Os dejo con el memorable plano secuencia que se marca Joe Wright en su último e infravalorado film: “Expiación“.

Cinco minutos sin corte alguno, recorriendo la playa, siguiendo al protagonista (aunque también dejándolo por momentos fuera de plano) y confirmando su calidad como realizador con tan magno plano. Quizás no aporte excesivamente a la trama este alarde, pero técnicamente, hay que reconocer que es colosal.

Una escena maravillosa, adornada con el fenomenal score de Marianelli.

Bélico, Drama, Escenas, Thriller Atonement, Expiación, Joe Wright

Monumental (como no) cinta del amigo Paul Thomas Anderson que contiene algunos de los mejores momentos del cine del año. La cinta claramente bebe del cine de maestros de la talla de John Huston (¿hace falta que diga el film?) o Stanley Kubrick entre otros. El inicio ya predispone y avisa al espectador de que va a ver un ejercicio cinematográfico tan arriesgado como talentoso. Sus primeros minutos mudos y de una consistencia abrumadora hacen mearse encima hasta el cinéfilo más exigente xD.

La cinta prosigue de forma excelente con un guión del propio Anderson, verdaderamente magistral, lleno de detalles que invitan a la reflexión y de momentos de una fuerza constatable. El gran Daniel Day Lewis, para mi gusto, está fantástico como Daniel Plainview, aunque un tanto sobreactuado, al menos en el tramo final del film, en donde parece una versión chunga de su carnicero en Gangs of New York. Aunque todo el mundo eleve a los altares a Day-Lewis, sería injusto olvidarnos de Paul Dano, que nos regala una actuación impagable, llena de matices y mucho más contenida y perfecta que la de Day-Lewis, según mi humilde punto de vista.

El personaje de Day-Lewis, recuerda a otros personajes deshumanizados y desquiciados por la codicia, por el poder, casos por ejemplo de el personaje de Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre o (salvando un poco las distancias) Kirk Douglas en El gran carnaval de Billy Wilder, personajes que llevan al límite incluso sus vidas con tal de lograr sus imposibles objetivos.

El film, como he comentado anteriormente, posee momentos verdaderamente ejemplares y de gran virtuosismo cinematográfico como por ejemplo: toda la escena en donde la torre arde y el accidente de H.W. (hijo del personaje de Day-Lewis) con un inteligentísimo uso del sonido, las escenas en la iglesia con un Paul Dano magistral (sobre todo aquella en que intenta extraer los fantasmas de una señora o la del “bautizo” de Day-Lewis para eximir sus pecados) o cuando Day-Lewis se enfrenta a Dano metiéndolo literalmente en un charco de petróleo.

La obra no la calificaría de perfecta por su excesivo metraje y por un tramo final un tanto irregular que no del todo innecesario pero demasiado excesivo, valga la redundancia. PT Anderson logra una obra muy arriesgada y de agradecer para el espectador que le vayan estas rarezas.

Pozos de ambición es un retrato sobre el poder, sobre la codicia, sobre el egoísmo, sobre la gradual decaída de dos hombres, dominados por sus respectivos miedos producto de su locura, su radicalismo, su autoengaño y sus aires de grandeza. La dirección es sencillamente maravillosa, pero ¿la de “No es país para viejos” es menos excepcional?.

Críticas, Drama Daniel Day-Lewis, Miramax Films, Paul Dano, Paul Thomas Anderson, Pozos de ambición, There will be blood

Aunque la cinta contenga un marcado aroma academicista, posee evidentes virtudes de las cuales destaco una dirección mucho más virtuosa y ágil de lo que a primera vista parece. Las actuaciones en el film son más que correctas, la fotografía muy trabajada, un gran montaje y la música de Dario Marianelli magnífica, el mayor rival de Alberto Iglesias en la conquista del oscar de este año en el apartado de banda sonora.

Pero aunque la cinta no cuente nada nuevo ni excesivamente original, el ritmo y la dirección hacen de ella un film destacable y notable en muchos momentos. La cámara siempre se mueve con una suavidad y elegancia magistral y en los momentos de acción el montaje funciona a la perfección. Yo destacaría ante todo, el maravilloso plano secuencia que se marca Wright cuando el protagonista masculino (Robbie) llega a la playa y observa el panorama militar: una secuencia memorable.

Contiene una duración ajustada y acorde a lo que se tiene que contar y es algo importante hoy en día, en donde abundan las producciones excesivas tanto de metraje como de otros apartados.

En teoría, no tiene mucho que hacer con las dos favoritas claras al oscar: Pozos de ambición y No es país para viejos, pero desde luego, supone una cinta de lo más maja, cuidada y de gran factura. Finalmente, le perdonamos su marcado tono academicista y su lado más lacrimógeno xD.

El final es sencillamente cojonudo, aunque yo la hubiera acabado con el primer plano de Vanessa Redgrave cuando finaliza su monólogo tan chuli.

Críticas, Drama Atonement, Expiación, James McAvoy, Keira Knightley

Juno es la cinta indie del año que no podía faltar en las nominaciones!. Parece que en los últimos años si o si debe estar nominada al menos una cinta independiente para que un sector no se sienta (presumiblemente) marginado y para que los académicos eviten escuchar sus quejíos el resto del año. Pero, seamos realistas, Juno, como ocurría el anterior año con la insufrible Pequeña Miss Sunshine, no es un film totalmente independiente, nada más hay que ver su costosa campaña publicitaria pro oscar, más bien, es una cinta pseudoindie. Mantiene un poco la forma y esos personajes estrambóticos de las cintas independientes, pero a la vez, contiene estrategias comerciales ciertamente cuestionables.

Aunque no suponga un peliculón ni mucho menos, lo más destacable de Juno es lo bien contruídos que están los personajes, a parte de un guión no excesivamente original pero muy fresco, ameno y entretenido. La cinta no cae en tramos aburridos, va bastante al grano y se sostiene sobre todo por la tremenda actuación de Ellen Page, que a quienes ya la disfrutamos en Hard Candy, no nos supone una sorpresa su elevado talento. Por lo demás, destacar una cuidada y magnífica selección de canciones para la banda sonora, una dirección correcta de Jason Reitman (director de la destacable Gracias por fumar (2005)), los diálogos entre Juno y el marido de la pareja (desde música punk hasta el cine de Argento), el tono cómico e irónico que envuelve a toda la cinta y el carisma de un personaje magnífico: Juno.

Una cinta estimable y con detalles muy interesantes pero desde mi punto de vista, un poco sobrevalorada y con la etiqueta demasiado visible de “peli Sundance“.

Comedia, Críticas, Drama Ellen Page, Jason Reitman, Juno

Os dejo mis impresiones sobre algunas de las películas que esta noche optan a los premios (puede ser que en alguna que otra crítica, hayan spoilers):

NO ES PAÍS PARA VIEJOS (Joel & Ethan Coen, 2007):

Pocas veces se sale del cine con la satisfacción que otorga al espectador un film del calibre de No es país para viejos. Por supuesto, no es un film fácil y no es para todos los públicos, pero quien pensara que sería una película comercial más, andaba plenamente equivocado. Es cine de autor puro y duro y como pensé el día que la vi, no a todo el mundo gustará, sobre todo porque mucha gente no suele tener algo básico para poder degustar el gran cine que habita en ella: paciencia y atención.

La falta de costumbre y la inmediatez de hechos a la que tiene a algunos acostumbrado el cine actual, hace que un film como el de los Coen parezca realmente una rareza en el horizonte y, porqué no decirlo, toda una celebración para los cinéfilos. Ya era hora de tener en cartelera una obra tan llena de profundidad y que invita a la reflexión.

Gran parte de su grandeza radica en su excepcional adaptación de la novela de Cormac McCarthy, haber conseguido captar todo su tono sombrío sin olvidar un humor negro característico también de los realizadores. El film ahonda en términos tan interesantes como la codicia, el respeto, la elección, la fortuna, el cazador y la presa o el lugar en la sociedad de los veteranos.

El concepto de cazador-presa es muy interesante como está tratado. Ya desde un inicio se nos muestra a Josh Brolin cazando, posteriormente su personaje parecerá haber entrado en gracia al encontrar una enorme fortuna, pero no es más que el inicio de un espiral al infierno y no dejará de ser una presa en continua huida. El personaje de Bardem siempre va por delante del resto, como un cazador tras su presa. Nunca falla, nunca perdona, nunca incumple una promesa, por muy macabra que sea. Al final del film, es él quien se convierte en una presa acechado y aturdido por las sirenas de la policía, huyendo ensagrentado. Dicha escena es muy interesante porque concuerda con una escena anterior de Josh Brolin, cuando pedía una chaqueta a unos chicos y les pagaba desproporcionadamente. En este caso, como en áquel, vemos comos los críos discuten por el dinero que les ha dado el personaje de Bardem, como los chicos en la otra escena. La codícia del dinero y sus consecuencias está perfectamente plasmado en la cinta. El dinero puede ser tan cancerígeno como un asesino.

Sin lugar a dudas, me quedo con varias escenas memorables: La escena de la moneda en la gasolinera, cualquier diálogo de Tommy Lee Jones (sobre todo el del sueño al final y el de su conversación con el viejo), el cara a cara entre Bardem y Woody Harrelson, cuando Bardem sale de la casa de la novia de Brolin y se mira si la suela de sus botas se han manchado de sangre, con una economía de planos y una sutileza increíble, dándonos mucha información con lo mínimo, evitando lo explícito y confiando en la inteligencia del espectador.

Lo que refleja también el film de los Coen es que los veteranos apenas entienden lo que está pasando, les aturde, les sobrepasa la violencia que nos rodea, violencia sin sentido, violencia macabra y sin lugar a explicación. La violencia solo conlleva a más violencia y la combinación armas, dinero y codicia solo hacen que incrementar a la misma.

Su espléndido guión, las enormes actuaciones (en general todos pero sobretodo dos: Bardem está magnífico -con acento neutro incluído-, pero sería injusto olvidar el monumental y sobrio trabajo de un actor de la talla de Tommy Lee Jones), su sutileza, el respeto hacia el espectador que posee y su enorme elegancia la convierten en un verdadero clásico instantáneo y una obra maestra para paladares exigentes.

Debería ser la gran triunfadora de esta noche. Para un servidor, es la que más cine posee de las nominadas a mejor película.

JUNO (Jason Reitman, 2007):

Juno es la cinta indie del año que no podía faltar en las nominaciones!. Parece que en los últimos años si o si debe estar nominada al menos una cinta independiente para que un sector no se sienta (presumiblemente) marginado y para que los académicos eviten escuchar sus quejíos el resto del año. Pero, seamos realistas, Juno, como ocurría el anterior año con la insufrible Pequeña Miss Sunshine, no es un film totalmente independiente, nada más hay que ver su costosa campaña publicitaria pro oscar, más bien, es una cinta pseudoindie. Mantiene un poco la forma y esos personajes estrambóticos de las cintas independientes, pero a la vez, contiene estrategias comerciales ciertamente cuestionables.

Aunque no suponga un peliculón ni mucho menos, lo más destacable de Juno es lo bien contruídos que están los personajes, a parte de un guión no excesivamente original pero muy fresco, ameno y entretenido. La cinta no cae en tramos aburridos, va bastante al grano y se sostiene sobre todo por la tremenda actuación de Ellen Page, que a quienes ya la disfrutamos en Hard Candy, no nos supone una sorpresa su elevado talento. Por lo demás, destacar una cuidada y magnífica selección de canciones para la banda sonora, una dirección correcta de Jason Reitman (director de la destacable Gracias por fumar (2005)), los diálogos entre Juno y el marido de la pareja (desde música punk hasta el cine de Argento), el tono cómico e irónico que envuelve a toda la cinta y el carisma de un personaje magnífico: Juno.

Una cinta estimable y con detalles muy interesantes pero desde mi punto de vista, un poco sobrevalorada y con la etiqueta demasiado visible de “peli Sundance“.

EXPIACIÓN (Joe Wright, 2007):

Aunque la cinta contenga un marcado aroma academicista, posee evidentes virtudes de las cuales destaco una dirección mucho más virtuosa y ágil de lo que a primera vista parece. Las actuaciones en el film son más que correctas, la fotografía muy trabajada, un gran montaje y la música de Dario Marianelli magnífica, el mayor rival de Alberto Iglesias en la conquista del oscar de este año en el apartado de banda sonora.

Pero aunque la cinta no cuente nada nuevo ni excesivamente original, el ritmo y la dirección hacen de ella un film destacable y notable en muchos momentos. La cámara siempre se mueve con una suavidad y elegancia magistral y en los momentos de acción el montaje funciona a la perfección. Yo destacaría ante todo, el maravilloso plano secuencia que se marca Wright cuando el protagonista masculino (Robbie) llega a la playa y observa el panorama militar: una secuencia memorable.

Contiene una duración ajustada y acorde a lo que se tiene que contar y es algo importante hoy en día, en donde abundan las producciones excesivas tanto de metraje como de otros apartados.

En teoría, no tiene mucho que hacer con las dos favoritas claras: Pozos de ambición y No es país para viejos, pero desde luego, supone una cinta de lo más maja, cuidada y de gran factura. Finalmente, le perdonamos su marcado tono academicista y su lado más lacrimógeno xD.

El final es sencillamente cojonudo, aunque yo la hubiera acabado con el primer plano de Vanessa Redgrave cuando finaliza su monólogo tan chuli.

POZOS DE AMBICIÓN (Paul Thomas Anderson, 2007):

Monumental (como no) cinta del amigo Paul Thomas Anderson que contiene algunos de los mejores momentos del cine del año. La cinta claramente bebe del cine de maestros de la talla de John Huston (¿hace falta que diga el film?) o Stanley Kubrick entre otros. El inicio ya predispone y avisa al espectador de que va a ver un ejercicio cinematográfico tan arriesgado como talentoso. Sus primeros minutos mudos y de una consistencia abrumadora hacen mearse encima hasta el cinéfilo más exigente xD.

La cinta prosigue de forma excelente con un guión del propio Anderson, verdaderamente magistral, lleno de detalles que invitan a la reflexión y de momentos de una fuerza constatable. El gran Daniel Day Lewis, para mi gusto, está fantástico como Daniel Plainview, aunque un tanto sobreactuado, al menos en el tramo final del film, en donde parece una versión chunga de su carnicero en Gangs of New York. Aunque todo el mundo eleve a los altares a Day-Lewis, sería injusto olvidarnos de Paul Dano, que nos regala una actuación impagable, llena de matices y mucho más contenida y perfecta que la de Day-Lewis, según mi humilde punto de vista.

El personaje de Day-Lewis, recuerda a otros personajes deshumanizados y desquiciados por la codicia, por el poder, casos por ejemplo de el personaje de Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre o (salvando un poco las distancias) Kirk Douglas en El gran carnaval de Billy Wilder, personajes que llevan al límite incluso sus vidas con tal de lograr sus imposibles objetivos.

El film, como he comentado anteriormente, posee momentos verdaderamente ejemplares y de gran virtuosismo cinematográfico como por ejemplo: toda la escena en donde la torre arde y el accidente de H.W. (hijo del personaje de Day-Lewis) con un inteligentísimo uso del sonido, las escenas en la iglesia con un Paul Dano magistral (sobre todo aquella en que intenta extraer los fantasmas de una señora o la del “bautizo” de Day-Lewis para eximir sus pecados) o cuando Day-Lewis se enfrenta a Dano metiéndolo literalmente en un charco de petróleo.

La obra no la calificaría de perfecta por su excesivo metraje y por un tramo final un tanto irregular que no del todo innecesario pero demasiado excesivo, valga la redundancia. PT Anderson logra una obra muy arriesgada y de agradecer para el espectador que le vayan estas rarezas.

Pozos de ambición es un retrato sobre el poder, sobre la codicia, sobre el egoísmo, sobre la gradual decaída de dos hombres, dominados por sus respectivos miedos producto de su locura, su radicalismo, su autoengaño y sus aires de grandeza. La dirección es sencillamente maravillosa, pero ¿la de “No es país para viejos” es menos excepcional?.

En cuanto a Michael Clayton, la quinta nominada a mejor película, a día de hoy, todavía no he encontrado el momento para verla. Me han hablado muy bien de ella y las actuaciones de Clooney, Wilkinson y Swinton parecen maravillosas. Aunque no me atrevo a lanzar un pronóstico sobre el film, sin ni tan siquiera haberlo visto.

El oscar a mejor película se lo daría a No es país para viejos, pero el de dirección no sabría por cual decidirme si por Paul Thomas Anderson, los hermanos Coen o Julian Schnabel (con un increíble trabajo en La escafandra y la mariposa), el trabajo de los tres es realmente memorable a partes iguales.

Hecho en falta en las nominaciones principales films de la categoría de Zodiac de David Fincher (porque sencillamente, es una obra maestra), El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford de Andrew Dominik (aunque solo sea por su riesgo y las escenas del atraco al tren y la del asesinato, ésta con un control del tempo verdaderamente orgásmico), Cuatro meses, tres semanas, dos días de Cristian Mungiu (porque junto a Deseo, peligro es una de las mejores películas extranjeras del año) o Promesas del este de David Cronenberg (una obra memorable con un plano final para quitarse el sombrero). El caso de la cinta de Fincher, es verdaderamente sangrante pero bueno.

Que gane el mejor. Mi voto para el oscar a mejor película es para No es país para viejos, me parece, con diferencia, la mejor de las nominadas. La más redonda.

Bélico, Cine de autor, Comedia, Drama, Independiente, Premios Atonement, Juno, No country for old men, Oscars, There will be blood

Pocas veces se sale del cine con la satisfacción que otorga al espectador un film del calibre de No es país para viejos. Por supuesto, no es un film fácil y no es para todos los públicos, pero quien pensara que sería una película comercial más, andaba plenamente equivocado. Es cine de autor puro y duro y como pensé el día que la vi, no a todo el mundo gustará, sobre todo porque mucha gente no suele tener algo básico para poder degustar el gran cine que habita en ella: paciencia y atención.

La falta de costumbre y la inmediatez de hechos a la que tiene a algunos acostumbrado el cine actual, hace que un film como el de los Coen parezca realmente una rareza en el horizonte y, porqué no decirlo, toda una celebración para los cinéfilos. Ya era hora de tener en cartelera una obra tan llena de profundidad y que invita a la reflexión.

Gran parte de su grandeza radica en su excepcional adaptación de la novela de Cormac McCarthy, haber conseguido captar todo su tono sombrío sin olvidar un humor negro característico también de los realizadores. El film ahonda en términos tan interesantes como la codicia, el respeto, la elección, la fortuna, el cazador y la presa o el lugar en la sociedad de los veteranos.

El concepto de cazador-presa es muy interesante como está tratado. Ya desde un inicio se nos muestra a Josh Brolin cazando, posteriormente su personaje parecerá haber entrado en gracia al encontrar una enorme fortuna, pero no es más que el inicio de un espiral al infierno y no dejará de ser una presa en continua huida. El personaje de Bardem siempre va por delante del resto, como un cazador tras su presa. Nunca falla, nunca perdona, nunca incumple una promesa, por muy macabra que sea. Al final del film, es él quien se convierte en una presa acechado y aturdido por las sirenas de la policía, huyendo ensagrentado. Dicha escena es muy interesante porque concuerda con una escena anterior de Josh Brolin, cuando pedía una chaqueta a unos chicos y les pagaba desproporcionadamente. En este caso, como en áquel, vemos comos los críos discuten por el dinero que les ha dado el personaje de Bardem, como los chicos en la otra escena. La codícia del dinero y sus consecuencias está perfectamente plasmado en la cinta. El dinero puede ser tan cancerígeno como un asesino.

Sin lugar a dudas, me quedo con varias escenas memorables: La escena de la moneda en la gasolinera, cualquier diálogo de Tommy Lee Jones (sobre todo el del sueño al final y el de su conversación con el viejo), el cara a cara entre Bardem y Woody Harrelson, cuando Bardem sale de la casa de la novia de Brolin y se mira si la suela de sus botas se han manchado de sangre, con una economía de planos y una sutileza increíble, dándonos mucha información con lo mínimo, evitando lo explícito y confiando en la inteligencia del espectador.

Lo que refleja también el film de los Coen es que los veteranos apenas entienden lo que está pasando, les aturde, les sobrepasa la violencia que nos rodea, violencia sin sentido, violencia macabra y sin lugar a explicación. La violencia solo conlleva a más violencia y la combinación armas, dinero y codicia solo hacen que incrementar a la misma.

Su espléndido guión, las enormes actuaciones (en general todos pero sobretodo dos: Bardem está magnífico -con acento neutro incluído-, pero sería injusto olvidar el monumental y sobrio trabajo de un actor de la talla de Tommy Lee Jones), su sutileza, el respeto hacia el espectador que posee y su enorme elegancia la convierten en un verdadero clásico instantáneo y una obra maestra para paladares exigentes.

Críticas, Drama Javier Bardem, Joel & Ethan Coen, Josh Brolin, Miramax Films, No country for old men, Tommy Lee Jones

Al fin, el HD DVD pasa a mejor vida, el Blu-Ray ganó la batalla. Universal, Paramount y Dreamworks.. a comerse los mocos por listos. Y Michael Bay, ferviente defensor del formato Blu-ray en estado ebrio, estará más que contento.

Los demás, también lo estamos y esperemos que con esto, empiecen a currarse más las ediciones de alta definición y cuiden un poco más el tema del subtitulado de extras y ediciones de coleccionista.

Fuente: Toshiba abandona de forma oficial el HD-DVD

General Blu-Ray, guerra de formatos, HD DVD

No es exagerado si afirmamos que Tim Burton es uno de los más interesantes y valientes directores del cine contemporáneo, capaz de mantenerse siempre fiel a un estilo y temática propia. Su cine más personal suele estar muy reconocido (tanto por público como por una mayor parte de la crítica), pero en cuanto a los numerosos encargos que ha dirigido (de los cuales cabe decir que no están exentos de su toque personal y sus obsesiones), se puede decir que hay un poco de todo: films maravillosos como Batman, Sleepy Hollow o Charlie y la fábrica de chocolate, obras notables pero irregulares como Big Fish u otras perfectamente olvidables como podría ser su versión de El planeta de los simios.

Sweeney Todd, entraría dentro del segundo grupo (recalcando que para un servidor, ésta es muy superior a la película de Ewan McGregor), porque aunque resulte un film notable con un sobresaliente acabado tanto formal como técnico y sea una de las mejores cintas del año, no impide que esté llena de momentos irregulares y detalles a pulir, seguramente muchos de ellos culpa del origen teatral.

Uno de los mayores problemas que veo en la cinta del amigo Tim es la sobredosis de canciones que le da al espectador y el preocuparse en exceso de trasladar el musical original teatral a la pantalla. Ello hace que en en el film se puedan vislumbrar altibajos de ritmo y pasajes ciertamente mejorables, como la historia de amor paralela entre Johanna y Anthony, que particularmente creo que está cogida con alfileres.

A pesar de ser un musical empalagoso para una mayor parte del público, los mismos que echan pestes de joyas como No es país para viejos, el riesgo de la propuesta de Burton es sin lugar a dudas una de las mayores virtudes que tiene la cinta. Si bien es cierto, algunas de las canciones no contienen la fuerza necesaria -musicalmente hablando- para hacer vibrar al espectador más exigente del género, pero sí en cambio poseen unas letras y un contenido realmente trabajado, siniestro, tenebroso y con muchos toques de buen humor negro.

Y es que con este film, volvemos a tener un obra puramente burtoniana en ese sentido, y nos encontramos con grandes dosis de humor entre negro y macabro ciertamente divertidísimas (ver escena del primer encuentro entre Todd y Mrs. Lovett por ejemplo) . Burton como ya hiciera en tantas otras películas, aquí también encuentra un lugar para el humor más sucio y radical. Y le funciona perfectamente.

Narrativamente la cinta es titubeante, por momentos parece ágil y eficaz, pero en otros tramos demasiado reiterativa o sin importancia (sobre todo los pocos minutos dedicados a la relación de amor entre los dos jovenes y la forma en que está llevada la misma). Pero en general, su ritmo es trepidante, como ser costumbre en Burton y su poder visual irrefutable.

Sweeney Todd posee una de las mejores fotografías vistas durante esta temporada, con unos colores plenamente apagados y grisáceos (rozando en ocasiones el B/N) que describen perfectamente el Londres de la época. Únicamente, entre esa tenebrosa y apagada fotografía, resalta el color rojo de la sangre, como algo verdaderamente significativo en la trama. La fotografía del polaco Dariusz Wolski, unida al remarcable vestuario, a un maquillaje propio del cine clásico de terror y a un majestuoso diseño de producción de mi querido Dante Ferretti, hace que el espectador se transporte literalmente hacia la calle Fleet con resultados visuales ejemplares.

Uno de los mayores alicientes a la hora de ver los films del tito Burton es siempre las actuaciones de sus protagonistas. Es bien sabido su excelente labor en la dirección de actores y en este caso, el trabajo realizado roza la maestría. Johnny Depp (¿Hace falta decir que es el mejor actor del momento?) nos regala otro de sus personajes carismáticos, llenos de fuerza y carácter. Una creación magistral llena de matices y que en definitiva se erige como el mejor cantante de la cinta , pues los secundarios no están muy a la altura en este apartado. Sobre Helena Bonham-Carter, como siempre en las pelis de Burton, espléndida, muy suya jeje. Remarcable también es el pequeño pero jugoso papel de Sacha Baron Cohen, que consigue con su personaje en 10 minutos mucho más que un aquilosado (y peor cantante) Alan Rickman (y eso que me encanta este actor, pero en este film no da demasiado el callo como villano, le falta garra).

Algo que me encanta de la cinta es el riesgo y la valentía de presentar una cinta como esta así: sin ningún tipo de concesión y con sangre a raudales, violenta como pocas y despiadada. Warner y Dreamworks posiblemente sean de las pocas compañías que se arriesguen (y de esta forma) en Hollywood, sin ir más lejos recuerden la arriesgadísima cinta de Andrew Dominik. Que aprendan otras como Sony o Fox …

Otro elemento muy bien tratado es el tema de las chuchillas de afeitar, un guiño no aposta (por su original teatral) a nuestro queridísimo “Eduardo Manostijeras“. Pero mientras Edu usaba las tijeras (sus manos) para hacer el bien (cortar el pelo, construir figuras de hielo, cortar setos,..), Sweeney usa sus cuchillas (la prolongación de sus brazos) para matar y saciar su sed de venganza. Eduardo nunca se sintió completo debido a sus tijeras, era un monstruo inacabado e infeliz, pero ya nació monstruo. En cambio Sweeney, ha sido creado, es fruto de la injustícia y la ira, sería lo mismo que comparar a Frankenstein con Edmundo Dantés. Sweeney solo se siente completo cuando sujeta las cuchillas con sus manos, que las considera como una prolongación de sus brazos. Un personaje tremendamente rico.

Una notable y siniestra película, excelente en lo técnico y lo artístico, con un final apoteósico lleno de ketchup (y del bueno), pero irregular en algunos tramos y sobrecargada de canciones debido a la “obligación moral” de respetar el original teatral. No se la pierdan, eso si, tápense que salpica!!

Críticas, Drama, Musical, Terror, Thriller Alan Rickman, Helena Bonham Carter, Johnny Depp, Sweeney Todd, Tim Burton

No es recomendable cabrearlo, pues cuando se enfada Johnny puede ser un auténtico animal xD. Os dejo con una de las escenas más brutas y chachis de la segunda parte de la cuatrilogía de rambo dirigida por el amigo George P. Cosmatos (creador de otra violenta peli ochentera llamada “Cobra“, cuyas virtudes quedan bastante en duda).

Acción, Bélico, Escenas George P. Cosmatos, Rambo II, Sylvester Stallone

Os dejo con tres canciones (videos accesibles desde las imagenes de sus respectivos discos), que sinceramente, me ponen. Tres de las habituales de mi mp3man actualmente.

MGMT – Time to pretend
Shout out louds – Impossible
The Rumble Strips – Motorcycle

Tres pedazo de canciones! Recomendadas quedan.

Música, Videos Musicales MGMT, Rumble Strips, Shout Out Louds

Ha regresado la mejor serie de la television. Un prodigio de suspense, con personajes tremendamente interesantes y bien construídos, junto a un montaje de vértigo y una concepción de los guiones, simplemente ejemplar.

Tras unas extraordinarias 3 temporadas, expectantes estamos. Aunque esta 4a temporada tenga muy pocos episodios (debido a la huelga de guionistas), pinta (como siempre) cojonuda!.

Acción, Drama, Fantástico, Sci-Fi, Series Tv Lost, Perdidos, Series Tv

La curiosa adaptación del clásico de Daniel Defoe que realizó Byron Haskin a mediados de la década de los 60 titulada Robinson Crusoe on Mars, es sin lugar a dudas, uno de esos clásicos de la ciencia-ficción tan simpáticos como olvidados.

Lejos de la vulgaridad y poca gracia de la amplia mayoría de productos actuales de dicho género, el film de Haskin posee una fotografía y un diseño de producción ciertamente remarcable, unos efectos especiales un tanto desfasados pero entrañables y sospechosamente parecidos a los de otro film anterior suyo: La guerra de los mundos (1953) y aunque cuente con unas actuaciones irregulares en general, rebosa entretenimiento por los cuatro costados, consolidándose como una obra ideal para convertirse en joyita de culto para los frikis. Recalcar que la cinta podría haber caído fácilmente en el ridículo viendo el argumento inicial, pero no es así.

Cabe decir que pocas novelas se han adaptado tantas veces y con resultados tan poco satisfactorios como Robinson Crusoe de Defoe. De las realizadas solo sobresalen algunas de la época muda y sobre todo la cinta homónima de Buñuel (sin duda, la mejor adaptación realizada hasta la fecha, con alguna que otra aportación surrealista / onírica muy identificativa del estilo del español) y esta curiosa cinta de Haskin. Para los amigos frikis también tienen Miss Robinson Crusoe o Las eróticas aventuras de Robinson Crusoe (una cinta lejos del cachondismo de Russ Meyer), dos ejemplos de la desvirtualización a la que llegaron algunas de las adaptaciones del clásico original. De la versión telefilmesca protagonizada por Brosnan, me reservo mis incendiarias impresiones.

La cinta de Haskin nos cuenta como una misión a Marte para evitar colisionar con un meteorito, sus tripulantes se ven obligados a eyectarse hacia el planeta pues su nave está siendo atraída por la órbita del planeta. El comandante Draper (Paul Mantee) sobrevive al impacto pero no su compañero. Solo y con escasos recursos, Draper se enfrenta a la posibilidad de perecer en las próximas horas. Pero con una lenta adaptación a la atmósfera de Marte, el descubrimiento de agua y vegetales, la supervivencia de Draper parece segura. Explorando la superficie marciana descubre a naves alienígenas rondando por la zona – las cuales traen a esclavos humanoides a excavar minerales al planeta -. Precisamente uno de los esclavos es rescatado por Draper y comienzan a ser perseguidos por las naves marcianas. Ya con compañía, el astronauta se encargará de educar al esclavo (el Viernes de esta epopeya), y ambos lucharán juntos por sobrevivir ante la hostilidad del clima del planeta y el asedio por parte de las naves extraterrestres.

La forma que tiene Haskin de trasladar el concepto de naúfrago al de astronauta que debe aprender a sobrevivir en un planeta desconocido, no solo está conseguido sino llevado al extremo, aumentando todo lo que la novela ofrecía, pues las condiciones que el protagonista se encuentra son mucho más precarias y peligrosas que su hermano barbudo isleño. Sería como elevar al cubo dicho concepto.

Si Buñuel optaba por aportar su granito de arena en su adaptación mexicana, añadiendo una pizca de surrealismo y variando alguna cosilla (recuerden que el aragonés le apasionaba el personaje y su soledad, que no la novela), aquí Haskin opta por tomarse unas licencias que a priori podrían resultar cuestionables e incluso inverosímiles en según que ámbitos, pero con resultados notables y perdonables viendo las pocas pretensiones y la humildad del film.

Aunque hay detalles que son puramente sci-fi, existe también una intención de narrar algo con realismo, dentro de lo que cabe y de la ficción que supone, como por ejemplo escenas como la construcción de un despertador mediante un reloj de arena, cuando consigue encontrar las algas, la elaboración de un vestido mediante vegetales o las visiones del protagonista producto de su soledad prolongada. La licencia tomada más significativa es Viernes, que aquí nos encontramos a un esclavo humanoide encargado de realizar trabajos de minería.

Pero no todo es oro lo que reluce, pues aunque se trate de un film más que estimable, los FX son un tanto cutrillos y totalmente anticuados (aunque con cierto encanto y en algunos casos muy conseguidos), la cinta se salva en algunos detalles porque no se le puede pedir mucho vista su entidad, y las actuaciones son irregulares y dispares, si bien Paul Mantee está correcto, pero Victor Lundin como Viernes, está cuanto menos que espantoso, con una sosería similar a la de Tom Welling en la pedorra serie teen del hombre de acero.

El film es todo un exponente de la buena sci-fi de antaño, para nada resulta tremendista, patriótica ni triunfalista, es más, es ante todo un relato sobre supervivencia y la superación diaria. Sus mayores virtudes radican en una falta de pretensiones evidente, su humildad, la clara añoranza que despierta en los frikis este tipo de cine tan cuco y por ser una interesante y atípica variante del náufrago defoeniano.

Aventuras, Ciencia Ficción, Críticas Byron Haskin, Robinson Crusoe on Mars, serie B