Impresionante cartel del festival a dos bandas entre Reading y Leeds. Al nivel de Glastonbury, o superándolo incluso. Artic Monkeys, Radiohead, The Prodigy, Ian Brown, Placebo, Vampire Weekend, Yeah Yeah Yeahs, Kings of Leon, Gossip, Friendly Fires, Brandnew y otras bandas que faltan por confirmar. Los tickets para el día de Radiohead evidentemente, ya están más que agotados.

Eso si, todavia no entiendo porque un grupo de tan baja calidad como Bloc Party está presente como cabeza de cartel de festivales de primera como el que comentamos o el Primavera Sound por ejemplo. ¿Realmente se merecen ese trato? Yo creo que no.

Bueno, os dejo con el espectacular cartel:

Festivales, Música Conciertos, Festivales, Leeds, Reading

Me enteré ayer pero no he podido publicarlo hasta hoy. Maurice Jarre, uno de los mejores compositores de bandas sonoras de todos los tiempos, nos ha dejado a los 84 años. Un compositor que siempre será recordado como el músico ideal de David Lean, capaz de crear melodias que potenciaban el lado épico de los films del último. Ahí fue donde alcanzó su consagración a nivel internacional, con las superproducciones de Sam Spiegel (en la producción) y David Lean (en la dirección). Ganó muy merecidamente tres oscar por posiblemente, sus mejores obras (“Lawrence de Arabia“, “Dr Zhivago” y la reivindicable “Pasaje en la India“). A parte de ser el único compositor que haya ganado tres estatuillas doradas, en su palmarés también se encuentran cuatro globos de oro y un oso de oro honorifico en la última edición de la Berlinale hará un par de meses.

Otras de sus obras recordadas fueron “Los profesionales“, “La hija de Ryan“, “El mensaje“, “La costa de los mosquitos“, “El club de los poetas muertos“, “Topaz“, “¿Arde París?“, “Gorilas en la Niebla“, “Jesús de Nazaret“, “Único Testigo” o “Ghost” (éstas dos últimas en plena experimentación electrónica).

Su herencia musical la ha recogido Jean-Michel Jarre (su hijo), precursor de la música electrónica (y gran fanático de los sintetizadores).

Un grande. Descanse en paz.

Os dejo con el tema principal de “Lawrence de Arabia“:

Bandas sonoras, Música Dr Zhivago, Lawrence de Arabia, Maurice Jarre

Os dejo con uno de los trailers del año. Spike Jonze ha vuelto, y con un film que promete ser tan bizarro como el resto de su filmografía. Es para celebrarlo !!

Un trailer cojonudo con música de fondo de un grupo que me encanta como Arcade Fire (tema “Wake Up”). Os lo adjunto en HD.

Aventuras, Ciencia Ficción, Fantástico, Trailers Premios, Spike Jonze, Where The Wild Things Are

La última cinta de David Fincher, “El curioso caso de Benjamin Button“, tendrá un tratamiento Criterion para su edición en USA en Blu-ray, desde mi punto de vista, muy merecido.

Eso conlleva una edición cuidadísima en todos los aspectos, tanto en imagen y sonido, como en calidad y cantidad de extras, por algo Criterion es la mejor distribuidora (o una de las mejores) a nivel mundial.

La película se presentará en widescreen que promete ser espectacular (Fincher cuida mucho la imagen en sus films), con una pista de sonido 5.1 DTS-HD. Como extras incluirá un audiocomentario de David Fincher, un documental dividido en 4 partes sobre como se hizo el film, galerías varias y los trailers.

Damos por hecho, que todos los extras vendrán en alta definición, como ya pasó en la excelente edición azul de “Zodiac. Director’s Cut“.

Una edición que a priori parece acorde a la alta calidad del film.

Blu-Ray, Drama, Fantástico Blu-Ray, Criterion, David Fincher, El curioso caso de Benjamin Button

“Las películas hay que terminarlas aunque sea a ciegas” (Mateo Blanco / Harry Caine).

Esta frase pronunciada al final del metraje, define perfectamente las intenciones de la película y lo que realmente pretende ser, ya que estamos ante una declaración de amor al cine noir de los años 50, a aquellos melodramas de Douglas Sirk o Vicente Minnelli, incluso a Roberto Rossellini en su manera de representar las relaciones sentimentales y la imposibilidad de las mismas. Pero también rinde homenaje a su propio cine, adaptándose a su manera y sin complejos, llegando a momentos de puro metalenguaje cinematográfico.

Y es que, el último film de Almodóvar mantiene una cierta lógica con sus dos precedesoras, erigiéndose como una trilogía retrospectiva y autobiográfica. Si en “La mala educación” (una cinta profundamente noir aunque no lo parezca a priori) podían vislumbrarse ciertos detalles autobiográficos, descubriendo su visión de la iglesia católica (aunque el mismo Almodóvar no lo afirme abiertamente) y en “Volver“, el cineasta rememora su infancia y su lado más costumbrista; “Los abrazos rotos“, es un claro homenaje a su amor por el cine, a su pasión y al poder de la imagen.

Para poner en contexto, “Los abrazos rotos” narra la historia de un hombre (Lluís Homar) que escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a Lena (Penélope Cruz), la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote que lo dejó ciego. Este hombre usa dos nombres, Harry Caine, lúdico seudónimo bajo el que firma sus trabajos literarios, relatos y guiones y Mateo Blanco, su nombre de pila real, con el que vive y firma las películas que dirige.

En la actualidad, Harry Caine vive gracias a los guiones que escribe y a la ayuda de su antigua y fiel directora de producción, Judit García (Blanca Portillo), y de Diego (Tamar Novas), el hijo de ésta, secretario, mecanógrafo y lazarillo. Desde que decidiera vivir y contar historias, Harry es un ciego activo y atractivo que ha desarrollado todos sus otros sentidos para disfrutar de la vida, a base de ironía y una amnesia autoinducida. Ha borrado de su biografía toda sombra de su primera identidad, Mateo Blanco.

La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel (José Luis Gómez) es una historia de amour fou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa.

Una de las señas de identidad del director manchego es su facilidad para mezclar géneros o situaciones y conseguir salir airoso. Lo que es innegable es que Pedro es un director que ha alcanzado una madurez artística, un control del ritmo narrativo y técnico, sencillamente envidiable. El director compone como nadie un mosaico de géneros enfocados ante todo en el melodrama y en el thriller, pero aderezados por el humor ácido, peculiar y en ocasiones algo surreal característico del cineasta (en este caso con un guiño a “Mujeres al borde de un ataque de nervios“).

El film se centra en un triángulo amoroso: Ernesto (el posesivo y obsesionado productor), Lena (la actriz y estrella) y Mateo/Harry (el director de cine enamorado). Y Almodóvar juega con elementos característicos del cine negro como la rubia y la morena (ambas encarnadas por Penélope Cruz -el guiño de la peluca rubia platino mientras rueda es claro-), los nombres típicos de cine negro (Harry Cine, o el personaje de Lena (típico nombre de femme fatale y que recuerda algo al de Lana Turner (vista en “El cartero siempre llama dos veces” o “Imitación a la vida“))), la dualidad de nombres del personaje de Lluís Omar (Mateo Blanco / Harry Caine) en un evidente homenaje a aquellos “agabardinados” Harry Lime (encarnado por Orson Welles en “El tercer hombre“) o el agente Harry Palmer (encarnado por Michael Caine en tantas películas del género), la imposibilidad de las relaciones amorosas o la presencia de la muerte y la violencia como eje dramático, de ahí el frecuente uso del flashback como elemento narrativo principal del film. Como comento, la película está construída mediante una estructura de flashbacks (en dos tiempos) que nos transportan a momentos de la vida de Mateo, su nacimiento como cineasta y su muerte. La muerte de su vista (que no de su visión), la muerte de “su” Mateo y el resurgimiento definitivo de su alter ego Harry Caine.

La relación entre Ernesto y Lena se torna fría, distante, sin pasión (véase esas escenas en dónde la mirada de ella ha perdido el brillo que sí tiene cuando está junto a Mateo) y éste lo nota. Se vuelve obsesivo, calculador, controlador de su vida y manda a su propio hijo (un chaval homosexual enamorado a la vez de Mateo) que filme y siga literalmente a Lena, registrando cada uno de sus movimientos. Con la ayuda de una traductora conseguirá averiguar el porqué del cambio de actitud de Lena, que él sí ha notado.

Mientras Mateo (Harry Caine) pierde la visión tras el accidente y necesita un programa informático para que le lea las letras del ordenador entre otras cosas, Ernesto Martel, productor de la cinta que dirige Mateo y obesivo marido de Lena, debe recurrir a la una traductora -que lee los labios de la imagen- para saber si existe o no un romance entre Lena y Mateo a sus espaldas. Uno no puede ver, el otro no sabe escuchar. Ambos saben que el poder de la imagen es lo que realmente importa(Ernesto la puede ver pero no comprender, Harry la tiene en su mente y allí sí la puede ver mediante el sonido). Justamente ahi, cuando Lena (Penélope) descubre a Ernesto viendo la cinta en que ella se declara a la cámara del hijo de éste, es cuando alcanza el cénit la importancia del poder de la imagen y es enfrentanda a la potencia contundente de un sonido desolador, poniendo ella misma la voz a la imagen y dotando de más veracidad y crueldad si cabe a sus terribles palabras llenas de hastío y desamor.

“Los abrazos rotos” supone sin duda, una de las cintas de Pedro en donde mejor se ha trabajado el sonido (atención al ruido de los tacones, a la importancia del sonido para los personajes), y con una música de ese genio llamado Alberto Iglesias puramente deudora de Herrmann, que acompaña y engrandece las imagenes de tan bella película.

Pero si algo se debe achacar a la cinta es que, por momentos, se vuelve algo irregular. Posee algunas secuencias memorables como todas las de Lanzarote, unos parajes que recuerdan a peliculas tan imprescindibles de Rossellini como “Stromboli” o “Te querré siempre” (de la cual Pedro incluye un fragmento como guiño), la escena comentada anteriormente de Penélope poniendo voz a la proyección (lo mejor del film), las escenas cómicas o la declaración del personaje de Blanca Portillo. Pero en cambio hay otros tramos (algunos del tiempo presente), situaciones inacabadas o personajes que van y vienen, que afectan algo al ritmo de la cinta, aunque tampoco con demasiada importancia.

En el film también se nombra a “Ascensor para el cadalso“, impecable cinta noir de Louis Malle, y no se hace por casualidad. Si en el film de Malle, el vehículo que separaba a la pareja unida por un profundo amor (Maurice Ronet y Jeanne Moreau) era un ascensor el cual accidentalmente quedaba parado en un edificio vacío (otra pareja unida por la fatalidad); en “Los abrazos rotos” es el accidente de coche lo que separa para siempre a la pareja, ambos mueren (Lena y Mateo) y Harry resurge como único elemento existencial.

Considero que es todo un acierto la elección del titulo del film, básicamente porque trata de personas que aman pero no son correspondidas (ya sea por desamor, por hastío o por accidente). Y se pueden ver tres expresiones diferentes respecto a la misma sensación/sentimiento: el rostro de Mateo muestra un nuevo nacimiento, una forma de vida nueva le espera; el rostro de Ernesto muestra impotencia, desasosiego y finalmente ira; y el de Judit (Blanca Portillo) desamor absoluto e infinita tristeza porque sabe que nunca podrá poseer y amar lo que más desea. La cinta trata de relaciones imposibles, unidas por la fatalidad

A parte de Rossellini, Malle, Tourneur, Minnelli o Douglas Sirk, también vemos referencias en cuanto a artistas a Audrey Hepburn, sobre todo cuando Penélope está en las escenas que Mateo rueda para su film. Si en “Volver“, Penélope parecía una representación de la gran Anna Magnani en “Bellissima” de Visconti, aquí es la viva imagen de Audrey.

Mención especial también al trabajo del excelente director de fotografía mejicano Rodrigo Prieto (uno de los grandes actualmente), con un uso de colores claros, muy coloridos (en ocasiones incluso cercano al estilo del technicolor), acompañado de una escenografia y diseño muy vanguardista, entre el kitsch y el pop art (algo usual en el cine del realizador).

Pero lo más importante de este film tras la labor de Pedro, son las actuaciones ya que todo el peso de la cinta recae en ellas. y no decepcionan lo más minimo. Una Penélope Cruz, que aunque no sea santo de mi devoción, debo reconocer que en manos de Almodóvar brilla con luz propia y ofrece registros de autenticidad impensansables en sus cintas estadounidenses, un Lluís Homar, como siempre, sensacional, superándose a si mismo, y una Blanca Portillo que merece ya un altar entre las grandes actrices españolas de los últimos años (simplemente colosal el control de su actuación y su madurez como actriz).

Si bien es cierto, se comenta que “Los abrazos rotos“, cuando salga en dvd contendrá más escenas y la película (o parte de ella) de Mateo Blanco, y puede ser otro detalle más de metalenguaje cinematográfico. Un film que nos habla de la realización de otro film, inacabado y a la espera de que un director que ha perdido la vista lo remonte con ayuda de su presunto hijo y de Judit. El film está roto y deben ordenarlo y reestrenarlo (será visto como nunca), como las fotos antiguas rotas de mateo (las cuales, el personaje de Tamar Novas, intenta reestablecer y reestrenar (verlas al fin por unos ojos que nunca las han visto y describirlas / redescubrirlas para Harry)) y como algunas vidas cuyos abrazos han sido rotos, quizás par siempre.

Un film lleno de pasión, dolor y comicidad, elementos que se alternan de forma natural consiguiendo conquistar al espectador en cada fotograma, entregando el protagonismo al poder de la imagen con sus múltiples capas/rostros, y que sobre todo mantiene intacto el sello tan característico de su realizador. Una gran película noir, tan arriesgada como injustamente vapuleada por algunos críticos cuya manía al director manchego es respetable pero ya alcanza cotas irrisorias.

Cine de autor, Comedia, Críticas, Drama, Melodrama, Noir, Suspense, Thriller cine español, Lluís Homar, Los abrazos rotos, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz, Premios

Tras pasarlas canutas para conseguir las entradas por allá por Noviembre (recordemos el mal hacer de Gamerco y el cambio final de la sala Razzmatazz por el Pavelló Olimpic de Badalona debido a una -reconozcámoslo-desorbitada demanda (pocos minutos duraron las entradas para Razz y 9 horas las restantes para el pavelló de la penya), llegó el esperado concierto.

Si bien, The killers me resulta en la actualidad una banda que quizás se haya traicionado a sí misma, ya que pasaron de ser un grupo indie a llenar estadios y meterse de lleno en el mainstream, aunque sin perder calidad. Pero reconozcámoslo, están todavía a años luz de grupos como Coldplay, U2 o Muse por poner tres ejemplos de grupos que llenan estadios aunque su música sigue siendo alternativa (o más bien una especie de “indie mainstream“, a excepción de Muse, que suelen ser algo diferentes, suelen ser escuchados, en general, por gente más entendida).

Tras dos largas horas de cola, al fin entramos en el recinto (lleno como pocas veces se ha visto) y vimos a los teloneros, unos enérgicos Louis XIV, que tocaron temas variados de sus discos y pusieron toda la carne en el asador. Tuvieron un buen directo, buen sonido y buenas voces.

Tras ello y la espera de turno, salieron The killers, con un escenario no muy original (esas palmeras de plástico rozaban lo cutre) pero muy bien iluminado y con un video interesante. Empezaron apostando muy fuerte, ya que tocaron como primer tema “Human“, todo un hit, muy comercial sí, pero también muy pegadizo.

A “Human” le siguieron “Somebody Told Me” y “For Reasons Unknown“, casi nada. Sonaron también geniales temazos como “Spaceman“, “Sam’s town” o “Read my mind“. Mención especial a “When You Were Young“, el tema final del concierto, acabando con la senyera catalana de fondo y en medio escrito el nombre del grupo.

Se les vio bien asentados en el escenario, cómodos, potentes y sobre todo sonando bien, diría que muy bien. “Day and age“, su último álbum, a pesar de las múltiples criticas, a mi me sigue pareciendo (salvo excepciones con alguna que otra canción) un disco tan arriesgado como pegadizo, que no esconde su buen lado comercial, manteniendo detalles puramente del alternativo.

El Pavellón se llenó pero no para ver a algún grupo español casposo de turno o un grupo emo o un grupo que atraiga a chicas con acné, fue para ver un grupo indie, indie mainstream, pero a la postre alternativo. Y eso, es para celebrarlo. Evidentemente, hay mejores grupos, pero The killers no están tan mal, ellos no tienen la culpa que los pongan en emisoras como la execrable “Los 40 principales”. Otros genios como Coldplay o U2 también tienen que sufrir ese terrible castigo xD.

Os dejo con los videos del concierto en Badalona. El primero con el tema “Spaceman“, y el segundo con el inicio del concierto y el tema “Human“. La calidad de imagen y sonido es mejorable, pero estaba a rebentar, era casi un logro grabar algo allí jeje. Espero que los disfrutéis!!.

Conciertos, Videos Musicales badalona, human, spaceman, the killers

Aviso: Esta crítica contiene spoilers.

“Si yo perdiera a mi esposa y al día siguiente un pajarito se parara en mi ventana, me mirara a los ojos y me dijera: ‘Sean, soy yo, Anna. Regresé’. ¿Qué le podría decir? Creo que le creería. O querría creerle. No podría deshacerme del pájaro. Pero fuera de eso, no. Yo soy un hombre de ciencias. No creo en supersticiones.”

Con esta sutil metáfora (o contradicción) y a continuación con un majestuoso plano secuencia se abre el film, mostrándonos bellos parajes naturales y la muerte de un hombre, con un elegantísimo movimiento hacia la oscuridad/muerte (túnel). El movimiento que describe la cámara es desde el propio tunel hacia atrás, es el propio personaje quien se aproxima a la muerte, simbolizada metafóricamente en esta escena por el túnel. La música orquestada en estos minutos es clarísimamente deudora del gran Bernard Herrmann.

Diez años más tarde, Anna (Nicole Kidman) va a contraer próximamente matrimonio con Joseph (Danny Huston). Durante la celebración del cumpleaños de su madre Eleanor (Lauren Bacall) se presenta un niño (Cameron Bright) el cual quiere hablar con en privado. “Soy yo, Sean” le dice el niño a ella, como si él fuese la reencarnación de su difunto esposo.

Tras decirle eso y enviarle una carta recomendando a que no se case con Joseph , tenemos la escena en que el padre de Sean le dice: “Quiero que le digas que nunca la volverás a ver ni a molestar”, todo ello delante de Anna . El niño repite una y otra vez: “No, no puedo”. A continuación ella totalmente seria ya, le dice: “No quiero que me vuelvas a molestar”. En ese momento sufre un desmayo. A partir de ahí tenemos una de las mejores escenas rodadas durante este año, la escena del primer plano de Anna (Nicole Kidman). Su expresión transmite preocupación, nerviosismo interno, ansiedad, tristeza, confusión, estado de shock etc. Casi 2 minutos de primer plano sin apenas pestañear ni derramar una sola lágrima consigue transmitir al espectador todas esas emociones. Un alarde de escena y una actuación asombrosa.

Otra escena fantástica es la del encuentro entre Sean y Anna en el parque, justamente en el lugar donde murió su marido. Pero esta vez, si os fijais, y usando de nuevo un juego metafórico, el niño (Sean) sale de la oscuridad (túnel) a la luz (vida), una metáfora clarísima de alguien reencarnado. Sean desea demostrarle mediante pruebas o detalles que es realmente su difunto marido y que la quiere, aunque no se da cuenta que está dañando a Anna. Anna le ha costado muchísimo olvidar y superar la pérdida de su marido, y como les dice Anne Heche y a Peter Stormare (amigos de su difunto marido), no quiere volver a enamorarse de él. Como escena polémica, la de la ducha con ese cara a cara entre Nicole Kidman y Cameron Bright.

Una escena formalmente soberbia. Anna, acaba enamorándose de Sean, viendo en ese niño a su difunto marido ya que es imposible que sepa tanto de su vida, de sus intimidades, de su familia,… Más adelante, vemos el primer encuentro entre Clara (Anne Heche) y Sean (Cameron Bright), la cual le lleva al lavabo y le da su dirección nueva. He aquí una de las claves del film con la frase: “No le digas nada a Anna”, que no se refiere a la dirección, sino a su relación de amante con ella (premisa aún no dicha en el film por cierto).
La expresión de Sean lo dice todo.

Anne Heche el día de la celebración por el anuncio de la próxima boda entre Anna y (recordad, al inicio del film), iba a entregarle a ella las cartas de amor que le escribía a su marido y que éste le había entregado sin abrir para demostrarle su amor, porque en el fondo la odia, pero finalmente cambia de idea y las entierra.

Todo ello lo ve Sean y las recoge. Ese es un punto que permite al espectador quizás pensar en falsas ideas e hipótesis ya que realmente el film juega constantemente en si Sean es una reencarnación o no del difunto marido de Anna. “Reencarnación” es una de las mejores películas sobre lo que realmente significa renunciar por amor, renunciar a amar a alguien para no dañar. Un film sobre el amor verdadero y el que nunca muere. Mi interpretación del film es que el niño sí es una reencarnación de Sean, aunque el film apunte en ocasiones a que no lo es.

Alguna gente puede pensar que Birth es una estupidez de película, sin sentido y con un argumento del todo tramposo, pero no lo creo así. ¿Quién sabe acerca de la reencarnación? Como es? Qué es lo que más recuerdas o que es lo que se olvida? Que es lo que hace que en nuestra vida memoricemos? , son las cosas bellas y las más horribles. No es solo una sucesión de dejà vú’s. Por eso, me lleva a la conclusión de que para Sean lo que realmente le importaba era su amor por Anna, su esposa, que justamente es lo que más le interesa al niño.

El film deja muy abiertas algunas posiblidades y eso es fabuloso en el cine, hacer partícipe al espectador de una obra, otorgarle el derecho de reflexionar sobre un film en donde se dan las pistas necesarias para cada uno poder tejer una estructura perfectamente tan válida como la de otra persona. El niño recoge las cartas dejadas por Anne Heche, y la abre y las lee. Con ello, el espectador puede pensar… es un niño paranoico, con problemas y que se ha enamorado de Anna y no ha encontrado mejor manera de acercarse a ella o llamar su atención que acerse pasar por su marido.

Pero aquí viene una pregunta: ¿en las cartas de amor, acaso dice que Sean ha muerto? Como sabe tantas cosas de los demás familiares. Lo curioso es que en un principio puede parecer que no conozca nada de Anne Heche, justamente la única que persona que seguro no sale en dichas cartas, pero ¿por qué al inicio del film, Sean la sigue?.

La escena de la ducha hacía el final del film revela lo dicho, esa mirada triste del niño nos viene a decir que está mintiendo para no dañar a Anna. Prefiere que se enfade con él, antes que sepa que la engañaba. Una escena formidable y que resume el film. Anteriormente hay otra escena en la ducha mucho más polémica y que vista la naturalidad del personaje de Sean, realza la hipotesis de una verdadera reencarnación. Sean prefiere seguir con su vida de niño y hacer creer a Anna que todo fué una farsa a romper la memoria de su difunto marido, que en el fondo es él reencarnado. Finalmente, y tras la boda entre Anna y Joseph (Danny Huston), ver esa escena final en la playa, con Anna en lágrimas porque claramente en el fondo sabía que ese niño era Sean y que siempre le amará.

La dirección de Glazer (Sexy Beast) es brutal, de una sobriedad abrumadora. Su film sin duda me resulta muy kubrickiano (ver ese ambiente similar a “Eyes Wide Shut“), un film de corte clásico, también es bastante hitchcokiano en algunos aspectos. Planos secuencia, primeros planos de 2 minutos, planos cenitales, picados y contrapicados,…. un sinfín de grandes planos rodean esta película, en una dirección , en mi opinión, de absoluta escuela. La fotografía de Harris Savides es estupenda también, siempre con tonos algo oscuros y siniestros (cualquier momento en la casa de Anna, que me recordó fotográficamente a “La semilla del diablo” de Polanski). Buen trabajo fotográfico.

Las actuaciones son impresionantes y merecedoras de premios. Hay claramente 2 nombres destacables: Nicole Kidman y Cameron Bright. La primera por realizar de nuevo una de esas interpretaciones memorables y que increíblemente no estuviera en los oscars. El segundo por su madurez a pesar de su edad, por transmitir tantos sentimientos y emociones en tan solo una mirada, por su manera tan espectacular de llevar a cabo un personaje tan sumamente dificil y complejo. Del resto del casting destacan Anne Heche, en un pequeño pero intenso papel y Danny Huston cuyo personaje pasa de la felicidad mayor que se pueda conseguir a un día a día tormentoso y lleno de dudas, rabia y celos. Fantásticas creaciones ambas.

La música del francés Alexandre Desplat (La joven de la perla, Hostage) es deudora del gran compositor Bernard Herrmann, con toques de “Vértigo” entre otras, muy adecuada banda sonora para la historia que se mueve entre el minimalismo y la clasicidad.

Finalmente, solo decir que “Reencarnación” me ha parecido una excelente y elegante película, injustamente infravalorada, que no creo que solo pretenda ser un thriller, sino que es una bella historia de amor y renuncia de corte fantástico. El tiempo la pondrá en su sitio. Muy buena.

Críticas, Drama, Fantástico Birth, Jonathan Glazer, Nicole Kidman, Reencarnación

Hay alguna idea original en mi cabeza, en mi cabeza calva. Tal vez, si fuera más feliz, no se me caería el pelo. La vida son dos días.

Necesito vivirlos al máximo. Hoy es el primer día del resto de mi vida. Soy un tópico ambulante. Tengo que ir al médico a que me vea la pierna. Tengo algo, un bulto. He vuelto a llamar al dentista. Lo voy dejando. Si me dejara las cosas de un día para otro, sería más feliz.

Me paso el día sin mover este culo de foca. Si no tuviera el culo tan gordo, sería más feliz. No tendría que llevar siempre las camisas por fuera; como si engañara a alguien. FOCA. Debería empezar a correr otra vez. 8 kilómetros al día, pero hacerlo de verdad. O hacer escalada, pero tengo que dar un giro a mi vida. ¿Qué tengo que hacer? Tengo que enamorarme. Tengo que echarme novia. Tengo que leer más, cultivarme… Si aprendiera ruso o yo qué sé… O tocar un instrumento. Podría aprender chino, sería “el guionista que sabe chino y toca el oboe”. Eso sería brutal.

Debería cortarme el pelo al uno. Dejar de hacer creer a todos y a mí mismo que tengo una mata de pelo… ¡Qué ridículo! Ser auténtico, una persona segura, ¿no es eso lo que atrae a las mujeres? Los hombres no tienen que ser atractivos. Aunque eso no es verdad, sobretodo hoy en día. Hoy se les exige tanto a los hombres como a las mujeres. ¿Por qué debería creer que debo pedir perdón por existir? Quizás sea la química celular. Quizás es eso lo que me pasa, una alteración química. Todos mis problemas y mi ansiedad podrían deberse a un desequilibrio químico o a una serie de psinapsis defectuosas.

Tengo que hacérmela mirar. Aunque seguiré siendo feo, eso no tiene cura.

Nicolas Cage (Charlie Kaufman) en “Adaptation“, dirigida por Spike Jonze, escrita por Charlie Kaufman. Uno de los mejores guiones de los últimos años. El film es todo un ejercicio de metalenguaje cinematográfico.

Cine de autor, Drama, Frases, Independiente Adaptation, Charlie Kaufman, Frases, Nicolas Cage, Spike Jonze