Officially, it’s called “The Lost Complete 5th Season Dharma Initiation Kit“. The kit includes disc holders that look like floppy disks, pamphlets, stickers, maps, a VHS of the Orientation Video, and recruitment materials for the Dharma Initiative.

Included in the set is all 17 episodes of season 5, plus never-before-seen bonus materials, including cast interviews, deleted scenes, behind-the-scenes features, and some extra content only for Blu-ray.

Be among the first to receive your copy of the Lost Season 5 DVD or Blu-ray set – Lost: The Complete Fifth Season Dharma Initiation Kit.

The Lost season 5 DVD and Blu-ray sets are being promoted online through the Lost University experience.

Simplemente alucinante…

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Os dejo con un fabuloso plano secuencia de “Y tu mamá también” (de las mejores películas sobre el carácter efímero de la amistad, con unas actuaciones brillantes del trío protagonista), digirida con maestría por Alfonso Cuarón, un cineasta que ya demostró años después con “Hijos de los hombres” que su virtuosismo tras las cámaras no era casualidad.

Hay muchas escenas destacables en la cinta, aquí va una de ellas:

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Cuando lo inquietante se vuelve previsible:


Micah (Micah Sloat), un comerciante, y Katie (Katie Featherston), una estudiante que asegura que una entidad fantasmal la persigue desde su juventud, están comprometidos. Cuando Katie nota que el fantasma la ha seguido a su casa de dos pisos en un suburbio de San Diego, California, Micah compra una cámara de video con la esperanza de capturar la actividad paranormal, un proyecto que duraría unas tres semanas.

El intento de comunicarse con el ente es profundamente desaconsejado por el Dr. Fredrichs, un médico que descubre que la pareja está siendo molestada por un demonio que se alimenta de energía negativa y que está decidido a perseguir a Katie, sin importar dónde ella esté. El Dr. Fredrichs les recomienda que se contacten con el Dr. Abrams, un demonólogo, pero Micah se niega, provocando varias discusiones entre él y Katie.

Cada noche, Micah instala la cámara sobre un trípode dentro de su habitación para grabar todo lo que pueda ocurrir mientras Katie duerme. Él intenta documentar diversos fenómenos, como objetos que se mueven sin razón, luces y televisores que se encienden y se apagan solos, y sonidos que van desde voces y gruñidos hasta pisadas y golpes. Los extraños acontecimientos pronto llevan a Katie a despertarse y pasar varias horas parada junto a la cama o a ir al patio trasero para sentarse en el columpio, comportamiento que ella olvida a la mañana siguiente. Pero ¿hasta cúando la pareja seguirá atormentada por el espírtu demoniaco?.

Han pasado meses desde su estreno en USA, pero todavía hoy en día, uno sigue preguntándose el porqué del enorme éxito cosechado por una película tan mediocre. Sin lugar a dudas, “Paranormal activity” es la mayor tomadura de pelo estrenada en 2009, y creo no ser el único en opinar así. Os preguntaréis el porqué de semejante y severa afirmación, pues es bien sencillo. Bajo el humilde punto de vista de quien escribe estas palabras, el film de Oren Peli pretende jugar en la misma liga que cintas como “[•REC]” (2007), “Cloverfield” (2008) o “The blair witch project” (1999) metiéndose un monumental tortazo en su intento. Un falso documental tremendamente decepcionante, que no sabe explotar sus virtudes ni jugar sus cartas. El director jamás experimenta con las posibilidades que otorga el falso documental, únicamente lo utiliza como vehículo para presentarnos su primer film de corte amateur entre amigotes con una historieta de fantasmas que no aporta nada nuevo al género y no cesa en su mirada (de reojo) a otras películas mucho más interesantes y mejor rodadas como las nombradas anteriormente.

Para quien tenga algo de memoria cinematográfica, “Paranormal activity“[1] no solo no le dará miedo sino que además tampoco le llegará a sorprender (Ruggero Deodato ya rodaba falsos documentales en los 80, recordemos la inclasificable “Holocausto caníbal” (1980), con mucho más tino y siendo un claro precedente de las pelis de Myrick & Sánchez y Balagueró & Plaza), pero lo que es peor, es que durante la proyección llega un punto en donde el hastío se apodera totalmente del espectador, importándole tres pimientos lo que les pase a los personajes (desde el hirritante Micah hasta Katie) y haciéndose evidente un exceso en la duración. Que ocurra eso en un film tan ajustado en ese aspecto (no llega a la hora y media), realmente tiene delito.

Se vislumbra en todo el metraje cierta dejadez o pereza en el apartado formal, a medida que avanza la trama. Supongo que Oren Peli era algo consciente de que rodaba un film mediocre, cutre y sin demasiado talento, por tanto, ni él mismo podría imaginar que Paramount[2] y media USA quedarían rendidos a sus “encantos” dos años más tarde de su realización. Si algo hay destacable en todo este despropósito supongo que serán sus buenas intenciones, mostrar un terror cercano a lo cotidiano y doméstico (sin abandonar los tópicos), y jamás recurrir al ketchup para inquietar, sino usando un terror más sugerente (y más barato) dejando en ciertos momentos la acción fuera de campo o usando la imagen fija de la cámara que observa los acontecimientos durante la noche, aunque en conjunto todo llevado sin demasiado talento, desaprovechando la oportunidad de jugar con lo oculto de forma más sabia.

Desde aquí uno querría aclarar que adora el terror sugerente y las cintas filmadas con shaky-cam, pero si con “Cloverfield” o “[•REC]” nos encontrábamos con un viaje subjetivo hacia al terror más tangible, via el reportaje televisivo o el video diario seudo apocalíptico, aquí nos encontramos una historia tan predecible como insatisfactoria para el espectador curtido en materia.

Lejos de las alabanzas del público americano y parte de la crítica (sobre todo las entusiastas palabras hacia la peli desde bloodydisgusting.com o del irregular Roger Ebert de Chicago Sun Times), posiblemente lo que más me gusta del film, sea la total ausencia de música (solo diegética) y el uso del silencio. Aunque su corte amateur y no recurrir a los FX de turno, no servirán para que Oren Peli nos engañe xD, pues como he dicho, en ningún momento parece saber qué hacer con la cinta ni como explotar las partes de la trama potencialmente interesantes cayendo en tópicos, una y otra vez y volviéndose rutinaria, pareciendo todo demasiado insustancial a la postre.

Está muy bien el hecho de sugerir más que mostrar pero solo si hace con talento y riesgo, sino es mejor dejarlo. Una película tan vapuleada por todos como la interesantísima cinta entorno al falso mito de la bruja de Blair, nacida también del marketing viral, pero que a diferencia de “Paranormal activity“, sabe perfectamente jugar sus cartas muchísimo mejor via la improvisación de los actores y la sorpresa (incluída la de los propios intérpretes) llevando el falso documental a terrenos justamente de documental, porque su ansiedad muta de ficcionada a real. Ciertos sectores afirman que no es tan terrorífica porque es menos doméstica y menos cercana que el film de Oren Peli, pero digan lo que digan, opino que la película de Myrick & Sánchez, resultaba mucho más fresca e interesante aunque no perfecta. Y si que ofrecía novedosas maneras de vender una cinta via internet u otros medios.

No busquéis tres pies al gato, porque no existe nada novedoso o revolucionario en esta propuesta, solo un producto de lo más previsible con un incalculable número de clichés sobre las ghost house stories. Una película construída en clave de falso documental intentando ocultar su enorme vacuidad, no solo formal (básicamente por no arriesgar jamás), sino también argumental. Sinceramente, un servidor no recuerda con anterioridad haber sufrido un film de menos de 90 minutos con tal cantidad de tiempos muertos rellenados con escenas puramente gratuitas que cualquier director con dos dedos de frente hubiera desechado en la sala de montaje, básicamente porque no solo no nos cuentan nada sino que además tampoco aportan en el aspecto formal.

Podrá ser un éxito de masas, podrá ser la leche en vinagre para ciertos críticos con problemas oftalmológicos, pero a un servidor el señor Oren Peli no le engaña con su vacua pelicula que tristemente parece ser destinada a culto (para algunos). Una de las mayores tomaduras de pelo estrenadas este año, así de claro!.

Evidentemente Oren Peli no es Werner Herzog, éste si sabe sacar partido al falso documental.

[1] La cual, por su historia, no daba para un largometraje ni de coña. La cinta data del 2007, pero aprovechando el estreno en 2009, han sacado finales alternativos de la chistera, y a cual peor…

[2] Incluído Steven Spielberg, quién llegó a decir que no mucho después de que ver el film, la puerta de su dormitorio vacío quedó inexplicablemente cerrada por dentro, teniendo que recurrir a los servicios de un cerrajero. O bien el rey Midas ya chochea o bien le gusta mucho el dinero, ya que recordemos que Dreamworks forma parte de Paramount y él también se llevará un buen pellizco por el éxito de esta tomadura de pelo.

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“Los planetas” es quizás el grupo que mejor ha representado el indie español en las últimas dos décadas, el cual no solo posee discos memorables sino videoclips de gran factura, muy por encima de la calidad habitual, al menos en el sector español.

“Los planetas” no son ni más ni menos que una pequeña colección de datos y un enorme aluvión de sensaciones y de sentimientos, de recuerdos y nostalgia, de noches de música y melancolía. Un origen subterráneo en Granada a principios de los 90 y la única intención de transmitir un mensaje a través de un vehículo artístico, consiguieron forjar uno de los grupos históricos del panorama patrio.

En general, la mayoría son excelentes, pero os dejo con tres canciones cuyos videos musicales son simplemente sensacionales:

Uno de los mejores grupos que ha dado España

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No sé vosotros, pero personalmente me da la sensación de que poco a poco el propósito de las salas de cine está tendiendo a ser algo más circense que cultural.

Atrás quedaron aquellas salas de reestreno míticas con sesiones dobles que intentaban descubrir o redescubrir fantásticas películas (tanto de autor como buen cine comercial), las cuales podías ver una y otra vez pagando solo una entrada y que destilaban un aroma a clásico difícilmente olvidable (en mi barrio al menos, estaba el cine Astor, en donde siendo un enano pude ver cosas tan diferentes como “Robocop“, “Akira” o “El último emperador“).

Actualmente estamos inundados por las salas hechas por y para adolescentes, me refiero a las multisalas. Lugares sin ningún tipo de personalidad, habitualmente clónicos y destinados al consumo puro y duro.

Y hoy en día, parece que hayamos vuelto a los 80 con la manía por el 3D. No es que esté en contra de las nuevas tecnologías y tal, pero considero que se debería dar la opción de elegir entre 2D tradicional y 3D en todas las películas (incluso aunque hayan sido concebidas para el 3D), ya que es posible que ciertas personas -gente mayor en su mayoría- no les interese ver el film en las, a veces mareantes, tres dimensiones. No tengo nada en contra del 3D, siempre y cuando en el film haya un fondo, haya una película más allá de la técnica. Permitidme dudarlo con el caso “Avatar“, pues los trailers invitan a un festín de “guerra de los clones” e historias muy manidas, pero poco más. Espero equivocarme, porque había y todavía existe mucha expectación al respecto.

Dejando de lado el uso reiterativo del 3D en las producciones yankis ,en algunos casos justificado (“Up“, en donde sirve para jugar con la profundidad de campo), en otros solo para sacar cuartos (“San Valentín sangriento 3D“, una excusa para hacer un remake de la película de George Mihalka); para un servidor, el colmo de los colmos, en cuanto a usar el cine como una feria o como un parque de atracciones, ha sido la decisión de Mediapro (es decir, de Jaume Roures) de proyectar el Barça-Madrid -supuestamente en HD, aunque no sé si está confirmado- en las salas de cine.. y ojo, a precio de entrada de cine, es decir de siete a ocho euros dependiendo del recinto.

Decir que soy todo un amante del deporte (del fútbol sobre todo) pero me parece esto una auténtica tomadura de pelo y una vergüenza. Y no solo porque el jaleo monumental que se pueda montar en la sala, posiblemente impida a la gente de salas adyacentes poder seguir la película con tranquilidad, sino porque veremos a ver como dejan la sala a posteriori y si no hay trifurcas (y encima a oscuras xD). Evidentemente, Roures y compañía deberían tener en cuenta que el cine no es un bar deportivo, pero el bolsillo puede más.

Han llevado al cine, lugar sagrado para ver películas, el fútbol y las cansinas atracciones 3D made in USA. ¿Qué será lo siguiente?.

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La trágica pérdida de su hijo justo antes de nacer, ha dejado destrozados a Kate (Vera Farmiga) y John (Peter Sarsgaard), pesando en su matrimonio y la frágil psique de Kate, atormentada por las pesadillas y perseguida por los fantasmas de su pasado. En un esfuerzo por recuperar cierta normalidad en sus vidas, la pareja decide adoptar una niña. En el orfanato local, tanto John como Kate se sienten extrañamente atraídos por una niña llamada Esther (Isabelle Fuhrman).

Sin embargo, en cuanto Esther llega a su hogar, empiezan a producirse una serie de acontecimientos alarmantes que hacen que Kate llegue a creer que algo malo pasa con Esther, y que esa niña de aspecto totalmente angelical no es lo que aparenta. Preocupada por la seguridad de su familia, Kate trata de que John y los demás sean capaces de ver más allá de la dulce fachada de la niña. Pero nadie le hace caso hasta que puede que sea demasiado tarde… para todos.

Seamos francos, “La huérfana” no engaña a nadie. La historia que nos cuenta promete tópicos, situaciones familiares y algún que otro susto fácil, pero a diferencia de otras cintas de terror al uso que recurren al ketchup en exceso (la enferma saga “Saw“), al matarife de turno vestido de minero (“San valentín sangriento 3D“) o las que se construyen en clave de falso documental intentando ocultar su vacuidad (la decepcionante “Paranormal activity“, la mayor tomadura de pelo del 2009), “La huérfana” es una cinta digna, honesta y con una labor detrás de las cámaras competente.

Pesadillas cinematográficas del mismo género como “Expediente 39” (un despropósito más), hacen que la película de Collet-Serra, sin ser nada original, se convierta en una de las más divertidas, crueles y eficientes cintas que podemos ver actualmente en cartelera. El film bajo su apariencia de película de terror con niño coñón, esconde un thriller paterno-filial de lo más interesante desembocando en un tour de force femenino de rivalidad puramente sexual (como un “À l’intérieur” (2007) light, salvando evidentes distancias) y erigiéndose como una crítica de aupa entorno a la familia acomodada americana.

Si en la irregular y pobre “La casa de cera” (2005) el cineasta catalán tuvo que convivir -a parte del lamentable casting- con un infecto guión, que a la postre pesaba mucho sobre el conjunto, en este caso, aunque no cuente nada puramente original o novedoso, el libreto si posee unos mínimos para poder trabajar bien, logrando un acabado más redondo, y de paso, demostrando que es un director capaz de rodar con brío y eficacia.

Con claros ecos a cintas del subgénero como “La mano que mece la cuna” (1992) de Curtis Hanson y sobre todo “El buen hijo” (1993) de Joseph Ruben (con algunos tramos del guión sospechosamente similares), “La huérfana” es una film que se mueve por terrenos más crueles, densos y psicológicos que la película protagonizada por Macaulay Culkin, por no hablar de su mejor acabado formal.

Tras un arranque ciertamente pobre (salvo algún plano destacado), con ese momento onírico rodado de manera algo torpe y con unos personajes no demasiado creíbles, el film va mejorando poco a poco (tanto argumentalmente como en cuanto a realización) hasta llegar al clímax final (con sorpresa incluida que no rebelaré) resuelto de forma correctísima. Collet-Serra en este film se le ve con más criterio que en sus anteriores películas quizás por no estar tan ceñido a un guión o casting tan mediocres.

A diferencia de otros cineastas del género como pueden ser M.Night Shyamalan o Alexandre Aja, directores con un sello tremendamente característico, cuesta vislumbrar el discurso propio de Collet-Serra, pues parece más un artesano formado en USA que un inmigrante con sus manías propias. Con ello no quiero decir que sea un cineasta que no tome sus decisiones y tenga su personalidad, pero recalcar que, como él mismo reconoce, intenta hacer lo mejor que puede con los proyectos / encargos que le ofrecen. Decir que en esta película se nota su mejoría en la realización, algo más trabajada y sosegada que en anteriores trabajos, optando por un enfoque clásico y jamás haciéndose notar ni interfiriendo en lo contado, algo que se agradece.

“La huérfana” es una de esas películas que pese a sus convencionalismos o tópicos dentro del género, parece que casi nadie contempla sus virtudes. La gracia del film radica en su apuesta por lo tenebroso, por jugar muy bien sus cartas (el personaje de la niña sorda tratado y usado de manera notable, no ocultar la violencia en su justa medida o ser también una película dramática sobre la desestructuración de la familia y valores yankis) y por ser un film de suspense tremendamente oscuro, además de obligar a hacer una seudo relectura del conjunto tras su visionado.

La niña interpretada brillantemente por Isabelle Fuhrman, es un personaje rico en matices, oscuro y claramente dual. Capaz de presentar dos caras (como sus pinturas: a la luz del sol son infantiles, sobre luz de neón son psicópatas), sacar lo peor de los demás, intimidar directa o indirectamente, desestructurar una familia feliz y poner en entredicho constantemente a la madre, su rival en la casa. Tras la llegada de Esther. el matrimonio comenzará a tambalease y los vicios del pasado se asomarán en sus vidas (en el caso de la madre la bebida, en el caso del padre la infidelidad), llegando a crear tensiones y situaciones de lo más insostenible.

Aunque haya quien no coincida con mis impresiones, debo decir que me resultan justísimas las actuaciones de Vera Farmiga, ofreciendo una vez más sus limitaciones como actriz, siendo difícil poder creer su papel como madre[1] y de Peter Sarsgaard, que ofrece otra interpretación más de tipo que parece somnoliento (y van…) sin decir que es mal actor, pues ha trabajado muy bien en otros films, pero aquí parece apático en ciertos momentos y claramente inocente e inverosímilmente cegado en otros.

A diferencia de Farmiga y Sarsgaard, Isabelle Fuhrman brilla con luz propia, realizando una actuación tan sobrecogedora como sorprendente, llevando todo el peso del film y cargando con un personaje dual tan complejo como cenizo. Y no solo lo borda como niña sabelotodo o como niña repelente, sino más adelante cuando se ponen las cosas feas y se destapa la sorpresa final, en donde está inmensa cuando no es nada fácil expresar todo ese sentimiento de ira e impotencia en una niña de tan corta edad.

El buen trabajo de Collet-Serra tras las cámaras y la enorme actuación de Isabelle Fuhrman, consiguen transformar un film no exento de tópicos que parecía destinado a un público nada exigente, en un producto verdaderamente interesante, más oscuro y cruel de lo aparente, con buena factura y regalando al espectador un personaje de lo más cabrón. Un thriller sobre la desestructuración familiar y la rivalidad sexual disfrazado de film de terror, mucho más honesto que otras propuestas injustamente más alabadas por el público como la decepcionante “Paranormal activity“.

[1] Algo que ya ocurría (al menos a mi) con “El niño con el pijama de rayas” (2008) de Mark Herman.

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La historia da comienzo con la desaparición de Luisa Llorente (Silvia Abascal), una experta en tasación de inmuebles antiguos, que se había trasladado a la misteriosa mansión victoriana Valdemar, para realizar un inventario de los bienes de la propiedad.

Maximilian (Eusebio Poncela), presidente de la compañía para la que trabaja Luisa, contrata los servicios del detective Nicolás Tramel (Óscar Jaenada) para que la encuentre. No es la primera desaparición. Poco tiempo atrás otro tasador llamado Orquicia – compañero de Luisa y amigo del detective Tramel – también se esfumó cuando le enviaron a valorar el contenido de la mansión Valdemar; sin embargo, a la compañía Inmoberance el destino de este empleado parece traerle sin cuidado.

El detective se traslada al lugar de los hechos y emprende un viaje al pasado acompañado por la arrogante Doctora Cerviá (Ana Risueño), presidenta de la fundación Valdemar, quien le pone en antecedentes del caso y relata la tragedia de Lázaro (Daniele Liotti) y Leonor Valdemar (Laia Marull), el matrimonio que habitaba la casa de la leyenda allá por el año de 1880.

“La herencia Valdemar” es la ópera prima de José Luis Alemán, una cinta de corte fantástico con tintes terroríficos, la cual no ha contado con ningún tipo de subvención, esperando así poder abrir un camino para que el cine español se abra a otras vías (y no pase como en los casos de Collet-Serra, los hermanos Pastor o Luiso Berdejo entre otros, que han tenido que largarse a USA para poder rodar su primer largo). El film empleará las últimas técnicas infográficas (salvando las distancias con el cine americano o asiático), contando con un presupuesto estimado de 13 millones de euros, menos de la mitad de lo que costó “Ágora” o “Planet 51“.

“La Herencia Valdemar“, esta inspirada en la obra y mitología del gran escritor H. P. Lovecraft. En ella podremos personajes como el propio escritor o su colega Bram Stoker, así como el icono esotérico Aleister Crowley. El reparto está formado por Daniel Liotti, Óscar Jaenada, Laia Marull, Eusebio Poncela, Silvia Munt, Rodolfo Sancho, Luis Zahera, Silvia Abascal, Paul Naschy. Se estrena el 22 de Enero de 2010.

Os dejo con el trailer, el cual se presentó en la pasada edición de Sitges.

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Los próximos lanzamientos de Universal en blu-ray bajo el sello Studio Canal serán: “Al final de la escapada” (1960) y “Pierrot el loco” (1965) ambas de Jean-Luc Godard, “El mensajero” (1970) de Joseph Losey y “El quintento de la muerte” (The Ladykillers) (1955) de Alexander Mackendrick. Cuatro films absolutamente imprescindibles y se supone que en el caso de las pelis de Godard tirarán del máster de Criterion.

Supuestamente, se presentarán igual que las de la primera hornada de títulos, digipack con numerosos extras y libreto. Esperemos que también vengan acompañadas de una rebaja en los precios por parte de Universal (que ya es hora!).

La fecha de salida para estos títulos se estima que sea para el primer trimestre del 2010 (sobre mediados de Febrero-Marzo).

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Ya tenemos el primer trailer del remake de “Furia de titanes” (1981), con aquellos maravillosos efectos del gran Harryhausen!

Dirige Louis Leterrier, director de la insufrible “El increible Hulk“, veremos a ver que sale de todo esto xD, esperemos que sea un film de corte mitológico interesante y de paso, bastante mejor que “300“.

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En el siglo XXIII, la vida transcurre de forma plácida en una megalópolis ultramoderna, rodeada de cúpulas gigantescas hechas con un material semejante al cristal. En ella, sus parques resplandecen y las aceras están conectadas por laberintos. Sus habitantes dedican la mayor parte del tiempo a gozar de los placeres de la vida. Para ello cuentan con tiendas en las que pueden cambiar de personalidad y aspecto físico, gracias a la cirugía plástica instantánea. Aunque todo tiene un pero: sus vidas deben terminar a los 30 años.

Individuos que se cuestionan el sistema e inquietas por saber y sobrevivir, intentan huir de su efimera y preconcebida existencia en busca de un lugar llamado “Santuario“. Logan (Michael York), un vigilante de escapistas, ahora se verá en la obligación de escapar junto a Jessica 6 (Jenny Agutter), perseguidos ambos por Francis, ex-compañero de Logan y policía asesino, con el fin de imponer la justícia.

Tras la dorada década de los años 50 en cuanto a cine de ciencia-ficción se refiere (especial mención a la mítica “The twilight zone“, posiblemente una de las mejores series realizadas para la pequeña pantalla, con una factura plenamente cinematográfica), el final de los 60 y los 70 supuso un resurgimiento que desembocó en la no menos fructífera, década de los 80. Sin olvidarnos de la maestría mostrada por Truffaut en la, por algunos olvidada, “Fahrenheit 451“, el enorme talento visual y narrativo que ofreció Kubrick en “2001: Una odisea del espacio” (para un servidor, la mejor película de la historia) animó a otros realizadores a probar suerte en producciones entorno a distopías futuras de lo más interesante. Durante esos años se estrenaron cintas tan míticas como “El planeta de los simios” (1968) de Franklin J. Schaffner, “Solaris” (1972) de Andrei Tarkovsky (posiblemente el único que se ha acercado tanto visualmente como filosóficamente a la obra de Kubrick), “Naves misteriosas” (1972) de Douglas Trumbull, la extraña “THX 1138” (1971) de George Lucas o la misma “La fuga de Logan” (1976) de Michael Anderson.

Muchos de las hallazgos que todavía hoy en día se atribuyen a “La guerra de las galaxias” (1977) de George Lucas (sin negar que sea todo un clásico y un referente dentro del género), provenían de ideas de películas de años anteriores. Quien realmente revolucionó la manera de representar los FX en el cine de dicho género y le otorgó un carácter más filosófico y profundo fue Kubrick, aunque Lucas lo llevaría posteriormente a terrenos más comerciales y lúdicos.

“La fuga de Logan” es una de esas películas claramente a reivindicar, un clásico setentero olvidado o desconocido tristemente por las nuevas generaciones y sin esperanzas de que la televisión pública abandone su afán de basar su programación en reality’s de turno y vuelva a confiar en el buen cine. El film es una libre adaptación de la novela de William F. Nolan y George Clayton Johnson publicada en 1966, cuya mayor diferencia radica en el límite de edad impuesta por ese sistema totalitario de control de población: en la novela eran 21 años, en el film son 30 (supongo que para que tener más margen con los actores).

Otras diferencias importantes serían el cambio de algunos nombres (del Logan 3 del libro al Logan 5 del film), los sentimientos de Logan 5 hacia Jessica 6 (en la novela está claramente enamorado, en el film es todo más ambiguo hasta la parte final), la motivación que mueve al personaje de Logan (en la novela es sobre todo la de transformarse en fugitivo para acompañar a Jessica 6 por amor, mientras que en el film Logan es enviado para la localización de aquellos que, a pesar del férreo control, han logrado huir al exterior despojándose de su sacrificio y formando una sociedad alternativa). Sobre todo, Logan 5 es enviado para encontrar y destruir el “Santuario“, lugar que en el libro parece existir en el espacio en algún lugar cercano a Marte, pero que en la película todo parece que se trate de un mito.

El film está claramente dividido en dos partes. Una primera parte futurista y psicodelica y una segunda parte clásica y reveladora (como una vuelta a los origenes o el final del camino hacia la verdad). La primera mitad del film nos presenta una cuidad de corte tan futurista como retro (con un diseño de producción, decorados y vestuario -calificados por algunos como de hortera- fascinantes, por muchas críticas que reciba en ese aspecto, y unos FX[1] de corte tradicional realmente muy dignos para la época).

En dicha primera parte, podemos ver ese mundo futuro automatizado, organizado y controlado por un super ordenador claramente deudor del gran hermano orwelliano, en donde cada uno de los individuos dependiendo de su edad o sus funciones quedan diferenciados (e identificados) por sus vestimentas y el color de su identificador (una especie de diamante) en el centro de su mano. Individuos que confiesan en cabinas sus dudas o temores a esa computadora omnipresente, representada curiosamente con la imagen de un mesías: Jesucristo.

Un mundo lujoso, lleno de placeres y en donde no existen diferencias sociales evidentes, pero cuando los habitantes alcanzan los 30 años son asesinados (o como lo llaman ellos, renovados) en un diabólico ritual llamado “Carrusel“, todo para controlar la población (evidentemente los niños no nacen, son cultivados). Aquellos que osan escapar a su trágico destino, serán perseguidos por los vigilantes, hasta su exterminio. En “La fuga de Logan” podemos encontrar claras similitudes con “1984” de George Orwell o con “Un mundo feliz” de Aldous Huxley, en presentarnos esa sociedad falsamente gratificante y a la postre represiva.

Como pasaba en ambas novelas, en “La fuga de Logan” existe una humanidad saludable, con todo tipo de lujos, sin problemas psicológicos aparentes, con tecnología avanzada a su disposición y sin motivos para el cambio, pues todo está diseñado para ser supuestamente perfecto. La guerra y la pobreza han sido erradicadas y la felicidad parece reinar, incluso aceptan el terrible “carrusel” como algo festivo, como si de un circo romano se tratase. Esa sociedad tan perfecta y controlada al milímetro otorga tanto como extrae, pues de esa aparente felicidad forzada se pierden cosas tan vitales como la libertad individual, los valores, la cultura, el arte, la família y sobre todo, el amor.

Una primera mitad notable cuyo aire psicodelico es potenciado por la enorme banda sonora electrónica de Jerry Goldsmith, por una estética retro y por esos enormes y fantásticos escenarios (tan mejorables como eficaces) que van desde esas cúpulas o laberintos hasta los interiores, basados en la estructura de los centros comerciales.

La segunda mitad del film, sería el final de la huida de Logan 5 con Jessica 6, ya en el exterior, y el posterior descubrimiento de la verdad. De esa segunda mitad, de la cual no rebelaré demasiado, destacar algunas cosas: el robot Box (un guardián de lo más interesante, a pesar de contar con un diseño y acabado – excesivo en aluminio- algo desfasado), un Peter Ustinov como siempre colosal representando la mayor y única esperanza de una vida libre y natural o los espectaculares matte shots[2] de un “Santuario” (antiguamente la ciudad de Washington) -con esa impecable escena de la estatua de Abraham Lincoln llena de enredaderas- destruído por la guerra, la contaminación y la superpoblación.

El hecho de que la novela en ciertos aspectos difiera bastante con el film, no significa que éste por si solo no sea una estimable cinta de ciencia ficción. El film de Michael Anderson, posiblemente sea de los últimos en el uso de efectos tradicionales en manos de verdaderos artesanos de los trucajes (que en ciertas ocasiones se echan en falta en los tiempos que corren de digitalización excesiva), ya que al año siguiente se estrenaría la revolucionaría en muchos aspectos, cinta de George Lucas, que proseguería con lo alcanzado por el film de Kubrick en cuanto a efectos especiales y fotográficos, sin olvidar los sonoros.

Sobre la dirección de Michael Anderson decir que es correcta y sumamente dinámica. Anderson es un cineasta de lo más irregular y, no vamos a negarlo, justito, cuya filmografia cuenta con cintas estimables como “Las sandalias del pescador” (1968) o la entretenidísima (pero poco más) “La vuelta al mundo en 80 días“, aunque también con despropósitos del calibre de “Orca la ballena asesina” (1977) o la fallida “Conspiración en Berlín” (1966) entre otras. Para un servidor, su mejor película es justamente “La fuga de Logan“. No he podido ver todavía su versión de “1984” (1956), por tanto, no puedo opinar sobre ella.

Y como buen director británico, el casting, no era para menos, también británico. Un Michael York correcto y una Jenny Agutter absolutamente inexpresiva se dejan aleccionar por un colosal Peter Ustinov, el único que es capaz de otorgar alma a su personaje.

“La fuga de Logan” es todo un clásico de la sci-fi de los 70, una de esas películas que parecen haber caído en el olvido y que estamos obligados a rescatar y reivindicar para las nuevas generaciones (más familiarizadas con productos como la espantosa “La isla” (2005), toda una burda copia de este film y de escritos de Philip K.Dick).

Una cinta bien realizada, que invita a la reflexión sin dejar de lado la evasión, sensiblemente ingenua en ciertos aspectos, pero que en conjunto supone una más que decente prueba de buen cine de género. Todo un canto a la libertad individual en contra de los sistemas totalitarios orwellianos.

Se espera un remake en 2010 producido por Joel Silver, supongo que para intentar llevarla más fielmente desde el punto de vista tecnológico, espero que sepan lo que hacen, pero de momento, y viendo quien produce, miedo me da.

Una fantástica parábola futurista llena de metáforas sobre la destrucción de nuestra sociedad.

[1] Considero que es incoherente intentar analizar los logros o tecnologías del pasado desde la potencialidad del presente, por tanto, se deben considerar siempre desde el punto de vista temporal a la realización del proyecto.

[2] Matte Shot (aluminio recortado) o Glass Shot (cristal): Se construye un cristal o aluminio enorme,se encaja sobre el paisaje y se pinta, para que no se note el trucaje.

Ciencia Ficción, Críticas, Drama, Fantástico Michael Anderson, Michael York, Peter Ustinov

Takashi Miike -japonés y enfermo mental de nacimiento- es uno de los directores asiáticos más peculiares, transgresores, controvertidos y desenfadados de la actualidad. Capaz de moverse entre géneros como pez en el agua (desde el terror, a la comedia pasando por el musical), siempre se ha caracterizado por ser amante de la polémica (y la casquería) y no dejar indiferente a nadie.

Su vastísima y freak filmografía (es un cineasta enfermamente prolífico) le ha llevado a convertirse en uno de los enfants terribles por excelencia del panorama internacional y en un director de culto para los fans. Aunque, si bien es cierto, su cine cuenta con igual número de admiradores que de detractores, saltándose las barreras habidas y por haber (los cánones preestablecidos no existen en su cine) y mantiendo su fidelidad a lo bizarro y a lo claramente pulp.

El status de director de culto, en ciertos países, ha sido un proceso lento y costoso, pero hoy en día, Miike es ya un clásico en los festivales de cine fantástico y de terror de medio mundo, incluso se han editado (sorprendentemente en países con distribuidoras que tan poco suelen arriesgar en el mercado de video como España) ediciones muy majas en dvd de algunas de sus películas más conocidas. Algunas de sus cintas más destacables son “Visitor Q” (toda una – enferma- vuelta de tuerca no confesa a “Teorema” de Pasolini), “Graveyard of Honor“, uno de los cortos de “Three Extremes“, la fantástica “Audition” con su terror in crescendo, la excéntrica fábula musical “La felicidad de los Katakuri“, la brutal trilogía “Dead or Alive” o la misma “Ichi the killer“. Recalcar que “One Missed Call (Llamada perdida)“, una película de calidad más que dudosa, se considera más un encargo que un proyecto propio, y lógicamente se nota.

“Ichi the killer” nos narra la historia de un conocido jefe de la Yakuza (la mafia japonesa), el cual de repente desaparece junto con un botín de cien millones de yenes. Su mano derecha, el sanguinario y masoquista Kakihara (Tadanobu Asano), y el resto del clan, emprenden su búsqueda, ya que no creen que se haya fugado. Para encontrarlo utilizarán todos los métodos que consideren oportunos, ya sea torturando o matando.

Así, Kakihara consigue averiguar que lo que pensaban que era una desaparición, es en realidad un asesinato, cometido por un hombre llamado Ichi (Nao Omori), un esquizofrénico que cuando pierde el control puede hacer picadillo, literalmente, a cualquiera. Con esto, quiere resarcirse de los traumas de la infancia, aunque lo que consigue es lo contrario. Pero Ichi no esta sólo en esta lucha, le acompañan unos repudiados del clan, destacando a Jijii (Shinya Tsukamoto), que es la cabeza del grupo y quien incita al caos que se organiza.

Sería tremendamente superficial si se calificara a “Ichi the killer” con un film extreme sin más. Está claro que es una cinta en donde la hemoglobina tiene un claro protagonismo, pero tras las manchas de ketchup, se encuentra una feroz crítica al sistema actual japonés y una seudo radiografía de un villano[1] esquizoide, tímido, atormentado, frágil, voyeur y sexualmente incontrolable.

Como he comentado anteriormente, la gracia del cine de Takashi Miike radica en esa exploración de terrenos que confunden placer con dolor, enmarcado en un mosaico en donde lo absurdo acapara todo y la crudeza queda suavizada por un humor entre negro y delirante. Fuera de todo convencionalismo, el cineasta nipón propone una historia de tripas y visceras con el honor yakuzero de telón de fondo…. y creánme, pocas veces se han visto a mafiosos tan enfermos y desquiciados!.

Para que engañarnos, la película es brutalmente violenta, pero Miike sabiamente lo adorna con un aire cómico constante e incluso se ríe de sus propios personajes hiperboleizados hasta extremos justamente miikeanos. Unos personajes que parecen haber sido sacados de anime / manga o de un videojuego de lo más sanguinario.

Personajes claramente masoquistas, cuya idea del placer difiere de la del resto de los mortales, fácilmente manipulables, inestables emocionalmente, otorgando al sexo un sentido dictatorial y claramente desagradable (ver como se tratan a las mujeres en el film), productos de la incomunicación japonesa actual, hijos de las leyes yakuza y víctimas del caos. Todo eso y más habita en este film.

El hecho de que la película se inicie con una salpicadura de semen, de la cual se crean los títulos de crédito, deja entreveer lo que estamos a punto de visionar: todo un festín gore sin pelos en la lengua. En ese punto debemos decidir si cancelar el visionado y hacer algo más provechoso o seguir asistiendo a este espéctaculo friqui y ultraviolento, solo disfrutable para amantes poco exigentes del género.

Considero a “Ichi the killer” una película que se le ha dado mucho más bombo de lo que merece, por consiguiente, la etiqueta “de culto” es un tanto impuesta, forzada, pues a la postre, se queda como un film claramente sobrevalorado por ciertas voces críticas, ya que no creo que posea la suficiente calidad como para haberse convertido en lo que sin duda es, una cult movie. Aunque también es innegable que tiene algo, supongo en su desenfadada puesta en escena, en su propuesta radical, en su abierto cutrismo, en su inconformismo, en su falsa realidad en forma de hiperbole constante (pues a pesar de su absoluta brutalidad siempre parece que de background tenemos un nuevo gag de esos que tanto gustan al realizador), sin olvidarnos del mal rollo que destila la cinta por momentos.

Su estilo cercano al anime pero en imagen real, basado en un cómic homónimo (“Koroshiya 1” de Hideo Yamamoto), el tratamiento de la violencia, el carisma de los personajes y la puesta en escena de Miike reflejan claramente las intenciones del realizador con esta cinta, la anarquía absoluta tras las cámaras, sin gastarse ni un duro.

Resulta destacable la manera en que se nos presentan los personajes, por ejemplo en el caso de Kakihara (Tadanobu Asano) con una toma desde atrás mostrando parte del rostro del actor, que con un solo giro y una calada (saliendo el humo por sus “branquias”) es suficiente muestra de lo temible que puede llegar a ser, todo ello sin ni siquiera haber abierto la boca, dando fe de la tremenda presencia de un actor del calibre de Tadanobu Asano.

Tadanobu Asano ofrece la actuación que destaca por encima de todas, una brillante creación de un personaje que en ningún momento se cree a si mismo y que se erige como uno de los protagonistas más locos, amorales y desquiciados que recuerde de los últimos años. Su máximo deseo radica poder dar con el asesino (Ichi) y que este no le defraude, que le sorprenda. Es todo como una búsqueda del sufrimiento en un entorno de una ya absoluta irracionalidad.Algo innegable es que Kakihara se ha convertido en un absoluto icono de la cinematografía contemporánea japonesa, incluso a nivel internacional en los sectores más friquis y cinéfagos.

Como buen fan de Asano, recomendar su filmografía sería caer en tópicos, pero debo reconocer que el actor suele atinar en la elección de sus proyectos (ha trabajado con lo mejorcito de Asia). Un actor que posee una versatilidad increíble, capaz de encarnar por ejemplo a un personaje tímido, retraído y suicida en potencia en la estupenda “Last life in the universe” e interpretar a Kakihara en “Ichi the killer“, un tipo chulo, seguro de sí mismo, sin límites, totalmente enfermo y creedor de que el máximo placer es directamente proporcional al autosufrimiento. Dos polos opuestos, pero en ambos casos con excelentes resultados en el trabajo interpretativo. Asano es el film, sin su presencia y sin su actuación, “Ichi the killer” no sería ni la mitad de lo que es.

Dejando de lado los litros de sangre que abundan en la peli, las torturas y palizas, de los cuerpos partidos por la mitad y de las amputaciones de lengua (entre otras “maravillas”), ¿Alguien se puede tomar en serio esta película?. Imposible.

En fin, “Ichi the killer” es un film en mi opinión interesante, aunque fallido en algunos detalles, el cual divaga en la segunda mitad con reiteraciones insulsas, pecando de exceso de metraje. Claramente deudor de la nueva carne cronenbergiana sin olvidar los guiños gore a cintas como “Hellraiser” (1987) de Clive Barker, resulta en su conjunto curioso por su forma de presentar algo ultraviolento con cierto aire cómico-friqui (para mi gusto, lejos de la maestría de un artesano como Sam Raimi) y por regalándonos a un personaje (Kakihara) totalmente carismático, llenísimo de matices, con una caracterización tanto vestuario como él mismo (piercings, cicatrices, etc…) absolutamente genial.

Un film irregular, con aciertos puntuales, que hará las delicias de los fanáticos del ketchup (mientras se tome como un divertimento friqui) y será aborrecido por aquellos que no dispongan de estomago lo suficientemente fuerte.

[1] Incluso lleva un traje como de superhéroe, aunque con cierto aire a power ranger.

Críticas, Rarezas, Terror, Thriller Asia, Ichi the killer, Koroshiya 1, Tadanobu Asano, Takashi Miike

Ayer falleció tristemente uno de los mayores artistas referente a lo cinematográfico de este país: José Luis López Vázquez, un actor absolutamente ejemplar, cuya calidad era contrastada tanto en comedias costumbristas como en dramas de corte trágico, tan versátil como genuino, erigiéndose como la representación perfecta del españolito medio.

Un actor cuya enorme diversidad de registros, su larguísima carrera (con unas cuantas obras maestras, no solo españoladas) y gracias a ese carisma y a esa presencia que le caracterizaban le han llevado a ser considerado un autentico icono patrio como ya pasara con Fernando Fernán Gómez entre otros por ejemplo. Un actor también muy unido profesionalmente tanto a Luis García Berlanga como a Rafael Azcona.

Cintas imborrables en el imaginario del cinéfilo español son “El pisito” (1959) y “El cochecito” (1960) (junto a “Los chicos” (1958) – en donde no participaba el actor- integrantes de la trilogía española de Marco Ferreri, tres comedias marcadas por un feroz sarcasmo antiburgués), sus colaboraciones con Berlanga (en obras maestras como “Plácido” (1961), “El verdugo” (1963), “Los jueves, milagro” (1957), la trilogía de la familia Leguineche (“La escopeta nacional” (1978), “Patrimonio nacional” (1981) y “Nacional III” (1982)), cintas de corte fantástico o de terror como la extraordinaria “El bosque del lobo” (1970) de Pedro Olea o la mítica cinta para televisión “La cabina” (1972) de Antonio Mercero, films dramáticos de la calidad de “Peppermint Frappé” (1967), el particular homenaje a Buñuel por parte de Carlos Saura, o comedias costumbristas como “La gran familia” (1962) de Fernando Palacios, “Atraco a las tres” (1962) José María Forqué o “Mi querida señorita” (1971) de Jaime de Armiñán, con su inolvidable papel de Adela Castro.

Podríamos estar recomendando más cintas de su vastísima filmografía, pero sería un no acabar. Como curiosidad, decir que George Cukor intentó convencerle para que se mudara a Hollywood tras su participación en “Viajes con mi tía” (1972), pero él nunca quiso hacer carrera fuera de nuestras fronteras.

Nunca olvidaremos su humor marca de la casa y su calidad como actor, descanse en paz.

Uno de los mejores actores que ha dado el cine español.

In Memoriam cine español, In Memoriam, José Luis López Vázquez