Parece que Michael Bay sigue con la intención de actualizar clásicos de terror por la vía del remake, por ahora, con resultados de lo más dispar. Por un lado tenemos la muy interesante “La matanza de Texas” (2003), dirigida por Marcus Nispel, un film mucho más comercial que el original pero con elementos a destacar, o la también interesante (a pesar de su guión) “Viernes 13” (2009) todo un claro homenaje al slasher de los 80 con sangre y sexo a partes iguales, sin demasiadas pretensiones.

Por otro lado, tenemos la nueva versión de “Carretera al infierno” (2007), que aunque Sean Bean esté bien en su papel (ni mucho menos tan inquietante como Rutger Hauer), finalmente deja la sensación de ser un film realmente flojo y que no llega ni a la suela del zapato al original de Robert Harmon.

Tras fracasar (por ahora) en su intento por producir un remake de esa obra maestra llamada “Los pájaros” (1963) (menos mal), ahora le toca el turno a “Pesadilla en Elm Street” (1984) de Wes Craven, cuyo remake se estrena en 2010. El siempre excelente Jackie Earle Haley sustituye a Robert Endglund en el papel de malvado. Dirige y debuta en cine Samuel Bayer, que proviene del mundo del videoclip.

La sinopsis del film será casi idéntica a su film homónimo: Una adolescente tiene una horrible pesadilla en donde es perseguida por un extraño tipo que lleva un jersey rojo y verde, un sombrero y un guante con cuchillas en su mano derecha. Él la persigue por un cuarto de calderas que parece no acabar, hasta que la atrapa y ella despierta gritando. El día siguiente descubre que su amiga tuvo el mismo sueño.

Espero que como se hizo en la impecable “Halloween” (2007) de Rob Zombie, se indague en el tortuoso pasado de Freddy. Veremos a ver como sale la cosa. Os dejo con el trailer de este remake:

Suspense, Terror, Thriller, Trailers Carretera al infierno, Halloween, Jackie Earle Haley, La matanza de Texas, Los pájaros, Michael Bay, Samuel Bayer, Viernes 13, Wes Craven

Si las anteriores películas de Vincenzo Natali giraban en torno a la falta de identidad espacial (“Cube“, “Nothing“) o personal (Cypher), “Splice” aborda el tema de la evolución inducida de la especie. Adrian Brody y Sarah Polley son una pareja de científicos que logran una nueva raza híbrida, en principio inofensiva, pero que pronto desarrolla rasgos de depredación, incluso sexual. Una monster movie atípica, con ecos de “Mimic” (Guillermo del Toro apadrina la película) o “Species“, pero que sorprende por el excelente uso de los efectos especiales y por las inesperadas ramificaciones de la trama. Y es que en “Splice“, el monstruo es sexy y perversamente atractivo.

Sin duda, una de las más esperadas de la temporada, como buen fan que es uno del trabajo del director canadiense. Puede que estemos ante la ganadora del festival de Sitges de este año. Produce y colabora Guillermo Del Toro.

Os dejo con algunas fotos del film:

Os dejo con un clip del film:

Ciencia Ficción, Fantástico, Festivales, Suspense, Terror Adrien Brody, Festival de Sitges, Sarah Polley, Splice, Vincenzo Natali

Australia siempre ha dado al cine obras interesantes y a tener en cuenta. Realizadores como Peter Weir, George Miller, Phillip Noyce, Baz Luhrman o Scott Hicks dan fe de ello. Tristemente, el cine de dicha isla nos llega en cuenta gotas y poco se puede hacer, a sabiendas de como funciona la distribución de cine no americano.

En los últimos años un realizador ha llamado ciertamente la atención de los fans del género de terror. Se trata de Greg McLean, un cineasta que ya hizo sus pinitos en teatro como asistente de Baz Luhrmann y tiempo después se lanzó a dirigir cine estrenando “Wolf Creek” (2005), un survival horror mucho mejor de lo aparente, que no destacaba por su originalidad pero si por su temple en la dirección y por su habilidad a la hora de desenvolverse en ese tipo de atmósferas opresivas. La cinta se estrenó en España casi dos años más tarde, una practica habitual en cierto tipo de cine independiente o de otros países (ya no digamos asiáticos).

Tras ella, y como hizo Tober Hopper tras “La matanza de Texas” (1974) (curiosamente otro survival horror), McLean se decidió por una monster movie con cocodrilo tamaño XXL. En el caso de Hopper se llamó “Trampa mortal” (1977), en donde el responsable de un hotel situado en mitad de los pantanos de Louisiana poseía un voraz caimán al que alimentaba con la carne de sus huéspedes. Era más una mezcla entre “Psicosis” (1960) y los cómics de la DC, que destacaba por su atmosfera entre malsana y onírica. El segundo film de McLean se titula “Rogue” (por estos lares conocida como “El territorio de la bestia“) y aunque diferente, tiene como principal amenaza el reptil asesino y como mayor virtud una atmosfera conseguida y una labor de dirección más que decente. Resulta curioso ver esta similitud en las carreras de McLean y el Hopper de los inicios.

“Rogue” nos narra la historia de Pete (Michael Vartan), un periodista americano que prepara un reportaje sobre la industria turística en auge en el norte de Australia. Allí se unirá con un grupo de excursionistas y su guía llamada Kate (Radha Mitchell), para realizar un crucero por el río.

Todo transcurre con normalidad hasta que, de repente, el barco es sacudido por una criatura gigante y se encalla en un islote. Cuando cae la noche, el grupo de turistas se convierte en una presa fácil para la bestia, debido a la subida de la marea, y comienza una feroz lucha por la supervivencia en uno de los lugares más inhóspitos del mundo.

McLean vuelve al terreno del terror pero esta vez adentrándose en el subgénero de monster movie, consiguiendo una cinta que pese a su engañosa apariencia, es un producto perfectamente disfrutable, lejos del humor negro de “Mandíbulas” (1999) de Steve Miner y de la calidad de propuestas tan destacables como “The host” (2006) de Bong Joon-ho, es honesta consigo misma y cuya falta de originalidad tampoco supone excesivo problema.
Se trata de una modesta película cuya mayor virtud radica en la total ausencia de chistes malos, su conseguida atmosfera, su trabajo con el suspense, su sensacional manejo de las viejas mecánicas del cine de aventuras y su ajustada duración.

Si en “Wolf Creek“, McLean se acercaba más al cine de casquería rural de Tobe Hopper o de Alexandre Aja, en “Rogue” se muestra más afín al cine de aventuras de antaño y a las cintas de terror de serie B. Personalmente, me recuerda algo a “La mujer y el monstruo” (1954) del gran Jack Arnold, porque ambas reflejan la intromisión del hombre en un espacio natural cerrado, hábitat de un monstruo, un territorio ocupado y cuya visita será considera claramente como inhóspita. También recuerda, salvando las distancias, al cine de antaño de Peter Weir en donde se potenciaba el poder que la naturaleza ejerce sobre los insignificantes humanos (en las sensacionales “Picnic en Hanging Rock” (1975) o en “La última ola” (1977)) y al cine de John Boorman, por esas luchas casi epopéyicas entre el hombre y la naturaleza y como ésta usa sus recursos para acabar con sus intrusos.

Como pasaba con su anterior film, “Rogue” posee dos partes claramente diferenciadas. En la primera parte, el realizador hace lo que mejor sabe hacer: preparar el terreno, crear poco a poco el clímax, presentarnos a los personajes con cuatro pinceladas siendo suficientes sin apenas palabras, jugar con el suspense subterráneo, con el terror a lo desconocido, algo que está a punto de acontecer pero que se hace esperar. Si bien en “Wolf Creek” esta parte dura casi una hora, siendo todo un acierto el prolongar el terror tanto tiempo, en este film no se hace tanto esperar (también es un film de menor duración), pero se toma su tiempo. A recordar una de las primeras escenas del inicio en donde Pete (Michael Vartan) va a un bar de un pueblucho cercano al río para preguntar. Ahí McLean está ya preparando ese ambiente turbio y enrarecido que caracterizará a la cinta.

En esa primera mitad, juega un papel importantísimo el paisaje australiano, esas montañas, esos desfiladeros, esos animales espectadores del crucero por el río, de intrusos en su hogar natural. McLean como ya hizo en “Wolf Creek” otorga un protagonismo principal al ecosistema, si en su primera película, el desierto, el cráter por el meteorito y la ausencia de residentes en la zona formaban parte del verdadero terror palpable, en “Rogue” esa frondosa y hostil jungla con esas aguas opacas. El paisaje siempre es usado como elemento terrorífico al servicio de la historia, nunca como algo gratuito.

Es interesante ver como el director añade poco a poco elementos de suspense a la trama ya sea mediante lo visual (la pintura rupestre en la roca representando a un cocodrilo gigante) o verbal (las discusiones y tensiones entre los pasajeros del crucero, añadiendo por momentos comicidad al asunto cuando se habla del creciente apetito de cocodrilos locales (como si ellos estuvieran libres de todo peligro).

El realizador durante toda esta primera parte juega con el suspense (y exprime al máximo las posibilidades que da el islote en medio del lago), jamás se nos enseña al cocodrilo gigante (salvo contadas excepciones y de forma muy sutil) existiendo una clara dosificación en su uso, lo cual supone todo un acierto y que recuerda al tratamiento dado por Spielberg en su film sobre el escualo. El personaje del monstruo se presenta como una presencia inquietante, tratada de una forma casi invisible.

La fotografía de Will Gibson, funciona a la perfección sobre todo en los planos generales, cenitales y travellings en las escenas diurnas y en interiores y exteriores en las nocturnas (con un buen manejo de los focos y la distribución, jamás iluminando más de la cuenta). Una mitad en donde se sugiere más que se muestra y en donde se intenta evadir de los tópicos.

Tras una primera parte que parecía augurar lo mejor, un producto a la vieja usanza (ajustada duración y notable calidad), la cinta se adentra en terrenos comerciales (impuestos o no) y se vuelve todo más previsible, los tópicos se hacen más evidentes, resulta menos angustiante y más inverosímil. Las escenas finales en la cueva, quizás pequen de ser un rara avis dentro del conjunto, pero McLean las resuelve con virtuosismo tras las cámaras. Justo ahí es donde el cocodrilo gigante se vislumbra en su totalidad (sin demasiado iluminación y en donde el trabajo de FX se hace más evidente) y su lucha encarnizada con Pete resulta tan vibrante como inverosímil. La última media es una clara concesión a la taquilla, pero ni mucho menos desmerece al conjunto, a pesar de ese final con tintes dramáticos un tanto forzados. De todas formas, el film merecía una mejor resolución.

En este film, McLean pudo contar con rostros más conocidos que en su película anterior: la excelente Radha Mitchell (una actriz muy a tener en cuenta. Así lo demuestran sus intervenciones en films de Woody Allen o Tony Scott), Michael Vartan (uno de los tios más sosos del panorama actual, compitiendo directamente con Orlando Bloom o Robert Pattinson) y Sam Worthington (uno de los tipos más solicitados en Hollywood, y que ha trabajado ya en la última entrega de Terminator o el esperado último film de James Cameron).

Quien espere la sequedad y el terror rural de “Wolf Creek” en “Rogue” quizás salga decepcionado. Yo la ubico más en el género de aventuras, jugueteando con el terror y el suspense. Aparentemente por su argumento tan a priori trillado, puede espantar a más de uno, pero considero que merece una oportunidad. Pues no muchas películas de este subgénero saben construirse a partir de una atmosfera, no basar el film en efectismos baratos, sugerir más que mostrar o de romper tópicos (SPOILER me encanta esa escena en que Pete llama a Kate, tras esta haber sido mordida por el cocodrilo y sumergida, y ella no contesta, no aparece, él insiste muchas veces pero nada, tan real como la vida misma, y la escena se aparta de sentimentalismos varios. En cualquier otra película de este tipo, saldria la chica del agua, en esta no. FIN SPOILER).

Un producto aparentemente destinado a la evasión y carente de interés, pero gracias al trabajo de McLean en la dirección manejando los mecánismos del cine de antaño, es transformado en una solvente y desenfadada cinta de aventuras salpicada de momentos de terror, usando el suspense subterráneo como vehículo para inquietar, con una remarcable solidez narrativa (una absoluta lección de concreción de guión), tratando la presencia amenzadora de la bestia desde la sugerecia, con un uso del paisaje de corte protagonista y una atmósfera realmente trabajada y angustiante. Su última media hora es algo decepcionante ya que se rompe el discurso mantenido en las tres primeras cuartas partes del film. A pesar de su mejorable resolución, estamos ante uno de los films más honestos, modestos y que cumplen lo que prometen, ni más ni menos.

“Rogue” encantará a los fans de la sci-fi / terror de antaño pues, aunque no esté exenta de fallos, posee una dirección cojonuda, y es a todas luces una peli solvente y muy interesante, como toda la, hasta ahora corta, filmografía del señor McLean.

Acción, Aventuras, Críticas, Suspense, Terror El territorio de la bestia, Greg McLean, Michael Vartan, Radha Mitchell, Rogue, Sam Worthington

Megan Fox, esa “actriz” con aires de diva, insultó gravemente al director Michael Bay (creador del contrapicado chulero, pro californiano y máximo amigo de los marines) comparándolo con Adolf Hitler y poniendo a parir las dos partes de la saga robótica.

Desde aquí no pretendemos defender ni a la saga “Transformers” (un díptico realmente insufrible) ni a Michael Bay, un tipo con dudoso gusto cinéfilo y artes tras la cámara de cuestionable calidad, pero insultar a quien te ha lanzado a la fama internacional y te ha dado una oportunidad (como un padre en la industria), es de desagradecidos. Si al menos fuera buena actriz, solo podriamos decir que es maleducada, pero no es el caso. Sobre todo, desde aquí nos parece una chica tremendamente inmadura y 100% superficial. Un poquito de humildad no le iría nada mal, que aprenda de otras actrices jóvenes y guapas como Maggie Gyllenhaal por ejemplo.

Aquí os dejo la carta del equipo de “Transformers” dedicada exclusivamente para nuestra querida Megan Fox:

Esta es una carta abierta para todos los fanáticos de Michael Bay. Somos 3 personas que han trabajado con Michael durante los últimos 10 años. La semana pasada hemos leído un terrible articulo con insultos y difamaciones dichas por la Señorita Fox hacia Michael Bay. Esta carta es para aclarar bien algunas cosas.

Sí, Megan tiene bonitos ojos, un vientre liso el cual untamos con glicerina, y un horrible tatuaje de Marilyn Monroe puesto en su brazo el cual cubrimos para mantener a todos felices.

Michael encontró a una chica tímida, sin experiencia, desconocida por el mundo, que estaba en la oscuridad y le dió la oportunidad más grande de su vida que cualquier joven actriz pueda desear. Michael decía a todo el mundo que confíen en esta decisión. Él le otorgó un papel protagónico en Transformers, una franquicia que cambió su vida para siempre, ella se convirtió en una de las chicas más buscadas en Google y más deseadas del planeta. ¡Megan se volvió famosa! Es considerada la próxima Angelina Jolie, ¡¡¡URRAA!!! Pero esperen un minuto, dos de nosotros pudimos trabajar con Angelina, y pensándolo bien ella no es como Angelina. Para empezar Angelina Jolie es toda una profesional.

Sabemos varios detalles de primera mano porque hemos trabajado con “la más tonta que las piedras” Megan Fox en las dos partes de Transformers. Hemos pasado un total de 12 meses haciendo ambas películas.

Nosotros 3 somos de diferentes departamentos, no podemos dar nuestros nombres porque tristemente si lo hacemos es muy posible que luego nos prohiban volver a trabajar en cualquier producción de Paramount.

Uno de nosotros tocó las bragas de Megan, el otro tuvo el maldito trabajo de sacar a la Señorita pantalones apretados fuera de su remolque, y el tercero estaba cerca de la cámara Panaflex que sirve para inmortalizar a esta chica en la película.

Megan ha engañado a toda la prensa. Cuando leemos lo que dice en algunas revistas, deseamos trabajar con esa chica que ella misma pinta. Megan sabe como fingir una sonrisa a la prensa. Los reporteros deberían intentar estar en el set de filmación alguna vez, porque la verdad durante su trabajo ella nunca ha sonreído. El elenco, el equipo de filmación y el director han conseguido que el set de Transformers sea muy divertido y energético. Hemos viajado por todo el mundo, juntos, así que nunca entendimos porque Megan era la única gruñona.

Para las entrevistas con la prensa, Megan se transforma en la reina de hablar burradas y de posar como una estrella porno. Y si, hemos tenido la insoportable experiencia de verla intentar actuar en un set, y la verdad es un desastre. Así que quizás ser una estrella porno sea para ella un buena elección, pero aún así sería una pesadilla para el maquillador porque tiene una frase tatuada en su espalda (probablemente fruto de una mala niñez), y serán fácilmente otros 45 minutos en la silla del maquillador.

Así que ahora que nosotros tres hemos leído una vez más otra entrevista realizada a Megan Fox, como si realmente ella tuviera algo interesante que decir, sabiendo que de su boca solo sale basura acerca del director, al cual queremos y admiramos mucho. Megan ha dicho que trabajar con Michael es como trabajar con Hitler. Para empezar, estamos seguros que no sabe exactamente quién es Hitler. Pero aún así nos preguntamos como es posible que Megan no se dé cuenta que su comentario es completamente desagradable y malcriado.

Bueno, es hora de aclarar las cosas.

Se pueden decir muchas cosas sobre Michael, él muchas veces es estricto, pero también es muy divertido, además le encanta retar a todos por una razón, simplemente quiere que todos demos lo mejor de nuestro trabajo. Él llega muy bien preparado, sabe exactamente lo que quiere, se involucra con todo el equipo y espera que todos nos esforcemos al máximo, eso incluyendo a los actores. Es uno de los directores más exigentes.

Él consigue lo mejor de su equipo, y muchos han trabajado más de 15 años con él. Y si, Michael es muy leal, es uno de los pocos directores que haría esto, él ha aceptado que le descuenten de su sueldo varios millones sólo para poder trabajar con su propio equipo de gente.

¿Megan dice que Transformers tenía un set poco seguro? ¡Vamos!, sabemos que puede ser más intenso que el patio que tenías en el barrio de casas de remolque donde vivías, pero no puedes insultar así a uno de los mejores equipos técnicos, de efectos especiales y de dobles que existen en el negocio. Ni una sola persona ha salido herida jamás.

¿Y quién es la verdadera Megan Fox? Es muy diferente de todos los actores nominados por la academia y de los ganadores de un Oscar con los que hemos trabajado. Como persona es bien descortés, tanto que ni se puede comprender. Muestra poco interés en las personas del equipo de trabajo que la rodean. Nosotros trabajamos para que ella se vea bien en todo sentido, pero ella no aprecia nada de nuestro trabajo. Nunca ha dicho gracias. Hubo un momento en que nadie del equipo le saludaba, simplemente porque ella nunca respondía con un hola nuestros saludos. Llegamos a pensar que ella simplemente odia todo el proceso de ser una actriz.

Megan Fox llegó muchas veces tarde. Le cuesta salir de su caravana, como si fuera una miseria. Una vez escuchamos que exigía que primero John Turturro salga de su caravana para que ella saliera después. ¡¡¡John ha hecho 75 películas y ella sólo 2 !!!.

Megan nunca se presentó a las 15 fiestas que hicimos, cuando los demás actores siempre iban. Y para rematar, una noche rechazó sin ninguna clase la invitación a una cena especial que nos hizo el Príncipe de Jordania. Ella no sabe que una vez las hijas de uno de los encargados de las grúas pidieron a su papá poder visitarle en el trabajo para conocer a Megan, pero él les dijo que no, porque ella no es nada agradable.

La prensa con seguridad desconoce su frase más famosa. En nuestro primer día de trabajo en Egipto, el gobierno egipcio no nos permitía filmar en las pirámides por un problema de permisos y papeleos, los actores ya estaban listos y maquillados en el hotel Four Seasons. Michael trató de resolverlo lo mejor posible, como no se podía filmar, para que los actores no se sintieran mal, les propuso hacer un tour privado dentro de las famosas pirámides de Giza. Dios es nuestro testigo que Megan Fox dijo:

“I can’t believe Michael is fucking forcing us to go to the fucking pyramids!” (¡No puedo creer que Michael nos esté forzando a ir a las malditas pirámides!.)

Suponemos que este es el Hitler a quien ella se refiere.

Así que esta es la Megan Fox que muchos desconocen. Quizás con el tiempo aprenda, pero imaginamos que si ella puede decir insultos, también debe poder recibirlos. Megan en verdad es una desagradecida, ordinaria y desagradable persona, podemos decir que es una perra hostil. Es muy triste ver como la fama puede cambiar a las personas, y es aún más triste saber que muchas jovencitas la idolatran y siguen. Si sólo supieran como es ella.

Pero la fama es fugáz, nosotros que trabajamos detrás de las escenas hemos visto a muchas actrices aparecer y desaparecer.

Tenemos la esperanza que en los primeros 10 minutos de Transformers 3 Michael Bay filme una escena donde Megatron aplaste a su personaje. Podemos asegurar que esto hará felices a todos los del equipo.

- El leal equipo de Transformers

Acción, Frases, General Megan Fox, Michael Bay, Transformers

Cuando uno se dispone a ir al cine y dejarse llevar por lo acontecido en pantalla, lo último que espera es que le tomen el pelo y, bajo un vulgar ejercicio de snobismo cinéfilo, pretendan vendernos un producto profundo, austero y sensible, cuando verdaderamente lo que ofrece son 109 minutos insustanciales, carentes de emoción y con altas dosis de ombliguismo (casi tanto como Von Trier).

“Mapa de los sonidos de Tokio” produce en el espectador auténtico hastío, erigiéndose como una de las peores películas que un servidor haya podido sufrir en lo que llevamos de año. Un producto diseñado solo para chic@s 100% Coixet, que confunden lo trascendental con lo vacuo, y que caen en el juego que propone la directora de intentar esconder bajo su sello precipitadamente indie(made in Sundance) las enormes carencias de la cinta española.

Para entrar en contexto, el film nos narra la historia de Ryu (Kinko Kikuchi), una chica solitaria de aspecto frágil que contrasta con la doble vida que lleva: de noche trabaja en una lonja de pescado en Tokio y esporádicamente recibe encargos como asesina a sueldo. El señor Nagara (Takeo Nakahara) es un poderoso empresario que llora la muerte de su hija Midori, que se ha suicidado, y culpa del suicidio a David (Sergi López), un hombre de origen español que posee un negocio de vinos en Tokio. Ishida (Hideo Sakaki), un empleado del señor Nagara que amaba a Midori en silencio, contrata a Ryu para que asesine a David. Un ingeniero de sonido, obsesionado con los sonidos de la ciudad japonesa y fascinado por Ryu, es el mudo testigo de esta historia de amor que se adentra en las sombras del alma humana allá donde sólo el silencio es elocuente.

Coixet opta por lo supuestamente guay olvidándose de la eficacia y la resolución de las tramas. El guión es ciertamente pretencioso, con unos personajes desdibujados, mal construídos, que jamás inspiran empatía al espectador y cuyas tramas son inconsistentes y carentes de sentido. Personajes sin química alguna, que protagonizan situaciones inverosímiles (nadie se cree que Ryu esté enamorada de David) y que, en definitiva, producen una abrumadora indiferencia al que visiona el film (realmente importa un cuerno lo que les pase a los personajes, hasta el punto que desearías que ambos desaparecieran del mapa para que el film terminase de una santa vez).

La película aspira a ser una radiografía de la soledad y las relaciones humanas, intentando emocionar desde la distancia, pero peca de ser demasiado esquemática, demasiado previsible y se pierde en un ritual de frases que suenan demasiado perpetuas e imperecederas, por momentos, adentrándose en terrenos del cine iñarrituense, es decir, mucha postal y mucho fatalismo, pero poca credibilidad ni calidad.

Siguiendo con las, todo haya que decirlo, merecidas puyitas hacia la horrible peli de Coixet, todavía no se entiende la utilidad del narrador dentro de la cinta, cuyas frases rimbombantes narran lo que vislumbramos ya en pantalla, saliendo de la boca de un personaje que no solo no aporta nada a la trama prácticamente, sino que supone el toque forzadamente friqui y cool, típico de la directora gafapasta. Únicamente consigue subrayar en exceso y añadir momentos prescindibles (como la escena en donde explica lo que acontece entre los edificios de la ciudad, o las escenas en donde Ryu limpia las tumbas de sus víctimas). Un narrador que recuerda sospechosamente al grabador de sonidos de la magnífica “Café Lumière” (2003) de Hou Hsiao-hsien.

Otro punto a tratar son las secuencias de sexo. Rodadas desde el punto de vista femenino claramente y con poca destreza (nada que ver con las cintas de Wong Kar Wai o Ang Lee), aunque sutilmente, nunca llegan a ser algo puramente explícito. Esa habitación con esos colores destacados, ese sonido y esas luces de tren, nos recuerda inevitablemente (y salvando las distancias) a “2046” (2004). La famosa escena en donde Sergi López se saca un pelo de la boca tras haber realizado sexo oral, constituye la escena almodovariana por excelencia del film, pero el Almodóvar de la vulgaridad sexual no el maestro tras las cámaras, que conste. Recordemos que a nuestra amiga Coixet también le va lo kitsch.

La música escogida es de calidad, pero independientemente de la cinta, no unida a ella. Algunas de los singles escogidos podrían ser muy del gusto de Wong Kar Wai (ver la de los títulos de crédito) y la de final (de nuevo, el toque Antony and the Johnsons -excelente grupo donde los haya-), que parece más una imposición personal de la directora que un acierto ubicarla en ese tramo de la película.

Como he dicho anteriormente, el gran problema de “Mapa de los sonidos de Tokio“, además de que es un puñetero hastío, son sus personajes. Coixet, habitualmente, sabe trabajar con los actores y les saca un buen rendimiento. No niego que sea una buena directora de actores. Sin ir más lejos, pudimos ver a una espléndida Sarah Polley tanto en “Mi vida sin mí” (2003) como en “La vida secreta de las palabras” (2005), o a una enorme Lili Taylor en “Cosas que nunca te dije” (1996). En cambio, en su última película, no ocurre eso, supongo por la dimensión tan desubicada en la que se mueven los personajes. De todo el casting, solo salvaría a Hideo Sakaki (uno de los actores fetiche de Ryuhei Kitamura) y a Min Tanaka (visto en “El ocaso del samurai” (2002) y “The hidden blade” (2004)), cuyos personajes no me interesan en exceso pero son actores que siempre cumplen.

Ryu (Rinko Kikuchi) representa esa juventud japonesa tan desorientada como solitaria. El problema es que jamás creemos que sea una chica que mate por dinero, jamás sospechamos que se enamore del personaje de David, por el simple hecho de que todo es excesivamente rápido, frio y materialista. Una relación basada en el sexo y en el vino xD, no puede dar lugar a esa escena final con lágrimas en donde a una parece que se acaba su vida y al otro parece que le importa todo un pimiento. Por las evidentes similitudes de composición de escena, nada que ver con ese abrazo final entre un Bill Murray y una Scarlett Johansson plenamente emocionados en el film de Sofía Coppola.

Si Rinko Kikuchi está mejorable en el film, Sergi López está horroroso, bajo mi humilde punto de vista. No solo porque no pega con su papel (que parece el Marlon Brando de “El último tango en París” (1972) pero en versión cutre, o el Bill Murray de “Lost in translation” (2003) en plan pecho lobo macho ibérico), sino porque no dota de suficiente carisma y entidad a su personaje. Es posiblemente, el personaje más inverosímil de la trama, sobre todo por algunas escenas en concreto (cuando le habla sin ningún tipo de preocupación y con indiferencia a Ryu sobre su ex, la cual acaba de suicidarse supuestamente por su culpa, cuando se despide de Ryu, cuando tienen una estúpida discusión sobre vinos que desencadena en ese “romance” o sin ir más lejos cuando practican sexo). Sobre el doblaje que se ha hecho a sí mismo Sergi López, prefiero no opinar, para no herir más sensibilidades.

El trabajo de Coixet en este film, se podría definir en un quiero y no puedo. Intenta ser una mezcla entre Wong Kar Wai (por la manera de retratar la ciudad y las relaciones, por algunos travellings inspirados), Sofia Coppola (por esa escena de taxi mientras David ve las luces y colores de Tokio tras la ventana, por esa despedida con un plano idéntico que recuerda a “Lost in translation” (2003)) y Lars Von trier (por el uso de la música construída mediante elementos naturales y cotidianos como entidad de la banda sonora, como pasaba en “Bailar en la oscuridad” (2000)), con planos descaradamente inspirados en algunas obras de dichos realizadores (por decir absolutamente copiados) e intenciones nada originales, bajo la excusa del homenaje continuado, solo consiguiendo aturdir al espectador mínimanente sesudo y conocedor de cine. Pero si, aunque no tuviera un discurso propio, fuera una cinta que llegara, emotiva, sin pretensiones, humilde y capaz de transmitir lo que pretende, se lo podria perdonar, pero no es asi.

“Mapa de los sonidos de Tokio“, en el fondo, cuenta la misma historia de siempre en el cine de la directora catalana: corazones rotos, heridas sin cicatrizar, desorientación existencial, personajes alienados, con un pasado problemático y con un futuro incierto. La obra de Coixet en ese aspecto es muy uniforme, pero si bien en otras propuestas anteriores lograba transmitir ese desaliento, ese desencanto vital y trascendental, en “Mapa de los sonidos de Tokio” se preocupa más por el sonido y su tratamiento que por el film en sí. Es cierto que la edición de sonido es notable en el film, incluso fue premiada en Cannes, pero la película en su conjunto, es fallida.

Un detalle que me parece fuera de lugar y que no mucha gente ha comentado, es la incursión de la senyera catalana cada dos por tres en al cinta (en la tienda de vinos o en las cartas colgadas). Para variar, resulta un detalle forzado y snob por parte de la directora, con tal de subrayar (de nuevo) – sin ningún propósito más allá del ombliguismo – su patria querida.

Algo que me parece grave, es el hecho de que este film esté como precandidato a los oscars por parte de España, habiendo dejado en la estacada películas mucho más interesantes como la enorme (digan lo que digan) “Los abrazos rotos” (2009) de Almodóvar (recordemos, que estuvo a puntito de llevarse la Palma de oro este año, se la quito Haneke) o la a priori interesantísima “Ágora” (2009) de Alejandro Amenábar (tras su paso por el cine chusquero en “Mar adentro” (2004)), supuestamente descartada por ser en lengua extranjera, aunque curiosamente la cinta de Coixet también lo es. ¡Parece mentira!.

En este mapa de los sonidos no existe una conexión directa con el espectador. Solo el vacío, tanto artístico como emocional. Un film saturado de tópicos, personajes en construcción permanente, sin química alguna y totalmente inexpresivos, erigiéndose como el “film oriental” capricho de la gafapastis, la cual (a parte de estar constantemente buscando postalitas – como su amigo Iñárritu – en vez de auténticos planos que transmitan algo) pretende ser Wong Kar Wai, Sofia Coppola y Lars Von Trier a la vez, pegándose un monumental tortazo en su intento. Sin olvidar que el póster (posiblemente lo mejor de todo) es un plagio descarado de una fotografía de Javier Aramburu, como recientemente han constatado la prensa escrita y audiovisual.

Un film que rebosa falsa poesía, abandonado al subrayado narrativo, componiendo un ritual de frases que suenan en extremo perpetuas y rimbombantes, con un buen trabajo en sonido, que busca ser una radiografía de la soledad y las relaciones humanas, quedándose en un deleznable ejercicio de snobismo, pretenciosidad y falta de emoción.

Cine de autor, Críticas, Drama Hideo Sakaki, Isabel Coixet, Pedro Almodóvar, Rinko Kikuchi, Sergi López

Tiene una pinta estupenda este film de Antonio Campos. Por el trailer parece deudora del mejor Van Sant y de Haneke, siendo una radiografía de la imagen, de su poder y de sus múltiples capas. Una cinta cuyo universo adolescente resulta tan desagradable y molesto como el propuesto en “Elephant” o incluso en “Paranoid Park“.

Pasó sin pena ni gloria por las carteleras españolas (en los cines de mi ciudad creo que ni la vi) este pasado junio. Es hora de reivindicarla.

Cine de autor, Drama, Suspense, Thriller, Trailers Afterschool, Antonio Campos, Gus Van Sant, Premios

“Teen wolf” es una de aquellas películas, que a pesar de sus fallos, supone todo un divertimento fantástico-deportivo y contiene ese entrañable encanto del cine ochentero tan reivindicado por los nostálgicos. Un servidor debe reconocer que es una de las películas favoritas de su infancia, así que en este escrito se intentará optar por un discurso que se distancie de lo puramente romántico aunque sin prometer nada.

La cinta nos cuenta la historia de Scott Howard [1] (Michael J. Fox), un estudiante de instituto, retraído y tímido, que descubre poco a poco que es un hombre-lobo. Aunque en un principio dicho estado le provoca una terrible preocupación y ansiedad, poco a poco irá aceptando y desarrollando sus nuevas cualidades para rendir plenamente en los estudios, ligar con las chicas que nunca pudo acceder y ganar al baloncesto de forma holgada.

“Teen wolf” se erige como una de las películas teen más simpáticas de los 80, una comedia juvenil sin pretensiones, muy divertida y con un Michael J. Fox, como siempre, fantástico y muy convincente. A diferencia de la mayoría de las teen movies actuales, en donde la grosería y el humor chabacano de mal gusto campa a sus anchas; en el cine juvenil de antaño (recordemos la notable “Cuenta conmigo” o las excelentes “La ley de la calle” y “Rebeldes” ambas de Coppola, entre otras), se apostaba por algo menos explícito, más interesante y serio. Un cine que sin duda a día de hoy produce nostalgia en quien vivió dicha década dorada. El film de Rod Daniel evidentemente no posee la calidad de las tres cintas citadas anteriormente, pero se podría situar entre esas dos aguas, no es otra estúpida comedia teen más (ejemplos de ello serían la cochambrosa saga “American Pie” o la insufrible “Road Trip. Viaje de pirados“) pero tampoco es un film juvenil redondo, ni mucho menos.

Los recursos usados por el realizador, Rod Daniel, para contarnos esta historia, son correctos, aunque en algunos momentos, un tanto ineficaces, de dudoso gusto estético y caducos a día de hoy. Su apuesta por subrayar los momentos de mayor interés mediante un uso reiterado del ralentí, no aporta en exceso y en ocasiones un poco peca de esteticismo gratuito. Eso se puede comprobar en algunas escenas (por ejemplo la que transcurre al inicio del film, la de Scottie convertido en hombre lobo subido en la camioneta saltando una y otra vez, las escenas de las victorias del equipo de baloncesto del instituto, o ese final [2] tan edulcorado). No es un film que necesite de artificios de ningún tipo, por tanto, esos subrayados sobraban cosa bárbara. Por lo demás, correcta dirección sin más.

La cinta, vista casi 25 años después, no conserva la frescura de antaño, el tiempo no le perdona, aunque sigue siendo tremendamente entretenida, muy divertida, entrañable y con una duración ajustada a lo que es. Pero lo mejor de todo, es que, aunque su look sea muy ochentero, algunos de sus personajes siguen siendo igual de amenos y divertidos que entonces. El film sigue siendo un puro divertimento, eso es innegable.

Scottie (Michael J. Fox) parece el primo hermano de Marty McFly, con todo lo bueno que conlleva eso. Michael J. Fox, desde sus inicios, ha sido un pedazo de actor, siempre a un servidor le ha parecido solvente, divertido para la comedia, impecable para el drama (estaba magnífico en la desgarradora “Corazones de hierro” de De Palma) y sobre todo un actor brutalmente natural, te hacía creer a sus personajes y empatizar con ellos. Uno de los mejores de su generación. Y sin duda, siempre será el eterno adolescente en nuestra memoria.

En la cinta licántropa que comentamos en estas líneas, asume el rol de Scottie, un personaje timido, inteligente pero como todo escolar juvenil, ansía dejar de lado la mediocridad y la indiferencia que hay hacia su persona y ser alguien importante.

Poco a poco va descubriendo que su cuerpo está cambiando de forma extraña y acelerada hasta que un dia se completa la antropomorfosis en una escena bastante bien resuelta para el poco presupuesto disponible. Al ver a su padre Harold, encarnado por James Hampton, también convertido, empieza a entender que es algo que le viene de famíla.

Lo que al principio parecía una pesadilla, tras convertirse en medio de un partido de basket y arrollar al rival con su juego vertical y dinámico, se convierte en casi una bendición para él, pues es el nuevo héroe del instituto. Con el tiempo, se dará cuenta de que no solo es una transformación física lo que ha sufrido, sino también de personalidad, pues ha dejado de ser aquel jóven educado y humilde para convertirse en un descerebrado más.

Es interesante en la cinta como se nos muestran a las dos chicas que más protagonismo tienen. Por un lado, está Pamela Wells (Lorie Griffin), típica rubia cachonda de instituto, con un cerebro de mosquito y sin moralidad ni ética alguna; por otro, está Lisa – más conocida como “Boof” – (Susan Ursitti), el prototipo de chica perfecta: humilde, sincera, guapa, inteligente y respetuosa.

La primera se podría definir como un icono sexual para Scottie, una chica a la que nunca ha logrado acceder y que, convertido en lobo, por primera vez ella se ha interesado, aunque informalmente. La segunda, es la chica que conoce de toda la vida, que sabe que desde siempre él la ha querido y que parece que por mucho que haga nunca es suficiente para Scottie.

No podemos olvidarnos tampoco de dos personajes míticos de la cinta: el loco de Miles y el entrenador. El primero, es el típico bromista del grupo, fan incondicional de los Beach Boys y todo un as en el marketing (es el más espabilado en sacar negocio del tema “hombre lobo” en el instituto: desde chapas, camisetas, gorras y un largo etcétera). Mención aparte, las múltiples camisetas con mensaje (del estilo “Life sucks when you die“) que lleva durante el film, algo muy de moda hoy en día, pero no tanto por aquella época, creo recordar.

El entrenador de baloncesto es un caso aparte. Sin lugar a dudas, es uno de los personajes más pasotas, irresponsables y vagos que se han podido ver en el cine comercial ochentero. Entrenador sin carisma ni don, intenta sobrevivir en los partidos de basket a base de chicles bajo la atenta mirada del director del instituto, y le importa bien poco el resto (ver escena en que Scott le va a pedir consejo xD). Cuando empiezan a conseguir victorias, su “trabajada” estrategia consiste en “Pasarla al lobo y que él lo haga todo“. A pesar de todo eso, es un personaje que cae realmente simpático y protagoniza algunas de las mejores secuencias cómicas de la cinta. Jay Tarses consigue crear un personaje más lógrado que Paul Sand en la horrorosa segunda entrega (toda una secuela clon con el hoy famoso Jason Bateman como prota).

En nuestro corazoncito ochentero, siempre estarán algunas escenas imborrables de este film: El “Surfin’ USA” de los Beach Boys sonando mientras Miles baila encima de la camioneta del padre de Scott, la secuencia de Boof y Scottie (eternos amigos) encerrados en el armario y como ella sale del mismo con el traje desgarrado, cuando Scottie está en clase y la profesora le dice que salga a la pizarra y empieza a sufrir leves transformaciones (las uñas), o la escena en que el propio Scott va a comprar un barril de cerveza (con esos ojos rojos y esa voz grave) cuando antes mejores lo ha conseguido debido a que son menores. Esta última escena la podemos ver desde aquí.

“Teen wolf” es, para un servidor, la cinta fantástico-deportiva por excelencia de esa década. Un buen mix de comedia, deporte, licantropía, Beach Boys y cine juvenil. Un film entrañable que produce nostalgia y, a pesar de no estar exenta de fallos y de haberle pasado bastante factura el tiempo, para muchos se ha convertido en film de culto sin mayor pretensión que el entretenimiento y con un soberbio Michael J. Fox (sumando la trilogía de Zemeckis y otras) como máximo icono del cine ochentero yanqui.

[1] En Italia, el nombre del personaje fue cambiado de Scott a Marty, para aprovechar el tirón comercial de “Regreso al Futuro” (1985), un film estrenado en USA, solo un mes antes que la cinta de Rod Daniel. En Italia, como en España, se estrenó bastante antes la cinta de Zemeckis, de ahí que los transalpinos cambiaran de forma oportunista el nombre del protagonista.

[2] En la versión en dvd se censuró una toma del final del film, pero en las salas durante su estreno en el año 85, se pudo ver y causó cierta polémica al respecto. La escena en cuestión, se produce mientras el equipo de baloncesto y el público están celebrando el campeonato conseguido, cuando un par de extras un tanto degenerados, se bajaban los pantalones descaradamente, enseñando sus atributos.

Ciencia Ficción, Comedia, Críticas, Drama, Teen movies El hombre lobo, Michael J. Fox, Rod Daniel, Teen Wolf

Hace unos días nos dejaba el célebre Patrick Swayze, tras su dura lucha (más de 20 meses) contra el cáncer de páncreas que padecía. Su recuerdo merece un post, sin lugar a dudas.

El actor estadounidense participó en una treintena de films aproximadamente, y aunque nunca obtuvo ningún un premio, fue nominado a mejor actor en los globos de oro en varias ocisiones (por sus personajes Johnny Castle (“Dirty Dancing“) y Vida Boheme (“Wong Foo, Gracias Por Todo“).

Entre tanto recuerdo (ya sea vía televisión, radio o internet) a la horrible “Dirty Dancing” con el archiconocido tema “She’s Like the Wind” y a la decente aunque demasiado edulcorada “Ghost“, yo os dejo con un video de una de sus mejores películas (por no decir la mejor) “Le llaman Bodhi“, con un personaje que era el centro de la cinta. Recordemos que también apareció en “Donnie Darko“, una de mis pelis favoritas, asi pues, más triste es todavía la notícia.

Descanse en paz.

In Memoriam Dirty Dancing, Ghost, In Memoriam, Le llaman Bodhi, Patrick Swayze, Point Break

Posiblemente, una de las mejores escenas de tan notable película sea la de los títulos de crédito, un trabajo de la compañía yU+Co en estrecha colaboración con Zach Snyder, el director de la cinta.

La escena supone un repaso histórico-fantástico desde el gobierno de Kennedy hasta la desastrosa gestión de Nixon mostrando múltiples momentos clave de la historia (el asesinato de J. F. Kennedy en Dallas, la guerra de Vietnam, el bombardero Enola Gay dejando su mortal bomba sobre Hiroshima, la Última Cena de Leonardo Da Vinci, Fidel Castro en la Plaza Roja de Moscú en 1963 junto a Nikita Jruschov, el fenómeno “Flower power” de los hippies, la cultura pop de Andy Warhol, la mítica discoteca Studio 54 o la llegada del hombre a la Luna), aunque llevado al terreno de los superhéroes (con algunos ajustes, claro está).

Secuencias de acción semi-congeladas pero que sin embargo mantienen el aspecto vital gracias a una iluminación magnífica, con una ralentización gradual de movimientos; un montaje construído de forma excelente, unos títulos 3D integrados a la perfección que recuerda a los de films como “Panic Room” de David Fincher (posiblemente la pionera en esto) y una canción de fondo del gran Bob Dylan, “The Times They Are a-Changin’ “, muy acertada su elección como el resto de su criticada BSO, que personalmente, me parece fascinante, valiente y muy bien escogida.

No creo que exagere si considero a ésta como una de las mejores escenas de títulos de crédito de la historia. Una pequeña gran obra dentro de una notable película. Una manera fantástica de en pocos minutos resumir por encima las dos generaciones de superhéroes dentro del universo de Alan Moore, qué pasó con los Minutemen (su ascenso y caída), cómo llegaron los Watchmen y a la vez contar el trasfondo sociopolítico de dicho período. Magnífica secuencia.

Acción, Adapt. Cómic, Drama, Escenas, Thriller Premios, superhéroes, watchmen, Zach Snyder

Os dejo con el listado del palmarés del festival:

León de Oro a la mejor película: “Lebanon (Líbano)“, de Samuel Maoz

León de Plata a la mejor dirección: Shirin Neshat por “Women Without Men” (Trailer)

Premio Especial del Jurado: Fatih Akin por “Soul Kitchen”

Coppa Volpi al mejor actor: Colin Firth por “A Single Man”, de Tom Ford ( Trailer)

Coppa Volpi a la mejor actriz: Ksenia Rappoport por “La doppia ora”, de Giuseppe Capotondi (Trailer)

Premio al mejor guión: Todd Solondz por “Life During Wartime” (

Premio Marcello Mastroianni al mejor actor emergente: Jasmine Trinca por “Il grande sogno”, de Michele Placido (trailer)

León del Futuro: “Enkwentro“, de Pepe Diokno

Festivales festivales de cine, mostra de venecia

“Hasta un hombre puro de corazón,
que reza sus oraciones por la noche,
puede convertirse en lobo cuando florece el acónito.
Y la luna está llena.”

“Caminaste por un sendero de espinas,
pero no fue culpa tuya.
Igual que la lluvía cala la tierra,
y el río va a morir al mar,
las lágrimas buscan un destino escrito.”

Maleva (Maria Ouspenskaya)


La licantropía, surgida de varios mitos europeos, ha sido un tema tratado de manera dispar en el cine de terror tanto moderno como clásico. En la etapa del cine mudo, varios films abordaron dicho tema, como “The werewolf” (1913) o “The wolfman” (1915). La interesante “Le loup-garou“, dirigida por Pierre Bressol, fue la primera cinta sonora sobre la antropomorfosis.

El lobo humano” (1935) supuso la primera aportación al fenómeno del hombre lobo por parte de la Universal. Tras los éxitos de films como “Dracula” (1931), “The black cat” (1934) o “Frankenstein” (1932), el citado estudio estrena un film sobre el mito del lobo humano, escrito por los responsables de éxitos anteriores en el género del terror.

El resultado es pobre, con escenas que rozan el ridículo y situaciones cuya comicidad las hace inverosímiles. Aunque inicialmente, el papel del protagonista iba a recaer en Lugosi o Karloff (que raro..), finalmente se optó por Henry Hull, cuya actuación no es demasiado destacable. El primer acercamiento al mito, resultó ser una película interesante pero excesivamente irregular e imprecisa.

Posiblemente, los dos films que más se acerquen a la maestría de la obra de Robert Louis Stevenson (“El Dr Jeckyll y Mr Hyde”) son la excelente “El hombre y el monstruo” (1931) de Rouben Mamoulian y la posterior “El Testamento del Doctor Cordelier” (1959) de Jean Renoir (inspirada en la novela), ambas reflejan esa oposición binaria entre el bien y el mal, reflejada en la bestialidad del hombre, en una metamorfosis maldita.

Pero la película que todos conocemos como la que fue capaz de relanzar el mito del hombre lobo, incluso de reinventarlo, no es otra que “El hombre lobo” (1941) de George Waggner. El film nos cuenta la historia de Larry Talbot (encarnado por un soso Lon Chaney Jr.), hijo de un noble inglés, que tras varios años en Estados Unidos, regresa a la mansión de su padre en Gales. Una noche que asiste a una feria zíngara es mordido por un lobo y su vida comienza a cambiar cuando teme ser el responsable de las muertes que se están produciendo en la localidad.

La cinta de Waggner no sería absolutamente nada sin el maravilloso guión del alemán Curt Siodmak, ya que tanto la dirección como algunas actuaciones están a un nivel inferior al mismo. Curt Siodmak concebió la base de todo el imaginario del posterior cine de subgénero licántropo. Presionado por los productores, se vio obligado a cambiar y reestructurar el libreto original hasta tal punto que decidió crear toda una nueva mitología alrededor, muy respetada y afianzada por el cine posterior. Entre las novedades que añadió Siodmak, se encuentran las balas de plata (material que supone el punto débil de la criatura), el bastón con puño de plata (con un uso dual, que posteriormente comentaré), la repugnancia hacia el acónito o la mordedura en forma de estrella de cinco puntas.

Resulta curioso, que la luna llena, epicentro y causante de la transformación, no se presente en ni un solo plano del film. Posteriormente, se incluyó en todas o casi todas las secuelas o peliculas que combinaban monstruos y uno de ellos fuera licántropo.

Curt Siodmak, como su hermano Robert y tantos otros (Fritz Lang, Billy Wilder, Peter Lorre, etc..), formaron parte del exilio alemán a los Estados Unidos huyendo del régimen fascista nazi que acaba de ganar las elecciones. Curiosamente, estos directores, escritores, actores o técnicos, consiguieron algunas de las obras más arriesgadas y más -por asi decirlo- ácidas del panorama de entonces.

Y “El hombre lobo” no es una excepción dentro de la tradición por parte de estos realizadores exiliados de lanzar puyitas contra el regimen totalitario alemán. Que la mordedura del licántropo sea en forma de estrella de cinco puntas no es por casualidad, dando a entender que la víctima de la maldición es marcada con un símbolo de las mismas características que la estrella de David con la que los nazis marcaban y marginaban socialmente a los judíos. Curt Siodmak de alguna manera quería lanzar una de esas críticas entre lineas tan sutiles y características de ese período en las cintas americanas (algunas de serie B) de exiliados europeos.

Seguramente, el objeto más recordado y que suscite más cariño nostálgico entre los fans de esta película sea el bastón con puño de plata, luciendo en su parte superior una cabeza de lobo. Un objeto cuyo uso en el film es dual. Por un lado, es usado por Larry Talbot (Lon Chaney Jr.) para acabar con un lobo cuando éste atacaba a una persona. Ese lobo resultó ser un hombre lobo (Bela Lugosi) y le mordió transmitiéndole la enfermedad/maldición. Por otro lado, su padre, encarnado por Claude Rains, usa ese mismo bastón – que curiosamente le había regalado Larry- para acabar (sin saberlo) con su hijo, el hombre lobo responsable de todas las atrocidades acometidas en la zona.

Esa atmosfera tenebrosa, desapacible, con un cierto deje gótico, y una niebla persistente, unido a un cuidado por los detalles en los escenarios, la hacen especial. Una atmosfera que va unida de la mano a una elaborada fotografía de Joseph Valentine. Quizás la dirección y las actuaciones (me refiero a Chaney Jr.) sean justitas, pero el interesantísimo guión de Siodmak y los detalles en el mismo la erigen como una de las mejores obras sobre el tema y pionera en muchos aspectos. La película está llena de detalles curiosos, como los pendientes del personaje de Evelyn Ankers, con una media luna, o que Larry Talbot en la parada de tiro en la feria, dispare acertamente contra todos los animales que le aparecen, menos con el lobo, al cual es incapaz de disparar.

El papel principal del personaje de Larry Talbot, fue pensaba en su momento para Boris Karloff, pero éste lo rechazó por problemas de agenda y finalmente recayó en Lon Chaney Jr., – visto en “De ratones y hombres” (1939) de Lewis Milestone- hijo del famoso Lon Chaney, el cual también encarnó al hombre lobo en una versión anterior. El hijo, nunca llegó a estar a la altura del padre, tenía siempre ese peso encima, y sus actuaciones en las cinco cintas sobre el hombre lobo, nunca pasó de lo normalito o discreto. Eso si, a partir de entonces, fue el único actor de la Universal que encarnó siempre a ese monstruo. Un actor que acabó encasillado y ofreciendo poco más en su filmografía posterior, quedando como último film, de nuevo, una pelicula entre dos monstruos “Dracula vs. Frankenstein” (1971).

De entre el resto del reparto, destacan por encima de la media, Bela Lugosi, como un zíngaro llamado justamente Bela, que vive de la feria, adivinando el futuro de los interesados. Una especie de “cameo largo” por asi decirlo, muy agradable y simpático. Pero sobre todo, si hay un personaje que será recordado por encima de todos, es sin duda, el de María Ouspenskaya, en el papel de Maleva, mujer de Bela (Bela Lugosi) la cual pronuncia las frases más míticas y sabias de toda la cinta (las dos frases que destacó al inicio de este texto, por ejemplo), una actriz con una gran presencia. El otro papel más interesante y jugoso de la cinta, es el de Claude Rains, como padre de Larry Talbot, el cual ya hizo con la Universal “El hombre invisible” (1933), aunque aquí como secundario. Como siempre, un actor convincente y que cumple. Eso sí, desde aquí nos preguntamos como sería su mujer, pues su hijo le saca demasiados centímetros como para que resulte creíble que sean de la misma sangre jeje.

Quizás lo mejor del film sea ese encuentro hacia el final de la cinta entre Claude Rains y María Ouspenskaya, la cual está especialmente hostil. Ella representa como la madre espiritual de Larry, es como un diálogo entre el padre y la madre de la criatura, es la figura materna de la película, y para más inri, en ningún momento mencionan a la madre de Larry, solo al hermano fallecido. Más que una conversación entre dos desconocidos, parece una riña familiar. Es uno de los puntos fuertes de la película.

Otra cosa muy curiosa, es la violencia desatada en ciertas escenas, como la del desenlace entre Rains Y Chaney Jr., en donde el padre azota duro a la criatura (corren rumores, no sé si ciertos o falsos, que Rains le dejó un ojo morado a Chaney Jr.), o en la escena en que el licántropo atrapa e intenta morder a la chica, cogiéndola violentamente y tratándola como si de una presa se tratase.

Sin lugar a dudas, se debe hacer mención especial a los famosos efectos especiales y de maquillaje, cuyo creador, Jake Pierce, en su momento, sentó catédra, con un trabajo depurado y exquisito. Lo único que se podría achacar son la falta de continuidad en las transformaciones de Talbot (sobre todo en la primera, donde solo podíamos ver como sus pies se iban convirtiendo en pezuñas paulatinamente y el pelo poblaba sus piernas), algo lógico en aquella época, aunque con posterioridad esa técnica se depuró y apenas se notaba.

Jack Pierce fue uno de los grandes del maquillaje en el cine clásico, un tipo cuidadoso, responsable, perfeccionista y meticuloso a más no poder. Un dios en la Universal (hizo el maquillaje de todos los monstruos clásicos y colaboró en cientos de películas) pero debido a su encasillamiento y cabezonería de no querer renovarse, usando siempre los mismos métodos clásicos y materiales costosos y que conllevaban un proceso de preparación más lento y demasiado sacrificio para los actores, la Universal acabó sustituyéndolo por Bud Westmore, el cual aplicaba materiales más baratos y ágiles de usar como el caucho poroso, un material del que renegaba Pierce.

El desenlace del film, cierra un círculo, un hombro lobo es asesinado al lado del mismo árbol sobre el que pereció otro hombre lobo, asesinado por la nueva víctima y bajo el castigo del mismo bastón de plata. La zíngara observa al padre acabar con la criatura, pero no lo detiene, sabe que ese debe ser el final. La profecía de Maleva se cumplía, el circulo maldito se cerraba, la paz volvería a reinar en la localidad galesa.

El cine de terror, en muchas ocasiones, ha sido injustamente vapuleado y denostado por una parte de la crítica, otorgándole menor peso o valor que a otros géneros como el drama. Todavía hay quien reniega del género y no sabe valorar las lecturas, muchas veces, subterráneas, que esconden cintas como la que se comenta en estas líneas, o incluso, algunas actuales.

Como decía ciertamente el gran Val Lewton: “Ninguna película agradece tanto una buena escenificación, un buen reparto y gastar más tiempo y dinero en calidad que las películas de terror. Los films de terror han de rodarse con cuidado y precisión.“. Cuanta razón tenía.

Aunque en la actualidad pueda parecer poco o nada terrorífica y con un ritmo un tanto lento, “El hombre lobo” posee una atmósfera tenebrosa y desapacible respaldada por una iluminación sublime, un guión magnífico de Siodmak que supone la base de todo el imaginario del posterior cine de subgénero licántropo, lleno de sencillez, personajes jugosos (como los encarnados por María Ouspenskaya o Claude Rains) y mitología -sobre una de las leyendas folklóricas europeas más antiguas-, con un desenlace absolutamente memorable.
Una de las cintas de terror de serie B más emblemáticas de todos los tiempos.

Clásicos, Críticas, Fantástico, Suspense, Terror Bela Lugosi, Claude Rains, Curt Siodmak, El hombre lobo, George Waggner, Lon Chaney Jr., The wolf man

Posiblemente, la escena que os adjunto de “Revolutionary road“, es una de las más poderosas cinematográficamente hablando del 2008. Una secuencia muy del gusto de Mendes y que recueda algo al final de esa obra maestra llamada “Camino a la perdición” cuando Tom Hanks SPOILER es asesinado y todo se ve desde el reflejo de la ventana usando estupendamente la luz natural FIN SPOILER.

Mendes usa una técnica para llenar los planos muy elegante y muy física, casi bressoniana. Se inicia filmando sus manos, su espalda o sus piernas para luego presentarnos al personaje realizando la acción. La cámara va adoptando distancia proporcionalmente a la complicidad de la situación. Finalmente el personaje nos da la espalda, observando el mundo que está a punto de abandonar, un mundo que no es el que esperaba o el que le habían prometido. Lo observa por última vez.

El plano dura lo necesario (seguro que Mendes luchó para que durara más pero no le dejaron). Es la última vez que verá de alguna forma el mundo que le rodea, es un momento trascedental, de ahí que el director se tome su tiempo en la escena. A la vez, April (Winslet) será la primera vez -aunque de una forma terrible- que sea libre, la primera vez que dejen de atormentarle esos sentimientos y esa falsa culpabilidad.

La sangre recorriendo el vestido, avanzando por la tela de forma tan vertiginosa como el sufrimiento y la inestabilidad del personaje, hacen de la escena algo realmente espeluznante.

Mendes, que había rellenado el plano con Winslet, lo vacía, otorgando la importancia que se merece y el tiempo necesario, dejándonos un ventanal abandonado y esa sangre en el suelo, con una composición del plano magnífica. Una mancha de sangre que representa el efímero (y quizás utópico) sueño americano. Una revolución tristemente imposible.

Un film triste pero a la vez bello y muy sabio. Uno de los mejores films americanos sobre la desestructuración de una pareja.

Una buena patada en los cojones al American Way of Life y a la postre, otra obra maestra de Sam Mendes.

Disfrutar de la escena:

Drama, Escenas Kate Winslet, Kathy Bates, Leonardo DiCaprio, Premios, Revolutionary Road, Sam Mendes

“Les derniers jours du monde” de Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu, es un film basado en la novela homónima de Dominique Noguez, y aborda temas de actualidad como la crisis económica o los virus. El reparto está formado por el gran Mathieu Amalric, Catherine Frot, Karin Viard, Sergi Lopez y Clotilde Hesme entre otros.

Aunque el fin del mundo se acerca, Robinson Laborde (Mathieu Amalric), se recupera poco a poco del fracaso de una aventura amorosa por la que se había decidido a dejar a su mujer. A pesar de la inminencia del desastre, y quizás para enfrentarse mejor a él, se embarca en una verdadera odisea que le lleva por las carreteras de Francia y España.

Y este año no iremos mal surtidos de películas con trasfondo apocalíptico, aparte del film comentado en estas líneas, tenemos ahi a la espera de estreno, cintas tan presumiblemente interesantes como “The book of Eli“, “La horde” (una zombie-movie a la francesa que pinta muy bien) o “La carretera” (adaptación de la novela del gran Cormac McCarthy, con Viggo Mortensen y Charlize Theron), y otras no tanto como “2012“, enémisa disaster movie del incansable Roland Emmerich, un tipo empeñado en destruir nuestro mundo.

Volviendo a “Les derniers jours du monde“, comentar que Almaric últimamente elige muy bien sus películas (recordemos la excelente “La cuestión humana” o la decente “La escafandra y la mariposa“), asi pues, desde aquí, le damos un voto de confianza a esta propuesta francesa de ciencia-ficción/drama romántico.

Os dejo con el trailer:

Ciencia Ficción, Drama, Trailers cine fantástico francés, Les derniers jours du monde, Mathieu Amalric, Sergi López

Un grupo de amigos, deciden pasar unos días de vacaciones practicando alpinismo. Tras varias subidas comprobaran, que todo se resulta más peligroso de lo previsto, y tienen la sensación de que no están solos en aquel lugar. Poco a poco sus vacaciones se convertirán en una pesadilla.

El film promete ser una mezcla entre “Máximo Riesgo” (incluso en el trailer de la cinta francesa han usado la misma música que en el trailer del film americano), la atmósfera de “The Descent” de Neil Marshall, la lucha entre el hombre y la naturaleza de los films de John Boorman (salvando las enormes distancias habidas entre el cine de un maestro y esto), y los villanos de “Wrong Turn” de Rob Schmidt. Una mezcla poco original, pero que puede ofrecer entretenimiento y terror interesante. Ya veremos.

Del trailer se vislumbra que la película tiene pinta de ser un megamix majo, con una escena casi plagiada de la estupenda cinta de escalada de Renny Harlin (su única película decente) y todo ello agitado con un poco de terror a la francesa. Miedo me da xD.

Dirige Abel Ferry, y en el casting están Fanny Valette, Johan Libereau, Nicolas Giraud y Raphael Lenglet.

¿Será una cinta de supervivencia y terror digna? No sé yo…

Os dejo con el trailer:

Acción, Suspense, Terror, Thriller, Trailers Abel Ferry, cine fantástico francés, Fanny Valette, Johan Libereau, Justin Blanckaert, Vertige

Posters del remake del excelente film sueco “Déjame entrar” de Tomas Alfredson. Dirige Matt Reeves, realizador de la no menos excelente “Cloverfield“.

Matt Reeves dijo en una entrevista: “Entiendo las razones por las que la gente que adora el original puede recibir esta propuesta con cierto cinismo, a la espera de que la película acabe siendo una basura. En realidad yo no siento otra cosa que no sea respeto hacia el film original. No me mueven razones mercenarias a la hora de redibujar el original, sino razones personales. Si no creyera que puedo conectar con la historia a un nivel muy pesonal y que puedo llegar a hacer mi propia película, ni siquiera lo intentaría. Espero que el público me dé una oportunidad”.

Drama, Fantástico, Posters, Suspense, Terror Déjame entrar, John Ajvide Lindqvist, Let me in, Let the right one in, Matt Reeves, Tomas Alfredson