Ya llegó Halloween, por estos lares más conocido como la Castanyada (justo antes del dia de todos los santos), asi pues, entre hoy y mañana toca ver, sin falta, cintas de terror majas y divertidas (con alguna que otra sorpresita que me he llevado, que comentaré próximamente).
Sin más, disfruten de la velada.
Ya están disponibles los trailers de lo último de Jean-Pierre Jeunet titulado “Micmacs à tire-larigot“, un director con igual número de seguidores y detractores, que se caracteriza tanto por su rico estilo visual como por sus excesos.
La trama sigue la vida de un hombre (Dany Boon) que se salva tras recibir un disparo en la cabeza, pero que queda con la incertidumbre de cuándo va a morir. A partir de ese momento decide tomar una nueva filosofía de vida en la que disfrutará cada instante como si fuera el último… literalmente. Intevienen en el film Dany Boon, André Dussollier, Nicolas Marié, Jean-Pierre Marielle y Dominique Pinon entre otros.
Os dejo con el trailer:
A diferencia de algunas majors como Warner (obviando esa manía por no subtitular audiocomentarios) o Disney que están ofreciendo productos casi insuperables en lo que a alta definición se refiere, las compañías españolas están muy por debajo de lo que se demanda en un producto en HD.
Y no solo lo digo por el hecho de no incluir todos los extras en el mercado (algo que en muchas ocasiones ya ocurría en dvd) sino por esa costumbre de lanzar – en el caso de Manga Films u otras – supuestas ediciones especiales metiendo un segundo disco en formato dvd, por tanto, desechando la opción de incluir los extras en HD, siempre y cuando éstos estén disponibles en esa definición. Tenemos por ejemplo los casos de “John Rambo“, primer disco blu-ray y segundo disco el dvd de extras de la edición en dicho formato (todos los extras en SD), o el más sangrante, el de “La niebla“, edición de 3 discos, en donde el primero es un blu-ray (contiene la pelicula estrenada en cines), el segundo que contiene la peli en B/N es un ¡¡dvd!! y el tercero (extras) es otro dvd (con todos los extras, de nuevo, en SD).
Compañías como Cameo, Aurum o TriPictures (corramos un tupido velo sobre la edición patria de “Alejandro Magno” dejándose por el camino el final cut y algunos extras) parece que por ahora se lo están tomando más en serio y editan cosas realmente majas, veremos como evoluciona la cosa.
Pero considero que el caso más agravante dentro de la distribución nacional en lo referente a blu-ray sea el de DeAPlaneta, compañía que en su día apostó por el HD-DVD y ahora edita en formato azul. Lo que ya no es de admisión es que, en 2009, todavía se anteponga el formato dvd al formato blu-ray, cuando el resto de compañías intentan sacar ediciones mejores en blu-ray (incluso algunas con extras exclusivos u otras con un combo-pack regalando también el dvd , caso de Disney).
DeAPlaneta, parece ser, que todavía potencia el insuficiente formato del dvd, sacando ediciones especiales y de coleccionista, mientras que en Blu-ray saca ediciones de lo más normalito, comiéndose muchas veces extras que sí aparecen en sus ediciones en dvd. Como ejemplos de ello “Valkiria“, blu-ray + dvd de extras, perdiéndose un documental entero ubicado en el disco 3 de la edición coleccionista en dvd, o la próxima que sacarán “Millennium 1“, con edición coleccionista en dvd y en Blu-ray, 1 disco y con un mísero trailer.
La alta definición no es solo ver el film a 1080p, ya que , si existen, se deben presentar los extras en HD (como muchas ediciones de Warner o Disney) y sobre todo, todo debe ser editado en disco blu-ray, no para los extras usar un dvd reciclado de la otra edición. Sé que los costes que reporta editar en blu-ray para las compañías pequeñas son elevados, pero sinceramente, si no lo van a hacer como se debe, quizás sea mejor que no lo hagan o que esperen a poder hacerlo en condiciones y no obligar al personal a tener que recurrir a San Amazon (o en tiempos de crisis a San Matroska)!.
Es mi humilde punto de vista ante este tema.
En los años ochenta y durante la Revolución Cultural, la Quinta Generación china liderada sobre todo por Zhang Yimou, Chen Kaige y Tian Zhuangzhuang, se dedicó a hacer un cine combativo y comprometido con su realidad, cuyas obras contenían una renovada fuerza estética y un realismo impreso en las imágenes.
Las temáticas transitaban alrededor de la crítica social y política del momento, con tramas incómodas y propuestas formales arriesgadas. Un ejemplo sería “Tierra amarilla” (1984), de Chen Kaige (film evento de esta generación) y en como retrata la figura del soldado (metáfora clara del poder comunista) incapaz de solucionar ni erradicar la tristeza existente abandonando finalmente su misión. En dicho film ya podemos observar detalles en una puesta en escena muy trabajada, una planificación conseguida y una fotografía (uno de los elementos más cuidados y que más se ha experimentado dentro de este Generación, consiguiendo resultados realmente cumbres en los ochenta.) a cargo de Zhang Yimou destacable, usando una paleta de tonos ocre realmente eficaz. Otra obra destacable dentro de ese período sería “Sorgo Rojo” (1987), de Zhang Yimou (haciendo tareas no solo en el ámbito de la dirección de fotografía sino también como realizador por primera vez), con un final lleno de ira y desesperanza, acentuado por esa fotografía de tono carmesí.
El papel de la mujer se vuelve mucho más decisivo dentro de esta Generación, claros ejemplos de ello son películas como “Ju Dou (Semilla de crisantemo)” (1990) o sobre todo “Qiu Ju” (1992), ambas de Zhang Yimou, y en esta última, con una cámara para nada estática, con un aire de innegable carácter documental y rodada en escenarios naturales. Otras cintas destacables en esa etapa serían “El gran desfile” (1985), de Chen Kaige, “El rey de los monos” (1986), de Tian Zhuangzhuang o “La linterna roja” (1991), de Zhang Yimou, que ayudarían a consolidar un cine en auge.
Os dejo con una escena de “Sorgo Rojo” (1987), uno de los films chinos cumbre de los 80 con un trabajo en la dirección y en la fotografía encomiable y unas interpretaciones colosales de Gong Li y Jiang Wen en sus respectivos papeles. Posiblemente la mejor película de Zhang Yimou.
“Hasta que hemos abierto los ojos, creíamos que todo giraba a nuestro alrededor. La astronomía nos dice lo contrario y eso genera estrés.” (Alejandro Amenábar)
Siglo IV. Egipto está bajo el Imperio Romano. Las violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría (la ciudad del conocimiento por antonomasia) alcanzan a su legendaria Biblioteca. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hypatia (Rachel Weisz) lucha por salvar la sabiduría del Mundo Antiguo con la ayuda de sus discípulos.
Entre ellos, dos hombres se disputan su corazón: Orestes (Oscar Isaac) y el joven esclavo Davo (Max Minghella) que se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.
“Mar adentro” (2004) supuso para Amenábar, claramente, un paso atrás, por muchos premios nacionales e internacionales que ganara. El cineasta, que se había erigido como una luz dentro del panorama del fantástico español con excelentes cintas como “Abre los ojos” (1997) y “Los otros” (2001), tomaba las riendas de un proyecto edulcorado en exceso, sentimentalmente manipulador e inverosímil (no por los hechos, sino por cómo los cuenta). Aunque visualmente era impecable, jamás creías a los personajes y el film suponía un quiero y no puedo, ya que Amenábar construía el film desde los mecanismos del cine de suspense, no del drama.
“Ágora” es la primera incursión del director español en el peplum en su intento por dignificar dicho género tan castigado, retomando uno de los elementos habituales dentro de su cine de los últimos años: la religión y su poder. Si en “Los otros” (2001), Grace (Nicole Kidman) sometía a sus hijos y sirvientes a un estricto hábito católico, forjando así las bases de la educación de los pequeños y el respeto en los sirvientes, y en “Mar adentro” (2004) la figura del cura del Opus Dei, encarnado por Josep María Pou, se encargaba de ridiculizar y criticar los verdaderos objetivos de la Iglesia como institución (aunque de forma bastante caricaturesca), en “Ágora” la trama de la película se ubica en un período muy turbulento en el cual convivieron paganos, cristianos y judíos y que se saldó con la destrucción de la Biblioteca de Alejandría y SPOILER la muerte de Hypatia FIN SPOILER entre otras desgracias.
La cinta se construye a partir de la lucha entre ciencia y religión, entre el raciocinio y fanatismo, presentando a un personaje como Hypatia (Rachel Weisz), una mujer entregada al pensamiento y la enseñanza, fiel a sus ideales neoplatónicos, que ante un clima de revueltas religiosas, intenta preservar los conocimientos del Mundo Antiguo, a la vez que renunciando a una vida con amor por su ferviente compromiso con la filosofía, la astronomía y las matemáticas.
El gran problema de “Ágora” es que no se posiciona en ninguna de las ramificaciones que crea la propia trama, quedándose como un film que ni es un historia 100% épica con fondo intimista, ni un retrato exhaustivo de Hypatia y sus estudios científicos ni un alegato puramente antifundamentalista, se queda a medio camino en todas y cada una de las temáticas que toca.
Que acabe divagando entre posturas y temáticas, no significa que no sea una película valiente en algunos puntos. El hecho de no presentar una historia de amor propiamente dicha bajo trasfondo épico, manteniendo la imagen de la filósofa alejandrina tal y como posiblemente debió ser (una mujer noble, sabia, justa y que se mantuvo virgen toda su vida, cuyo único amor fue el estudio y la enseñanza) o rodar el film con unos enormes y extraordinarios decorados (ver la biblioteca por ejemplo) obra del genial Guy Hendrix Dyas (director artístico de la ultima entrega de “Indiana Jones” entre otras), y extras reales (solo usando FX para escenas aéreas o cenitales, y para ampliar escenarios, nunca nada gratuito) hacen que la película desprenda un ligero aroma a cine de antaño.
“Ágora” nace de tres años de estudio y documentación por parte de Alejandro Amenábar y Mateo Gil, partiendo sobre la idea de realizar un film entorno a homenajear la astronomía. Idea que fue evolucionando hasta Hypatia, el núcleo narrativo de la cinta, un personaje considerado por muchos como la transición entre el Mundo Antiguo y el Medievo, el paso de un tiempo de gran avance hacia otro de oscurantismo y violencia.
Para llevar a cabo el film, Amenábar (como él mismo reconoce) usó como referencias a Carl Sagan y su obra “Cosmos“, el film de Kubrick “2001: una odisea del espacio” (1968), cintas épicas como “Ben-Hur” (1959) de William Wyler, “Faraón” (1966) de Jerzy Kawalerowicz y el cine de Steven Spielberg en general. El cineasta español, quería iniciar el film con una especie de overture (sin una posterior intermission) tan famosa en las cintas épicas de antaño (de directores como David Lean, Anthony Mann, William Wyler, Mervyn LeRoy o Cecil B. DeMille, etc…) que presentara en toda su grandiosidad el espacio y sus infinitas estrellas durante más de dos minutos, resonando a la vez la bella partitura de Marianelli, para acabar mostrando una imagen detallada del planeta Tierra (todo un homenaje a “2001“) que finalmente se quedaría en la sala de montaje tras su paso por Cannes.
Amenábar usa este recurso (imagenes cenitales de la tierra y la region desde el espacio) en varios ocasiones durante la película, sobretodo cuando se produce un salto temporal, consiguiendo decirnos que desde el punto de vista científico, no somos nadie en el universo, por tanto, es incoherente que nos creamos el centro de todo, y quizás desde la superficie (lejanía) podamos ver mejor nuestros dilemas y preguntas (Hypatia) reconstruyéndolos desde otra dimensión a la conocida y a la vez los conflictos sociopolíticos del período (cristianos, judíos, paganos). Esa dualidad de perspectivas o puntos de vista válidos tanto para ciencia como religión, es uno de los puntos fuertes de la película. El cineasta, además lo refuta diciendo: “La película es la historia de una mujer que, en realidad, es la de toda una civilización que, a su vez, es la del planeta”.
Como en la cinta de Kubrick y salvando las distancias, “Ágora” también habla de evolución del ser humano y las dificultades que conlleva ésta. Si en el film de 1968, era HAL 9000 quien al sentir temor, se rebelaba contra sus compañeros de nave, asesinando cruelmente a casi todos menos a Dave Bowman, en el film español, el fanatismo religioso se rebela contra la cultura (evolución) llevando a que paganos y cristianos entren en una guerra de consecuencias devastadoras (posteriormente incrementada con la entrada de los judíos). Pero como con Bowman, la evolución tardará más o menos tiempo, pero sigue su curso.
Su visión del cine épico intimista (evitando alardes de cualquier tipo), riguroso y documentado recuerda mucho (salvando las distancias) al excelente film “Faraón” (1966) de Kawalerowicz, uno de los grandes cineastas polacos junto a Polanski, Kieslowski, Has, Wajda y Skolimowski entre otros. Un film que se sostenía con una gran puesta en escena, una impecable ambientación y lejos del grandilocuente y edulcorado cine comercial épico americano narraba la historia de un faraón inexistente en un Egipto perfectamente reflejado en imágenes, con los medios justos (como “Ágora“), quedando como uno de los ejercicios cinematográficos más recordados del cine europeo.
Como en el film de Amenábar, la cinta de Kawalerowicz nos cuenta el enfrentamiento entre el poder civil y el religioso, dando protagonismo a las conspiraciones e intrigas existentes, acercándose al mundo antiguo para explicar el mundo moderno, ya que tristemente, es un film de plena actualidad y fácilmente trasladable a ciertos sectores. Kawalerowicz conseguía una cinta reflexiva y ambiciosa, valiente y austera, que se alejaba de la espectacularidad típica de las cintas egipcias tipo “Los diez mandamientos” (1956) para ofrecer algo realmente diferente, a pesar de su excesiva duración.
“Ágora” es un film fácilmente criticable tras salir de la sala, pero que innegablemente invita a una necesaria reflexión y posee una factura destacable. A parte de lo comentado anteriormente sobre esos planos desde el espacio y que, vía satélite, la cámara va adentrándose en la acción, la cinta es recurrente en mostrar en las figuras y decorados formas de circulos (y elipses), como por ejemplo SPOILER cuando la cámara sube hacia arriba dejando el cuerpo de Hypatia, y nos muestra el techo de la casa con ese círculo FIN SPOILER, y ello dota de sentido al conjunto uniendo lo visual con lo narrativo.
Mención especial para la banda sonora y la dirección de fotografía. Dario Marianelli (responsable de la música de films como “V de vendetta” o “Expiación“) compone una partitura preciosa e intimista, rica en instrumentos y matices, usando cuerda y coros dependiendo del momento. Atención al tema “The skies do not fall” el cual es sencillamente excelente. Es la primera vez que Amenábar no compone la música para una película suya.
Por su parte, Xavi Giménez, director de fotografía salido de la escuela Filmax, y uno de mis favoritos, apuesta por una fotografía de corte naturalista, usando el sol y su luminosidad en las escenas donde aparece Hypatia, todo bajo un juego de cromatismo general que se mueve entre el mate y azulado, dependiendo de las escenas.
“Ágora” es una cinta tan valiente como distante en las emociones, pero a diferencia de la horrible “Mar adentro” (2004), aquí Amenábar se aparta de cualquier sentimentalismo barato, y eso siempre es destacable, regalando un film muy serio y realmente documentado, pero aunque se eche en falta esa dosis de emoción hacia el espectador, la película posee escenas muy poderosas, sobre todo, las del esclavo Davo con Hypatia, un amor imposible, que nos regala secuencias como la de cuando le roza el pie mientras ella duerme (cuyo contacto ya es un regalo para el esclavo), cuando reza para que rechace a Orestes o en la escena final SPOILER cuando los parabolanos apresan a Hypatia la cual será asesinada por una maniobra politica de Cirilo, patriarca de Alejandria, y que Davo – mientras sus compañeros cristianos recogen piedras para lapidarla – decide acabar con el sufrimiento de ella. En ese instante se suceden mediante un flashback todos los momentos que les han unido FIN SPOILER, algo muy similar, aunque de otra forma, a lo visto en una excelente secuencia de “Mar adentro” (2004) cuando Julia (Belén Rueda) repasaba la vida de Ramón Sampedro (Javier Bardem) desde sus fotografías de juventud, y su alma se llenaba de pesar. Una escena que demuestra una vez más la destreza visual que tiene Amenábar para narrar historias.
La película muestra muy bien la rigidez sexual del personaje de Hypatia, ya que no es que los rechace (tanto a Davo como a Orestes), sino que su mente se encuentra en todo momento absorta en sus investigaciones. La escena del pañuelo está resuelta de forma brillante.
Amenábar sale airoso de las escenas más complicadas: la destrucción de la Biblioteca -uniendo cámara lenta con hermosos planos cenitales y ese magnífico plano recordando la importancia del ángulo desde el que se miran las cosas (con ecos al de Aronofsky en “La fuente de la vida” (2006)) en donde desde la cúpula la cámara gira hasta quedarse en la perspectiva inversa-, la representación de Alejandría, Hypatia demostrando que la trayectoria de la tierra alrededor del sol es elíptica y no circular como se creía hasta entonces y la escena final en donde se produce una perfecta simbiosis entre lo visual y lo musical.
Rachel Weisz es media película, su personaje inspira sabiduría, paciencia, dotes para la enseñanza, calma y vasta cultura. Como dice ella “Tuve que ignorar la condición mítica de Hypatia, leí muy poco acerca de la mitología. Me centré en el guión y extraje lo que la hace humana“. Un regalo de personaje, representando claramente la figura de una mujer independiente, libre e inteligente. Una grandísima interpretación, difícil sobre todo por su contención y presencia. Rachel Weisz, una actriz que desde sus tiempos con Stephen Sommers y sus momias, cambió el chip para aceptar solo cine interesante y profundo, cuyos personajes fueran ricos en matices, y nos alegramos. El resto del casting está convincente y correcto.
La cultura y el conocimiento siempre han sido etiquetados como peligrosos por quienes ignoran su grandeza. Un film nada convencional sobre la intolerancia, el amor por la inquietud y la investigación, además, sobre la transición hacia una época de decadencia sociocultural y oscurantismo, en donde se quemaban obras y reinaba el caos.
“Ágora” es una película decente, rica en buenos diálogos, estilo visual, enormes decorados reales, fidelidad histórica (con un cuidado por los detalles asombroso), apartada de cualquier sentimentalismo barato, con una brillante puesta en escena, aportando esa interesantísima dualidad del concepto de perspectiva aplicable tanto a astronomía como a religión, con personajes complejos perfectamente construídos y buenas actuaciones (una Weisz sensacional en el papel de Hypatia, una mujer entregada al pensamiento y la enseñanza, fiel a sus ideales neoplatónicos y en busca de la verdad elíptica), pero el hecho de su falta de ritmo en ciertos momentos, de la notoriedad de Amenábar en el conjunto y de que habite en todo el metraje esa indefición no centrada en una temática desarrollada que prospere en algo con alma, hacen que resulte fallida.
Nemo, un niño, se encuentra en el andén de una estación. El tren se encuentra a punto de partir. ¿Debe ir con su madre o quedarse con su padre? Ante él se abren infinitas posibilidades y, mientras no elija, todo es posible.
A Jaco van Dormael, el éxito ni le provoca angustia ni acelera su agenda. Tras la prodigiosa “Toto, el héroe“, dejó pasar cinco años hasta ponerse de nuevo tras la cámara y trece más han pasado hasta “Mr. Nobody“. Pura filigrana de poesía fantástica, su última película prima la importancia de las pequeñas cosas y juega con el tiempo y las realidades alternativas. Y todo con una producción y reparto de autentico lujo (Jared Leto, Sarah Polley y Diane Kruger entre otros).
¿Película de culto instantánea? (como “Moon” de Duncan Jones). Las críticas de Sitges la ensalzan, la mayoria positivas. Pinta escandalosamente bien!
Ayer se estrenó por estos lares el episodio piloto de la esperada “Flashforward“, una serie que se estrena prácticamente de forma simultánea a como lo está haciendo en USA (allí se estrenó el 24 de septiembre, hace apenas semanas), algo que es habitual en Cuatro (por ejemplo, con la sexta temporada de “Lost” será así). David S. Goyer es el creador y director de esta serie, y lo cierto es que a priori su nombre me echaba un poco atrás (todavía recuerdo algunos de sus abominables guiones para cine), ya que es un guionista un tanto irregular y al cual considero personalmente mejorable.
Tras ver el episodio piloto, dejando de lado algunas decisiones a la hora de rodar algunos momentos (sobre todo los flashforwards, con esos movimientos de cámara y ese desenfoque tan abusado) las cuales no comparte, parece que estamos ante una de las grandes sorpresas en lo que se refiere a sci-fi en televisión. Una, a priori, interesante alternativa a la enorme “Lost” y que, si no se tuerce, promete darnos alegrías a los fanáticos del género.
Ya en el primer episodio se pueden ver unas cuantas referencias al cine de John Carpenter en “El pueblo de los malditos” (1960), al de Don Siegel en “La invasión de los ladrones de cuerpos” (1956), al de M. Night Shyamalan tanto en “Señales” (2002) como “El incidente” (2008) (cintas absolutamente deudoras del cine de ciencia ficción de los años 50) y también al de Alex Proyas en “Dark City” (1998), por encontrarnos un mundo / lugar en aparente “Pause” para los humanos (incluso recordemos en el film de Proyas, que mientras los humanos “dormían”, los ocultos modificaban a su antojo el mundo que les rodeaba) en donde posteriormente recobran el conocimiento, añadiendo aquí una ¿visión o vivencia? futura. Se puden ver ecos a Memento” (salvando las distancias) en su manera de recordar las cosas (esos post-it en el corcho). Y evidentemente también bebe de “Lost“, una serie que ya se movía habitualmente entre flashbacks y flashforwards.
Tanto “Lost” como “Flashforward” evidentemente deben mucho a la mejor serie de ciencia ficción todos los tiempos: “The twilight zone” (1959), la cual se caracterizaba por sus finales sorpresa y sus elaborados guiones que siempre daban que pensar.
Cosas positivas vistas en el piloto: la trama principal que promete sorpresas y giros (sobre todo el interesante juego que puede dar el nexo de unión entre los diferentes flashforwards a nivel mundial) , actores decentes, una buena factura, algunas escenas (como la del canguro saltando entre las calles) y las referencias al cine de ciencia ficción de antaño. Cosas negativas: parece que habrán las obligadas escenas de acción (ver la secuencia de la persecución en coche) y una crisis matrimonial en el horizonte que depende como sea tratada, puede ser un hastío o un punto interesante con el que dar juego.
Esperemos a ver como se desarrolla la trama de “Flashforward” (no será la primera vez que me lleve una desilusión tras un notable piloto), espero que vaya a mejor y no se tuerza, algo como “Lost“, que mantiene intacta su calidad y todavía sigue siendo coherente y a la vez sorprendente, pero no con otras series como “Dexter” (con una horrorosa tercera temporada).
Os dejo con un tv spot de la serie (acompañado por la excelente versión de Adam Lambert del tema “Mad world“):
Ciencia Ficción, Drama, Fantástico, Sci-Fi, Series Tv, Suspense, Terror
“Obsérvese sin embargo en Kapò el plano en el que Riva se suicida abalanzándose sobre la alambrada eléctrica. Aquel que decide, en ese momento, hacer un travelling de aproximación para reencuadrar el cadáver en contrapicado, poniendo cuidado de inscribir exactamente la mano alzada en un ángulo de su encuadre final, ese individuo sólo merece el más profundo desprecio.”
Extracto del artículo “De la abyección“, escrito por Jacques Rivette para Cahiers du cinéma, sobre el (abyecto) travelling de “Kapò” (1959) de Gillo Pontecorvo.
Gaspar Noé es uno de esos cineastas que, a pesar de contar con una corta filmografía, ha conseguido levantar ampollas entre público y crítica como nadie y a la vez crear un debate sobre hasta donde pueden llegar los límites éticos en la ficción, o sobre las diferencia entre cine de explotación (manipulador) y cine honesto.
En su día, Jacques Rivette machacó y vapuleó la cinta “Kapò” (1959) de Gillo Pontecorvo, por su travelling de dudosa moralidad, y de alguna forma, estaba manifestando que no es lícito intentar hacer arte con el horror del holocausto. Como decía Godard, “el travelling es una cuestión moral” y dar estética al horror, intentar ser partícipe y crear una entromisión subrayada e innecesaria con la realidad filmada, en este caso, es amoral.
Quizás los comentarios de Rivette en su aclamada crítica sean algo excesivos (lo de la mano alzada por ejemplo) pero no faltos de razón y consiguen que uno se debata lo comentado anteriormente. Otra frase del artículo que me parece ciertamente apropiada para el caso sería: “Al mismo tiempo, cada uno de nosotros se habitúa hipócritamente al horror, éste forma poco a poco parte de la costumbre y muy pronto integrará el paisaje mental del hombre moderno; ¿quién podrá la próxima vez extrañarse o indignarse ante lo que, en efecto, habrá dejado de ser chocante!“. Solo hay que ver las notícias a diario…
En los años 70 (incluso hoy en día), “Salò o los 120 días de Sodoma” (1975) de Pier Paolo Pasolini escandalizó a todos por igual (con esos cuatros capítulos terroríficos y degradantes: Anteinfierno, Círculo de las manías, Círculo de la mierda y Círculo de la sangre) y bajo la provocación fácil y el ensañamiento y disfrute con el dolor, se convertía en un film puramente pornográfico y, para mi, en la peor película de su excelente filmografía. Por otro lado, conseguía también remover conciencias del sector fascista en Italia y ahí radicaba la peligrosidad hacia su persona [1].
Es innegable que tanto “Salò” como “Irreversible” son films que podrán ser del agrado o no (seguramente cuentan con el mismo número de partidarios como de detractores), pero no dejan a nadie indiferente y ambos provocan repulsión por igual. Se podrían definir como films incómodos y tristemente inolvidables.
Adentrándose ya en el cine de Noé, encontramos lugares comunes y manías omnipresentes. El realizador hace un cine sobre lo turbio de la sociedad, recorriendo ambientes y tuburios opresivos, oscuros y mezquinos. Un cine sobre lo insoportable, sobre el dolor y sobre los límites de la naturaleza humana y el irreversible paso del tiempo.
En su anterior (y primera) película “Solo contra todos” (1998), Noé narraba la historia de un carnicero (Philippe Nahon) el cual vive solo con su hija tras ser abandonado por su mujer. Un día dicha niña tiene su primera regla y corre hasta la carnicería de su padre que, al ver la sangre, cree que la pequeña ha sido violada. El carnicero sale enfurecido de la tienda y acaba agrediendo a un inocente. La niña es internada y él encerrado en prisión.
Su primer film, con ecos a cintas como “Un día de furia” pero en plan hardcore, sería como una continuación del mediometraje que Noé realizó años antes llamado “Carne” (1991) – un film absolutamente repulsivo que constituía una reflexión entorno a la carne independientemente de su procedencia – y a la vez la pseudoprecuela de esta “Irreversible“, cuyo inicio parece tener un nexo de unión con su anterior obra, saliendo un Philippe Nahon un tanto desaliñado, declarando que fue encarcelado por asesinato.
Para entrar en contexto, la película narra la historia de una venganza perpetrada por Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel) causada por la terrible violación y paliza a la novia del primero, Alex (Monica Bellucci).
“Irreversible” posee un marcado tono pesimista en la trama, que la erige como un documento sobre el horror y la crueldad, desde un punto de vista desagradable y poco gratificante. La cinta está construída mediante un montaje acronológico, concretamente inverso. Muchas son las dudas del porqué el cineasta ha optado por montar su film así y si existe una justificación coherente para ello. Considero de que es mucho más terrible mostrar la paz después de haber experimentado el horror, que al revés. Ver las escenas de amor y cariño a sabiendas del futuro desenlace fatal, consiguen, bajo mi humilde opinión, un impacto mayor en el espectador. Unas escenas entre la pareja en las que se vislumbra un fatalismo inminente, la desgracia está en el aire, se llega a sentir, incluso parece como si fuera su última ducha juntos.
Que el montaje no siga un patrón cronológico no significa que se justifique el trabajo tras las cámaras de Noé. El film se inicia por el “final” en términos habituales, los créditos van en orden inverso (de arriba a abajo) y se van ladeando hacia un lado, como un torbellino, una espiral que no tendrá fin. Tras ello y el breve inciso de Philippe Nahon, Noé intenta mostrar visualmente el caos en el que está inmerso Marcus (Vincent Cassel) ofreciendo un espectáculo basura de movimientos de cámara sin orden ni concierto, sin significado, absolutamente mareantes y de un mal gusto galopante. Nos adentramos en el local gay “Rectus” en donde entre luces que vienen y se van, desenfoque y escenas pornográficas hacen que esos 10-15 minutos parezcan una hora y en donde la visita al wc está prácticamente asegurada (sobre todo por la famosa escena del extintor).
A medida que la trama avanza, la cámara va calmándose intentando expresar mediante la imagen, el estado de ánimo de los personajes. Y aunque el film es claramente excesivo en todos los términos habidos y por haber, acierta claramente en la escena de la violación, una de las más angustiosas e insoportables vistas en los últimos años. Y Noé acierta porque no se entromete en la realidad, se produce todo en un plano fijo, no hay exaltación de la escena, manteniendo un encuadre que a la vez permita ver la tremenda soledad del lugar.
Una escena de casi 10 minutos absolutamente terrorífica y sumamente desagradable, de las pocas que a uno le hacen echarse las manos a los ojos o apartar la mirada. El cineasta, a diferencia de Pontecorvo en el famoso travelling, no interfiere en la desgracia, no subraya, solo muestra y, de paso, denuncia.
Pero por otro lado, existe un lado de voyerismo peligroso en el cine del director franco-argentino. Noé propone mediante su juego de provocación, poner en duda los códigos de la representación cinematográfica y su compromiso con la realidad. ¿Hasta qué punto el cine puede (y debe) ser tan franco?.
La cinta desestabiliza al espectador (con una primera mitad de una violencia brutal) para luego reubicarlo en un estado de calma y paz, incluso la cámara se mantiene casi trasparente, solo muestra los hechos, hasta un final en donde la pantalla de la sala se tiñe de blanco y somos espectadores de un festival de blinking, absolutamente demencial, no apto para epilépticos y que asegura, por enémisa vez, nuestra visita al wc. Noé nos avisa que no nos durmamos, la calma solo precede a la inevitable tormenta, y tristemente es algo irreversible.
Resulta muy interesante como Noé trata los capítulos (el film está estructurado en capítulos) -dejando de lado sus alocados titubeos con la cámara que tan poco me gustan-, ya que cada uno es un plano secuencia (algunos con trucajes, como el segundo), lo cual supone no solo un reto artístico sino también actoral, ya que estamos hablando de algunos planos de 15 minutos aproximadamente sin cortes. Los dos actores (Cassel y Dupontel) y la actriz (Bellucci) están simplemente sensacionales, siendo de lo mejor de la película y superando el reto de forma sobresaliente.
Algo no menos destacable es el uso del sonido en el film, que recuerda claramente al cine de David Lynch, en concreto películas como “Inland Empire” o “Mulholland drive” entre otras, en donde el tratamiento del sonido le otorgaba un protagonismo prácticamente principal. Unos efectos que ayudan a aturdir más al espectador, a sumergirlo en esa espiral de caos y en esa sensación de desesperanza que habita en todo el metraje.
Algunas voces críticas han calificado a “Irreversible” como una película homófoba, racista y mil cosas más. No creo que sea el caso. Es decir, los protagonistas adoptan ciertas actitudes en algunos momentos de la cinta, absolutamente condicionadas por los hechos, por tanto las intenciones de Noé no son racistas u homófobas, sino que, desde mi punto de vista, creo que pretende reflejar la facilidad de sacar lo peor de nosotros mismos bajo situaciones límite en donde la venganza y la injustícia están por en medio.
A menudo se compara a Noé con cineastas de su generación como el danés Lars Von Trier y el austríaco Michael Haneke, y resulta realmente interesante comparar los estilos del último con el director de la cinta en cuestión. El cine de Michael Haneke es sobre la violencia insinuada, sobre lo inquietante, sobre el poder de la imagen, sobre la sugestión, sobre el sonido ante el horror. “Funny Games“, “El video de Benny” o “Caché” (uno de los films más iniquietantes que ha parido el cine en los últimos años) dan fe de ello: asesinatos fuera de plano (en donde el sonido de lo que está pasando aturde más que realmente visionarlo), videos caseros espeluznantes o filmaciones de alguien anónimo de una casa o escuela durante horas (de lo más simple e inquietante).
Noé apuesta por lo explícito, por la realidad pura y dura, sin conesiones y a tiempo real (planos secuencia). A Haneke en su cine le preocupa la disgregación de la familia, la incomunicación o la manipulación de los medios, mientras que a Noé tira más por lo grotesco y explícito. Noé pretende entrar dentro de esa liga de grandes directores que tratan tan bien la violencia en donde están Park Chan-Wook, Takashi Miike, Michael Haneke o Quentin Tarantino, pero, bajo mi parecer, está todavía muy lejos de esa gente.
A dierencia de “Solo contra todos” (1998), en donde Gaspar Noé avisaba del tipo de producto que ibamos a ver con el mensaje “Tiene usted 30 segundos para dejar la sala de cine“, aquí ya no advierte. Confía en el estomago duro del espectador. Noé llega a la conclusión de que el cinema verité está lejos de advertencias, lejos de preparar el terreno, es pura sorpresa (grata o ingrata) y, como en la vida real, hay experiencias que no se pueden evitar vivir ni apartar la mirada ante ellas.
“Irreversible” es un film sobre el primitivismo humano (el deseo de venganza como impulso natural), sobre el terror que nos acecha, sobre las premoniciones las cuales no modifican el curso de los acontecimientos, sobre la importancia del tiempo y sus consecuencias (la relativa irreversabilidad de nuestros actos). El film, aunque sobrevalorado por algunos medios, se erige como uno de los films más interesantes sobre la destrucción, que sigue la fina linea de la moralidad reafirmándose como denuncia y haciendo partícipe al espectador de tales barbaridades consiguiendo el rechazo y la repulsión de éste (algo claramente buscado por sus creadores), curiosamente como se haría si se experimentara en la realidad. Una película tan excesiva como tristemente inolvidable, capaz de reabrir el debate sobre hasta donde pueden llegar los límites éticos y morales en la ficción, o sobre las diferencia entre cine de explotación (manipulador) y cine honesto.
[1] Recordemos que tras “Salò“, Pasolini fue asesinado por comunista, homosexual y también por lo que significaba el film. Un caso parecido es el de Theo Van Gogh (por ser un homicidio cuyo móvil era una obra del autor) asesinado por un islamista en el tiempo que rodaba el film “0605” sobre el asesinato del político holandés Pim Fortuyn.
Impresionante secuencia de inicio, muestra del inagotable talento visual del realizador hindú Tarsem Singh. La partitura de Beethoven (en concreto Sinfonía No. 7 en A major, Op. 92, II. Allegretto) le va como anillo al dedo.
Recordemos que el film se enmarca en los años veinte cuando un especialista de secuencias de acción (Lee Pace) es ingresado en un hospital tras una caída que lo deja sin poder andar. Allí encuentra el apoyo de Alexandria (Catinca Untaru), una joven con un brazo roto con la que cierra una promesa: le va a contar la historia más maravillosa del mundo. El relato pronto sobrepasará todos los límites, trasladando la película a todos los confines del mundo.
Tarsem es un cineasta que ya en “La celda” (en la cual había alguna escena rodada así) consiguió un film interesante aunque en mi opinión destacable solo por lo visual y lo artistico, poco más. En “The fall” logra una notable película y, si aqui David Fincher (además de Spike Jonze) colabora en su producción, Singh le echó una mano en el rodaje de esa obra maestra llamada “El curioso caso de Benjamin Button“.
La posterior “Anticristo” de Lars Von Trier, también posee un excelente prólogo (el cual postearé algún dia por este blog ya que bien lo merece, aunque el film me parezca normalito), rodado con esa cámara lenta tan característica.
Imágenes poderosas, la música de Beethoven resonando y unos títulos de crédito perfectamente integrados. Una escena perfecta.
Dios, este hombre no se calla ni debajo de las piedras. Ahora nos amenaza con una tercera parte de la saga robótica (arghh!). Siento darle tanto protagonismo inmerecido en este blog, pero es que con este tio me parto. Si es que encima aún se cree que es el nuevo John McTiernan… xD
Eso si, impagable el recadito a Megan Fox. Este Mike, siempre tan sutil xD
“Es oficial: Tenemos una historia fantástica para “Transformers 3“.La fecha de estreno ahora es el 1 de Julio del 2.011. No el 2.012.
Hoy es el Día Uno. Esta mañana empezamos con las reuniones con ILM durante 5 horas en San Francisco. Ahora mismo voy a volar con el guionista Ehren Kruger a Rhode Island para hablar con la Hasbro de los nuevos personajes.
P.D. Megan Fox, Bienvenida de nuevo. Prometo que no habrá robots alienígenas que te hagan daño en la producción de esta película. Por favor consulta tu psicólogo cuando trabajes bajo mi dirección porque hay efectos secundarios como mareos ocasionales, nauseas intensas, tendencias suicidas, depresión, crecimiento menor del pelo en el pecho, hemorrágias internas aleatorias e insomnio. Como algunos directores pueden ser peligrosos para tu salud, consulta tu médico para ver si es bueno para tí. El dolor y la recompensa son buenos después de rodar “Transformers 3“.
Michael“
Dispuestos a vengar la muerte de uno de sus compañeros, cuatro poco recomendables policías se adentrarán en un edificio en ruinas donde se esconde una banda de delincuentes.
Atrapados en el edificio, policías y criminales deberán unir sus fuerzas para enfrentarse a lo inimaginable: una horda de rabiosos zombies. Ya no hay duda alguna de que los galos han encontrado la pócima que hace resurgir el cine de género con furia inusitada.
Tras el tándem formado por Maury y Bustillo (directores y guionistas de la irregular aunque interesante “À l’intérieur” (2007)), llega ahora el de Dahan y Rocher (bajo la producción de Xavier Gens, director de la bruta “Frontière(s)” (2007) o de la infumable “Hitman” (2007)) retomando lo acontecido en el cortometraje “Rivoallan“, dirigido por Yannick Dahan, y ofreciendo un explosivo cóctel de cine negro, acción y terror, sin concesiones y con muchas y buenas influencias (obviamente a Romero entre otros).
Os dejo con el trailer de “La horde” una de las películas más esperadas de este año en lo referente a fantástico. Por supuesto, se podrá ver en el festival de Sitges. El trailer pinta bien, aunque ya veremos que tal está la película. Eso si, cuidado que salpica!.
A falta que nuestras distribuidoras pseudo Criterion (salvando las distancias) como Cameo, Versus Entertainment, Tribanda o Intermedio se metan de lleno en la alta definición ofreciendo productos de calidad como lo hacen ya en el formato dvd, supone una gran notícia que Universal Pictures, bajo el sello francés Studio Canal, empiece a editar en España en formato Blu-ray cine de autor.
En este caso edita una serie de films (europeos, americanos y asiáticos) de constatada qualité. Todas se presentan en digipack con un conseguido diseño, un libreto exclusivo, además de numerosos y jugosos extras (algo muy agradable de comprobar en algunos títulos).
La primera hornada de títulos se compone de:
Dentro de esta colección, en otros países, también se encuentra “El año pasado en Marienbad” de Alain Resnais (aquí editada recientemente por Cameo en dvd usando el máster de Criterion) y “El Honor Perdido de Katharina Blum” (1975) de Volker Schlöndorff & Margarethe von Trotta. Esperemos que lleguen pronto en alta definición por estos lares. Según apuntan desde su página en Facebook, se espera que en el futuro la colección se incremente con títulos como “Les herbes folles” (2009) de Alain Resnais, “El mensajero” (1970) de Joseph Losey y “El quinteto de la muerte” (1955) de Alexander MacKendrick.
Todos los títulos comentados (Ran, El desprecio, El cazador, El hombre elefante, Belle de jour y Los tres días del Cóndor) ya están disponibles en tiendas físicas y de internet. Estaría bien que Universal el el futuro hiciera algún pack para abaratar el precio a los usuarios.
Vomitiva.
Se deja ver pero allá usted.
Decente tirando a buena.
Muy buena.
Obra maestra.
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