero al menos destacan en otros ámbitos, ya sea en realización, en alguna interpretación, en algún detalle interesante, en la simpatía que transmiten, en algo. Pero tristemente no es el caso de la película que aquí se comenta, aquí no hay practicamente nada potable y es una pena.

Aquí lo que verdaderamente encontramos es a un Steve Zahn que ofrece lo mismo de siempre (y encima no es creíble), una Milla Jovovich horrible (que alguien le diga a esta modelo que se retire ya por dios!, menudo lastre dejó para el cine Luc Besson..), una Kiele Sánchez que se conforma con mostrar modelito y posturitas y un salvable Timothy Olyphant, que sin ofrecer nada del otro mundo, es de lo mejor de la cinta y el único que parece no tomársela muy en serio.

La película discurre de forma habitual hasta cierto punto. Cuando el libreto decide dar la vuelta de tuerca, a David Twohy se le va la pinza e intenta ir de autor cool muy de cara a la galería, buscando planos molones y usando los mismos filtros azulados que ya usó en la muy estimable “Pitch Black” (2000), pero con resultados bastante más fallidos y para nada justificados.

Y es que parece que en el cine hollywoodiense todavía no confien en la inteligencia del espectador para discernir este tipo de cosas, y ciertos directores se ven en la obligación de en los flashbacks apostar formalmente por algo diferente, cuando se ha demostrado que para nada es necesario. Un ejemplo de ello lo tenemos en películas tan recientes como “Los cronocrímenes” (2007) de Nacho Vigalondo o en series como “Lost” en donde (apoyados en un acertado efecto sonoro inicial) flashbacks, flashforwards y presente están rodado de la misma forma y no existe ningún problema para seguir la trama.

Tras unos minutos en donde Twohy dejaba claro que se molaba a sí mismo, volvemos a los tonos fotográficos habituales y a la acción pura y dura. Uno se espera que tras el chasco que supone la previsble y chusquera “sorpresa” que propone la cinta, al menos haya acción de la buena, bruta y sin concesiones. Pero nada más lejos de la realidad.

No solo nos decepciona en eso (y más si uno ha visto cosas como “Sentencia de muerte” (2007) de James Wan o “Las colinas tienen ojos” (2006) de Alexandre Aja) sino que encima de serie viene con un montaje verdaderamente irritante de pantallas partidas sin ton ni son, movimientos bruscos de planos y demás chorradas seguramente todas ellas producto del trabajo de un montador/a con resaca.

Parece mentira que un director como Twohy, responsable de las estimables cintas de serie B “Pitch Black” (2000) o la aquí todavía inédita “Below” (2002) no solo dirija sino también sea el guionista de esta infumable e insustancial película. Y es que parece que desde “Las crónicas de Riddick” (2004) está menos afortunado en sus proyectos y deja entreveer que quizás sus correctos inicios, fueran solo un espejismo. De todas formas, siempre he pensado que el cineasta californiano está muy sobrevalorado por ciertos sectores.

“Una escapada perfecta” es un megamix de paisajes turísticos, guión tramposo e inverosímil que recurre en exceso al deus ex machina y no aguanta revisiones, asesinos y víctimas lamentables, personajes estereotipados, destetes injustificados, un final para que a uno le devuelvan el dinero de la entrada y todo ello con un montaje de juzgado de guardia. Un “Asesinos natos” (1994) en malo y descafeinado. Recomendable solo para aquellos que lleguen de sobras a final de mes y fanáticos de los bodrios playeros.

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Aprovechando el hecho que Cuatro haya programado las películas (en su theatrical cut) de la trilogía de Tolkien, es buen momento para revisionar sus versiones extendidas y dar una opinión al respecto. Próximamente colgaré la crítica de la trilogía de “El señor de los anillos” (2001-2003) de Peter Jackson.

Acción, Aventuras, Drama, Fantástico El señor de los anillos, Peter Jackson

Para aquellos que disfrutamos del buen cine sobre relaciones y sentimientos de pareja o amistad, sobre juventud y deseos, sobre alegrías y crisis, sobre el amor y el desamor, ayer falleció uno de nuestros padres cinematográficos, el como muchos llamamos, Woody Allen francés: el gran Maurice Schérer (conocido artísticamente como Éric Rohmer).

Si existe un cineasta que jamás traicionó al espíritu de la Nouvelle Vague, es decir, hacer cine sobre la cotidinidad sin mayores recuersos de los necesarios, ese es Éric Rohmer. Aunque en sus obras más modernas optara por el clacisismo, el cineasta francés siempre apostó por historias que se mueven en lo cotidiano y en las cuales lo fortuito cobraba una importancia trascendental.

Como sus compañeros integrantes de la nueva ola, Rohmer provenía del mundo de la crítica (ver sus excelentes escritos sobre Hitchcock o Chaplin entre otros, defendiendo la necesaria política de autores, para reconocerlos como tales) siendo el redactor jefe de la revista Cahiers du cinéma. Cansados de cierta tradición y rutina dentro del cine francés, decidieron apostar por un cine sin ataduras, sin iluminación artificial, con cámara al hombro y casi siempre en localizaciones naturales, con diálogos que contenían dilemas morales y existenciales e inquietudes intelectuales, obteniendo una total libertad tanto narrativa como técnica en el campo de la producción fílmica.

Estos hijos de Roberto Rossellini (en lo cinematográfico) y de André Bazin (en lo teórico), aunque formaban todos parte de la misma corriente, fueron muy distintos entre sí. Si Godard era el desenfreno y lo radical, Rohmer se caracterizaba – no sé si por ser el más mayor- por mostrar todo de forma más gradual y quizás por ello, fue el que tardó más en ser reconocido, pues su estilo era menos impactante y no tan visualmente arrollador como el Truffaut de los inicios de “Jules y Jim” (1962) o el propio Godard.

Rohmer sin lugar a dudas ha sido uno de los cineastas que mejor a retratado en pantalla las relaciones personales y sentimentales, de ahí que muchos lo comparemos al gran Woody Allen, otro cineasta que a parte de compartir la temática de algunas de sus obras, evita las grandes masas y la fama, como el realizador francés.

Rohmer tras su debut con la notable “El signo del león“(1959), la cual tuvo una acogida algo fría, prosiguió con series de peliculas (entre medias también rodaría otra obra capital en su filmografía llamada “Perceval el galo” (1978)) unidas por temáticas, algo muy característico en su obra: Los cuentos morales (que serían un total de seis largometrajes, destacando “La carrera de Suzanne” (1963), la inolvidable “Mi noche con Maud” (1969) con una magnífica fotografía en B/N de Néstor Almendros y “La rodilla de Clara” (1970)), Comedias y proverbios (con un total de seis largometrajes entre los que destacaban “La mujer del aviador” (1981) “Pauline en la playa” (1983) y “El rayo verde” (1986) por la que ganó en Venecia) y finalmente Cuentos de las cuatro estaciones (en donde, para un servidor, destacan todas, pero la más divertida, juvenil y enredosa es sin duda “Cuento de verano” (1996)).

Tras ello, Rohmer hizo cintas de época destacando en la fotografía y en autenticidad de las interpretaciones, como “La inglesa y el duque” (2001) o su obra póstuma “Los amores de Astrée y Céladon” (2007), sin olvidarnos de la notable “Triple agente” (2004), sobre la guerra civil española.

Uno de los mejores cineastas europeos nos ha dejado. Un perfecto radiólogo de las relaciones humanas y sentimentales, sabedor de la importancia del poder de la palabra. Autor sutil y minimalista como pocos. Gran crítico, mejor director. Descanse en paz.

Directores, In Memoriam Éric Rohmer, In Memoriam, Nouvelle Vague

La hija de Ridley Scott -Jordan Scott- dirige este drama irlandés con toques mágicos ambientado en un elitista colegio británico para señoritas durante la II Guerra Mundial. Eva Green interpreta a la profesora Miss G., quien se enamorará de Fiamma, una alumna bella, solitaria e inquietante interpretada por María Valverde, en su primera interpretación en lengua inglesa.

Jordan Scott cuenta con una amplia experiencia en el campo de los clips musicales y de la publicidad. Además de contar en su bagaje con un par de cortometrajes de cierta relevancia (como el segmento “Jonathan” -interpretado por David Thewlis y Kelly Macdonald- para el proyecto colectivo “All the Invisible Children” (2005)).

En “Cracks” se enfrenta a su primer largometraje y todo hace indicar que ha contado con el apoyo de su padre y su tio (Tony Scott). Solo espero que le hayan dado buenos consejos y se le haya pegado lo bueno de su padre, no lo malo, porque todavía estoy estupefacto por aquel trailer rockero-espantoso de la nueva versión de “Robin Hood“.

Os adjunto el trailer de “Cracks“. A priori tiene buena pinta.

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Si algo caracteriza a la compañía Pixar a parte de su extraordinaria animación es, a diferencia de otras como Dreamworks o Sony, su capacidad por crear cine de verdad, pura emoción sin recurrir a efectismos baratos ni olvidar la buena evasión para el gran público.

Siempre he creído que Pixar es el paradigma de lo que debería ser una compañía de animación, buenos animadores y a la vez grandes cineastas, grandes narradores, conocedores no solo de la técnica sino de la esencia del cine, de la emoción por encima de todo, presentando productos con alma, nunca vacuos, que ofrecen evasión sin evitar la reflexión.

“Up” es un perfecto ejemplo de todo ello, una cinta que gustara a los más pequeños y que a la vez enamorará a los mayores, por su profundidad y su reflexión acerca de la vida y nuestros sueños por realizar, los cuales dependen de nosotros mismos.

Sin lugar a dudas, la escena más destacable, es la que describe la vida de casados de los Fredricksen. En unos 4 minutos y medio, con una economía de planos asombrosa, los directores de la cinta nos narran sin diálogos toda una vida, acompañada por la asombrosa partitura de Michael Giacchino y finalizando con emoción en estado puro.

Ya les gustaría a muchas cintas de imagen real expresar tantos sentimientos con tan poco.
Cine de verdad, cine minimalista, cine que emociona, abarcando temas como compromiso, felicidad, aficiones, ilusiones, renuncia, entrega, amor, tristeza, añoranza o soledad.

Pocas veces se ha dicho tanto con tan poco. Os dejo con la escena:

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Os dejo con la lista definitiva de premiados y nominados en la 1a edición de premios Gencinexin 2009. Antes de nada, recalcar que todas las películas citadas cumplen como requisito haber sido estrenadas en España a lo largo del 2009 ya sea en cines, festivales, formato doméstico o vía online, independientemente de cuando lo hayan hecho en otros países (todos sabemos el retraso que sufren algunas cintas para ser estrenadas en este país u otras tantas que se quedan en el limbo). En el caso de las bandas sonoras, he hecho una excepción, ya que algunos compactos se editan antes de su estreno.

Las marcadas en azul son las elegidas como ganadoras, el resto serían las nominadas. Ya se sabe, esto de los premios o las listas siempre es injusto (por tener que elegir a una entre las mejores) y subjetivo, pero bueno.

Espero que los disfrutéis.

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Reggie Lambert (Audrey Hepburn) está a punto de divorciarse de su marido cuando descubre que ha sido asesinado después de haber vendido, y cobrado al contado, hasta el último alfiler de su propiedad. Al igual que su esposo, el dinero también ha desaparecido.

La viuda empieza entonces a verse perseguida por varios hombres, incluso un apuesto desconocido, Peter Joshua (Grant), quien busca la fortuna que el difunto robó durante la Segunda Guerra Mundial. Naturalmente, todas creen que Reggie conoce el paradero del botín.

A medida que los cadáveres se amontonan, resulta cada vez más importante (y difícil) para Reggie averiguar quiénes son los buenos y quiénes son los malos, quién miente y quién no.

Tras no pocos éxitos en la comedia y en el musical (destacando esa obra maestra llamada “Cantando bajo la lluvia” (1951)), Stanley Donen, tres años después de rodar “Página en blanco” (1960), decidió probar con una comedia de intriga con claros ecos al cine del maestro del suspense Alfred Hitchcock. Evidentemente Donen no es Hitch, pero su film resulta una muy estimable cinta de enredos y suspense, en donde un artesano como Donen sabe dosificar notablemente ambos géneros.

Uno de los grandes aciertos del film fue el unir por primera y única vez en pantalla a Cary Grant -el eterno galán- y una esplendorosa Audrey Hepburn, actriz de culto donde las haya. Y digo acierto porque existe una química especial entre ambos intérpretes, como también la había entre Gregory Peck y la actriz anglo-belga en la excelente “Vacaciones en Roma” (1953) de William Wyler. Es una auténtica lástima que no hayan coincidido más en pantalla Grant y Audrey. No menos destacable es el resto del casting: James Coburn, Walter Matthau y George Kennedy entre otros. Casi nada!.

En “Charada” la comedia y el suspense se dan la mano creando un clima de lo más inquietante sin dejar de lado el lado humorístico u homenaje al absurdo. Pero así como en otras cintas, esa combinación chirría en exceso, Donen sabe otorgar el tiempo necesario para cada género combinándolos con verdadera maestría. Destacaría por encima de todas dos escenas memorables de la cinta: por un lado la secuencia en la cabina teléfonica, la más amenazadora e inquietante -a la vez que conseguida- de todo el film, con un James Coburn tirándole cerillas encendidas a un Audrey Hepburn sin escapatoria; por otro lado, la escena del baile de la naranja entre Cary Grant y la mujer gorda, verdaderamente desternillante y momento mítico de la cinta.

Si en algo también destaca “Charada” como una de las cintas más simpáticas dentro de la filmografía de Stanley Donen, es por sus gags absurdos y también por sus parodias (y homenajes) al cine de Hitch, desde esa ducha con ropa incluída, las frases picaronas de Audrey Hepburn, la constante conversación acerca de la diferencia de edad entre los dos protegonistas (en parte, para adaptar el guión a un Cary Grant algo mayor, en sus últimos años como galán) o el inolvidable baile de la naranja con un Cary Grant en su salsa.

Como homenajes a Hitchcock destacaría dos: la importancia del falso culpable y de la duplicidad de avatares (algo ya visto en “Con la muerte en los talones” (1959) entre otras), y la escena de la cabina telefónica en donde Tex Panthollow (James Coburn) interroga a una angustiada Regina Lampert (Audrey Hepburn) mientras va encendiendo y posteriormente tirándole las cerillas. Una escena que se podría comparar (salvando las distancias) con la de la ducha de “Psicosis” (1960), cambiando las cerillas por cuchillazos al personaje de Janet Leight, con un mismo McGuffin: el dinero.

Cary Grant ofrece la enésima interpretación de galán con dotes cómicas que tan bien se le daba (de hecho, siempre hizo el mismo tipo de interpretación, o similar, muchos le acusan de ser un actor que no intrepetaba otros registros, pero hay que reconocer que era ideal para esa clase de papeles) y Audrey Hepburn está simplemente sensacional, ofreciéndo de nuevo una actuación llena de intensidad, como siempre muy expresiva y muy acertada en los momentos de comedia. Los secundarios, de lujo, magistrales todos.

Uno de los puntos fuertes del film es cómo Stanley Donen y Peter Stone (el guionista) tratan la historia de amor entre Grant y Hepburn. por un lado, Grant hace de antiGrant, pues aquí él no es el conquistador y eterno playboy como en por ejemplo “Tú y yo” (1957) de Leo McCarey, es ella quién le busca, en “Charada” es ella quien insiste y quien le persigue a pesar de todas las dudas que le suscita y todas las mentiras de por medio. Y aquí sale otro tema recurrente: el personaje de la mujer Donen, heroínas frágiles amantes del riesgo y la desesperación, con gran personalidad e iniciativa, movidas por el afán de conseguir el preciado amor. Heroínas cuya belleza y elegancia (conceptos que suelen ir asociados a frialdad) son suavizadas por su abierta comicidad y su buen humor habitual.

Otros tres elementos importantes en el film son la importancia de Paris en la trama: un protagonista más, ya sean los paseos a la orilla del Sena, los puentes, la cena en el barco, Notre-Dame, etc…, la música del genial Henry Mancini con su sello personal, de corte jazzístico entre nostálgica y juguetona ofreciendo la frescura y modernidad que le caracterizaba, y por último, los magníficos títulos de crédito de Maurice Binder (autor de los créditos de muchas cintas de James Bond), uno de los introductores de la gráfica moderna en la composición de títulos junto a Saul Bass o Pablo Ferro, con una obra excelente en todos los sentidos.

Pero no todo es oro lo que reluce en “Charada“, la pelicula promete mucha acción a costa de numerosos giros de guión, que no siempre funcionan a la perfección. A parte de ello, tiene situaciones un tanto inverosímiles, por ejemplo, SPOILER el que Walter Matthau se haga pasar por un agente de la CIA y use dichas oficinas a la hora del almuerzo sin que nadie se entere FIN SPOILER. A pesar de su final algo facilón y sus idas y venidas, nunca llega a empañar el resultado final.

Añadir que Stanley Donen y Peter Stone, intentaron repetir fórmula en “Arabesco” (1966) con Gregory Peck (en un papel que, como el de “Vacaciones en Roma“, fue escrito para Cary Grant y rechazado por éste) y Sofia Loren, pero los resultados no fueron tan satisfactorios, sobre todo, porque entre Peck y Loren no existió esa química natural que desprendían Grant y Hepburn.

“Charada” es una película en la cual Donen dosifica a la perfección comedia e intriga, con un guión lleno de momentos memorables, enredos y situaciones picantes entre el dúo protagonista encarnado por Cary Grant y Audrey Hepburn, el cual posee una química especial en pantalla (a pesar de la diferencia de edad), con unos secundarios de absoluto lujo y que a pesar de los giros y situaciones un tanto inverosímiles, a la postre queda como una cinta no perfecta, pero sí estupenda.

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Los lectores de este blog ya saben que un servidor no suele morderse la lengua ante las injustícias de productoras o distribuidoras, y es que cuando las cosas se hacen mal, no está de más dar un toque desde la red y poner los puntos sobre las íes.

Así como lo oís, Sony Pictures, compañía mala donde las haya en cuanto a calidad cinematográfica se refiere, boicotea la mejor película que ha parido en años: “Moon” (2009) de Duncan Jones. Ver para creer.

No es de extrañar que la productora responsable de los mayores bodrios de la década (salvo contadas excepciones) adopte estas estúpidas medidas en contra de la obra como tal y en pro del producto consumible (cualquier burda comedia de la Sony o cinta con Will Smith a la cabeza valdría como ejemplo).

Este tipo de notícias resumen el estado de las producciones made in USA, en donde los artistas, a no ser que se produzcan sus propios trabajos como Spielberg o Coppola, apenas cuentan en las decisiones de sus obras. Y quizás algunos penséis que todo esto sea porque Duncan Jones, director de “Moon“, su ópera prima, no tenga suficiente caché dentro de la industria todavía, pero a un veterano y maestro como Scorsese, la Paramount le ha hecho tres cuartos de lo mismo con “Shutter Island” (otra con una pinta excelente), retrasando su estreno porque la productora quería volcar todo el marketing en el último film de Jason Reitman “Up in the air” de cara a los oscar.

Duncan Jones, visto esta injustícia, ha solicitado en su perfil de Twitter apoyo para que los responsables de Sony recapaciten en su decisión. El cineasta afirmaba lo siguiente: “Hemos tenido más de lo que hemos pedido pero han elegido los films que van a presentar y no estamos en sus planes. Dicen que cuesta demasiado para nuestra pequeña película ya que tendrían que insertar un anti-copy en los dvd ya que aún no está en el mercado de alquiler de los USA“. Es para reir por no llorar, vamos!.

Un cinta de la calidad de “Moon” que ha supuesto un estimable éxito de público y crítica, merece un mejor trato y ser al menos candidata a ser elegida para los premios de la academia. Es una cinta de presupuesto ajustado que apuesta por el lado reflexivo y metafísico de la sci-fi, con un guión elaborado, un diseño de producción asombroso deudor del mejor Kubrick, evocando al añorado cine de ciencia ficción de los 70 en donde prevalecía el talento y la imaginación a los fuegos artificiales vacuos, y con un Sam Rockwell que ofrece una doble interpretación memorable y digna de mención especial.

Desde aquí, esperemos que Sony sepa dar mejor trato a la mejor película que han tenido en años. Aunque viendo el cine habitual producido por la compañía japonesa, mejor no esperemos grandes cosas…

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En los años del boom del cine de terror asiático, había propuestas de todo tipo: desde las muy estimulantes “Ringu” (1998) o “Dark Water” (2002) ambas de Hideo Nakata, “A tale of two sisters” (2003) de Kim Jee-Woon, “Audition” (1999) de Takashi Miike o “Battle Royale” (2000) de Kinji Fukasaku, hasta bodrios que vivían de repetir fórmulas ya vistas como “La maldición (Ju-On)” (2002) de Takashi Shimizu, “Phone” (2002) de Ahn Byeong-Ki o “Face” (2004) de Sang-Gon Yoo entre otras.

La primera “The eye” (2002) de los Pang Brothers, se situaría en un plano intermedio. Por un lado no llega a ser una exquisita y fresca cinta de terror oriental ya que posee una trama que a pesar de tener un punto de partida resultón, está llena de tópicos, pero que por otro lado, su puesta en escena, su cuidada fotografía y su montaje la hacen destacable por encima de la media.

Los hermanos Pang por lo general ofrecen films con un buen acabado técnico (por ejemplo la interesante “AB-Normal Beauty” (2004)) y con actuaciones decentes en su mayoría, pero que en conjunto nunca acaban de ser redondos. En el caso de “The eye“, consiguieron su mayor éxito internacional (si obviamos su película americana con Nicolas Cage como protagonista) y a la postre resulta una película destacable dentro del terror hongkonés de los últimos años. Recordemos que la cinta trataba de Wong Kar Mun -encarnada por Angelica Lee-, una chica que a los dos años se quedó ciega y 14 años después, un nuevo y arriesgado transplante de córnea la devuelve la visión y la posibilidad de disfrutar más de la vida, hasta que inexplicables sucesos y visiones la llevan a creer que su ojo le presenta algo más que la simple vista o realidad patente. No está de más decir que su remake estadounidense con Jessica Alba al frente es bastante inferior al original asiático.

Si hay una escena que destaque por encima de todas es la del ascensor, en donde planificación, montaje, intensidad y ritmo se dan la mano ofreciendo una secuencia más que decente. Os con la escena en cuestión.

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