“El perdón es entre Dios y ellos, yo solo les facilito la entrevista” – Creasy (Denzel Washington)

Memorable escena final del film de Tony Scott El fuego de la venganza (2004), en donde podemos ver el ansiado rescate de Pita (Dakota Fanning) y el trágico destino de Creasy (Denzel Washington), que tras la venganza llega una muerte pactada, intercambiando una vida por otra. Un hombre de palabra, honorable, como lo eran en su tiempo los samurais. Un samurai que encuentra finalmente su camino (recordad esa memorable escena de la bala, “una bala que vale una vida, una bala siempre dice la verdad“) y su redención.

Será una muerte lenta pero el personaje por primera vez ha conseguido algo, se siente orgulloso tras mucho tiempo y su coraje y memoria perdurará para siempre en el corazón de esa madre y su hija. Por primera vez se siente alguien, y lo más importante, satisfecho y lleno. Creasy siempre será el padre que Pita no tuvo. En la muerte, en sus momentos finales, encuentra la paz, su sentido a una vida irregular y despreocupada, su redención personal de haber hecho algo útil, a pesar de todos sus pecados. Su último aliento está repleto de orgullo.

Un momento intensificado gracias a la música de Carlos Varela y el cuidado score de Harry-Gregson Williams, sobre todo, con este tema final “The End” con la colaboración inestimable de Lisa Gerrard, cantante del grupo Dead Can Dance.

La dirección de Tony Scott para esta película y el posterior montaje en post-producción es lo más parecido a un auténtico bombardeo infinito de imágenes, efectos sin ton ni son del tipo videoclipero por decirlo suavemente, constantes vaivenes de efectos de contraste, luminosidad (con flashes muy molestos) que lo único que consiguen es aturdir al espectador y que su proyección llegué a ser cansina por su reiterativo uso efectos de montaje que van desde el desenfoque o zoom constante hasta un movimiento de cámara un tanto exagerado.

El film, tiene detalles curiosos como los subtítulos iniciales móviles y muy originales, que el director los califica de narración visual. Pero bueno a mi sinceramente Tony Scott siempre me ha parecido un director que abusa muchísimo de la sala de montaje y cree estar haciendo un videoclip de 2 horas y 20 minutos y eso no hay quien lo aguante a parte de él, claro. El film hubiese ganado si Scott se hubiera contenido un poco más. A pesar de las cosas que no me gustan, para nada consiguen empañar el resultado final, pareciendo una gran película claramente infravalorada por muchos sectores críticos.

Un film que demuestra que la comercialidad no está reñida con la calidad. Enormes Denzel Washington, Radha Mitchell y Dakota Fanning, los tres auténticos pulmones de la trama, que consiguen cumplir en sus respectivos papeles de forma extraordinaria.

Os dejo con la escena final, llena de fuerza y emoción:

Acción, Drama, Escenas, Thriller Dakota Fanning, Denzel Washington, El fuego de la venganza, Man on fire, Radha Mitchell, Tony Scott

Chica sale con chico. Son muy felices y tal hasta que irrumpen en su vida unos desalmados que les dan una soberana paliza. El chico muere, la chica se salva. Tras ello, la chica busca venganza. ¿Verdad que os suena? Pues así es el último film hasta la fecha de nuestro irlandés favorito: típico y tópico, además de proporcionarnos un buen número de déja vu‘s mientras lo visionamos, sobre todo si hemos visto films tan brutos como “El justiciero de la ciudad” (Michael Winner, 1974) de nuestro inolvidable Bronson.

Atrás quedó el Neil Jordan de propuestas tan interesantes y personales como “En compañía de lobos“, “Entrevista con el vampiro” o la tan maestra como olvidada “El fin del romance“, puesto que tras un breve inflexión con Breakfast on Pluto, vuelve a otorgarnos un film poco arriesgado y de factura mediocre. Un realizador que posee una filmografía de una irregularidad patente, capaz de hacer films tan sobrios como los comentados anteriormente pero también de combinarlos con bodrios del calibre de “In dreams“, primera y única aportación del irlandés para los castigados estudios Dreamworks.

Evidentemente, “La extraña que hay en ti” forma parte del grupo de películas poco arriesgadas, suponemos que de encargo, del realizador. Y toda esa falta de brío cinematográfico se puede ver ejemplificada sobre todo en una escena concreta (no hace falta buscar mucho más), cuando Erica (Jodie Foster) quiere abandonar la casa y salir por la puerta a la calle, pero debido al miedo atroz que ha cogido a todo tras el incidente da media vuelta y se vuelve a su casa. Esa escena, personalmente, y más teniendo a una actriz del talento de Jodie Foster, la hubiera resuelto encuadrando en un plano medio corto o incluso un primer plano, el rostro aterrorizado de la actriz mientras se va desplazando hacia la puerta, sin ningún tipo de música ni efecto sonoro, otorgando pleno protagonismo a ella, pues considero que el simple hecho de mostrar el rostro de la actriz respirando fuertemente y expresar todo ese terror interno ya hubiese funcionado a la perfección, dando muestra a la vez de cierta elegancia.

Neil Jordan resuelve esa escena de manera lamentable, bajo mi punto de vista, usando unos movimientos de cámara entornados totalmente injustificados, intensificando la luz en ciertos momentos para buscar una escena supuestamente terrorífica vía el efectismo y con unos efectos sonoros típicos del cine de sustos más palomitero.

A parte de que argumento sea entre inverosímil y previsible, el film es entretenido y cumple su función como cinta fast-food (pero solo como eso, eh?), pero siempre se demanda más de alguien como Neil Jordan. La cinta no destaca justamente tampoco por su labor de dirección, floja, poco arriesgada y con un evidente efectismo barato que estropea el conjunto. El gran problema de la cinta es el quiero y no puedo. Pretende ser una cinta chunga de venganzas al estilo de las fascistoides y a reivindicar “Sentencia de muerte” (James Wan, 2007) o “El fuego de la venganza” (Tony Scott, 2004) y no es más que una cinta convencional, con muy pocos recursos, nada nuevo que contar y que no sorprende a nadie.

El film muestra también la transformación de la protagonista principal, dejando de lado su pasado y convirtiéndose en alguien imprevisible e incontrolable, bajo su asombro. En ese aspecto la cinta peca en ser reiterativa en sus reflexiones de la verdadera justicia, de la moralidad y de cómo salir del túnel, pero ojo, sin un discurso para nada claro, ya que no es un film que se posicione a favor o en contra, simplemente NO SE MOJA y eso dice poco a su favor.

Neil Jordan se deja atrapar por el lado más comercial del cine, tomándose unas licencias palomiteras inadmisibles para un director de su talla y contando con un guión irregular y una historia de redención demasiado previsible y manida. Aún así, es innegable que la cinta entretiene y Jodie Foster como justiciera charlesbronsoniana está, como siempre, sensacional. Eso si, tiene un final de vergüenza ajena, así de claro.

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Cuando uno se dispone a ver un film del estilo como el que comentamos, lo fácil sería ponerlo a parir sin compasión, vertiendo toda nuestra furia en una incendiaria crítica, pero no, aquí no la vamos a criticar solo por ser un film destinado a los niños, por su carácter infantil o por su guión, no todo es malo en este film comercial y ¿porqué no? también merece ser destacado.

Decir que, personalmente, me gustó mucho el tratamiento del color que se hace en la película, consiguiendo una sensación de irrealidad, influenciado plenamente en el anime japonés del que procede , con una estética casi de videojuego realmente acertada para la historia que narra. Hay un uso claro de colores vivos y fuertes, intensificados hasta el extremo potenciando rojos, azules y lilas, combinados con un contraste destacado. Y es que creo que es el punto más interesante de la cinta: la fotografía y todo el tema del diseño de producción, cuidadísimo todo desde el papel de las paredes de las habitaciones, el aspecto de la urbe, los diseños de los coches, hasta un fantástico vestuario entre retro y modernista.

Como he dicho, el look de la cinta me parece más que adecuado, quizás haya algunas personas que lo tilden de cutre, pero es que es así por voluntad de sus creadores, los efectos visuales son flojos pero existe una búsqueda clara de que los mismos sean asi, el mundo creado es irreal de por si, además podemos comprobar una falta de pretensiones más que evidente debida a una comicidad omnipresente en la cinta y por ese aspecto tan de corte fantástico e hiperbólico que tiene la cinta.

Pero en la adaptación de la serie Meteoro al cine no todo es bueno, el guión no solo es insuficiente sino que adolece de un infantilismo un tanto preocupante (por ejemplo, esos créditos finales para que se “luzca” nuestro querido chimpancé…), está excesivamente destinada a niños, lo cual rebaja la calidad de la misma de forma sustancial.

Las carreras son extremedamente rápidas y al espectador le cuesta a veces seguirlas, en algunos momentos se muestran hasta aparatosas y exageradas, pero bueno, siguen estando en sintonía con el resto de película, que es de locura palomitera y de exageración constante. Aunque se echa en falta en las mismas un poco de mala leche.

Las actuaciones son normalitas, destacando sobre todo la de John Goodman, como siempre sensacional (dentro de las posibilidades de su papel, claro), ya sea drama o comedia. De Emile Hirsch, pues normalito como siempre, de Christina Ricci lucen más sus modelitos que ella, Susan Sarandon está bastante bien, regular, y Matthew Fox, más conocido como Jack por los frikis lostófilos, pues correcto sin más, pero tampoco tenía un papel (el de Racer X, un tipo que, como mínimo parece haber salido de la Academia del profesor Xavier de los X-Men xD), digamos para lucirse ni mucho menos, supongo que es un tema alimentício su participación en la cinta, lo mismo que Ricci (musa del mejor cine indie), Sarandon o Goodman.

Personalmente, considero al film como una frikada de mucho cuidado, que gustará mucho más a los más pequeños, pero que a los adultos infantilones nos resultará amena y entretenida con momentos que recordarán aunque sea vagamente a una mezcla entre Nascar y los Autos locos (sobre todo en la carrera clandestina en donde salen buenos actores de múltiples nacionalidades como el japonés Hiroyuki Sanada, el coreano Rain, o los alemanes Benno Fürmann y Moritz Bleibtreu, algo que hace que también me recuerde a Grand Prix de Frankenheimer en donde salía el bueno de Toshiro Mifune y también Yves Montand entre otros).

Y hablando de la cinta de Frankenheimer, algo que en ésta destacaba con nombre propio era el montaje, un montaje espléndido y creativo 100%. Cosa que igualmente ocurre en Speed Racer, un montaje super dinámico que bebe mucho del anime pero que pasa de ser una de las mayores virtudes de la cinta a ser algo latoso, debido al exceso. Algo similar ya ocurría con Hulk, una cinta con un montaje ejemplar pero que se hacía al final un tanto reiterativo, aunque en el caso de la cinta de Lee no hasta los extremos de la que comentamos, todo haya que decirlo.

En fin, una cinta destinada al consumo rápido, pro infantiloide, que no engaña a nadie, sin pretensiones y que se hace amena (aunque yo le hubiese quitado 20 minutillos, que bien le sobran). Eso si, se echa en falta un poco de mala leche en el film. No sean tan malos con ella, críticos del mundo, que al menos tiene un look fantástico! xD.

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Dos de los mejores grupos del panorama nacional son sin duda Havalina y Second. Dos grupos con multitud de referencias y calidad, que ya tardaban mucho a tener un post dedicado en este blog.

Os dejo con los temas “On an island” (parte de ella al menos) de los amigos murcianos Second y “Noches sin dormir” por parte de Havalina. Se accede a los videos musicales pulsando sobre las imagenes de los discos respectivos. Disfrutadlos.

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Oliver Stone, alejado totalmente de sus mejores y polémicos trabajos (“JFK“, “Platoon“, “El cielo y la tierra” o “Asesinos Natos“), nos entrega en esta ocasión un film que en sus planteamientos argumentales podria pasar claramente como un telefilm, de hecho, sigue la estructura de tales, pero a diferencia de éstos, la realización es de altura, de hecho, el film posee una factura buena, con algún que otro momento destacable.

Pero un mal o insuficiente guión hace mucho, y reconozcámoslo, no hay historia para una pelicula de 129 minutos, y más cuando la mayoria del tiempo salen solo 2 personajes atrapados y nos cuentan lo que se dicen, que llega a un punto a resultar repetitivo, cansino y en donde los dialogos carecen de cualquier originalidad o interés.

La primera parte del film en mi opinión está bien, mostrándonos esas calles y posteriormente, ya acercándonos al final, esa transformación del centro de NY. La película, de acuerdo que es en muchísimos momentos pastelosa y típica hasta la saciedad, pero contiene cosas en mi opinión muy destacables y a valorar, aunque lejos de su anterior y controvertida “Alejandro Magno”.

Momentos destacables son por ejemplo, el inicio como he dicho anteriormente que me pareció bueno, el camino hacia las torres por parte de la polícia portuaria con un autobús, rodado de una forma simplemente magistral, todas las escenas del interior de la torre y su posterior derrumbiento (fantásticamente hecho por cierto), el momento en que sacan a John (Nicolas Cage) de los destrozos acumulados de una forma visual como si saliera de un ataúd, los fundidos en negro del personaje de Cage cuando se desvanece y está entre la vida y la muerte (simplemente sensacional, con esos efectos sonoros), cualquier momento en que salgan Maria Bello o Maggie Gyllenhaal que están fantásticas las dos, el fundido en negro tras el derrumbamiento de las torres, las mismas tomas del inicio pero ahora tras la catástrofe y algunos flashback conseguidos.

Cosas malas del film, pues unas cuantas. Para empezar, y aun estar estupendamente rodada, el aroma a telefilm que desprende la cinta en todo momento, el espantoso (pero espantoso) final tras ese típico y pasteloso de toda la vida cartelito (“2 años después“), las escenas del hospital con las respectivas esposas, que Oliver Stone (y parece mentira, ¡quien le ha visto y quién lo ve!!) recurre al sentimentalismo facilón y simple, el simplismo de la historia, las lentillas azules de Maria Bello (¿para que narices le han plantao lentillas azules a esta mujer?), las apariciones con una Evián bajo el brazo de Jesús (¿a qué vienen?), el doblaje (espantoso), los actores latinos (a cual más malo) Jay Hernandez (visto en la curiosa pero mala de narices Hostel) o el latino de moda (y no sabemos porque) Michael Peña (visto en “Crash“, en donde no hacia nada del otro mundo), la música de Craig Armstrong que no arriesga nada en mi opinión y ese tema final es lo más comercial y pasteloso desde “Armageddon” y ¿porque Oliver Stone empieza un film de una forma bien-notable y lo acaba de una forma tan deficiente?.

En fin, estamos ante una película con cosas buenas, las actuaciones destacables de Maria Bello y Maggie Gyllenhaal (que belleza tan particular tiene esta mujer!) y decente aunque justa de Nicolas Cage, del resto mejor no mencionarlos, una dirección buena pero con un guión que en sus planteamientos narrativos no se implica ni arriesga en nada. Si no se puede hacer un film serio, documentado y completo sobre ese día porque aún es reciente, lo entiendo, pues que no se ruede la película. Más vale que Stone aprendiera de Paul Greengrass y su estupenda película “United 93“, mucho mejor en todos los ámbitos.

Críticas, Drama 11S, Nicolas Cage, Oliver Stone, World Trade Center

Os dejo con el trailer de Låt den rätte komma in (Let the right one in), la adaptación al cine de la excelente novela sueca de vampiros “Déjame entrar” del autor John Ajvide Lindqvist.

El film va sobre Oskar (Kåre Hedebrant), un niño solitario y triste que vive en los suburbios de Estocolmo, tiene una curiosa afición: le gusta coleccionar recortes de prensa sobre asesinatos violentos. No tiene amigos y sus compañeros de clase se mofan de él y le maltratan. Una noche conoce a Eli (Lina Leandersson), su nueva vecina, una misteriosa niña que nunca tiene frío, despide un olor extraño y suele ir acompañada de un hombre de aspecto siniestro. Oskar se siente fascinado por Eli y se hacen inseparables. Al mismo tiempo, una serie de crímenes y sucesos extraños hace sospechar a la policía local de la presencia de un asesino en serie. Nada más lejos de la realidad.

La dirección corre a cargo de Tomas Alfredson, el guión (como debe de ser) lo escribe el propio Lindqvist y está interpretada por Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl y Karin Bergquist.

Esperemos que la cinta esté a la altura de la novela. Acaba de ganar el premio a mejor film en el festival de Tribeca. Disfrutad del trailer internacional.

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Estos días, entre tanto arroz (ya se sabe, el BAFF..), también tengo algo de tiempo para la musiquilla.

Aquí os dejo algunos links a algunas de mi top ahora mismo, 4 temazos que siguen sonando super bien y que podremos escuchar en directo en el mejor festival de este país: el Primavera sound.

Explosions in the sky – Your Hand in Mine
The Notwist – Pick up the phone
The Swell Season – Falling Slowly
Midnight Juggernauts – Road To Recovery

Música, Videos Musicales Música, Primavera sound

Jia Zhang-Ke, tras haber fundado dos años antes la sociedad de cine independiente más importante de su país: Youth Experimental Film Group, rueda el film insignia de la sexta generación, su ópera prima: Xiao Wu (1997). Rodada en 16mm, con actores no profesionales y con una realización cercana al documental, sería como la Tierra amarilla[1] de la nueva Generación.

Una cinta autobiográfica en dos sentidos, por un lado en el sentido más literal, llena de recuerdos, lugares, vivencias y experiencias del propio cineasta vertidas en la cinta (recordemos su turbio pasado en su adolescencia) y por otro lado como cineasta, como si fuera un Xiao Wu (metáfora del cine clandestino) frente a ese mundo capitalista que no comprende y no alcanza (metáfora de la cinematografía oficial y opulenta).

Xiao Wu narra las desventuras de un carterista homónimo de Fenyang que no encuentra su lugar en el mundo, inadaptado a unas mutaciones que discurren a una velocidad inalcanzable e incomprensible para él y que se arrastra y vagabundea por las calles ahogado en la tristeza y la extrañeza. Un personaje sin futuro, aferrado a sus orígenes[2] y que no parece progresar o adaptarse a las nuevas situaciones como algunos de sus ex-compañeros de negocio.

Jia Zhang-Ke, como Bresson en Pickpocket (1959), nos presenta primero sus manos (su arma) para luego presentar su cuerpo. También durante el hurto inicial (todo un guiño a la cinta francesa) parece que estemos viendo a Martin Lasalle cometer uno de esos robos tan característicos y sigilosos. Una cinta de mucha fisicidad y con unos planos secuencia larguísimos en donde parece que sigamos desde atrás al carterista, como si la cámara documentara y recogiera una historia plenamente verídica sin ficción alguna.

Hay numerosos puntos en común entre Xiao Wu y Pickpocket. A parte de los comentados, ambos personajes parecen encerrados en su mundo, buscan su lugar intentando sobrevivir y ambos acabaran de igual manera: apresados y con relaciones amorosas imposibles. Pero mientras en la cinta de Bresson, el carterista realiza su “trabajo” por creerse superior y querer sentir ese riesgo en la vida a costa de todo, Xiao Wu, es un personaje menos psicológico y más anti-héroe si cabe, mucho menos perfecto y más a la deriva. Sería como un aprendiz de aquel Michel de la cinta francesa.

Xiao Wu es un artesano del robo y cabeza de un grupo de ladrones a los que explota y no aprecia, pero a la vez es un chico solitario, inseguro, enamoradizo y un hijo rebelde dentro de una familia rural. Dependiendo del contexto y del entorno adoptará una de esas identidades distinta. El personaje también representa a toda una generación con una identidad elusiva y espectadores de un cambio incesante.

Como apunta Kevin Lee en su artículo sobre el cineasta chino para la website Senses of Cinema, “Jia asume su identidad de alter ego (Xiao Wu en pantalla) para “robar” estilos cinematográficos de otros realizadores como Bresson, Godard o De Sica“. En la cinta podemos ver referencias a films como Al final de la escapada (1960), de Jean-Luc Godard (en su final), Ladrón de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica, pero sobre todo a The Boys from Fengkuei(1983), de Hou Hsiao-Hsien. El film del realizador taiwanés retrata ese espíritu juvenil, evoca esos sentimientos sencillos y personales y habla sobre su experiencia vital de la misma forma que Zhang-Ke en su film. Podemos decir que la cinta de Hsiao-Hsien inspiró claramente a Zhang-Ke en su ópera prima.

El toque surrealista de la cinta (veremos que en su filmografía casi siempre hay un lugar para el surrealismo o la existencia de escenas que rompen con todo lo anterior) es la escena tomada del film The killer (1989), de John Woo, que no vemos pero oímos, usándolo como una comparación entre el antihéroe de la trama (Xiao Wu) y el de los heroic bloodshed, además como homenaje a la mítica cinta y crítica de la influencia televisiva en China. La importancia de la música en el cine de Jia Zhang-Ke ya está presente en Xiao Wu, ejemplo de ello es la abundancia de escenas de karaoke (con todas esas canciones pop de tanto éxito en su país). Es uno de los elementos de comunicación entre sus personajes más representativos de su cine.

Como decía anteriormente, Zhang-Ke adopta el papel de alter ego con Xiao Wu, en su manera de rodarle, pero no solo para “robar” estilos cinematográficos como comentaba Kevin Lee, sino también para situarse literalmente como una sombra del personaje, siguiéndole en sus planos secuencia preferentemente desde atrás.

Jia prefiere que sus actores no lean el guión, busca la improvisación, la naturalidad y evita que todo parezca forzado y que los actores parezcan acotados o limitados a un guión preestablecido, de ahí su insistencia en reunir a actores no profesionales (como en su día hizo Bresson).

El famoso final del film es un plano secuencia con ese constante y ligero movimiento de cámara habitual en todo el metraje, describiendo esa tensión entre entorno y personaje y siempre filmado desde el punto de vista del personaje, a su altura (como el resto de la película, exceptuando algunas escenas con su novia, que cambia de punto de vista a ella). No estaba en el guión y debido a la cantidad de curiosos que rodeaban el rodaje, a Jia Zhang-Ke se le ocurrió utilizarlos en la trama, rodando al público, como si de un experimento se tratase.

El espectador convertido en protagonista, el equipo técnico también, formando un conjunto que emanaba un aire de realismo enorme. El observador observado. Xiao Wu una obra en los límites entre ficción y realidad.

Posteriormente, Zhang-Ke, se pasaría a los 35mm para rodar una obra mucho más ambiciosa que abarca un período de 10 años titulada Platform (2000). Continuaría con el documental In public (2001) y con su último film de ficción rodado clandestinamente: Placeres desconocidos (2002), ya filmado en digital, como el resto de su filmografía posterior.

[1] Tierra Amarilla (1984) de Chen Kaige fue uno de los films más simbólicos e importantes al inicio de la Quinta Generación.

[2] Recordemos la frase que le dice Xiao Wu a Xiao Dong, un ex-ladrón convertido en empresario, tras no invitarle a su boda por temor a que le relacionen con él o le recuerden su pasado: “Echa un vistazo a tu tatuaje, bastardo“.

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