Una de las cintas europeas más lúcidas de las últimas décadas. Una absoluta lección de cine, en donde cada dialogo, cada plano, cada uso de la luz y cada nota musical tienen su importancia. Todo un testamento sobre la libertad conseguida tras la culpa y tras olvidar el tormentoso pasado. Una cinta que sumerge al espectador en un mundo azul y frío, mostrando la naturaleza de sentimientos y situaciones que rodean a la culpa, la redención, el dolor, la angustia y el paso del tiempo.

Kieslowski ofrece un trabajo espléndido, con una narrativa prodigiosa y una historia plenamente metafórica y profunda. Os dejo con una escena maestra y cuanto menos, perfecta, con un trabajo de planificación, montaje y fotografía impresionante. Me encanta como en el último plano el azul va envolviendo a Juliette Binoche. Disfrutadla en su esplendor.

Cine de autor, Drama, Escenas Azul, Juliette Binoche, Kieslowski

Dentro de la lamentable cartelera española, en contadas ocasiones y gracias a Dios nos encontramos con verdaderas obras maestras como ésta, cintas maravillosas que le hacen a uno reconciliarse con el cine, con el buen cine.

Y es que la última cinta de Sidney Lumet es una autentica lección de cine de principio a fin, como hacía tiempo no se veía y supone una de las obras cumbre (o la obra cumbre con permiso de “12 hombres sin piedad“) del experimentado realizador.

La cinta nos cuenta la desesperación por conseguir dinero fácil de dos hermanos de clase burguesa, Andy, (Philip Seymour Hoffman), un ambicioso hombre de negocios casado con una mujer florero (Marisa Tomei) y adicto a la heroína, y Hank (Ethan Hawke), cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hijo, los cuales conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: atracar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York. Nada de pistolas, nada de violencia, y nada de problemas. Pero cuando su cómplice decide no cumplir las reglas del juego, las cosas no salen como ambos se esperaban y se inicia un carrusel de tragedia, asesinato y culpa.

El film lejos de ser un thriller convencional apuesta por exponer el lado psicológico de sus personajes, por mostrar las entrañas y miserias del ser humano, por presentar una familia rota por pecados capitales tales como la codicia, la ira o la venganza y sobre todo por la forma con la que Lumet nos acerca esas miserias y desgracias de esos personajes, verdaderamente brillante a sus 83 años de edad.

Dichos personajes no se mostrarían tan descarnados de no ser por tan magnas actuaciones de Andy (Philip Seymour Hoffman): un hombre negocios que encuentra en la heroína su evasión a su fracasada vida, que planea un golpe de excesivo riesgo para solucionar sus cuantiosos problemas financieros y para conseguir el ansiado amor de su cansada mujer; Hank (Ethan Hawke): un buen hombre que se ve superado por sus deudas familiares y personales y es arrastrado hacia el abismo por ello, mientras es carcomido por su conciencia; Gina (Marisa Tomei): una mujer cuya relación con Andy es tan pobre y superficial que necesita acostarse con su hermano Hank para sentirse querida o deseada debido a que las circunstancias parecen superarla; y Charles (Albert Finney): un padre destrozado conducido por la venganza y la ira. Todos y cada uno de ellos ofrecen unas actuaciones simplemente sensacionales desde unos monumentales Hoffman, Hawke y Finney hasta una notable Tomei. Disfrutar de el rostro de Finney apesadumbrado, el de Tomei confundida, el de Hawke aterrado o el de Hoffman entre nervioso y tremendamente enrabietado, ya vale la entrada de cine. Hacia mucho tiempo que no se veia a tantos actores juntos en tal estado de gracia. Además, el film, confirma (de nuevo) a P. S.Hoffman como uno de los grandes de su generación, por no decir el más grande.

El film posee multitud de pasajes llenos de fuerza, de intensidad dramática y de virtuosismo narrativo. Desde el minuto 1 (con esa relación sexual entre Andy y Gina sin amor alguno) ya se desprende esa sensación de malestar, como de si las cosas parece que van bien pero no es así, se nota un ambiente con cierto toque turbio, como enrarecido, como de tormenta inminente que irá poco a poco irá volviéndose oscuro y trágico.

El brillante guión Kelly Masterson ayuda a que el film tenga una consistencia a nivel de personajes y trama, logrando que éstos estén perfectamente construidos con multitud de matices. La historia que nos cuenta es como una tragedia griega, pero aunque a primera vista pueda parecer algo simple únicamente destacada por la labor de montaje, nada más lejos de la realidad, pues constituye una radiografía de las miserias del ser humano verdaderamente memorable, con una profundidad y un realismo sobrecogedor.

Y es que decir que la cinta es destacable únicamente por el astuto trabajo en la sala de montaje, es lo mismo que decir que Michael Bay hará algún día un buena película. La cinta no solo es narrativamente colosal sino que además te atrapa con una fuerza trepidante para no soltarte, es como un torrente de emociones, una montaña rusa hacia un mundo corrupto lleno de traición en donde habita la codicia, el desamor, el asesinato, los sueños rotos y la tragedia familiar.

En cuanto al uso de un montaje acronológico, sinceramente, creo que está mejor llevado que por ejemplo en los films de mi inolvidable amigo Iñarritu en donde se salta de pasado a futuro sin previo aviso y sin ningún dato únicamente para liar al espectador o para ir de falso indie. Cierto es que el montaje hace mucho en la última película de Lumet, pero el uso de flashbacks y flashforwards es un recurso narrativo que se usa bien o se usa mal, y Lumet sabe hacer uso de ello aportando dinanismo a mansalva y personalidad a la cinta, en cambio el citado mexicano Iñarritu abusa en exceso de ello y por esa y otras razones no me gustan nada sus pretenciosas películas .Añadir también que el film de Lumet es de una sensatez y una honradez brutal, es lo que es y punto, no engaña a nadie. Es cine puro sin los artificios ni las paridas de la mitad del cine americano actual. Cine con aroma setentero del bueno, en donde abundan los planos largos y cuidados como la prodigiosa escena de la primera vez que se ve a Hoffman llegar a la casa del traficante para drogarse o la escena que Hawke se marcha del centro comercial tras el atraco frustrado mantiendo en primer plano el rostro aterrorizado del actor. La cinta ha sido rodada en digital y posee un cierto toque de amateurismo o documental que la hace mucho más veraz y de alguna forma sucia y cruda.

Inevitablemente la cinta me recuerda a varios films del género, como “Fargo” no solo por alguna que otra similitud argumental sino también por su sobriedad (uno de los mejores films sobre el peso de la culpa), o a films como “Jackie Brown” o “Reservoir Dogs” (lo que incluye a “Atraco Perfecto” de Kubrick), por contar un atraco desde diferentes puntos de vista, “Tarde de perros” del mismo Lumet por mostrar a personajes “desnudos” superados por las circunstancias o a “Un plan sencillo” de Sam Raimi, por mostrar el tormento interno de la conciencia y por su final trágico tan verdaderamente memorable.

Sobre el final de “Antes que el diablo sepa que has muerto“, lo veo como una antítesis de “Million Dollar Baby“, aunque pueda sonar a priori descabellado. SPOILERS En el film de Eastwood, el personaje encarnado por él mismo “ayuda a morir” al personaje de Hillary Swank en una de las escenas románticas más duras y emotivas de la historia del cine (sin exagerar) y lo hace por amor puro, en cambio en la cinta de Lumet se asesina por venganza y odio, olvidándose del amor pasado. En ambos casos de alguna forma existe un dolor paternal, una pérdida desgarradora, un acto irreversible que cambia la vida de ambos personajes, un camino sin retorno. Pero el movil del asesinato es totalmente diferente. Uno libera a su ser querido del sufrimiento, otro de la culpa. Ambos a su manera hacen justícia. FIN SPOILERS El final en ambas cintas es duro y tan realista como la vida misma y eso en parte las hace tan grandes. Cine sin concesiones.

Un film sobrio y ejemplar que constituye ante todo una radiografía sobre la mezquindad del ser humano. Una absoluta lección de cine y lo único potable en la execrable cartelera española actual. Una obra maestra, no la dejéis escapar.

Críticas, Drama, Thriller Antes que el diablo sepa que has muerto, Ethan Hawke, Phillip Seymour Hoffman, Sidney Lumet

El invierno: ¿Estación o estado de ánimo crónico?

Barcelona. Una noche en pleno invierno en donde tres personas coinciden en una parada de autobús. Asisten atónitos como un coche que pasa deja abandonado a un perro atado en una farola. Celso (Àlex Brendemühl), indignado, recoge al animal. Tres vidas cruzadas únicamente por un momento, ese momento, pero que serán paralelas durante todo el film. Vidas que sufren abandono, sufrimiento  y engaño como ese pobre animal desamparado.

Mila (Mercedes Sampietro), encarna a una profesora de instituto que lleva un año de baja tras sufrir una agresión por parte de uno de sus alumnos. Su vida es puro temor, evitación y sufrimiento. Concluida su baja se enfrenta de nuevo a sus miedos y al temido regreso a la escuela. Deberá afrontarlo con valentía y actitud. No es tarea fácil pero tampoco imposible. Un personaje que vive sola aunque parece detestar la soledad, la vida le pide cambios y renovación. Para ello, se apunta a clases de tango con una compañera de escuela y se encarga de cuidar y otorgar su amistad a una anciana descuidada, privada de sus cuantiosos perros vagabundos y totalmente invisible para el resto del mundo, excepto para los vecinos cuando se quejan de ella. No solo comienza a darse cuenta de las grandes injusticias a personas que la rodean, sino que, y lo más importante, decide actuar.

Celso (Àlex Brendemühl) trabaja de guardia de seguridad en un centro comercial (ubicado en Diagonal Mar), está casado, es padre de un hijo y su mujer espera a gemelos. Forma parte de una familia que sufre de problemas económicos y que finalmente éstos llevan al límite al personaje. Un personaje en busca de su propia identidad, intentando sentirse útil para la sociedad que le rodea, dar el callo en su familia y conseguir solución su grave economía y su incierto futuro. Todo esa presión interna que envuelve al personaje hace que la impotencia y la rabia le cieguen y cometa un error que jamás podrá perdonarse (o eso parece), el cual hace que la vergüenza y la culpa le invadan.

Valeria (Aina Clotet), es una joven estudiante de violoncelo, con una turbia relación familiar: sus padres se separaron, su madre no lo acepta y su convivencia con ella se vuelve insoportable) y su padre y su hermano (al que no vemos) constituyen la parte pasota de su familia. Para colmo, la relación amorosa que sostiene con su profesor de música no parece funcionar y le conduce a un tormento interno y existencial difícil de superar.

El invierno en el film no solo representa la estación en si, sino el estado de ánimo de cada uno de los personajes, acentuado con esa fotografía de tonos grisáceos y de naturaleza fría. Es un personaje más de la trama, que como las pequeñas desgracias e imprevistos de la vida, es de carácter eventual.

Cada uno de los personajes debe volver a aprender a vivir, a aceptar sus derrotas, a afrontar sus propios errores y sobre todo a quererse más a ellos mismos. Las actuaciones es uno de los puntos fuertes de la cinta. Unos soberbios, como siempre, Àlex Brendemühl (visto en tantas cintas arriesgadas) y Mercedes Sampietro, y una fascinante, guapa y sorprendente Aina Clotet. Son el alma del film, sin lugar a dudas.

El film de Judith Colell toca temas tan interesantes como los problemas en las relaciones entre hijos y padres, poniendo sobre la mesa si verdaderamente los hijos pueden llegar a ser responsables del bienestar de sus progenitores. Otro de los temas es la importancia individual de la mujer, sus estados anímicos, la falta de igualdad, su lucha diaria y el abandono (las 3 mujeres del film -Mila, Valeria y su madre encarnada por Silvia Munt- son abandonadas y viven en soledad, ninguna de ellas tiene amigos ni compañías excepto amores -ya sean antiguos o actuales- y evidentemente sobreviven mediante la nostalgia).

A parte de la soledad y el desamor, quizás el tema mejor tratado sea la culpa y la conciencia. Porque ¿es egoísta intentar buscar la felicidad de nuevo si con ello haces daño a los tuyos o es del todo lícito, dado que sólo vivimos una vez?. Es una de las cuestiones que plantea de forma notable la cinta. La mala conciencia lleva a los personajes a huir y a recluirse en si mismos, pero finalmente surge un brote de esperanza y deciden actuar y afrontar. Por ello, considero a la cinta como optimista a pesar de su trama claramente dramática.

Únicamente la fría música de Bach pone sonido a las bellas y sobrias secuencias del film, con un ritmo narrativo pausado como si del paso de la estación más fría se tratase, que consiguen al espectador atraparlo con su calidad, sencillez y austeridad.

53 días de invierno es un film que apuesta por los postulados de la Escuela de Barcelona de los Guerín, Rosales o Lacuesta entre otros. Un film rodado con un tono claramente entre estilo documental y ficción, con esos ligeros movimientos de cámara dotando de veracidad a la imagen, acompañando y acosando (normalmente desde atrás) al personaje en su aventura existencial, como si de su sombra se tratase. Colell apuesta por encuadres más bien cerrados, filmando las habitaciones como Jaime Rosales, es decir, desde fuera y mostrando los marcos de las puertas de las mismas, evitando cualquier música que no sea diegética y cualquier artificio con la cámara que no sea mostrar la realidad contada.

Uno de los mejores films sobre la soledad, la fragilidad de la vida y la culpa. Sus tres personajes protagonistas se sienten invadidos por la soledad, están tan solos como cualquiera de nosotros, y su fragilidad es un claro reflejo de la sociedad en la que viven. Tres personajes al borde de sus fuerzas. Tres personajes que viven sus vidas en un mundo frío como el nuestro, en el que resulta cada vez más difícil la comunicación con los demás, en el que es mucho más fácil odiar que amar, en el que no se respeta la vida y en el que el éxito tan solo se mide bajo un parámetro: el dinero. Todo nos lleva a esta fragilidad y a esta vulnerabilidad. La infelicidad puede hacer que cualquier detalle nos haga caer en un abismo. Eso les sucede a Mila, Celso y Valeria, y los tres tendrán que encontrar una nueva manera de vivir la vida. Porque en la vida, aún cuantiosas dificultades, siempre hay esperanza y eso jamás les podrá ser arrebatado.

Un film coral sensible, arriesgado, que respeta la inteligencia del espectador y que ofrece una visión fascinante sobre la fragilidad de la cotidianidad. Notable cinta catalana.

Cine de autor, Críticas, Drama 53 días de invierno, Aina Clotet, Àlex Brendemühl, Judith Colell, Mercedes Sampietro, Silvia Munt

“¿Veis lo que ocurren cuando se golpean la cabeza? Les gustan mis películas” (Uwe Boll, tras derrotar en un ring a 5 críticos que ponían a parir sus mediocres films).

Si hay un director en la faz de la tierra capaz de competir de tu a tu con Michael Bay (al cual retó a un combate de boxeo), no es otro que Uwe Boll, director germano que posee el récord de films malos por director en el bottom 100 de IMDB.

Un realizador absolutamente denostado por la masa, y no es para menos, viendo su insufrible filmografía y sus burdas maneras de videoclub a la hora de rodar. Polémico y al servicio del público menos exigente, el bueno de Boll siempre le ha ido lo picante, incluso llegó a pedir a sus antifans que reunieran firmas para propiciar su retirada del cine o también propuso un combate a 12 rounds contra 5 críticos que machacaban sus films. En fin, único, chulito e inigualable, como Mike Bay.

Pero, debemos reconocer que esta escena de “Postal“, aún con un humor de un mal gusto contrastado xD, resulta divertida y de lo más cachonda. Espero que disfrutéis de esta secuencia inicial tan políticamente incorrecta. Puro Uwe XD.

Comedia, Escenas Postal, Uwe Boll

Tras tres días de trote sin parar y con unas agujetas de aupa, es hora de hacer balance del edición del 2008 de dicho festival. Y el resultado es si lugar a dudas, sobresaliente.

La calidad y cantidad de conciertos ofrecidos sacia la sed de cualquier buen aficionado a la música. Variedad y calidad sobre todo, dejando el listón muy alto para festivales venideros como son el Summercase o el FIB.

Comentar que grabé lo que pude, pero no todo ni lo más importante, estaba para disfrutar no para dislocarme el brazo.

Comentaré a grandes rasgos los conciertos a los que asistí:

- MGMT ( Escenario: Rockdelux ): Un concierto esperadísimo, pues el disco Oracular Spectacular, debut de la banda yanki, es espectacular. En cambio, en directo sonaron un tanto pobres, con un volumen por debajo de lo normal y en general un poco decepcionantes. Eso sí, el solaco no acompañaba tampoco para crear el ambiente necesario. Os dejo con el último tema del concierto.

- The Notwist ( Escenario: Rockdelux ): Correcto directo de la banda de música electrónica. Os dejo con un tema del concierto.

- British Sea Power ( Escenario: Vice Jägermeister ): Mientras algunos se fueron a ver a los míticos Public Enemy, un servidor se marchó a ver a esta banda (cosas de que a uno no le mole mucho el hip hop xD). Uno de los grupos que más se escuchan, tocaron muy bien las canciones, aunque en algunas sinceramente la voz falló. Aún así, correcto concierto, pero poco más. Os dejo con un tema del concierto.

- Portishead ( Escenario: Rockdelux ): Simplemente inolvidable directo de la banda de Beth Gibbons. El mejor concierto del festival sin lugar a dudas. Dicen que el concierto del viernes en el Auditorio no fue menos memorable. Os dejo con 2 temas.

- Explosions in the sky ( Escenario: ATP ): Otro esperadísimo directo por mi parte, y menudo conciertazo en donde la banda se dejó la piel, regalándonos un recital de música cuidada y potente. Memorable final de concierto (que no grabé), potentísimo, vamos casi pa cargarse la guitarra xD. Si os gusta Sigur Rós, os encantará sin duda. Lo único malo es que se solapaba con Caribou, que también tenía muchísimas ganas de verlos. Os dejo con un temazo del concierto.

- Vampire Weekend ( Escenario: Vice Jägermeister ): Para mí, una de las sorpresas del festival. Escuché hace tiempo su disco, y estaba bastante bien pero es que en directo ganan muchísimo. Conciertazo super ameno y super movido, y con temazos omnipresentes. Final de concierto maravilloso. Os dejo con un tema del concierto.

- Midnight Juggernauts ( Escenario: CD Drome ): Su disco, para un servidor, uno de los mejores de música electrónica del año. No defraudaron en su concierto en directo. Ofrecieron un gran sonido y un notable repertorio de canciones. Perfecto final de jueves. Os dejo con 2 temas del concierto.

- The Mary Onettes ( Escenario: Vice Jägermeister ): Una banda sueca que siempre me ha recordado a grupos como Echo and The Bunnymen o a New Order, no fallaron en el Primavera, pues su concierto no fue espectacular pero sí correcto. Un grupo no excesivamente original en su propuesta pero que tocan muy bien, todo haya que decirlo. Os dejo con un tema del concierto.

- No Age ( Escenario: Vice Jägermeister ): Horroroso directo (al menos lo que vi) que solo aguanté 2 canciones, me fui corriendo al escenario CD Drome en donde tocaban un grupo que me interesaba más.

- The Strange Death of Liberal England ( Escenario: CD Drome ): Buen concierto con un final in crescendo muy chulo !!.

- The Sonics ( Escenario: Estrella Damm ): A pesar de las críticas recibidas en diarios, el blues de The Sonics, aunque sin la fuerza de antaño, sonaron la mar de bien y sus clásicos hicieron vibrar a más de uno.

- Sebadoh ( Escenario: Rockdelux): Lo escuché por encima, desde arriba del escenario Rockdelux, me parecieron que su directo inexplicablemente no solo fue flojo sino un soberano coñazo.

-Why? ( Escenario: CD Drome ): Seguimos el concierto de la banda el tiempo que nos daba hasta el concierto de Devo. Lo escuchado fue más bien flojete y fácilmente olvidable.

- Devo ( Escenario: Estrella Damm ): Estos abueletes con su famoso casco macetero xD dieron un recital electrónico majestuoso, conservando la frescura e intensidad de siempre, con un juego de luces y sobre todo una trabajada escenografía. Uno de los mejores del festival. Os dejo con un tema del concierto.

- The Go! Team ( Escenario: Estrella Damm ): El esperado directo de la multicultural banda The Go! team fue impresionante. Una pasada. De lo mejorcito visto esos días. Os dejo con 2 temas del concierto.

-Cat Power ( Escenario: Rockdelux ): Excelente concierto en donde la banda tiró de su último disco de versiones, Jukebox, con 16 maravillosas canciones que hipnotizaron con esa voz que parece salir del alma y enmudecieron el escenario. Os dejo con un tema del concierto.

- The Rumble Strips ( Escenario: Rockdelux ): Normalito concierto, tirando a flojillo. Se esperaba más de esta banda. Además, no pidieron disculpas por la cancelación tan inverosímil como irrisoria de su 2 conciertos en españa el pasado mes de marzo, avisandolo el mismo dia en un comunicado, dejando a la gente tirada. En fin, no estuvo mal, pero poco más.

- Holly Fuck ( Escenario: Vice Jägermeister ): Aprovechamos para sentarnos en las escaleras que dan acceso al escenario Vice, y de paso escuchar un poco Holly Fuck, no estaba mal pero tampoco puedo dar una opinión válida pues tampoco lo vi entero y estuve más bien estirando las piernas y charlando un poco xD.

- Rufus Wainwright ( Escenario: Estrella Damm ): El bueno de Rufus, un tipo absolutamente autosuficiente xD, nos obsequió con un concierto chachi con su piano y su guitarra. Eso si, no nos libramos de sus (a veces) interminables charlas entre canción y canción xD. Un concierto muy majo y tranquilito. El final con el tema “Hallelujah” (original de Leonard Cohen) cerró la velada de forma excelente, en el video podéis verlo (es el segundo de los temas), aunque yo me sigo quedando con la versión que hizo ese malogrado genio llamado Jeff Buckley. Os dejo con 2 temas del concierto.

- Les Savy Fav ( Escenario: ATP ): Contundente concierto de la banda y espectáculalo de su líder, un chalado convertido en showman xD. Un tio que nos cae genial, que encima del escenario es capaz de cosas como medio despelotarse, saltar al público y meterse a cantar en medio(conté 3 veces), ponerse por la cintura y la cabeza hojas de palmera, cantar una canción con una bolsa de plástico en la cabeza, o taparse la cara con un gorro negro y hacer como si se fuera a ahorcar. En fin, un recital payasete que unido a la buena música hicieron disfrutar a la masa xD. Perfecto para descargar adrenalina! Os dejo con 3 temas del concierto.

- Apparat Band ( Escenario: CD Drome ): Uno de los grupos a seguir, del cual uno sigue enamorado de sus maravillosos videos y videoclips (que pronto postearé por estos lares en un post a parte) y de sus canciones electro-chillout con un sonido tan cuidado. Buen directo, lo único malo fueron que empezaron 40 minutos tarde debido a problemas con el sonido del escenario. A parte de eso, buen directo. Os dejo con 2 temas del concierto.

A parte de los comentados anteriormente, me vi trocitos de otros conciertos sueltos como Dinosaur Jr (que no mataban, los encontré demasiado ruidosos), Animal Collective (esos chicos no van conmigo xD) y Morente Omega con Lagartija Nick (sonaron muy bien lo poco que los pude ver).

Conciertos que quise ver pero no pude fueron Tindersticks, Caribou, Lightspeed Champion, The marzipan man, Shipping news, Voxtrot o Mission of Burma entre otros.

A 15 minutos del final del concierto de Simian Mobile Disco, que era ,como así decirlo, el último importante, la lluvia irrumpió fuertemente, dejando a la gran mayoria de gente en el escenario cubierto (CD Drome) “atrapados” escuchando la sesión dj mientras se contemplaba el tremendo diluvio y haciendo sesión de fotos y demás paridas jeje.

Sin más, la edición 2008 del festival fue genial, con un buen surtido de grandes grupos, que la mayoria estuvieron a la altura y con una compañía sinceramente cojonuda.

El año que viene queremos repetir!! Ahora, a recuperarse para el Summercase!!

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