Para los que hemos disfrutado de una joya como “Arrebato” (1980), ayer fue un día triste, ya que se nos fué uno de los mayores talentos que ha dado el cine español y uno de los directores experimentales por excelencia: el donostiarra Iván Zulueta. Un artista capaz de, con solo un par de películas, convertirse en mito y en cineasta de culto.

Un director con agudeza para crear una obra rica en detalles, de naturaleza experimental y parcialmente autobiográfica (narraba la historia de un director preso del sexo, las drogas y la insatisfacción).

“Arrebato” hoy en día, sigue siendo la película de culto del cine español de los últimos 50 años por antonomasia.

Aparte de su colaboración con Almodóvar como cámara, sus proyectos para la televisión y la filmación de “Arrebato“, Zulueta rodó unos cuantos cortometrajes y posee una obra gráfica remarcable: “Ataque verbal” (1999) de Miguel Albaladejo, “Entre tinieblas” (1983), “Laberinto de pasiones” (1982) y “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1984) de Pedro Almodóvar o “Furtivos” (1975), “Leo” (2000) y “Camada negra” (1977) de José Luis Borau, son algunos de los carteles para cine con diseño de Zulueta.

Uno de los enfants terribles del cine patrio nos abandona. Descanse en paz maestro.

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Podríamos afirmar sin riesgo a equivocarnos que “Date movie” es una de aquellas películas cuyo propósito o existencia es todavía un misterio indeterminado, ya que tras unos breves minutos de insoportable visionado, la cinta invita al espectador a desalojar la sala en busca del wc más cercano o en caso de verla en casa, a lanzar el dvd a la basura sin lugar al arrepentimiento posterior o a la culpa.

“Date movie” supone la antitesis absoluta del buen gusto, la chabacanería por encima del gag pensado, recurriendo a la burda técnica del teta-culo-pis tan habitual en este tipo de producciones, antes que elaborar una parodia sostenida sobre algo mínimanente inteligente y potable.

Por todo ello, me veo en la obligación de afirmar que estamos ante una película no solo no apta para personas con un gusto cinéfilo educado, sino que ni siquiera creo que sea del agrado de fans del cine comercial paródico al uso. Solo parece destinada para adolescentes sin cerebro o personas con un alto grado de masoquismo, una de dos.

Muy lejos de las parodias de Mel Brooks o de cintas como “Top Secret!” (1984), aquí nos encontramos una “trama” que gira entorno a una pareja que nada más empezar el noviazgo, ya quieren contraer matrimonio (sic) y a partir de esa premisa comienzan a darse situaciones y circunstancias (a cual más patética) intentando sacar una sonrisa o carcajada en el espectador, pero consiguiendo algo muy distinto: desde bostezos hasta visitas al wc obligadas, siempre y cuando uno tenga el valor de acabar de ver la película. Todo un logro!.

Las cintas parodiadas son muchas, desde “Los padres de ella” (2000), “Los padres de él” (2004), el díptico “Kill Bill” (2003-2004), “La boda de mi mejor amigo” (1997), “Planes de boda” (2001), “Mi gran boda griega” (2002) etc.. pero desde mi punto de vista, no solo están mal parodiadas, sino que los gags están insertados en la trama de forma realmente forzada y para nada creíble (sin ir más lejos, ver la parte final con el horroroso sketch de “King Kong” (2005) con Carmen Electra, una habitual en este tipo de producciones).

La película es el perfecto exponente del fast-film para trogloditas, es decir, un film de usar-tirar-quemar. Pero ojo, para un servidor, todas son igual de mediocres, desde la primera y sobrevalorada por muchos “Scary Movie” (2000) hasta la patria “Spanish movie” (2009). Ante esto, solo queda esperar que alguno de esos guionistas paren ya de escribir semejantes sandeces, los productores se limpien sus gafas y vean que este tipo de cine debe extinguirse cuanto antes y empiecen a apostar por productos cómicos de mayor interés, caso de las producciones de Judd Appatow (sin exagerar tampoco) o agradables excepciones como “(500) días juntos” (sin lugar a dudas, una de las mejores películas del año con total merecimiento).

Dejando de lado su nulo humor, centrémonos en el guión, porque tiene tela la cosa. El libreto no solo ofrece un humor de brocha gorda, sino que además posee tintes machistas/sexistas de dudoso gusto, otorgando siempre a la mujer un status de objeto más que de persona, ya sea Julia (Alyson Hannigan) cuando al inicio de la película está obesa y la “convierten” en delgada (una oda a las operaciones estéticas) con frases del estilo “con ese aspecto no te querrá nadie..“, o también en la presentación de Andy (Sophie Monk) todo un video made in Playboy.

Un film tan desagradable como inútil, tan machista como pueril, tan ignorante como desafortunado, tan estúpido como insignificante. En todo el chusquero metraje, no arranca ni una sola sonrisa (ya no digamos carcajada) verdadera al espectador. No recomendable ni siquiera para fans del humor absurdo!.

Una de las peores cintas que un servidor ha tenido que sufrir en su vida. Si todavía os quedan neuronas, huíd de esta basura en constante putrefacción.

Comedia, Críticas, Parodias Aaron Seltzer, Adam Campbell, Alyson Hannigan, Date movie, Jason Friedberg, Sophie Monk

Desde este humilde blog, os deseo unas felices fiestas de Navidad y que os regalen muchos regalos (si puede ser blu-rays, discos de música o libros jugosos mejor que mejor xD).

Para celebrarlo, os recomiendo un fantástico fragmento de “La hora chanante” escrito y dirigido por Nacho Vigalondo y protagonizado por el gañán Ernesto Sevilla como Zach Galligan, Joaquín Reyes como Phoebes Cates y Carlos Areces. Es su versión de lo que sería la inédita tercera parte de una de las sagas navideñas por excelencia: “Gremlins” de Joe Dante.

Sin más, deseo que paséis unas buenas fiestas y que sobreviváis al vendaval comercial, a los turrones mutantes y a los brebajes de la abuela!

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“Señales” (2002) es un claro ejemplo de cómo hacer buena ciencia ficción desde el suspense, desde la sugerencia por encima de lo explícito, con un uso de la elipsis brutal, una dirección al alcance de muy pocos, unos personajes mucho más trabajados de lo aparente y abriendo un fantástico debate entre fe y ciencia, entre esperanza y realidad.

Si obviamos el final, el resultado es un film impecabe en todos los sentidos, tanto narrativa como formalmente. Una película que evoca al mejor cine de Alfred Hitchcock, Jacques Tourneur, Tod Browning, James Whale o Fritz Lang, consiguiendo un equilibrio perfecto entre virtuosismo y entretenimiento, algo habitual en el cine del hindú.

Os dejo con una de las escenas más memorables de la excelente cinta de Shyamalan. Un diálogo magistral rodado con mano maestra.

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Estos días han sido tristes para el cinéfilo. Por un lado, la estupenda Jennifer Jones, inolvidable en su papel de Perla Chávez en “Duelo al sol” (1946) de King Vidor, con ese final tan mítico junto a Gregory Peck, falleció hace pocos días a la edad de 90 años.

También la pudimos ver en otras cintas como “La canción de Bernadette” (1943) de Henry King, “El coloso en llamas” (1974) de John Guillermin e Irwin Allen, “Estación Termini” (1953) de Vittorio De Sica, “Carrie” (1952) de William Wyler o “Madame Bovary” (1949) de Vincente Minnelli, entre otras. Una actriz que aunaba presencia y belleza.

Por otro lado, ayer falleció sorprendentemente la joven actriz Brittany Murphy, a la edad de 32 años, debido a un paro cardíaco. La pudimos ver en cintas como “Cherry Falls” (2000) de Geoffrey Wright, “Inocencia interrumpida” (1999) de James Mangold, “Sin city” (2005) de Robert Rodríguez y Frank Miller o “8 millas” (2002) de Curtis Hanson.

Como pasó en el caso de Ledger, tiene proyectos actualmente en post-producción, como la última cinta de Stallone “The Expendables” (2010) entre otras, por tanto, la podremos ver todavía en pantalla en alguna que otra película más. Un actriz que a pesar de no haber hecho papeles de considerable peso, solía ser competente en pantalla y era muy querida dentro del sector adolescente.

Dos grandes pérdidas, descansen en paz.

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“Avatar” nos lleva a un mundo situado más allá de la imaginación, en donde un recién llegado de la Tierra se embarca en una aventura épica, llegando a luchar, al final, por salvar el extraño mundo al que ha aprendido a llamar su hogar. James Cameron imaginó por primera vez la película hace quince años, cuando los medios para llevar a cabo y plasmar su visión todavía eran inexistentes. Ahora, después de cuatro años de producción, “Avatar” es una película de acción en vivo con una nueva generación de efectos especiales, que ofrece una experiencia cinematográfica totalmente cautivadora de nuevo cuño, siendo dicha tecnología revolucionaria inventada para la película la que supone el punto fuerte de esta obra.

Entramos en el extraño mundo de la mano de Jake Sully (Sam Worthington), un ex marine confinado a una silla de ruedas. Debido al fallecimiento de su hermano, Jake es reclutado para viajar a años luz, a un puesto humano en Pandora, donde un consorcio corporativo está extrayendo un raro mineral que será clave en la solución de la crisis energética de la Tierra. Debido a que la atmósfera de Pandora es tóxica, han creado el Programa Avatar, en el que “conductores” humanos tienen sus conciencias unidas a un avatar, un cuerpo biológico controlado de manera remota que puede sobrevivir en el aire letal. Estos avatares han sido creados genéticamente como híbridos combinando ADN humano con ADN de los seres nativos de Pandora llamados Na’vi.

Vuelto a nacer en su forma de avatar, Jake puede volver a caminar y posee toda la fortaleza física que le falta en su status normal. Se le asigna la misión de infiltrarse entre los Na’vi, que se han convertido en un obstáculo importante para la extracción del preciado mineral. Pero una hermosa hembra Na’vi, Neytiri, salva la vida de Jake, y esto lo cambia todo. Jake es aceptado por su clan, y se preparara para convertirse en uno de ellos, lo que implica muchas pruebas y aventuras. A medida que la relación con su reticente profesora Neytiri se hace más profunda, aprende a respetar el modo de ser de los Na’vi y al final ocupa su lugar entre ellos. Pronto se enfrentará a la prueba definitiva, mientras los conduce en una épica batalla que decidirá el destino de todo un mundo.

“Avatar” es un film desaprovechado en su fondo, como ya me hacían temer los sosos trailers y spots de television, pero aún así, no cabe duda de que estamos ante una absoluta experiencia cinematográfica pocas veces vista en pantalla. Visualmente el film es poderoso y realmente consistente, en donde lo digital y lo real coexisten de forma espectacular bajo tecnología 3D (nuevo 3D real, “Fusion 3D”), donde todo fluye a la perfección y se integra de una forma tan prodigiosa como revolucionaria. Unos efectos digitales de aupa que ayudan también a convertir ese 60% virtual es algo puramente casi real, casi tangible.

Pero dejando de lado el apartado técnico, desde aquí nos preguntamos: ¿Dónde está la historia en “Avatar“?. ¿Dónde está la emoción?. ¿A nivel narrativo ofrece algo nuevo?. ¿Dónde está la esencia de los personajes?. ¿Dónde está el cine?.

Como espectáculo cinematográfico y como avance en el terreno de experimentar sensaciones y formas nuevas de entender el cine de aventuras, el film cumple a la perfección, regalando secuencias de una belleza inolvidable (esas escenas nocturnas del bosque con esos tonos fucsia y azulado, que recuerdan al colorido final de “Abyss” (1989) ) junto con otras de acción rodadas con un virtuosismo que ya le gustaría a otros como el inepto de Michael Bay, pero supone una verdadera lástima la falta de fondo narrativo que posee la historia y lo poco trabajados que están los personajes, ya que en su mayoría se presentan planos, desdibujados y a la postre estereotipados.

La idea inicial del director del film, James Cameron, era conseguir que en los personajes creados por CGI se vislumbrara la interpretación de los actores bajo el motion capture, no ofrecer una película de animación tridimensional más. Supongo que la estética de videojuego que envuelve al film unido a la carencia de calado emocional en el espectador hacen que Cameron no acabe de conseguir su interesante propósito inicial.

El tufillo a cine de la marca Lucasfilm que se respira por todo el metraje (por momentos, me recordó a películas como “Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma” (1999) por sus batallitas de naves y robots o a “El retorno del Jedi” (1983) entre otras, con esa fiesta final y tal, en donde si cambiáramos los ewoks por los Na’vi esos, tanto daría) dota a la película de un aire realmente infantil y poco complaciente para el espectador mínimamente exigente y maduro, ansioso de una sci-fi adulta y no de una simple experiencia 3D más vacía que la hucha de un parado.

Está claro que para que te financien 230 millones de dólades, Cameron se haya tenido que bajar los pantalones hasta bien abajo, ofreciendo una película visualmente impecable pero narrativamente ingenua y para todos los públicos, en vez de aportar algo mucho más realista, violento y honesto con el espectador. Pero claro, con ese presupuesto, quién tiene narices de hacerla para calificación Rated R (no recomendada para menores de 18 años) y que tus “queridos” inversores de la Fox pierdan toda esa taquilla en USA [1]?..cuando ya de antemano tienen dificil recuperar tan magna inversión.

Siendo sinceros a la vez que honestos, desde aquí pensamos que la historia del film es como un pequeño megamix de otras, para nada algo original y fresco, pecando de trascendental. La trama de la película se podría definir como una mezcla entre “Bailando con lobos” (el enemigo conoce otra civilización, se fascina con sus costumbres, calidad humana y respeto por la naturaleza, se hace uno de ellos y se enamora), “Pocahontas” (una historia casi idéntica también, incluso el propio Cameron afirma que “Avatar” habla de una manera sutil de lo que fue la conquista de América), “La princesa Mononoke” (sobre todo por la estrecha relación entre los Na’vi y la naturaleza y el lado místico-espiritual de esta última) y el cine infantil made in George Lucas (con todos sus contras).

Todo resulta previsible y poco desarrollado. Los personajes no desprenden la suficiente química (ver esa relación de amor interracial descafeinada que se mueve entre la cursilería y la inverosímilitud o el hecho de que pretendan hacernos creer la supuesta heroicidad de tintes hiperdramáticos del personaje de Michelle Rodríguez cuando no sale más de siete minutos en pantalla y cuya empatía con el espectador es ínfima) y las situaciones son más que manidas y vistas con anterioridad en muchas otras producciones.

Como espectáculo y experiencia 3D cinematográfica cumple de sobras, pero no dejemos que unos extraordinarios efectos especiales (además del estupendo acabado de las secuencias de acción) nos nublen la vista, pues estamos ante un film tan desaprovechado como vacío, con una duración excesiva que pretende convertir en trascendental algo tan previsible como elemental, erigiéndose como un panfleto ecológico de lo más oportunista, una crítica de brocha gorda sobre la guerra preventiva disfrazada de pacifismo new age y sin rastro de un ápice de simbiosis emocional entre personajes y espectador. El tiempo pondrá en la su sitio, una vez haya pasado esta moda pasajera del 3D.

Una cinta que pasará a la historia por ser una de las primeras en presentar este avance tecnológico, pero desde luego no por su calidad cinematográfica. Porque, haciendo una comparación con el Cinemascope (otro gran avance técnico dentro de la industria), ¿quién se acuerda actualmente de la primera película rodada en ese formato: “La túnica sagrada” (1953)?. Considero que la buena ciencia ficción no es solo espectáculo, sino también emoción y reflexión. Y en la actualidad, pocas películas saben combinar esos elementos con talento.

[1] Recordemos que en USA para las películas calificadas Rated R, los menores de 18 años, en caso de querer verlas deben ir acompañados de los padres o de un tutor.

Acción, Aventuras, Ciencia Ficción, Críticas, Drama, Fantástico Avatar, Giovanni Ribisi, James Cameron, Michelle Rodriguez, Sam Worthington, Sigourney Weaver, Zoe Saldana

Tras el irregular aunque remarcable “Our love to admire” (2007) y el disco en solitario del líder de la banda Paul Banks bajo el seudónimo Julian Plenti titulado “Skyscraper” (2009), según explicó Sam Fogarino, batería del grupo británico, en una entrevista para la revista Paste, parece ser que la banda sacará un nuevo disco disponible para inicios del 2010.

Hasta aquí una gran notícia, pues “Interpol” es uno de esas grupos que aunque beban claramente de sus referentes (la sombra de bandas como “Joy Division” es muy alargada), poseen un sonido realmente trabajado y oscuro. Pero también añade Fogarino en la entrevista, que parece ser que quieren recuperar el sonido de su segundo disco (“Antics“), con el fin de reafirmar su identidad.

Dicha premisa se podría interpretar de dos formas. Por un lado, “Antics” (2004) es un disco fabuloso (aunque creo que es bastante superior el primero que sacaron: “Turn On The Bright Lights“) y en caso que editen un album de sus caracteristicas, estaríamos hablando de quizás uno de los discos del año. Pero por otro lado, el hecho de que retrocedan “en busca de su identidad” para sacar su nuevo álbum sin optar por innovar o perfeccionar, da un poco de miedo y a la postre puede resultar un proyecto tan fallido como reiterativo en su propuesta.

En 2010 saldremos de dudas, de momento, confiemos en Interpol

Independiente, Música indie, Interpol

Resulta encomiable el esfuerzo realizado por distribuidoras como Versus Entertainment en editar películas tan minoritarias como necesarias dentro del mediocre panorama del dvd nacional.

Dentro de su colección “Cinema Bis” -con un diseño de las portadas un tanto similar al de las ediciones Criterion, sobre todo en esa etiqueta lateral- nos encontramos con algunas de las joyas más célebres de la serie B americana realizadas entre los años 40-60, desde títulos clave dentro del noir como “Detour” (1945) del gran Edgar G. Ulmer hasta joyas a reivindicar como “Carnival of souls” (1962) de Herk Harvey.

Compañías como la Monogram Pictures, la Republic o la PRC plantaron cara a las majors, ofreciendo un cine en su mayoría destinado a salas de programas dobles o a los autocines, cuyos artesanos de entonces -actualmente de forma merecida considerados absolutos maestros- fueron capaces de sacar oro de la precariedad más absoluta tanto económica como logística, sin obviar el tiempo tan limitado que disponían para terminar sus films (sin ir más lejos, el cineasta de origen checo Edgar G. Ulmer, rodó “Barba azul” (1944) en sólo 6 días). El cine de serie B fue un cine famoso por sus encuadres cerrados, limitados escenarios, duración ajustada (muchas duran poco más de una hora), inventiva narrativa y visual ilimitada, libertad creativa y normalmente protagonizado por actores sin tanto caché.

Dentro de la colección de Versus Ent., tenemos un par de títulos de Edgar G. Ulmer (hasta ahora editado en pésimas condiciones en España) que son “Detour” (un noir simplemente perfecto) y “Barba azul” (cinta con una hipnótica fuerza narrativa y una atmósfera sombría e inolvidable, típica del cineasta de origen checo), “Carnival of souls” de Herk Harvey (una joya de terror pre-lynchiana en donde de nuevo la atmósfera es una omnipresente protagonista), “Filón de plata” de Allan Dwan (gran clásico western de Serie B dirigido por Allan Dwan y protagonizado por su actor fetiche John Payne) y “El reinado del terror” (una especie de noir ambientado en la Francia del terror revolucionario, simbolizado por un Robespierre diabólico interpretado por un genial Richard Basehart).

Hasta ahora, en España, este tipo de cine solo era accesible via internet o si hacían algún pase en algún festival, pero poco más. Gracias a Versus, no solo están editando estas necesarias e inéditas obras en formato doméstico, (ayudando a descubrirlas para cierto público), sino que además lo están haciendo en condiciones, con extras interesantísimos (documentales de más de 1 hora), libretos con críticas y ensayos sobre el film por gente de la categoría de Miguel Marías, Roberto Cueto o Serge Daney con una impecable presentación, unos menús con un acabado majo y en algunos casos audiocomentarios exclusivos de críticos de renombre del país como Antonio José Navarro (fantástico su audiocomentario para “Barba Azul“) o Quim Casas. Por todo ello, merecen mi esfuerzo en hacerme con estos títulos en dvd, ya que creo que, a corto plazo, no saldrán en alta definición, y menos con estos extras o libretos (en caso que algún dia los distribuya otra editora).

Por otra parte añadir que es una lástima que no cuenten con los derechos de un film clave de la serie B como es “El demonio de las armas” (Gun Crazy, 1949) de Joseph H. Lewis, ya que hace meses fue editada por Warner bajo el destestable sello de Impulso.

Esperemos que ahora que los chicos de Versus se han puesto también a reeditar en condiciones algunos films de la RKO -casos de “La fiera de mi niña” (1938) o “Fort Apache” (1948)- que hasta ahora pertenecían a la infecta Manga Films (cuyas ediciones eran en su mayoría ciertamente cochambrosas), confiemos en que se animen y saquen de nuevo los films del maestro Jacques Tourneur, sobre todo “La mujer pantera” (1942) o “Yo anduve con un zombie” (1943), ya que sin duda, es uno de los cineastas más maltraltrados en el mercado del dvd en España y merece mejor suerte. Porque como decía el crítico Jesús Palacios: “Para quienes vivimos sumergidos en la Serie B, los que preferimos la cara B del single, el lado oscuro de la Luna y cruzar al otro lado del espejo, Jacques Tourneur ha sido siempre poco menos que un dios.”

Cineastas a recuperar, cine hecho sin medios pero con ilimitada sapiencia, clásicos de las sesiones dobles, verdaderas joyas a descubrir o redescubrir.

Mi más sincero aplauso a la apuesta de Versus por este tipo de cine.

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Una pareja sumida en el dolor (Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg) se retira a una cabaña perdida en medio del bosque, llamada Edén, con la esperanza de que el contacto con la naturaleza cure sus corazones rotos y su tambaleante matrimonio. Pero la naturaleza sigue su curso y las cosas empiezan a ir de mal en peor.

Se abre el grifo de la lujuria para dar paso a la muerte. Todo parece idílico y perfecto, pero el destino recorre sendas tenebrosas. El pecado original junto al azar puede dar paso a la tragedia.

La escena es la clara representación del ocaso de la felicidad. De la culpa y el placer. Del dolor y la condena. De la injustícia y el sufrimiento. Sin obviar la importancia de las figuras de los tres mendigos sobre el escritorio y sus respectivos destinos (uno es indiferente ante la pérdida, el otro se autodevora y el último se descubre una y otra vez).

Ella (Charlotte Gainsbourg) extirpa la propia naturaleza de su semilla, del presente y del futuro, prescindiendo de su función vital y entregándose a un mundo donde la autodestrucción, la pérdida y la revelación parecen ser el sentido de una vida (o antivida) sin lugar para la redención.

Dentro del irregular film de Lars Von Trier “Anticristo“, nos encontramos con esta pequeña obra maestra que es el prólogo, el cual marca un equilibrio perfecto entre lenguaje visual y sensitivo. Una escena que dura apenas 5 minutos, y ya contiene mucho más cine que el resto del film.

Imágenes tremendamente poderosas que rezuman poesía cinematográfica, con un estilización y un uso de la cámara lenta impecable que unido al adecuado corte musical de Händel elevan la escena a algo casi metafísico, siendo una de las más estremecedoras de los últimos años.

Os dejo con la memorable secuencia (sin lugar a dudas lo mejor de la película):

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Impagable spot de tv del canal Cuatro como avance de la sexta y última temporada de “Lost“. Para redondearlo, el temazo “Everything in it´s right place” de mis adorados Radiohead.

Sin duda, el mejor o uno de los mejores sneak peek‘s que circulan por la red sobre esta sexta temporada.

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Sylvia (Charlize Theron) es una bella gerente de restaurante cuyo comportamiento amable, a la vez que profesional, esconde un tormentoso pasado al que tiene que enfrentarse cuando recibe la visita de un hombre que llega de México. Sylvia se lanza a un viaje por el tiempo y el espacio en el que se conectan unos personajes que luchan por ser felices en sus relaciones.

En México, una chica huérfana de madre, María (Tessa la), vive feliz con su padre y el mejor amigo de éste hasta que un trágico accidente lo cambia todo. En la ciudad de Las Cruces, en la frontera de Nuevo México, dos adolescentes, Mariana (Jennifer Lawrence) y Santiago (J.D. Pardo), luchan por sacar adelante su amor después de la repentina muerte de sus padres.

En un remolque abandonado, una ama de casa, Gina (Kim Basinger), emprende una apasionada aventura que conectará a Sylvia y a los demás, haciendo que sus mundos colisionen.

Guillermo Arriaga se embarca en su primera experiencia como realizador, sin dejar su labor de guionista, con resultados desiguales, ofreciendo una propuesta tan irregular como gélida en su composición.

De nuevo, nos encontrarnos temas y situaciones recurrentes en el imaginario del guionista mexicano: vidas rotas, traumas del pasado, desamor, infortunio, pecado o desesperación. Pero curiosamente, a diferencia de en algunas cintas de Iñárritu [1], aquí hay cierto lugar para la esperanza y para las segundas oportunidades, pero todo desde un oscuro dramatismo.

“Lejos de la tierra quemada” es un film que se estructura siguiendo un montaje acronológico sin demasiada justificación, como viene siendo habitual en las historias de Arriaga. Pero a diferencia de la trilogía del dolor (Amores Perros-21 gramos-Babel), aquí se juega con vidas entrecruzadas pero también con flashbacks de personajes ya incluidos en otras historias insertados en ocasiones de forma confusa con el único objetivo de intentar ocultar cierta pobreza o vacuidad en el conjunto. De esa confusión se pretende construir un previsible puzzle ya visto en telefilms del calibre de “21 gramos” pero sin su fuerza actoral.

Guillermo Arriaga se muestra en su debut como director algo más contenido que en las dos últimas colaboraciones con Iñárritu. Gracias a dios no nos encontramos la excesiva grandilocuencia de sus anteriores trabajos (sobre todo el que le valió el premio de Cannes a Iñárritu …), aunque eso si, parece inevitable encontrarnos con el omnipresente tufillo a fatalismo inverosímil de sus relatos.

Quizás en donde haya estado más desligado de esa estructura haya sido en “Los tres entierros de Melquiades Estrada“, pues aunque en su primera mitad habitaba también la confusión y un montaje con saltos temporales, ello daba paso a una segunda en donde teníamos un western crepuscular de lo más violento y para nada complaciente. Curiosamente, para un servidor el film dirigido por Tommy Lee Jones es el que posee el libreto de Arriaga más agraciado y potable. La fórmula de Arriaga para contar historias parece que empieza a dar señales de agotamiento y evidente extinción a la larga.

“Lejos de la tierra quemada” es un film sencillo cumpliendo en el apartado formal (Arriaga consigue una buena realización en su film debut, aunque su esteticismo resulta algo gratuito) pero con una propuesta narrativa que ya resulta algo repetitiva y cansina. Su gélidez sirve para guardar distancias con la acción, aunque bajo mi criterio, son demasiadas, ya que no solo no emociona lo que debería emocionar (nunca llegando a la banalidad) sino que parece más bien un mosaico de situaciones y sensaciones a medio gas quedándose en un film dramático poco consistente.

Las actuaciones son correctas, destacando por encima de todas la de Jennifer Lawrence, sin lugar a dudas lo mejor de la película. Del resto tenemos a una limitada Kim Basinger (actriz sobrevalorada donde las haya), un inexpresivo Joaquim De Almeida y una Charlize Theron que aunque contenida, ofrece una actuación por debajo de sus posibilidades, optando por esa nueva moda de mostrar un look desaliñado (sin ir más lejos, como el caso de Brad Pitt en “Babel” (2006)) en busca de un ansiado premio que evidentemente no llegó. Personalmente me parece mejor actriz de lo que ofrece en este film -eso ya se puedo ver en “En el valle de Elah” (2007) con su correctísima actuación-, porque a pesar de sus carencias, posee una presencia destacable. Al menos en “Lejos de la tierra quemada” no recurre a la sobreactuación de anteriores trabajos claramente sobrevalorados, como es el caso de la horrenda “Monster” (2003) de Patty Jenkins.

Visionando el film un servidor deduce que o bien el cineasta mexicano no ha tenido libertad absoluta (con el ansiado final cut) para rodar ciertas escenas o bien la falta de experiencia en el terreno y sus claras miras a las formas en que Iñárritu planificaba, le han privado de que algunos momentos posean un mejor acabado.

Pongamos un claro ejemplo de ello: la escena (segunda captura adjuntada en esta crítica) en que Carlos (José María Yazpik) va a visitar al hospital a Santiago (Danny Pino), el cual acaba de tener un grave accidente con la avioneta. Dicha escena está estupendamente resuelta porque siempre se ve desde el punto de vista de María (Tesse La), observando desde el cristal lo que ocurre en la habitación, mientras padre (Santiago) y amigo (Carlos) discuten sobre algo que ni el espectador puede adivinar, representando la tristeza del momento con esa lágrima que recorre el rostro de María. Y es lo que muchas veces se ha comentado: la dificultad en el cine actual de aguantar planos o primeros planos. He aquí un ejemplo. Lejos de aquel famoso primer plano de la maravillosa Gong Li que Zhang Yimou rodó en “La linterna roja” (1991), aquí Arriaga en vez de mantener el plano intentando expresar o inspirar mediante la exploración del rostro humano (en este caso de Maria), corta la escena relegándola de ser algo realmente interesante y destacable.

A parte de esas escenas que personalmente no me convencen en su acabado, no podemos obviar ese final de película tan empalagoso como mediocre, que bien podría haber sido un spot de tv de la campaña de marketing del film. El final, aunque formalmente interesante, resulta muy forzado, estructurado en ese mini videoclip resumen de la película usando esa manera tan poco sutil de relacionar los acontecimientos al son de una música claramente santaolalliana. Un final que nos recuerda al de otra pesadilla cinematográfica llamada “Crash” (2004) de Paul Haggis.

El esfuerzo por el cineasta mexicano de contarnos esta historia fronteriza de amores imposibles, desiertos naturales y anímicos, sentimientos abruptos, adulterios, asesinatos, familias enfrentadas y redención es estimable pero insuficiente, supongo porque siempre da la sensación de que puede dar más, está todo a medio camino y que en conjunto no ofrece algo lo necesariamente potente como para que el espectador se sienta interesado e identificado emocionalmente (tanto con sus personajes como con la historia que nos narra). Se queda en una especie de revisión mexicana de Romeo y Julieta pasada por la brocha gorda de “Babel“, con un poquejo de fatalismo made in “Crash“.

Guillermo Arriaga siempre ha sido un guionista claramente sobrevalorado, pues sus guiones rezuman fatalismo inverosímil, hiperdramatismo caduco y se estructuran en un montaje acronológico jamás justificado. En su debut como director, aún cumpliendo en el apartado formal (en ocasiones con cierto esteticismo gratuito), sigue en la misma senda y empezamos a pensar que el problema es que es incapaz de ofrecer algo diferente.

[1] Recordemos que Arriaga ha firmado todos los guiones de todas las películas de Alejandro González Iñárritu, hasta “Babel” (2006) que supuso el fin de su colaboración profesional y de su amistad.

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Ayer nos enteramos de la triste notícia. Jacinto Molina (Paul Naschy), al cual conocí muy gustosamente en el salón del cómic del año pasado, ha fallecido.

Sin duda, Paul fue uno de nuestros actores más internacionales, aunque la fama le llegó a nivel nacional algo tarde. Decir que actualmente está considerado como uno de los grandes dentro del fantástico en nuestro país (el cual no solo interpretó a todos los monstruos clásicos sino que a la vez compartió cartel con mitos del género como Bela Lugosi, Christopher Lee o Peter Cushing). Fue a la vez uno de los impulsores en los inicios del festival de Sitges y sobre todo era una persona afable y un gran cinéfilo.

Dando por hecho el estreno inminente de “La herencia Valdemar“, no sé si verán finalmente la luz algunos de sus proyectos semiacabados o en proceso (esperemos que alguien los retome o los finalice).

Otro tema es los pocos premios que recibió a lo largo de su carrera, su mayoría en cértamenes de corte fantástico, y como bien dicen José Luis Alemán el director de “La herencia Valdemar” respecto a la falta del goya honorífico: “La Academia del cine no fue lo suficientemente valiente como para reconocer el trabajo del único mito europeo del cine fantástico“. A lo que añade acertadamente “Todos tenemos mejores o peores trabajos, pero de sus cien películas, más de la mitad son todavía objeto de culto en países como Estados Unidos, Japón y Alemania“.

Sin duda, uno de los mejores hombres lobo que ha dado el cine, con permiso de Lon Channey Jr. Por último, recomendar el notable libro sobre Naschy titulado “Paul Naschy, la máscara de Jacinto Molina” escrito por Ángel Agudo y Ángel Gómez.

Os dejo una de sus últimas entrevistas que le hicieron este octubre pasado en Sitges:

Hasta siempre maestro!

Ciencia Ficción, Fantástico, In Memoriam, Terror cine español, cine fantástico, El hombre lobo, In Memoriam, Paul Naschy

Cuando el gobernador de Argos decide sacrificar a su hija y a su nieto Perseo, el dios Zeus (que es el padre del niño) decide salvarles y arrasar la ciudad.

Perseo crece feliz en su nuevo hogar, hasta que la diosa Thetis, en venganza por cómo Zeus ha castigado a su hijo Calibos con una horrible deformidad, saca a Perseo de su hogar y le abandona a su suerte. Al conocer la noticia, Zeus ordena a otros dioses que ofrezcan algunos regalos mágicos a su hijo para protegerle.

Así, Perseo, que ha conocido a un viejo actor de teatro, encuentra una mañana una prodigiosa espada, capaz de cortar la piedra, un casco que le hace invisible, o un escudo que le proteja de cualquier daño. Con ellos se dirije a la cercana ciudad de Joppa, sobre cuya princesa pesa una maldición.

En Marzo de 2010 en USA sale la edición del clásico harryhauseniano “Furia de titanes” (1981), en blu-ray formato digibook de 40 páginas.

Los extras que contendrá la edición serán los siguientes:

• Una conversación con Ray Harryhausen.
• Galería de mapas de mitos y monstruos.
• Trailers de cine (tanto del original de 1981 como de la versión de 2010).
• Fotos exclusivas de la versión de 2010.

Extras algo pobres, pero veremos como andará de imagen y sonido, me espero algo a la altura del formato (viendo lo que hacen con algunos clásicos como “Quo Vadis“, cuya imagen en HD es espectacular).

Por estos lares debería editarse esto si no por las mismas fechas, no mucho más tarde en teoría.

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