El esperado spin-off de la saga Conan, dedicado a la heroina pelirroja, queda definitivamente retrasado hasta el 2010, sin fecha concreta. Algo no demasiado raro, viendo la cantidad de retrasos, fechas y rumores que ha suscitado dicha cinta.

El productor de la cinta, Joe Gatta, comenta que los problemas económicos de la producción han hecho imposible su inicio, retrasando el rodaje hasta el año que viene: “Debido a ciertas complicaciones económicas, hemos tenido que cambiar ligeramente nuestros planes. Es frustrante, porque pensábamos que podríamos haber hecho la película el pasado año, antes de Conan’”.

El director será Douglas Aarniokoski, ayudante de dirección habitual de Robert Rodríguez, y para el papel principal, aunque en un principio se pensó en otras posibilidades como Jessica Alba, finalmente será encarnado por Rose McGowan, vista en “Planet Terror” y actual mujer de Rodríguez.

La historia de “Red Sonja” sería como una némesis de la de Conan. La tranquila vida de Sonja queda destrozada cuando sus padres son asesinados por Queen Gedren, que domina por terror y es portadora de un talismán con el que puede aniquilar el planeta. Sonja se lanza a vengar la muerte de sus padres y le son concedidos unos poderes extraordinarios por una misteriosa visión. Pero debe prometer no enamorarse nunca de un hombre salvo que éste sea más fuerte que ella. En su búsqueda de Queen Gedren se encuentra con Kalidor, un extranjero dotado de una fuerza extraordinaria.

Recordemos que en 1986, Richard Fleischer, ya rodó un film sobre Red Sonja, con título homónimo, con música de Ennio Morricone e interpretado por Brigitte Nielsen en el papel de la heroína y Arnold Schwarzenegger en el de Kalidor. Anteriormente, Fleischer ya había abordado el género de espada y brujería con la maja “Conan el destructor“, secuela de “Conan el bárbaro“.

Esperamos que la espera merezca la pena, tanto para la nueva versión de Conan como para Red Sonja.

Acción, Adapt. Cómic, Aventuras, Fantástico Douglas Aarniokoski, Red sonja, Robert Rodriguez, Rose McGowan

“Dejo Oasis, no podía seguir trabajando con Liam ni un día más”

Noel Gallagher, guitarrista y compositor de la banda de Manchester ha decidido dejar el grupo por desavenencias con su hermano Liam, cuya relación es cercana a lo insoportable. No se sabe si la ruptura significará el fin de la banda, o será otra rabieta como la que tienen acostumbrados a su público estos hermanos tan inestables.

De todas formas, “Oasis” sin Noel, no tiene demasiado sentido, Noel sin “Oasis” ya es otra cosa. Veremos a ver como se suceden los acontecimientos, pero de confirmarse la cosa y el hecho que nunca más vuelvan a juntarse en un escenario, es una muy mala notícia para los amantes de la buena música británica.

Música Liam Gallagher, Noel Gallagher, Oasis

Se inicia la película y asistimos a una maravillosa introducción con escenas del cine de Georges Méliès (“Viaje a la Luna“). Un inicio fantástico que sirve de prólogo para invitarnos a disfrutar de una de las cintas de aventuras más logradas del cine yanqui.

Pocos cineastas en la actualidad saben hacer un film de género de aventuras que una entretenimiento con valor cinematográfico. Sin duda, el cine de aventuras de antaño no es el de hoy en día. Hoy en dia, tristemente, abunda la estupidez en este tipo de producciones, en cambio hace años eran autenticas maravillas este tipo de cine, que aparte de entretener aportaban algo al espectador. Me refiero a films tan carismáticos como “Los hijos del capitán Grant“, “El capitán Blood” , “Los contrabandistas de Moonfleet” o “Robin de los bosques” entre otros.

Ese es el caso de “La vuelta al mundo en 80 días“, adaptación del clásico literario de Julio Verne, y realizada con una asombrosa sobriedad por el cineasta británico Michael Anderson, ofrecindonos un autentico espectáculo lleno de color y entretenimiento del bueno.

Un servidor se considero un confeso fanático del buen cine de aventuras (solo del buen) porque nos permite dejarnos llevar una serie de horas a unos lugares recónditos, exóticos y simplemente disfrutar sin más, siempre, claro está, que el conjunto posea una mínima seriedad a nivel de guión, aunque siempre se permiten ciertas licencias mientras no sean demasiado dañinas, ya me entienden jeje.

“La vuelta al mundo en 80 dias” es una película que muchos criticarán, es facilmente machacable, pero para que escribe estas lineas, es una ejemplar cinta de aventuras, llena de emoción y entretenimiento y que supone ante todo, un disfute para los ojos gracias a una estupendísima labor de Lionel Lindon en la dirección de fotografía.

Posiblemente sea uno de los films de aventuras más infravalorados y como le pasa en la actualidad a “Titanic” (es innegable que la cinta de James Cameron posee una dirección realmente virtuosa, otra cosa es el guión), todo parece producto de haber obtenido el oscar al mejor film en el año 56, cuando, todo haya que decirlo, ni mucho menos lo merecia habiendo films de la calidad de “Gigante” de George Stevens o “Los Diez Mandamientos” de Cecil B. DeMille.
El peso del oscar, la llevo a ser infravalorada y mal considerada. Pero el tiempo pone las cosas en su sitio.

El film de Michael Anderson, es un puro divertimento mastodóntico, un espectáculo en forma de superproducción ejemplar y algo puramente dinámico. Ojalá se hiciesen superproducciones de aventuras como esta hoy en dia.

Pero no todo iban a ser flores, algunos aspectos del film podrian haberse pulido (y bastante) como la penosa imagen que se quiere dar de los españoles o los americanos, generalizando algo desde la desinformación. Aunque son cosas ligferamente perdonables, ya que en todo film de aventuras se debe dar un margen de tomarse licencias por parte de sus creadores, aunque estas son especialmente puntillosas y desmerecen algo a la película. EL film se debe tomarse dicho sin pretensiones más allá de pasarlo bien.

A parte de la comentada y exquisita fotografía en color obra del genial Lionel Lindon, por la que se llevó el oscar, tenemos también una pegadiza banda sonora que por momentos alcanza cotas memorables. El score lo compuso Victor Young, por el cual también obtuvo la estatuilla dorada. Muy remarcable es el diseño de producción, que era fantástico, y el vestuario, la dirección artistica, etc…

David Niven, repite (una vez más) su papel clásico de galán inglés, ahora interpretando a Willy Fogg. Un actor que aún sin ser espectacular, siempre demuestra su talante ante la cámara. Luego tenemos a Mario Moreno, más conocido como Cantinflas, al cual no solo considero un excepcional actor ya sea comedia o no (ver sus numerosas y memorables actuaciones en los films mexicanos) sino un absoluto artista, completísimo, capaz de torear, bailar, hacer juegos malabares, etc.. Un actor único con un sentido del humor irrepetible. Y para acabar con los actores más famosos tenemos a una casi testimonial (por el corto papel hablado que tiene en mi opinion) Shirley MacLaine en un papel que no le va demasiado, pero bueno. Sin olvidarnos claro de dos actorazos como el genial Trevor Howard (inolvidable en “Breve encuentro“), o Charles Boyer. Atención también al carrusel de cameos de actores y actrices de categoria: Frank Sinatra, Marlene Dietrich, Buster Keaton o John Carradine entre otros.

Algo ciertamente memorable son unos cuidados títulos de crédito finales, que son una maravillosa obra de arte sin duda y que funcionan como presentación, ciertamente original, a los personajes que han circulado por el film.

Quizás la película aquí comentaba no sea ni mucho menos una obra maestra ni una colosal película pero si que es un estimable film que sin duda supone, al menos para un servidor, un referente en el cine de aventuras de antaño. Evidentemente, es algo exagerado que en su día ganase 5 premios de la academia, ya que como he comentado, ese mismo año habían cintas de mucho más nivel.

No puedo acabar esta crítica sin recomendar encarecidamente que os hagáis con el dvd distribuido por Warner Bros, en una edición especial de 2 discos llenos de extras y con una remasterización inmensa, tanto de imagen como de sonido.

Buen cine de aventuras y un disfrute para los sentidos.

Acción, Aventuras, Comedia, Críticas Around the world in 80 days, Cantinflas, David Niven, La vuelta al mundo en 80 dias, Mario Moreno, Michael Anderson, Shirley MacLaine

Las recomendaciones musicales para hoy son la siguientes:

The xx – Chrystalised
Maps – Nothing
Epic45 – Summer’s first breath
Maps – Let go of the fear

y para acabar, Interpol – Not even jail, posiblemente una de las mejores canciones que haya escuchado, de los dignos sucesores de “Joy Division”. Un clásico del, para mi, mejor grupo en activo (con permiso de “Muse”), con 2 minutos finales simplemente orgásmicos xD.

Música, Videos Musicales Epic45, Maps, Música, the xx, Videos Musicales

La imagen como dilema:

“El mundo-imagen es la superficie de la globalización. Es nuestro mundo compartido. Empobrecida, obscura, superficial, esta imagen-superficie es toda nuestra experiencia compartida. No compartimos el mundo de otro modo. El objetivo no es alcanzar lo que está bajo la superficie, si no ampliarla, enriquecerla, darle definición, tiempo. En este punto, emerge una nueva cultura”. (Susan Bucks-Morrs).


“La vitalidad de la gente es asombrosa, incluso en un entorno trágico o en una condición de total desesperación, descubres que la vida es conmovedora. Es como un árbol, crece libremente”. (Liu Xiaodong).


Zhang-Ke, tras experimentar con el video digital en esa pieza cercana al video arte llamada “In public” (2001), retoma el estilo para rodar un documental sobre Liu Xiaodong, un pintor reconocido en China y cuya relación con el arte y con la problemática del país. Lo que en su día Víctor Erice rodó sobre Antonio López García en “El sol del membrillo“, Zhang-Ke hace lo propio con Liu Xiaodong en “Dong“.

En este documental, -que a veces parece moverse en terrenos de ficción, sobre todo cuando se olvida del pintor y la cámara sigue a otros personajes (modelos, etc…)- podemos observar esa búsqueda de la obra perfecta y el laborioso proceso de creación de un lienzo que poco a poco va siendo perfilado, pulido y perfeccionado.

Resulta curioso, pero al ver los cuadros de dicho pintor (por cierto, muy del estilo de artistas como Edward Hopper), a uno, irremediablemente, le vienen a la cabeza escenas de las películas de Jia Zhang-Ke, como si dichas obras pictóricas, de alguna forma hubieran sido trasladadas a la pantalla. Al amor que siente el realizador por la pintura de Xiaodong se podría unir el impacto que le supuso el cine de Wang Xiaoshuai, sobre todo su “The Days” (1993).

Podríamos encontrar claras similitudes entre “Dong” (2006), el siguiente film de Jia: “Naturaleza Muerta” (2006), y “The Days” (1993), de Wang Xiaoshuai, otro de los directores clave de la Sexta Generación.

“The Days” nos cuenta la historia de un pintor y su sufrimiento diario, con una relación de pareja –con unas claras referencias al cine de Alain Resnais (“Hiroshima mon amour” (1959)) o Maurice Pialat (“Nosotros no envejeceremos juntos” (1972)) entre otros- la cual parece rota pero que no termina, está como en trance o en suspensión. A la vez, todo ello le sirve a Xiaoshuai para hacer una crítica poderosa sobre esa sociedad tan decadente y engañosa de su país y sobre ese desencanto generacional.

A parte de Resnais o Pialat, también podemos ver ciertos elementos del cine de Bresson como el uso de la voz en off, una tremenda fisicidad, fragmentación de cuerpos en los planos, un gran trabajo con el fuera de campo, y en el cine de Antonioni sobre todo por la relación extraña de la pareja y la atmósfera que se respira en la película.

“The Days” es un cinta de un realismo puro, con un blanco y negro de una textura llena de grano puramente deudora de la nouvelle vague, en la cual parece trasladar a pantalla esa ansiedad social y un futuro poco prometedor de un pintor, el gran riesgo que conlleva esa profesión y más en un país como el suyo.

El papel principal es interpretado justamente por el protagonista de “Dong” (2006), Liu Xiaodong, cerrando así como una especie de ciclo o convirtiendo las 3 obras como en un legado crítico y a la vez una especie de trilogía sobre el poder de la imagen y sus diversas capas.

“Dong” y “The Days” serían como un retrato de la relación hombre-arte y “Naturaleza muerta” el resultado de dicha relación.

El pintor explora los rostros, como un símbolo histórico único buscando a la vez la fuerza y la esencia de los cuerpos, mostrando a través de ellos todo ese mundo devastado y en constante destrucción. Si bien es cierto, en el primer cuadro si que otorga espacio en el encuadre y cierta importancia al entorno natural, cosa que en el segundo vemos que solo se busca la esencia pura del cuerpo sin paisajes naturales de fondo.

La obsesión de dicho pintor por guardar una distancia con el fin de erradicar su racionalidad contrasta con la de Jia Zhang-Ke por mantener una distancia ante los hechos, tanto en el sentido estético como ético.

Jia pretende reflejar en su film que la imagen pictórica (al contrario de la cinematográfica, que no es palpable) se apodera del vacío, como del espacio material, perdiendo así su carácter intangible. Y nos ofrece un debate abierto entre ficción y documental, dejándolo en el aire, en donde la imagen no solo se dedica a atrapar la realidad/imagen evidente (la superficie) sino que certifica la posibilidad de que en todo film puede haber signos de ficción. Esa lucha entre esos dos estilos se podrá ver también en su siguiente film.

En sus cuadros podemos observar una clara fascinación del pintor hacia el cuerpo humano. Dong aspira y consigue mostrar esa belleza de los cuerpos (su fortaleza está muy presente en el cuadro de los obreros, mientras que en de las modelos es todo más adoración a cuerpos perfectos) que sobresale a la hostilidad de un paisaje muerto. La belleza sobrevive a la decadencia.

Y es que en el fondo, no es gratuito que Jia Zhang-Ke nos muestre esos paseos del pintor bajo la lluvia en esa zona de alta industrialización, llena de humos, fábricas y chimeneas, muchas veces con un marcado tono minimalista y en donde su habitual colaborador Yu Lik Wai utiliza una fotografía oscura, sucia, de tonos metálicos.

Zhang-Ke compara toda esa realidad devastada, todo ese país medio inacabado y en ruinas con los frescos del pintor, ya que sus obras también parecen incompletas o ligeramente en ruinas. Xiaodong busca reflejar un impacto visual similar al que tienen en él las reliquias históricas, algo que será tratado de alguna forma por Zhang-Ke en la posterior Still Life, haciendo una comparativa entre el pasado y la actualidad y en como ha cambiado ese respeto al presente.

Liu Xiaodong nos habla también del sufrimiento del artista, de lo que conlleva una profesión de ese estilo, de que no suele haber parámetros para autoevaluar una obra. El pintor asume el compromiso de no estancarse y apostar por una constante innovación, nunca dejanr de lado la creatividad de uno y ser un fiel reflejo de su realidad, sobre todo a través de los cuerpos y sus formas. Un compromiso constante.

Como decía anteriormente, Jia tras 3 proyectos anteriores usando digital, vuelve a probar suerte con este sistema ya que le ofrece un sinfín de nuevas posibilidades para conseguir esa fluidez y movilidad en sus films y a la vez encontrar esa textura anhelada que desmaterializa la imagen.

Aquí, de nuevo, tenemos secuencias largas y sin cortes (las escenas en donde sigue a las modelos ya sea por las calles o en medios de transporte) o algunas rodadas en lugares concurridos lo que dan fe de la gran movilidad que se dispone actualmente con una DV.

Algo también muy característico del cineasta es como muchas veces sigue a personajes hasta abandonarlos y dar protagonismo a ese paisaje como en ruinas, lo mismo ocurrirá en su posterior film pero de forma aún más acentuada. Como consigue llenar el plano para vaciarlo posteriormente de presencia humana y entregarlo a ese mundo.

“Dong” es mucho más que un simple documental sobre un pintor, ya que se podría considerar como un estudio de la imagen y de la mirada. Por un lado tenemos el punto de vista nuestro (el paisaje, las fábricas, el entorno devastado, el pintor, las modelos incluso la presencia no mostrada del realizador), el punto de vista del pintor (su trabajo pictórico, sus reflexiones, su persistente compromiso, su obsesión por lograr obras innovadoras), el punto de vista interno (Dong también habla sobre la imagen cinematográfica, su distancia y sus límites) y el punto de vista externo (que serían por ejemplo las cámara de fotos, cuando los habitantes del pueblo ven esas fotos y sobre todo por como están captadas sus reacciones. O incluso la cámara digital de Jia. ¿Hasta que punto interfieren en la realidad?).

Asia, Cine de autor, Críticas, Documental Dong, Jia Zhang-Ke, Liu Xiaodong

Siempre se dice que para que una historia sea buena lo más importante es la idea, algo en que es innegable estar de acuerdo, aunque quizás es tan o más importante como se desarrolla dicha idea. es decir, como un buen punto de partida es bien aprovechado y cuyo desenlace dota de lógica y elegancia al conjunto, y no solo se queda en una idea inicial interesante.

Ese no sería el caso de “Mentes en blanco“, un thriller el cual arranca de forma atractiva, que no novedosa, pero que poco a poco, se va desinflando descubriendo sus inevitables carencias e intentando esconderlas mediante giros de guión convencionales y poco eficientes, aunque nunca desgastando la paciencia del espectador por su duración tan ajustada.

“Mentes en blanco” nos narra la historia de cinco hombres que despiertan encerrados en un almacén, sin que ninguno de ellos recuerde cómo llegaron allí ni quiénes son. Poco tardarán en darse cuenta de que han participado en un secuestro, sin saber si son secuestrados o secuestradores, iniciando una cuenta atrás para descubrir sus verdaderas identidades.

En el género del thriller existe una tendencia ya masoca por intentar sorprender al espectador, ya sea via montaje, via giros inesperados o via brutalidad (sin ir más lejos, la espantosa saga Saw). En este caso, nos encotramos con una cinta realmente pobre, como comentaba anteriormente, con un arranque que promete mucho más de lo que nos llega a dar y cuyo desarrollo y posterior desenlace demuestran que incluso 88 minutos son demasiados para contar una historia de 10 minutos, ya que podría ser perfectamente un cortometraje, quedando a la postre mejor.

A pesar de sus incontables giros y su “excesiva” duración (y eso tiene delito si la película dura tan poco), el film en ningún momento adopta aires de grandeza ni intenta ser algo más de lo que es. Es un producto consciente de sus limitaciones y consciente del público al que va dedicado, un público conformista que se sorprenderá solo por su falta de educación cinéfila, poco más.

“Mentes en blanco” intenta seguir la senda de films tan magnificos como “Memento” o “Cube” y de otros tan bochornosos como “Cazadores de mentes“, está entre esas dos aguas. Del film de Christopher Nolan intenta timidamente emular su montaje efectivo como mecanismo para desentramar el puzzle, pero no ni mucho menos consigue su objetivo. Lo que es cierto es que existen bastantes films sobre personajes encerrados en un sitio cuyas identidades son un misterio, en “Cube” o en “Saw” tampoco sabían como habían llegado allí y cuales eran sus profesiones (en “Cube” no creo que estén escogidos arbritariamente), en “Cazadores de mentes” son encerrados y van ocurriendo muertes y en “Mentes en blanco” a parte de estar encerrados, no saben quienes son, de qué bando están y existe una ansiedad en ellos por descubrir ante que el otro, quien son realmente y cuales son sus enemigos.

El punto de partida, es al menos interesante, pero el desarrollo, demasiado previsible. Tampoco ayuda que digamos la labor de dirección, por momentos contenida, en otros realmente torpe. Esos movimientos acompañando a los personajes cuando se caen, sinceramente a un servidor le sacan de quicio, por no hablar de las escenas que se nos narran los recuerdos que les llegan a la mente, escenas de tembleque (como las llamo yo), mucho movimiento, sonido editado y tonos en blanco y negro para que parezca curioso y todo (si, claro…).

En Estados Unidos califican algunos el film como “Reservoir Dogs meets Memento“, y personalmente, me parece tremendamente exagerado. Es cierto que en el film de Tarantino, los ladrones de banco quedan en un hangar esperando que no les pillen los polis hasta que pase un tiemp, y alli aquello acaba un poquito bastante mal, o en “Memento“, recordemos que el personaje de Guy Peace sufre de una extraña enfermedad que no le permite crear nuevos recuerdos y debe recurrir a los tatuajes, post-it’s, polaroids, y demás utensilios para poder seguir una rutina y sobre todo para encontrar y matar al asesino de su mujer. “Memento” sí está construída desde el montaje sabio y justificado, no como muchos films actuales que van de progres con esto del montaje (¿alguien dijo “21 gramos“?). “Mentes en blanco“, posee un montaje típico aunque seguramente a sus creadores les parezca la leche, es decir secuencialmente y con insertos de flashback.

Pero yo quizás le vea también relación con otros films como “Identidad” de James Magnold, unas similitudes curiosas. El muy decente film de Magnold nos narraba como diez extraños se veian atrapados por una terrible tormenta: un conductor de limusinas, una estrella de televisión de los años 80, un policía que escolta a un asesino, una prostituta, una pareja de recién casados y una familia en crisis; y todos se cobijan finalmente en un lúgubre motel. Pero empiezan a morir personas una a una, y nadie sabe quien realmente es el otro, originandose una batalla contra el tiempo para averiguar cuales son realmente las identidades de los que se hospedan en dicho motel, antes de ser la siguiente victima. Es cierto, que tienen muchas cosas en común, aunque, si habéis visto el film, sabréis que luego varía a favor del film de Magnold, por muy manipulador que digan que pueda llegar a ser. Desde aquí reinvindico “Identidad“, como una buena película de género con uno de los mejores y más secos finales vistos en los últimos años.

Volviendo a “Mentes en blanco“, El reparto es realmente interesante para este tipo de producto (¿proyecto alimentício para unos cuantos? xD). James Caviezel, es uno de los mejores actores del momento, aunque a veces cometa fallos tan garrafales como protagonizar “Outlander“, Barry Pepper, otro magnífico actor visto en multitud de películas, Joe Pantoliano y Greg Kinnear están siempre convincentes, sin olvidarnos del gran Peter Stormare (uno de los tipos más chungos del panorama cinematográfico yanki, con permiso de Mickey Rourke) en un pequeño papel (pero, de nuevo, haciendo de matón xD).

Los protagonistas, encerrados en el almacén (el cual está totalmente sellado, y con puerta de seguridad), gradualmente descubren que han participado en un secuestro con recompensa, aunque todavia son incapaces de distinguir a las víctimas de los secuestradores. A medida que pasan los acontecimientos, los recuerdos inundan súbitamente en sus mentes, muchas veces por objetos o detalles que descubren en el almacén.

Finalmente, se desvelan las verdaderas identidades. Y justamente ahí, al final del film es cuando resulta más interesante, no porque sea un gran final o porque dé un giro insospechado, pero resulta verdaderamente interesante lo que propone la historia con el personaje de James Caviezel. Su personaje es un polícia de incógnito que, tras la muerte de su hija, se ve involucrado en una trama criminal pactando el secuestro de “Chaqueta Vaquera” (Barry Pepper).

Su verdadera naturaleza no es la de un asesino, es la de una buena persona, de ahí que cuando no recuerda quien es, actúa de forma pacífica, y cuando realmente descubre quien es, su conciencia y moralidad le impiden volver a cometer dichos errores, producto de su dolor.

La escena final en donde Caviezel mira fijamente a la mujer de Pepper, es, bajo mi punto de vista, lo mejor del film, pues nos viene a decir, que “de la que nos hemos librado.” y deja un futuro lleno de incertumbre porque ¿qué pasará cuando el personaje de Barry Pepper recuerde?, o cuando descubra lo que hacía su mujer?. Más allá del juego de descubrir quien es bueno o malo, el film considero que nos habla de la verdadera naturaleza innata de los personajes, por mucho que se pierda la memoria, por mucho que no sepas quien eres ni como te llamas, serás tú mismo. Un falso happy end.

Un producto consciente de sus limitaciones y consciente del público al que va dedicado, un público conformista que se sorprenderá solo por su falta de educación cinéfila, poco más. Al menos, no pretende ser más de lo que es.

Críticas, Suspense, Thriller Barry Pepper, Greg Kinnear, James Caviezel, Joe Pantoliano, Mentes en blanco, Peter Stormare, Unknown

Memoria extinguida:

El documental “Dong” (2006) dio pie a el siguiente film del cineasta chino: “Naturaleza muerta” (2006), lo cual explica el hecho de que tanto en Dong como en Naturaleza muerta, una parte del casting coincida aunque el hecho que se repitan planos realmente se debe al constante cambio del entorno y a que Zhang-Ke no pudo volver a rodar algunas escenas más puesto que cuando volvió, esos lugares ya no estaban. Son dos obras paralelas y complementarias.

En “Still Life (Naturaleza muerta)” , el director se traslada a Fengjie en donde aborda el problema que conlleva la construcción de la mayor presa a nivel mundial: La presa de las 3 Gargantas. Una construcción que ha ocasionado la destrucción de pueblos de forma implacable, y obligado a familias enteras a mudarse a Guangdong, a perder sus casas, sus recuerdos y su memoria (con cifras de más de 1 millón de afectados). Para colmo, muchos de los habitantes para poder ganar una miseria y sobrevivir se ven obligados a trabajar en la obra, derrocando casas (incluido las propias).

De un rigor prácticamente documental (con un uso del HDV interesantísimo), Zhang Ke realiza, en clave metafórica, un film sobre la destrucción y reconstrucción de un país, siempre mostrando la cara amarga de la realidad con escenas explícitas de soledad, alienación, la búsqueda de una identidad o del fracaso (encubierto) de la modernización económica.

Seguir leyendo…

Asia, Cine de autor, Críticas, Drama Jia Zhang-Ke, Sanxia haoren, Zhao Tao, Zhou Lan

“Se es capaz de ver el mundo sin necesidad de dejar Pekín”

Dejando atrás las grandes presiones y la premura que acarreaba la clandestinidad de sus rodajes, el cuarto film de Jia Zhang-Ke alcanzó al fin la aprobación de la comisión de censura del estado y por primera vez, un film suyo podría proyectarse en salas del país, abandonando definitivamente el mercado ilegal como única vía a nivel nacional para poder visionar sus obras.

Existía una incertidumbre sobre si Zhang-ke se había traicionado a sí mismo, si había abandonado su posición de enfant terrible y cabeza visible de una generación de cineastas puramente underground, pero nada más lejos de la realidad. El hecho de que el film fuera, como lo define Valerie Jaffe, “adoveground” [1] únicamente se ha apreciado en un proceso de producción más estable y regular, dedicando el tiempo necesario para rodar escenas sin aquellas presiones y prisas de antaño [2]. El resultado habla por sí solo.

Jia Zhang-Ke, tras sus relatos provinciales en “Xiao Wu“, “Platform” o “Placeres desconocidos“, ahora retrata el mundo urbano del Pekín actual, una ciudad sumida en una economía agresiva producto de un capitalismo impuesto, que mira más hacia el exterior que a los problemas inherentes.

El World Park, es un parque temático ubicado en la ciudad que reproduce a escala los monumentos más importantes de los cinco continentes desde el Bin Ben hasta el Tak Majal y contiene decenas de espectáculos y atracciones para atraer a la multitud. El lugar es todo apariencia, un mundo de cartón-piedra, un sueño visual y físico al que los provincianos caen rendidos cegados por su grandiosidad y falsa elegancia, impulsados por el deseo consumista de poseer, porque en el fondo el parque es una clara metáfora de que el mundo se ha convertido en algo cien por cien consumible.

Como bien apuntaba Zhang-Ke en su entrevista para Senses of Cinema, “En la sociedad china está llena de momentos que parecen un show” y eso queda claramente reflejado en el film (existe una clara crítica a ese poder mediático, a esos mass media). Todos los espectáculos de música, las luces de neón omnipresentes y todo ese colorido realzan, aún más si cabe, la idea de falsedad que engloba a un parque y por extensión a el país, porque en lo que se refleja el país (el mundo occidental) es en donde se refleja el propio parque, que actúa como clara metáfora en la trama. Es a lo que aspira Pekín en la actualidad (y China por extensión) a imitar a los otros gigantes asiáticos como Corea del Sur o Japón, transgrediendo su lado rural y tradicional.

El parque es como una isla entre un mar de desolación, como una burbuja ajena a la problemática colindante. Es la representación física del capitalismo, como una apología al consumismo desenfrenado.

Hay claramente dos mundos que continuamente chocan, pugnan por salir victoriosos: el que quieren vender (el aparente), totalmente artificial, que podría considerarse casi como virtual, y el real. El mundo globalizado y de folleto de agencia de viajes, y el mundo tristemente real y que pretende ser ocultado. Pero ninguna apariencia es suficiente para contrarrestar algo tan grave como la injusticia, el enorme desempleo o la apatía generalizada de una juventud que vislumbra un futuro lleno de incertidumbre.

Allí en el parque, trabaja Tao (Zhao Tao), una bailarina que forma parte de los espectáculos llenos de color, la cual percibe, como el resto de trabajadores del parque, un sueldo miserable aunque, por su indumentaria y maquillaje, aparente ser de una clase superior a la media. Tao mantiene una relación con un guardia de seguridad del parque llamado Taisheng, la cual discurre entre la imposibilidad y la incomunicación, asimismo únicamente encuentran una conexión posible en forma de sms o mediante un acto trágico.

En el World Park también ejerce tareas como bailarina Wei, cuya relación con Niu, está basada casi en el acoso, en un control absoluto por parte de él, un uso de la tecnología para coartar libertades. Únicamente podrán unirse y comunicarse tras un acto trascendental.

Como en las anteriores películas de Jia, en “The World“, las relaciones amorosas parecen destinadas al fracaso, a la imposibilidad de las mismas. Y él mismo lo define a la perfección: “Cuerpos desesperados en suspensión, atrapados en un cortocircuito comunicativo”.

En dichas relaciones se percibe desconfianza, desesperanza, en donde se pueden ver claras influencias del cine de Antonioni (cintas como “La noche” (1961)), uno de sus directores de referencia, en la representación de esa soledad, de la alienación, del vacío existencial-amoroso y sobre todo de la incomunicación.

Personajes en busca del encuentro, fantasmas en un mundo de incomunicación, viviendo separados pero juntos, que no logran alcanzar ese estado comunicativo y afectivo necesario. Únicamente esa incomunicación y tensión es aliviada por la tecnología.

Y ahí entraría la vital importancia del móvil en la trama, en concreto los mensajes de texto (sms), que por momentos, parecen ser el único canal de conexión posible entre ambas almas suspendidas en ese mundo. Los sms son la representación de la esperanza, de que lo virtual ha ganado la batalla a toda conversación hablada o presencial, una esperanza a que todavía hay una vía para el entendimiento, aunque sea mediante el substitutivo electrónico.

El estilo de anteriores films del realizador, muy minimalista, contenido y sobrio es quebrantado (de forma justificada) aquí, justamente por los momentos en los que los personajes reciben los sms, dando paso a unas animaciones que enfatizan esa forma de comunicación virtual y casi fantástica, como algo que rompe la realidad y ese éxtasis por el atisbo de un optimismo. Ya casi dado por perdido el sentimiento corporal casi se conforman con la comunicación electrónica. Únicamente habrá contacto real con dos actos clave: la muerte o una unión.

Existe también un claro rechazo a todo pasado o tradicionalismo. No hay lugar para cualquier pasado ni tampoco para el amor en ese nuevo mundo virtual que está siendo levantado ladrillo a ladrillo.

Otro elemento característico de su cine es la omnipresencia de los medios de transporte que se mueven en las fugas que se crean entre los cuerpos y el mundo que les rodea, en los cuales (avión, tren, autobús) siempre se da algún tipo de comunicación regida por la instantaneidad (sms).

En el film también tiene una enorme importancia, como en toda la obra de Jia, el papel de la música. Dejando de lado ya únicamente el uso de la música diegética de sus primeras obras, que normalmente eran temas más cercanos al pop y al rock, en este caso opta por concederle un protagonismo mucho mayor a las melodías electrónicas o a las canciones. Para el score de corte absolutamente electrónico y singular, contrató a Lin Giong, colaborador de Hou Hsiao-Hsien en films como “Goodbye south goodbye” (1996) o “Millennium Mambo” (2001) y que a partir de este film formaría parte del equipo habitual de Jia Zhang-Ke. Música para acentuar ese estado de extrañeza de la sociedad, vinculada a los estados de ánimo de los personajes, la virtualidad y el look futurista de esos paisajes fabricados.

El film está lleno de canciones que, como ocurre en toda la filmografía del director chino, son usadas para hacer una crítica feroz a ese gobierno (por no decir seudo-régimen) que somete a sus ciudadanos a esos cambios tan bruscos y de consecuencias tan desagradables. A parte de ello, sirven para unir a una comunidad, que aunque hable diferente lengua y sean de culturas dispares, existe posibilidad de entendimiento. Jia nos habla del poder de la canción, de su universalidad y de que no hay más barreras que las impuestas por su país. La escena hacia el final entre Tao y su amiga rusa hablan por si sola. Cómo Zhang-Ke mediante una canción consigue hacer lo que “el mundo” parece prohibirles: comunicarse, ayudarse, emocionarse.

A parte de la problemática en las relaciones, en el film podemos ver también las dificultades de la gente por aclimatarse a una gran urbe, los cuales vienen de las provincias engañados pensando que conseguirán un buen trabajo de forma fácil y lo que se encuentran es básicamente una terrible realidad: la construcción, con un índice de siniestralidad absolutamente brutal y devastador. En muchas ocasiones trabajando de forma clandestina, véase la muerte producida en el film por trabajar en la construcción una vez ha anochecido. En el caso de algunas mujeres al encontrarse en esa situación tan desconcertante y de extrañeza absoluta, acaban prostituyéndose o en el mundo de la droga.

Los trabajadores del parque no viven mucho mejor que los inmigrantes recién llegados, con salarios precarios, una falta de intimidad considerable, como abandonados, casi destinados a la soledad más absoluta, la cual supone el único estado en que parecen sentirse menos incómodos y en el que alcanzan una pequeña pero placentera libertad.

Tras utilizarlo al rodar el documental “In Public” (2001) y en su anterior largometraje “Placeres desconocidos” (2002), Jia Zhang-Ke vuelve a confiar en el digital, en este caso rueda el film con HDV (video digital de alta definición) y ello dota a la película de unos colores ciertamente de corte futurista, un look propio casi de una cinta de ciencia-ficción. Esos pasillos, los vestidos, los espectáculos, los edificios, etc… tienen cierto aire posmoderno, mostrando un mundo tan frío y distante similar (salvando las evidentes distancias) a los de películas como “Blade Runner” (1982), de Ridley Scott o “Gattaca” (1997), de Andrew Niccol, por ejemplo.

El HDV es una herramienta que además de poder conseguir esa textura en la imagen tan interesante como desnaturalizada, al cineasta chino le ayuda también para atrapar a sus personajes en esos 2 mundos en un tiempo en suspensión y trabajar con el mismo. Podemos percibir esa tensión totalmente palpable de sus escenas, de sus momentos, con unos personajes, podríamos decir, flotantes, en órbita con ese mundo de falsedad pero incapaces de conseguir aterrizar y avanzar hacia delante. El formato digital ayuda a acentuar esa imagen falsa y Zhang-ke logra mantener una cierta distancia con lugares, situaciones y personajes. El film posee un ritmo y estructura narrativa muy conseguida (lineal pero de forma fragmentada) y unos hallazgos visuales en forma de metáforas, elipsis o para resaltar la sensibilidad de los personajes, realmente acertados.

“El mundo” no es más que una gran representación teatral en donde la gente son actores circunstanciales afectados por las luces de unos fuegos artificiales que no deberían engañar ya a nadie. Lo triste es que esa representación transcurre en el mundo real.

[1]Extracto de la entrevista a Jia Zhang-Ke en el website Senses of Cinema.
[2] Pasó de rodar en 19 días “Placeres desconocidos” (2002) a en 65 días “The World” (2004).

Asia, Cine de autor, Críticas, Drama Asia, Jia Zhang-Ke, The world, Zhao Tao

Corey Yuen, el director de cosas tan insoportables como “Transporter“, todo un éxito en Asia, es el encargado de dirigir “So Close“, una cinta llena de acción, artes marciales, buenos efectos especiales y poco más.

“So Close“, aquí titulada con el no muy agraciado nombre “El control de la venganza“, nos cuenta la historia de dos hermanas Lynn y Sue (Shu Qi, Zhao Wei) dedicadas a asesinar a sueldo que son contratadas por un hombre de negocios corrupto con la finalidad de matar a su hermano pequeño y quedarse con el imperio empresarial de la familia.
Todo se descontrolará cuando una abnegada policía (Karen Mok) que empieza a encajar las piezas del puzzle.

Los padres de ambas (Lynn y Sue) murieron y ellas heredaron un sistema informático llamado Panorama Mundial (World Panorama), que su padre había puesto en marcha o activado para modificar o falsear cualquier tipo de sistema de video de seguridad de cualquier lugar del mundo. (… sin comentarios…xD).

Ellas utilizan todo el potencial de la tecnología que poseen para llevar a cabo su trabajo de asesinas. Pero Lynn llega a un punto en que desea que su hermana Sue siga su idea de dejarlo y empezar de nuevo con una vida normal.

Es curioso lo ocurrido con el título de este film en España. El título original es “Chik yeung tin si” en inglés “So Close“, internacionalmente también es conocida como “Virtual Weapon“. En España, que se editó directamente en dvd, en la portada nos pone el “fantástico” título “El control de la venganza“, en cambio en el menú principal del disco nos indica el film como “Ángeles Virtuales“. ¿No hubiera sido más fácil y mejor dejar el título original (So Close)?. Todo un despropósito patrio xD.

A la película se la compara razonablemente con ese díptico de McG de “Los ángeles de Charlie“, pero aún teniendo alguna similitud quizás circunstancial o no, lo que está claro es que la acción y su violencia poco tiene que ver con el film americano. Es más diría que no solo no tiene nada que envidiar al empalagoso film americano, sino que en las escenas de acción le supera en creces, incluso las 3 protagonistas están mucho más preparadas para la ocasión (y más ricas) que las tres componentes del film americano.

“So Close” empieza de manera elegante y espectacular, con unas coreografías de Jianyong Gao ejemplares y un ritmo endiablado. A todo esto ayuda el tema elegido para esas tomas: “Close to you” que eleva y magnifica el momento. En el arranque podemos ver por primera vez a Lynn (Shu Qi) en acción, que une belleza y destreza con las armas y las artes marciales. Sin duda, el inicio es lo mejor con diferencia, casi podríamos decir lo único bueno de toda la cinta.

Shu Qi es Lynn:

Es una de las asesinas. Llega un momento en que plantea si lo que hace es lo correcto, y se dispone a dejarlo. Aporta la parte romántica del film, llevando un romance con el ex-novio de una amiga suya ya fallecida, como no, todo de forma edulcoradita e inverosímil. A Shu Qi también la hemos podido ver en films como “The Eye 2“, “Millennium Mambo“, “Visible Secret” o “Transporter“.

Zhao Wei es Sue:

Hermana de Lynn (Shu Qi), se resiente a dejar el trabajo porque es ya su forma de vivir. No acepta que Lynn la considere siempre como la pequeña de la familia como si tuviera que protegerla siempre. También vista en “Warriors of heaven & Earth“, “Chinese Odyssey 2002” o “Shaolin Soccer“.

Karen Mok es Hong Yat Hong

Es la policía que se encarga del caso. Junto a su ayudante (Song Seung Hun) tendrá que desentramar lo que está ocurriendo y porqué. Experta en artes marciales. Vista en The “Twins Effect“, “Shaolin Soccer“, “Chinese Odyssey“.

Momentos a recordar son, a parte del comentado inicio, el encuentro en el ascensor entre las 2 hermanas y los 2 policías que les persiguen en donde se puede sentir la tensión del momento. Dicha escena sería (salvando las evidentes distancias) como la antológica secuencia del ascensor en la primera “The Eye” de los hermanos Pang, pero en clave cachonda. Durante la parte final del film es cuando las coreografías cobran mayor protagonismo y en donde las artes marciales, las katanas y demás mamporros campan a sus anchas.

Las escenas via satélite nos recuerda a un film tan estimable como “Enemigo Público” de Tony Scott, y en el apartado visual, la fotografía del film, es bastante decente aunque no demasiado destacable, manteniendo colores muy normales sin grandes alardes técnicos ni de contraste. Simplemente correcta y bastante inferior a la mayoría de films asiáticos que se realizan actualmente.

Caso a parte son los efectos especiales, en este caso en su mayoría digitales. Utilizados en lanzamientos de bala (muy de moda hoy en día), las escenas de luchas con katanas en donde se puede ver algún efecto, las secuencias en donde se rompen cristales como por ejemplo el inicio con cristales digitales, las caída libres (la del inicio que es elegante y espectacular a la vez y otra a mitad del film que me recordó muchísimo a la escena de caída libre de el personaje de Tom Cruise en la, para mí, muy infravalorada “M:I-2” de John Woo (podéis tirarme tomates si queréis), una vez el personaje de Thandie Newton ha sido infectada con el virus Chimera (es más en “So Close” la protagonista hace prácticamente los mismos movimientos que Cruise en el film de Woo)). También se han utilizado efectos en las escenas de satélite. En las tomas de coches tampoco se pierde espectacularidad, están muy logradas. Uno de los apartados mejores de esta película. Se nota que en los films asiáticos, en este caso, hongkonés, en el tema de los efectos especiales no solo invierten sino que son realmente muy buenos y siempre están a la última, nada más hay que echar un vistazo al cine coreano, es impresionante lo que consiguen, en muchas ocasiones rivalizando claramente con el cine de hollywood.

No nos engañemos, “So Close” es el típico film de acción made in HK pero por momentos rodado de una forma bastante convincente y moderna,no falta la espectacularidad, la violencia, la cámara lenta, un guión vacío y, como no, personajes con 2 pistolas en mano emulando al ya mítico Chow Yun-Fat en películas de antaño como “The Killer” o “Hard Boiled” entre otras, ambas de John Woo. La mayoría de films hongkoneses de acción suelen este tipo de señas de identidad.

El gran punto flaco de la cinta sería el guión, que flojea en algunos momentos y posee un humor demasiado facilón y algo ingenuo (ver escena de la ducha por ejemplo). Aunque es típico que este apartado flojee en las películas de acción, el film a banda de sus virtudes que son el entretenimiento y las chicas en cuestión, el film es vacio como pocos y aporta realmente poco al espectador fuera de lo comentado.

Tampoco las actuaciones de las 3 protagonistas hacen involucrarse al espectador demasiado en sus problemas y sus acciones, vamos que a uno le da igual si a una le meten un tiro, por lo tanto este aspecto hace que se pierda interés ya que no llega en ningún momento a emocionar ni empatizar aún cuando se pretende.

Lo que está claro es que “So Close” ha sido concebida para entretener sin más y para llevar al estrellato a las 3 bellezas Shu Qi, Zhao Wei y Karen Mok. Y eso, considero que lo consigue de sobras. Otra cosa es que aporte algo más, ya que la presencia de situaciones tan inverosímiles, algunos momentos bobalicanes y una vacuidad galopante, la convierten en un producto únicamente de consumo, es decir, ver y tirar.

Acción, Artes Marciales, Asia, Comedia, Críticas, Drama Asia, Corey Yuen, Karen Mok, Shu Qi, So close, Zhao Wei

Al acabar de ver esta pelicula cuesta levantarse del asiento, pues en estado de shock se queda uno tras disfrutar de tal documental hiperrealista en clave de thriller, que tiene ante todo como fin, ser un homenaje a todas las victimas inocentes de los antentados del 11 de septiembre del 2001, recordemos, el mayor atentado terrorista de la historia de EEUU. El film, ante todo, nos cuenta la historia del cuarto avión secuestrado que justamente fué el único que no pudo completar su misión, que era impactar contra la Casa Blanca, y que se estrelló finalmente en las proximidades de Shanksville (Pensilvania). Los otros tres aviones secuestrados se estrellaron dos en las Torres Gemelas propiciando sendos incendios gigantescos y el posterior derrumbamiento de ambas torres, y el tercero en el Pentágono.

La película es un absoluta maravilla, de las que merecen la pena pagar una entrada de cine. Con un ritmo frenético, un control del tempo narrativo magnífico, brutalmente sobrecogedora, inteligente, emocionante, y con una gran dirección de Paul Greengrass, responsable de trabajos tan notables como pueden ser “Bloody Sunday” o las dos últimas entregas de la saga Bourne. Es un director habitual en cine político o social, como puede ser su colega británico Ken Loach, como así lo demuestran la citada “Bloody Sunday“, o (en este caso en la produccón) esa joyita semidesconocida pero totalmente necesaria llamada “Omagh” sobre los atentados del IRA en dicho pueblo y sus consecuencias. En definitiva, un director que realiza o produce films arriesgados.

El film se inicia, para la sorpresa de todos, con los terroristas, intercalando planos aéreos nocturnos de la ciudad de NY con oraciones del Corán en voz en off, que resulta bastante acertado e impactante a la vez. Hay quien acusa a “United 93” de humanizar a los terroristas islámicos en exceso. Yo sinceramente creo que Greengrass ha dado su punto de vista al tema, porque, en el fondo, ¿quién no teme a la muerte?.

La película se aparta de todo sentimentalismo (y eso que es tremendamente complicado con este tipo de historia) pero lo consigue, y Greengrass ofrece un documento serio, extremadamente documentado, muy realista, bien planteado, con una narración clara y un guión magnífico escrito por él mismo. Al film se le ha tachado de frío, por algunas personas, pero recordemos que es una pelicula semidocumental (ver ese tipo de filmacion y el desarrollo de la cinta), una pelicula de ficción pero con tono documentalista (algo similar a lo que hace Winterbottom en cintas como “In this world” o “Camino a Guantánamo“, aunque aquí tan marcado), y con momentos muy emotivos también. Lo que intento decir es que no se aprovecha de las circunstancias para jugar con los sentimientos del espectador, nos lo muestra y lo hace de forma absolutamente respetuosa y seria, emocionando desde lo sutil, desde los hechos, desde la verdad documentada (aunque se tome licencias, son perdonadas, porque favorecen al ritmo del film).

Greengrass es un director sabio, sabe que la trama de la película es muy peliaguda en los tiempos que corren, de hecho solo han pasado unos pocos años de aquello, y apenas toca temas tan espinosos como pueden ser la religión o la politica, los aborda tangencialmente, en su justa medida, y creo que es un acierto, pues no es un film totalmente político o religioso, no es la misión del film crear polémica al respecto.

Hay rumores que apuntaban a que ese avión no completó su misión porque fué derribado por cazas, en el film apuestan por otra historia, quizás veridica o quizás ficcionada para conseguir una historia más impactante y heroica si cabe, no lo sé, sobre que los pasajeros juntaron fuerzas, hicieron un plan, se rebelaron y hubo un motín a bordo. Greengrass, en este film ante todo ha querido reflejar las ganas de vivir y luchar que tenian todas esas personas inocentes, quizás desconocidas, pero personas decentes y con derecho a seguir viviendo.

Otro gran acierto de esta producción es el casting en su totalidad desconocido por el gran público (la mayoria son de series de tv y/o tv movies), que llegan a sorprender, lo dan absolutamente todo y cumplen perfectamente con su cometido. Y digo que es un acierto, porque en esta película no hay protagonistas, creo que es acertado que nadie sobresalga, que nadie parezca el héroe o el típico actor famoso que nunca muere y salva a todos (ya saben, Steven Seagal entre otros xD), porque el autentico protagonista de “United 93” es la historia, y sus personajes están al servicio de ella.

La película es un film sobre el terror y que se mueve entre el género thriller con elementos de puro terror, si. El terror de un dia que sufrió una nación y por extensión el mundo entero. un film sobre el miedo y sobre la esperanza, sobre la esperanza de que nunca pase nada igual y de que reine de una vez por todas, el orden y la paz mundial, algo verdaderamente utópico, pero es agradable soñar despierto de vez en cuando.

Escenas memorables son la del inicio del film (esos magnificos planos cenitales con esa sobrecogedora voz), cualquier escena de los centros de control de aviación, militares, etc.., la escena de las oraciones religiosas por ambas partes: los terroristas la islámica, y los pasajeros la católica, la parte del motín rodado de un forma totalmente devastadora, el fundido en negro final simplemente terrorifico y elegante a la vez.

La música de John Powell es perfecta para el film, se dedica a acompañar a las imagenes del film pero no lo interrumpe, funciona como si de un documental se tratase casi. El final encumbra un heroismo fallido y una memoria imborrable. Un score eficaz.

También destacable es el montaje, totalmente dinámico, sin fisuras y sin apenas conceder minutos al espectador. Muy buen montaje.

El film nos muestra todo el caos aéreo de ese dia, las desinformaciones de los vuelos, secuestros, etc.., las desincronizaciones con los militares y la falta de soluciones en tan poco tiempo de reacción. Lo muestra todo como si realmente fuera un thriller, usando pantallas partidas y un sinfin de técnicas propias del género del thriller, que tan bien llevaron a la pantalla pequeña series como “24“.

La película ha sido realizada con total consentimiento por las familias de los pasajeros del vuelo United 93. Paul Greengrass no la hubiera realizado de no ser asi. Decir que en EEUU el recibimiento que tuvo por parte del público fue bastante normalito y ni mucho menos fué un éxito ni nada. Si, en cambio, fué un rotundo éxito en critica ya que, un servidor, aún no conoce una crítica negativa de la película.

El film son 101 minutos que no dan respiro al espectador, una narración envidiable unidos a un montaje con una dinamica brutal y a una historia tremendamente aterradora porque es cercana y real. Un tratamiento excelente de la historia y que supone el primer acercamiento cinematográfico a los atentados del 11 de Septiembre. Eso requiere mucho valor, tacto y responsabilidad.

Paul Greengrass firma una autentica obra maestra. Una de las películas más sobrecogedoras, inteligentes, arriesgadas, impactantes, documentadas, realistas y por supuesto necesarias que haya visto en una sala de cine. Un film de terror, tristemente real.

Acción, Críticas, Drama, Histórica, Thriller 11S, Paul Greengrass, United 93

Ji-Won, periodista, decide cambiar el número de su teléfono móvil después de que un comprometido artículo suyo se ha publicado, lo que provoca en una cadena de llamadas amenazadoras que a parte le son también enviadas dichas amenazas vía correo electrónico. Tras cambiar su número, la hija de una amiga de Ji-Wong, Young-Ju, contesta a una llamada de su móvil inocentemente.Young-Ju comienza a comportarse de un modo extraño tras ser atemorizada por la llamada. Cuando Ji-Won investiga a los antiguos propietarios de su nuevo número de teléfono, un asombroso secreto será descubierto.

El cine de terror asiático empieza a necesitar una renovación casi total. Cada año se producen multitud de films de terror ya sea en Corea, Hong-Kong, Tailandia, Japón,… y casi todos utilizan siempre los mismos clichés y son demasiado tópicos y previsibles. Siempre hay excepciones, claro está, como en el caso de la magnífica “A tale of two sisters“, “Three” formada por 3 cortos de diferentes directores o la malsana y terroríficamente bizarra “Kairo (pulse)” de Kiyoshi Kurosawa (no el horroroso remake yanki), pero en general ocurre lo anteriormente comentado.

Y este es el caso de “Phone“. Film demasiado previsible, que nunca abandona esa sensación en el espectador de déja vu. Es decir, una película llena de tópicos, con escenas prácticamente calcadas a otros films de terror asiáticos y del resto del mundo, además de presentar un guión prácticamente previsible y simplón.

Las referencias (por no hablar de plagio) en escenas son muy distintivas y fáciles de descubrir. Para empezar, como casi todas las nuevas películas de terror orientales, “Ringu” de Hideo Nakata. En el film japonés se utilizaba la cinta de video VHS como símbolo de una maldición, en “Phone” escuchar la llamada telefónica produce que el receptor tenga una maldición que le lleve a la muerte. A parte de esto, las escenas con personajes fantasmales con pelo largo que no nos permite ver su rostro es usado hasta la saciedad ya (recordemos una de las escenas finales similar en formas a la escena de Sadako saliendo del televisor).

Las escenas de ascensor tanto la inicial (bastante buena, lo mejor de la cinta) y la posterior ya con la protagonista de la cinta, son demasiado deudoras a la antológica secuencia de la primera “The eye” de los hermanos Pang.

la escena en que Young-Ju está poseída y va con ese camisón blanco no podemos no asociarlo a las escenas de El exorcista con Linda Blair, son muy similares pero claro está mucho peor realizadas.

La parte del flashblack final en la subida de escaleras está exactamente igual filmado que el film de Amenábar, “Los otros” cuando Nicole Kidman subía a la habitación de F. Flanagan. Pero es que es idéntico, una auténtica vergüenza.

Cuando la protagonista (Ji-Won) se encuentra pelos al abrir el grifo en el baño o esa lluvía constante y casi torrencial, no son más que referencias a otra película de Hideo Nakata: “Dark Water“. También hay aspectos que nos recuerdan otros fims como “La maldición (Ju-On)“, o los títulos de crédito, demasiado parecidos a los de “A tale of two sisters“. Pero el caso más descarado (por decirlo de alguna manera) es el final, prácticamente el mismo que el del film de David Koepp, “El último escalón“, película realizada anteriormente.

Después de ver la cantidad de escenas y detalles demasiado similares a otros films, invitan a dudar sobre la sospechosa calidad del producto final. la película está repleta de estereotipos del cine de género y repleto de situaciones ya vistas, con unas interpretaciones (a excepción de la amante) bastante malas, en concreto la niña que me parece que lo hace francamente mal, sin olvidarnos de una dirección poco pulida y un montaje desastroso.

La fotografía como en la mayoría de films coreanos, es correcta. Pero está lejos de películas como “OldBoy“, “A tale of two sisters” o cualquier obra maestra de Kim Ki-Duk. Otra cosa a comentar es lo liosa que es la cinta ,no por su argumento o guión, que no es nada del otro mundo, sino por su nefasto montaje y la mala planificación de la historia llena de falsos flashbacks mal insertados en la trama como si se tratara de pegotes puestos en una peli sin ton ni son (incluso eso conlleva, claro está, a cortes de sonido en seco). Dichos pegotes o escenas no se argumentan en ningún instante, dejadas al aire y sin conexión aparente con el resto del film. Parecen como escenas eliminadas insertadas después. El montaje es tan malo que unido a una dirección mediocre hacen que esta película pierda muchísimo.

En definitiva, film oriental de lo peorcito del panorama, que aprovechó el tirón del cine de género de entonces, con los elementos bien marcados de toda película de terror oriental, sin saberlos explotar por el buen camino en ningún momento. Un film absolutamente megamix de multitud de otros films, plagiando escenas una tras otra desvergonzadamente e intentando ir de original. Actuaciones pobres, un trabajo de Ahn Byeong-Ki en la dirección poco trabajado, sin ningún tipo de discurso propio y un montaje verdaderamente desastroso.

Solo para espectadores nada exigentes y confesos del cine oriental más malo.

Asia, Críticas, Suspense, Terror, Thriller Ahn Byeong-Ki, Asia, Ji-won Ha, Phone

Cuatro años después de la notable “Asesinato en el Orient Express” de Lumet, la Paramount quería repetir éxito en una producción con todo tipo de lujos y con un reparto coral de lo más exquisito, algo muy de moda en la década de los 70. El británico John Guillermin, el cual venía de firmar un soporífero remake del rey mono, fue el encargado de llevar a la pantalla la segunda adaptación de una novela de la célebre Agatha Christie, quedando a la postre como una de las más interesantes.

La Paramount ansiaba ante todo que Albert Finney repitiera en el papel de Poirot, por continuidad y porque le habían visto cómodo haciendo el personaje, pero el inglés se negó en rotundo debido al calor que hacía en esa época del año en tierras egipcias.
Finalmente, Peter Ustinov aceptó el papel de Hércules Poirot y no solo superó el notable trabajo de Finney en el anterior film, sino que realizó una actuación memorable y se erigió como el mejor Poirot visto en pantalla. Porque, ni en “Muerte bajo el sol” ni en “Cita con la muerte” (a parte de las tv movies en las que trabajó) no consigue sacar tanto del personaje como en el film que se comenta en estas líneas.

Las novelas de nuestra querida inglesa maestra del suspense, algunas pueden pecar de tener una estructura algo típica, convencional y dar la sensación de haber leído una novela es haberlas leído todas. Pero, en este caso, la historia es algo más compleja de lo habitual (sin exagerar) y con un final mucho más trágico y contundente (el guionista Anthony Shaffer – que ya escribió el libreto de las anteriores andadas del belga Poirot en pantalla grande – se encargó de darle más profunidad a una historia algo plana), algo que se agradece. Para mi gusto, la mejor adaptación de Christie seguida por el film de Lumet.

El argumento de la película gira entorno al personaje de Linnet Readwell (Lois Chiles). Cuando Linnet llega a la mansión de su propiedad, su amiga Jackie (Mia Farrow) le anuncia que se casa con un joven de clase humilde llamado Simon Doyle (Simon MacCorkindale). Jackie pide a Linnet que le contrate como administrativo de fincas. Al conocerle en persona, Linnet siente una especial atracción por el joven inglés. Meses más tarde, Simon obtiene la separación matrimonial de Jackie para, acto seguido, contraer segundas nupcias con la bella millonaria Linneth. Los recién casados celebran su luna de miel en Egipto, pero son seguidos de cerca por Jackie. En el país de las pirámides se dan cita relevantes personalidades, como el detective belga Hércules Poirot (Peter Ustinov), el coronel Race (David Niven) o la escritora Salomé Otterbourne (Angela Lansbury).

Si en “Asesinato en el Orient Express” la historia giraba entorno la culpabilidad colectiva de la sociedad, en “Muerte en el Nilo” se nos ofrecen diferentes lecturas. El film nos habla de temas como la arrogancia y el egoismo de la clase alta (jamás se manchan las manos por trabajo), las diferencias de clases (su dominio contra los humildes), la influencia del paisaje sobre los personajes, las apariencias, la falsa moralidad de la riqueza, sin olvidarnos del comunismo, que luego comentaré.

Linneth es la figura que representa mejor toda la arrogancia y egoismo de la clase alta, es la asesinada, la odiada por todos que finalmente acaba convirtiéndose en pobre víctima. Linneth parecía dominar sobre el resto, mirar de reojo como si el resto de la sociedad más humilde fueran vulgares siervos o personas que no están a su altura. No olvidemos las puyitas que lanza contra personajes tan dispares como Salomé Otterbourne, alcohólica y escritora de una novela erótica (Oh my God!!) o al doctor alemán interpretado por Jack Warden, el cual no puede aceptar ningún escándalo por temor a que afecte a la buena reputación de su hospital.

Pero hay dos personajes que son los que más sufren de la tremenda sangre fría de la posteriormente asesinada Linneth: Jacqueline, una chica enamorada de Doyle, el cual se va finalmente con Linneth, dejándola plantada; y Mrs Bowers (una fantástica Maggie Smith), antigua enfermera cuya vida y la de su familia fue arruinada por la chica en cuestión.

El personaje de Linneth me parece realmente atractivo, a pesar del poco tiempo que sale en pantalla, es la piedra angular de todo, pues se la presenta como una arpía despiadada, intentando uir de una pobre loca enamorada llena de ira (Jacqueline), llevando su “amor de rica” y su egoísmo hasta límites insospechados, y acaba siendo una víctima del sistema del cual sobrevivía, presentándola a la postre como una mujer insatisfecha, vacía, odiada por sus múltiples enemigos, infeliz y sobre todo con mucha envidia insana ajena, por otro parte, muy merecida.

El film supone un buen puñetazo a la conciencia de la clase alta, y su facilidad por conseguir las cosas via el trabajo de muchos otros. Curiosamente, un personaje secundario que me parece tremendamente interesante y que es de los más críticos del film, y por ende de la novela, es el del joven sociólogo James Ferguson (encarnado por Jon Finch), un personaje que claramente representa el lado comunista de la trama. Defiende a una clase tan olvidada como la obrera y le molesta los lujos y las licencias que se toman los ricachones a bordo. Interesantísima la conversación que mantiene con Poirot en donde expone su malestar al respecto con frases como esta: “Cientos y miles de desgraciados trabajadores matándose por una asquerosa pitanza, sólo para que ella lleve medias de seda y despliegue un lujo inútil. Una de las mujeres más ricas de Inglaterra, según me han dicho… y jamás se habrá ensuciado las manos en toda su vida. Un hombre a quien usted no ha visto nunca. Un hombre que trabaja con sus propias manos y no se avergüenza de confesarlo. No uno de esos dandies que la acompañan y no sirven, ni han servido, ni servirán en su vida para nada.“.

Algo que también caracteriza a este film es, en términos de adaptaciones de misterio, la brutalidad de algunas escenas y la forma de presentar los asesinatos asesinatos: podemos diferenciar entre los más repentinos por ejemplo la súbita muerte de Salomé Otterbourne (un buen tarro de ketchup) o el SPOILER el suicidio final de disparo en la boca de Jacqueline FIN SPOILER o algunos con una presentación mucho más sutil (la escena en que un camarero se la cae una toalla en el suelo en la popa del Karnak, y posteriormente la encuentra manchada de sangre).

No sería justo no destacar su magnífico reparto lleno de caras conocidas, a parte de un excelente Ustinov como Poirot, destacan del elenco Mia Farrow, Bette Davis, Angela Lansbury y Maggie Smith. También aparece el siempre bien peinado David Niven, haciendo de si mismo, es decir, inglés refinado, parece estar interpretando de nuevo a Willy Fog o a Sir Charles Lytton, no encuentro demasiadas diferencias al respecto.

Aparte de narrarnos una historia de misterio bien contada y bien filmada (Guillermin era un buen artesano), el film obsequia con una enorme fotografía de un maestro como Jack Cardiff (responsables de otros espléndidos trabajos como “Las zapatillas rojas” o “Narciso negro“, por la que ganó el oscar) nos muestra algunos de los lugares turísticos más bellos de Egipto, que sirven de nexo a una historia de desamor, tragedia y asesinato. Y lo hace intentando resaltar el pasado histórico del país, usando perfectamente la luz natural, prevaleciendo los tonos amarillentos, anaranjados y también azulados, dependiendo de los acontencimientos producidos y los lugares visitados.

Volviendo al trabajo de Guillermin, el británico opta por unos travellings conseguidos (relacionando el vapor con la tierra por ejemplo) y un uso del zoom que lejos de resultar molesto, gracias a su dosificación, consiguen incluso ser efectivos (siempre y cuando no sean como los usados en los films de Shaw Brothers, que personalmente no me gustaban, o los exageradamente mareantes del recientemente fallecido Lazarov). El realizador consigue desquitarse de su anterior film (en el cual supongo que la presión y las expectativas se comieron incluso al mono gigante y todo quedó en fracaso) y firma uno de sus más conseguidos y correctos films. Un film sin alardes de ningún tipo, con un casting maravilloso y que sobre todo pertenece a un cine que siempre entretiene y agrada.

A diferencia de otras novelas como podría ser “Asesinato en el Orient Express“, en “Muerte en el Nilo“, detrás de esos paisajes bellos, calurosos y grandiosos se esconde una historia de asesinato fría y con consecuencias irreversibles y tremendamente trágicas (SPOILER véase ese disparo en la boca final de Mia Farrow delante de todos los pasajeros del barco. FIN SPOILER). Ese lado turbio, ese misterio subterráneo que existe en el film, la hace, para un servidor, la mejor película sobre una novela de Christie.

Correcto film que absorbe al espectador de principio a fin, gracias a los bellísimos parajes egípcios, mostrandónos el río Nilo en presumible calma hasta llevarnos a un deselance fatal narrandolo desde el suspense subterráneo, con una dirección correcta y redondeado con la música del gran Nino Rota, una excepcional fotografía de Cardiff y una de las mejores interpretaciones de Ustinov. Sin olvidar que “Muerte en el Nilo“, ante todo, supone Un buen puñetazo a la conciencia de la clase alta.

Críticas, Suspense, Thriller David Niven, John Guillermin, Mia Farrow, Muerte en el Nilo, Peter Ustinov

El tito Cameron ha vuelto, tras nada más y nada menos que 12 añitos (su última película de ficción fue “Titanic“). Al fin tenemos el teaser de “Avatar“, el film más esperado por excelencia y que promete ser estrenado en cines en el llamado por James Cameron 3D real.

Lo cierto es que el trailer es algo decepcionante. A priori parece que será un film del estilo “Beowulf“, con avanzadas técnicas de animación (lo de “Final Fantasy” ya se ha quedado antiguo jeje) y con un trabajo en el 3D brutal. Si bien es cierto, en el teaser se notan mucho los efectos, hay escenas que cantan mucho, pero bueno, veremos a ver si la cinta de Cameron merecerá la pena independientemente del trabajo técnico en el marco de la animación 3D.

Parece que será una experiencia verla en cines, auque el trailer es algo decepcionante para mi gusto. Aquí en españa solo la presentaran así los cines los de las cadenas Cinesa y Yelmo (eso dicen, al menos). Mañana día 21 habrá un pase de una preview de 16 minutos del film, en Barcelona será en cinesa diagonal. Las entradas están disponibles desde el día 18, son gratis. El estreno del film completo será en diciembre. Mientras tanto, os dejo con el teaser.

Teaser HD 480p
Teaser HD 720p
Teaser HD 1080p

Acción, Aventuras, Ciencia Ficción, Drama, Fantástico, Suspense, Thriller, Trailers Avatar, cine 3D, James Cameron

Si hay un film esperado este verano, tras “Up” y “Enemigos Públicos“, es sin duda la supuestamente inclasificable e interesante “Anticristo“, un acercamiento al horror y a la violencia por el director europeo más transgresor y travieso (con permiso de Haneke): Lars Von Trier, un excelente realizador cuyas obras podrán gustar o no, pero nunca dejan indiferente, y siempre aporta su característico estilo al género que toca, ya sea comedia, drama, musical o, en este caso, terror.

El film narra la historia de una pareja (Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg) sumida en el dolor se retira a una cabaña perdida en medio del bosque, llamada “Edén”, con la esperanza de que el contacto con la naturaleza cure sus corazones rotos y su tambaleante matrimonio. Pero la naturaleza sigue su curso y las cosas empiezan a ir de mal en peor.

Al pobre Von Trier aquí le estrenan su último film en pleno mes de agosto, entre blockbusters de resacones en las Vegas y robots de Mike Bay, como si se tratara de un film que la distribuidora Golem quiera sacarse de encima en un mes de poca asiduidad de la gente a los cines. Todavía recuerdo el estreno de una peli tan interesante y que podría haber funcionado genial en las salas como “Battle Royale” estrenada en cuatro cines y casi a escondidas por el mes de agosto de hace ya añitos (ejem). Menos mal que luego el boca-oreja la dejó en su sitio via dvd o divx.

En fin, ya hay ganas de verla la última locura de Von Trier, este viernes visita obligada al cine, y al loro con el prólogo mudo del que hablan maravillas y a un final de una violencia supuestamente de corte miikeano. Sin olvidar que Charlotte Gainsbourg, dicen, que ofrece una de las interpretaciones más sobrecogedoras e intensas del año (ganó premio en el último Cannes). Eso si, veremos en cuantos cines se estrena.

Os dejo con el trailer:

Drama, Suspense, Terror, Trailers Anticristo, Charlotte Gainsbourg, Lars Von Trier, Willem Dafoe

Park Chan-Wook, posiblemente uno de los directores coreanos más en forma (y el cual tuve el placer de ver y saludar en sitges hace un par de años), como prometió, vuelve con una historia de vampiros. Lo cierto es que la cosa promete, a sabiendas del talento visual y narrativo de nuestro coreano favorito. Un director capaz de mostrar escenas violentas o crudas sin perder un ápice de su estilizado lirismo y de una poética visual poco visible en el cine actual.

Junto a Park Chan-Wook, repite su actor fetiche y uno de los grandes actores asiáticos (Song Kang-Ho) y vuelve a colaborar con el magnífico director de fotografía Chung-hoon Chung, que ya trabajaron codo a codo en la trilogía de la venganza entre otras.

“Thirst” (Bakjwi), trata sobre Perf Sang-hyun, un sacerdote que pasa parte de su tiempo acompañando a los pacientes de un pequeño hospital de su ciudad. Aunque es respetado por su fe inquebrantable y su dedicación por aquellos que lo rodean, sufre el desconsuelo que le provoca la duda y la desesperación de la vida en un mundo que parece ahogarse en el sufrimiento y la muerte.

Con el claro deseo de salvar vidas, participa en un proyecto para encontrar una vacuna para un virus letal. Esta misión le conducirá a África donde queda infectado de una enfermedad mortal. Sin embargo, se recupera casi milagrosamente. La gente, convencida de sus poderes de curación, comienzan a peregrinar para conocerlo.

Entre los visitantes se encuentra Kangwoo, un amigo de la infancia. Invitado por éste a su casa, Sang-hyun acepta y allí conoce a Tae-ju, la esposa de Kangwoo.

Un experimento fallido convierte a un hombre de fe en un vampiro. ¡Que ganas hay ya de disfrutarla en Sitges 2009 en una velada junto a la presumiblemente muy interesante “[REC]2“!.

Os dejo con el trailer (como de costumbre, bizarrito!):

Asia, Terror, Thriller, Trailers Asia, Park Chan-Wook, Song Kang-Ho, Thirst