Bueno, queridos amigos blogófilos, tras pasar una semanita por tierras levantinas con un tiempo malo de cojones (desde lluvía hasta vientos huracanados xD), volvemos por aquí con las pilas no demasiado cargadas, pero bueno, haremos lo que podamos.

En fin, a parte del festival Weekend Dance, al que un servidor acudirá este Septiembre (más que nada para descargar un pelín de adrenalina), por ahora, el plato fuerte de este próximo otoño, musicalmente hablando, es para mi, el directo de Interpol en la sala Razzmatazz. El último disco de la banda (Our Love to Admire) está mucho mejor de lo que muchos critican. Que coño, la primera vez que lo oí me dejó un poco así, pero luego en posteriores escuchas el disco mejora poco a poco hasta convertirse en un compacto cojonudo (para no prejuiciosos XD).

Asistencia obligatoria!

Os dejo con algunos links a videos musicales desde Youtube de algunas de las que más me gustan de la banda:

Interpol – Pioneer to the falls
Interpol – The Heinrich Maneuver
Interpol – Obstacle 1
Interpol – The new
Interpol – Evil

General, Música, Videos Musicales Interpol, Razzmatazz

“El film es una historia contra la tragedia, conducida por la fuerza del optimismo y la necesidad de ser feliz de su protagonista” (Julio Medem)

Sé que muchos odian el cine casi onírico del sr Julio Medem, pero debo reconocer que algunas de sus obras no me disgustan para nada (“La ardilla roja“, “Lucía y el sexo“) y otras, dejemoslo en quizás más recordadas por una mayoria como “Los amantes del círculo polar” me parecen de menor calidad.

Tras su paso, en mi opinión desafortunado, por el estilo documental en “La pelota vasca” (insufrible en su versión extendida y sin conseguir concretar nada), regresa a la ficción volviendo ese cineasta experimental de “Lucía y el sexo“, y por el trailer invita a pensar que estamos ante una propuesta aparentemente arriesgada. Eso sí, quizás se peque de una búsqueda de imagen-postal excesiva, ya se verá en su visionado a finales de la semana que viene cuando se estrene en nuestras salas.

“Caótica Ana” recrea la vida de una joven, Ana, que se está inmersa en un caos emocional provocado por la certeza de que su existencia está íntimamente relacionada con las vidas de otras mujeres. Jóvenes que murieron a los 22 años y que viven en su inconsciente. Unas sesiones de hipnosis le valdrán a Ana para conocer su conexión con la vida de esas mujeres, todas ellas fallecidas en extrañas circunstancias.

Rodada en multitud de localizaciones que van desde Nueva York, Fuerteventura, Madrid, Arizona o Ibiza , su reparto cuenta con la debutante Manuela Vellés (una apuesta personal de Medem), Charlotte Rampling, Bebe y el gran Lluís Homar. En cuanto a fotografía y música la cinta de Medem parece que la cinta destacará, veremos a ver.

Mientras tanto os dejo con el trailer de cine y opinad por vosotros mismos.

Drama, Trailers Caótica ana, Julio Medem

Uno de los mejores cortometrajes españoles de los últimos años. Dirigido por Luiso Berdejo, director del posterior y no menos excepcional cortometraje “For(r)est in the des(s)ert” (que postearemos en su día, debido a sus referencias donniedarkianas) y por Jorge C. Dorado. Berdejo y Dorado volverán a unir fuerzas junto a Borja Cobeaga en “Limoncello“, un corto de género western.

“La guerra” nos cuenta una historia tenebrosa, oscura y dura sobre el precio de los inocentes en toda guerra (en este caso, los esfuerzos y reflexiones de un niño, instalado en un armario de una casa, acerca de como poder sobrevivir y su preocupación infinita), narrada de forma original, técnicamente de una factura magnífica con una dirección fresca y solvente, una ambientación y fotografía de una altísima calidad, más propia de una largomentraje y sobre todo destaca por ser una propuesta formal y narrativa de un riesgo irrefutable.

Una autentica genialidad, disfrutenlo!

Actualización: El video de youtube que contenía el cortometraje, ha sido eliminado. Os adjunto el trailer, lo único disponible en la red actalmente de este largometraje.

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Al fin podemos ver por estos lares algo del famoso y polémico proyecto Grindhouse, todo un homenaje por parte de esos enfants térribles de Hollywood como son Rodríguez (corramos un tupido velo sobre su horrorosa saga infantil de espías) y Tarantino, a esas sesiones dobles de films de serie Z, muy de moda antaño en USA. Pero, como no, nos ha llegado partido en dos, y sin la gran mayoría de los jugosos y divertídisimos fake trailers (el gore de Eli Roth, el cahondísimo de Edgar Wright y el fantástico nazixploitation de Rob Zombie) que pudieron disfrutar los insípidos espectadores yanquis (esto último se dice por la baja recaudación del proyecto allí). Se repite (al menos en Europa) un caso de estafa cinematográfica similar al de hace años con “Kill Bill“. Señores: ahora se debe pasar doblemente por taquilla para ver una sesión doble y encima de cine puramente exploitation!. Si los cines de reestreno levantaran la cabeza…

Hasta finales de agosto no podremos disfrutar de la presumiblemente muy superior “Death Proof” de Tarantino, la cual a priori promete unas secuencias de carretera simplemente memorables (espero no equivocarme), pero mientras tanto, y para abrir boca, ya podemos disfrutar (o no) en cines de la primera parte de la susodicha sesión doble: “Planet Terror” del mexicano Robert Rodríguez y el resultado es sorprendentemente desengañado.

Haciendo un terrible esfuerzo para olvidarse de pesadillas en forma de celuloide como la saga “Spy Kids” (recuerden, con papeles a actores tan nefastos como Stallone o Banderas) o “Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl 3-D” (de la cual me reservo mis incendiarias opiniones por si algún menor lee este blog), y tras la, en mi opinión, sobrevalorada y de cuestionable autoría “Sin city“, el hombre del sombrero aka Robert Rodríguez ha vuelto a las guarradas y nos alegramos por ello, sin duda alguna. Y ha vuelto junto a su colega de tareas Tarantino, pero esta vez por separado. Mientras en la muy estimable “Abierto hasta el amanecer” nos salpicó de visceras y pus vampírica, ahora hace lo propio con los putrefactos zombies.

A uno le invade la duda de como criticar o valorar un film así, puesto que su particular envoltorio de homenaje gigante a films de escasa calidad y presupuesto (que no de diversión) realmente reduce todas las pretensiones habidas y por haber, es decir, ¿Como expresar que es una mala película si se trata de un homenaje a las malas peliculas gore de serie Z?.
De todas maneras, dentro de la cutrería y casquería buscada por Rodríguez, la puesta en escena está más lograda que en anteriores trabajos (porque es mala aposta y eso la hace genuina xD) y el guión es, permitanme decirlo, de lo más absurdo que uno haya visto en mucho tiempo. Y no lo digo por la historia (que en este tipo de films es casi lo de menos) sino por lo mal construidos que están los personajes, que se quedan en bocetos de personajes que pretendían ser mucho más carismáticos y se quedan en juguetes cachondos a cargo de la absurda historia, como personajes inacabados o incompletos (ofreciendonos pinceladas de cada uno, como ya ocurriera en su anterior film).
Aún así, se vuelve a lo mismo, ¿Como saber que este deficiente guión no se ha escrito aposta para homenajear también a los malos guiones que abundaban en las cintas gore?. Como se podría seguir así indefinidamente, se llega a la conclusión que dicho film no debe tomarse en serio, de hecho, no sé si considerarlo film o un pupurrí visual cachondo de género zombie-gore. Y es que Robert Rodriguez está en su salsa, dirigiendo y escribiendo como le venga en ganas y curándose en salud con esa balsa que le supone estar haciendo un homenaje a ese tipo de cine cutre, casposo y sanguinolento.

El film propone un recorrido de lo más friki por una zona infestada de zombies, historias paralelas que reunen terror, bestialidad y cachondeo a partes iguales, humor negro a punta pala y algunos personajes algo sosos pero otros tremendamente divertidos o canallescos a pesar de poco perfilados (sean los casos de ese cocinero en busca de la salsa perfecta encarnado por un genial Jeff Fahey, el personaje de Tarantino con un breve pero cachondísimo papel (el cual dice una de las frases del film), la pareja McGowan-Freddy Rodriguez, la primera por su sensacional cuerpo y su dinamismo en pantalla y el segundo por hacer bien el papel de tipo duro con un rostro de inverosimilitud hacia sí mismo espantoso xD (al cual no nos tiene acostumbrados a los fans de la serie “Six Feet Under“). El resto pues con papeles curiosos, malos o testimoniales (sin contar a los verdaderos protagonistas del film: los zombies, que cumplen a la perfección claro xD).

A parte de los cuantiosos defectos de celuloide producidos aposta por el vaquero mexicano que van desde las mil y una manchas, pelos, ralladuras o ruido en la imagen, juegos con el contraste y color, dialogos y sonido entrecortado, variaciones de volumen o la cantidad de grano, desenfocados, y algún que otro rollo que falta (XDD), Rodríguez apuesta por un film desentendido, rodado sin pretensión alguna más allá de entretener al público asistente y ofrecerle un producto puramente divertido y con grandes dosis de ketchup, violencia salvaje, ritmo endiablado, humor absurdo, terror cutre, una pizca de sci-fi y con personajes que no se toman en serio a sí mismos. Cierto toque amateur destilan las imagenes de Rodríguez, que a diferencia de films tan interesantes visualmente pero cansinos en posteriores visionados como “Sin City“, aquí regresa a su lado más friki y en donde mejor se desenvuelve este irregular cineasta, en la cutrería madre más casposa y divertida.

En definitiva, no se esperen un film de la calidad de los de Quentin Tarantino, pero seguramente sea uno de los mejores y (sobre todo) más honestos trabajos de Robert Rodríguez.

Soy de los que opinan que burradas como esta son necesarias en los cines, en donde actualmente suelen abundar robots de preescolar, superhéroes estúpidos y magos insulsos.

Acción, Comedia, Críticas, Fantástico, Terror Grindhouse, Planet Terror, Robert Rodriguez, Rose McGowan

Koldo Serra gracias a su ópera prima, con una inteligente mezcla de géneros (desde thriller hasta western) y lleno de referencias cinéfilas que van desde Peckinpah a Boorman pasando por Saura, ha conseguido una pizca de luz en el consabido infecto panorama cinematográfico nacional. Y es que ¡ya era hora de ver un producto tan interesante y fresco como éste!.

Y no crean que por mis entusiastas palabras estemos ante una película perfecta ni nada eso, lo que ocurre es que el cine patrio no nos tiene acostumbrados a productos decentes y menos de género, en donde suelen abundar películas en muchas ocasiones perfectamente olvidables, por no decir otra cosa, pero prefiero no herir sensibilidades a los defensores a ultranza del cine español o a los directores afectados xD.

“Bosque de sombras” a pesar de su (muy) mejorable guión o de su mejorable casting en algunos papeles (¿Por qué los espectadores tenemos que seguir sufriendo ver en pantalla a Aitana Sánchez Gijón?), es un film con una factura ciertamente destacable, una ambientación y fotografía magnífica a cargo de Unax Mendia, unas actuaciones más que decentes de Gary Oldman y Lluis Omar y un retrato sobre la deshumanización que recuerda claramente a “Perros de paja” de Sam Peckinpah, “Deliverance” de John Boorman, incluso al cine de Alexandre Aja, tanto en “Alta tensión” como en “Las colinas tienen ojos” (en este caso, incluyendo una tremenda patada al estomago al american way of life) con esa vuelta a los origenes más primitivos en donde la supervivencia ha substituido a esa comodidad que caracteriza la clase media, alejada de esa violencia más puramente animal. Personajes que una vez entrada en esa espiral son incapaces de salir, despojandose de toda racionalidad y dejando salir su lado más puramente animal. Son cazadores o presas, de ellos depende.

Pero a diferencia de como muchos opinan, considero que “Bosque de sombras” no copia, sino rinde homenaje a este tipo de cine, al cine americano de la violencia (desde westerns de Anthony Mann (“Colorado Jim“) hasta cintas de cineastas como Sam Peckinpah, John Boorman), spaguetti western de Sergio Leone (“La muerte tenía un precio“), y a un determinado cine español (Carlos Saura , José Luis Borau, etc…).

Como comentaba, el guión es ciertamente mejorable, el reflejo de los pueblos vascos es un poco exagerado (bajo mi punto de vista), contiene muchos puntos en común (quizás demasiados) con la pelicula de Peckinpah y sin la fuerza visual que imprime Serra a las imagenes, se quedaria en una historia que le falta algo más de dramatismo y tensión, aún en su segundo mitad del film ser conseguida.

La deshumanización tras un acto trascendental funciona como una metamorfosis de personalidades, actos y conductas. Ese último duelo bajo la lluvía, ese intercambio de miradas convierten esa escena en una de las más poderosas del film. Una escena sin lugar a la piedad y compasión, se ha traspasado la barrera que separa la cordura de la locura y ya no hay vuelta atrás.

A pesar de que es un film irregular y con algunos fallos, para el que escribe esto, le ha parecido de lo más entretenida, con un acertado Gary Oldman (de nuevo, nos regala otra interesantísima creación, un Lluis Homar (como siempre) sensacional, un contraste con el sonido de la txalaparta, la importancia del sonido en el film (truenos, la lluvía (en ese final a lo “Sin perdón” salvando las enormes distancias), el sonido del bosque, etc..), una puesta en escena magnífica que denota que detrás hay un autor a tener en cuenta, una fotografía gris y oscura magnífica y sobre todo un relato sobre la deshumanización con una lucha interna del hombre y su relación con la naturaleza (parece como si el entorno salvaje hubiera absorvido su racionalidad y su sentido común). Lástima que Serra no consiga un definido discurso propio y ahoge con el homenaje a la cinta de Peckinpah. Algo totalmente inverso a lo que Tarantino hace en sus films, collages con constantes referencias y homenajes, pero siempre con su sello característico.

Críticas, Thriller Bosque de sombras, Gary Oldman, Koldo Serra, The backwoods

“Los obreros ganan lo suficiente para poder recuperar su fuerza para trabajar” (Karl Marx)

El cineasta Andrzej Wajda, perteneciente a la generación dorada del cine polaco con nombres como Jerzy Kawalerowicz, Andrzej Munk e interconectado con cineastas algo más clásicos como Aleksander Ford o ya posteriores como Roman Polanski o Krzysztof Kieslowski, inició su andadura en el cine con esta obra de innegable factura que se erige como la primera parte de una trilogía bélica personal.

Tras una serie de cortometrajes y su labor de ayudante de dirección de Aleksander Ford en obras como “El joven Chopin” (1952) o “Los cinco de la calle Barska (1954)”, Wajda dio el salto al cine como realizador con “Generación” (1954), un film enmarcado en plena segunda guerra mundial en una Polonia ocupada por los nazis, en donde se nos narra la historia de Sach (Tadeusz Lomnicki), un joven que se dedica al mercado negro, el cual, un día mientras intentan robar carbón de los trenes alemanes (algo que a los jovenes rebeldes les hacía sentir patriotas y de alguna forma victoriosos), ve morir asesinado a uno de sus compañeros. El acto le marca y dentro de él nace la urgencia de actuar ante la evidente injustícia social y obrera de su país. Decide entonces cambiar de vida, comienza a trabajar en una fábrica, donde descubre la grave explotación de los obreros. Posteriormente, conoce a una muchacha que inicia a él y al resto de trabajadores a luchar contra los invasores nazis, a formar parte de una resistencia (ingresando en una clandestina organización comunista y apoyando la rebelión de toda una generación) y que mantendrá con él una relación de amor que a la postre será imposible por su entorno. No hay felicidad sin libertad y sin libertad tampoco puede haber amor, el cual está condenado a las terribles circunstancias acaecidas y a sus consecuencias.

La ópera prima de Andrzej Wajda marcó también el debut en el cine de todo un grupo de jóvenes, desde el guionista (el propio Bohdan Czeszko , adaptando su propia novela), el músico Andrzej Markowski, el fotógrafo Jerzy Lipman y hasta un jovencísimo Roman Polanski, que por aquel entonces ya dirigía sus primeros cortometrajes, en su primer papel secundario como actor.

En “Generación” están esbozados los temas y las preocupaciones que el director desarrollará en futuras películas: su visión lírica de los conflictos históricos, su romanticismo desesperado y su heroísmo sin posibilidades de triunfo. Todo esto podrá verse de nuevo en sus posteriores films “Kanal” (1957) o “Cenizas y diamantes” (1958).

El film, en sus títulos de crédito, arranca con un bello y estilizado plano secuencia que recorre todo el pueblo de Budy, un suburbio en las afueras de Varsovia, situando geográficamente la acción del film hasta llegar al protagonista, Sach, el cual juega con sus amigos a un juego con un cuchillo (por supuesto, mucho menos peligroso que el visto en “El cuchillo en el agua“(Roman Polanski, 1962) ), para posteriormente pasar a la vertiginosa secuencia del tren, con un uso del montaje y el travelling realmente eficaz. Wajda mantiene mucho los planos (hay bastante plano secuencia en el film) buscando un verismo en sus imagenes de una forma similar a la de realizadores neorrealistas como Rossellini o De Sica. Pero a diferencia de las cintas puramente neorrealistas, las cuales, tenían una cierta tendencia documental (fotografía naturalista, actores no profesionales, improvisación, etc), en la película de Wajda, quizás nos encontremos con más similitudes al estilo clásico americano del thriller (o cine negro) de la época dorada que al neorrealismo italiano; eso si, coincidiendo en temáticas, contextos, el uso de actores en su mayoria amateurs o debutantes y en ciertas inquietudes sociopolíticas con algunas cintas transalpinas.

Wajda confesó en una entrevista con Jean-Luc Douin que “tuvo que cortar dos secuencias por las que tenía especial debilidad” y se le reprochó “falta de rigor en la construcción“. Esta mala recepción crítica, en cierta medida, lo desanimó y se dedicó a la pintura. Dos años después y con suficiente ánimo para afrontar, de nuevo, plantarse tras las cámaras, rodó la segunda parte de esta trilogía: “Kanal” (1957), una cinta que recorre sendas parecidas al film en cuestión, incluso superándolo.

La mirada histórica de la cinta es puramente romántica y en ocasiones basada en escritos literarios e incluso en experiencias personales vividas. Es una opción de presentar la trama, tan respetable o más, que la que no se toma ninguna licencia en este sentido.

Cuando las flores parecen haber marchitado, el espíritu combativo resurge. Esa última lágrima de Sach contiene dolor por la pérdida, pero a la vez  algo de alegría por saber que todavía hay un pequeño y recóndito lugar para la esperanza. Existe un cierta ambigüedad en el film acerca del concepto de victoria y esperanza.

“Generación” es una obra puramente romántica, lírica y desgarradora sobre una de las etapas históricas más sombrías y lamentables. Inocencias perdidas, romances rotos, libertades coartadas y sin aparentes esperanzas para el futuro, eran algunos de los motivos por que luchaban esos jovenes valientes, que en definitiva, muchos de ellos, se quedaron en héroes anónimos.

Bélico, Clásicos, Críticas, Drama, Histórica Andrzej Wajda, Generación

A veces un film pequeño y con imaginación alcanza cotas ciertamente superiores a cualquier superproducción millonaria, y este sería un ejemplo de ello. Un film espléndido hecho con cabeza y corazón, narrando una historia que une ternura con realidad de forma sabia. Walter Salles nos regaló una de las mejores peliculas del año 1998 y sin dudarlo, una de las cumbres del creciente cine brasileño y por extensión suramericano.

“Estación central de Brasil“, se podria resumir en 4 frases. Un niño en busca de su padre. Una mujer en busca de amor y de sí misma. Dos personajes a la deriva intentando llenar ese vacío personal y amoroso (a su manera) con el que cargan. Un país en busca de sus raíces. El film brasileño atesora una calidad simplemente abrumadora, y Salles nos ofrece una atípica road movie muy del estilo de la posterior “El verano de Kikujiro” (1999), de Takeshi Kitano, con personajes carismáticos (nada estereotipados), un guión que rebosa calidad e inteligencia en cada una de sus frases y en definitiva, una historia tierna contada desde el corazón pero efectuada desde la cabeza. Un film que no cae en un sentimentalismo facilón y en donde no hay lugar para los happy endings. Es tan duro o real como la vida misma.

Dora (Fernanda Montenegro), una mujer madura que vive de las pequeñas estafas que realiza fingiendo escribir cartas de encargo a los analfabetos de la estación cental de Río de Janeiro, se ve obligada a hacerse cargo de un niño, cuya madre ha muerto atropellada en la misma puerta de la estación. Tras una intentona fallida de deshacerse del pequeño Josué (Vinicius Oliveira), Dora será la encargada de acompañarle por todo Brasil al encuentro con su padre. Las experiencias que acumulan a lo largo de días y kilómetros de penurias les unirán en una relación de afecto muy particular, la cual, les servirá también de autoconocimiento y autodescrubrimiento.

La película es sin duda una búsqueda por la felicidad tan ansiada y dificilmente hallada, por todos y cada uno de los personajes. Por un niño que ansia conocer a su padre (a un padre idealizado por él al cual se agarra como única esperanza de sobrevivir), por una mujer derrotada por la vida, la cual lleva una mascara de intolerancia y odio para ocultar su inmensa tristeza y vacío, un hombre que huye del compromiso y abandona a una mujer perdida, etc…

Un viaje para la ilusión de volver a empezar, de segundas oportunidades, que da a ambos lo mismo de igual forma y que guardarán en su memoria para siempre.

Josué es un niño temperamental, con un carácter marcado, y Dora es alguien similar, que no muestra cariño y que lo trata inicialmente casi como si de un adulto se tratara. Con el tiempo existirá un relación de amistad y cariño magnífica (como una especie de amor maternal, como la madre que no puedo acabar de disfrutar) y ambos se sabrán valorar en su justa medida.

En un inicio, se nos presenta a una mujer, Dora, la cual se encarga de escribir cartas en la estación a pobres personas que no saben escribir, algunas de esas cartas son tremendamente importantes, pero ella lo único que quiere es el dinero. Luego las tira o se ríe de ellas, juegando de alguna forma con los sentimientos de la gente. Si vienen a preguntarle dice que las ha enviado y que si no reciben respuesta ella no se responsabiliza y así cobra de nuevo por enviar más cartas que con casi total seguridad lanzará a la basura. La presentación de dicho personaje no puede ser más negativa y ya crea un antipatía o rechazo por parte del espectador.

Un día viene una mujer con su hijo y quiere que le escriba y le envie una carta a su marido, dicha mujer posteriormente muere al lado de la estación y el niño vaganbundea por ella los días posteriores. Dora decide hacerse cargo del niño (el citado anteriormente Josué), pero su retorcida mente solo piensa en dinero y es capaz de venderlo a una red de menores, en un acto lamentable lo cual indica claramente la calaña a la que pertenece dicha mujer.

Arrepentida al dia siguiente, vuelve al lugar donde le vendió y se lo lleva corriendo. Asustada y amenazada de muerte decide huir de la ciudad y emprender un viaje con Josué en busca de su padre.

Primeramente su relación es imposible, y Josué no la quiere y le da asco por lo que ha hecho, pero poco a poco irán congeniando y entendiéndose. Josué comprenderá que todo ese odio y mal humor que ve en Dora es producto de una vida llena de decepciones, fracasos, vacío emocional e insatisfacción. Con el paso del tiempo, se llegarán a complementar el uno al otro convirtiendo el viaje en algo sentimentalmente puro e inmaculado.

Durante el trayecto y tras perder el autocar, conocen a un camionero que les lleva durante gran parte del recorrido. Dora hace grandes migas con él hasta que un día en un bar con una sola mirada y cogiéndole de las manos le expresa visualmente sus sentimientos hacia esa persona. Recalcar que él (el camionero) es alguien que renegaba de que en su vida habría conocido a muchas personas y con las cuales había logrado una gran amistad pero con el tiempo se perdía y se quedaba en nada y que todo ello le dolía.

Tras haberle cogido de las manos y ausentarse un momento para ir al servicio, en donde Dora aprovecha para arreglarse y pintarse, tras años sin haberlo hecho, él ha desaparecido, solo ve a Josué al lado del futbolín. La desagarradora escena en donde Dora mira tras la ventana del bar como el camión desaparece en la carretera entre grandes nubes de polvo es una de las destacadas del film. Una mujer condenada a la soledad y al rechazo. Fernanda Montenegro está espléndida en esta escena, expresando con su rostro toda esa frustración, vacío e impotencia.

Tras ello proseguirán el viaje, con algunas alegrías y otras tantas decepciones, un viaje más largo de lo que a priori parecía, y que será recordado por ambos como algo increíble e imborrable en sus vidas. Un viaje que cambiará a ambos.

¿Quién no se ha emocionado con el final de “Estación central de Brasil“? Con esa última carta de Dora a Josué. Una carta escrita tras haber concluido con su misión/obligación/tarea de llevarle con su família y, por un lado también contenta por haber abierto al fin su duro y castigado corazón.

La dirección de Walter Salles es ejemplar, uno de los directores actuales a seguir, recordemos que ha supervisado (medio realizado) maravillas como “Ciudad de Dios” y dirigido esa enorme película que debería ser más recordada y recuperada como es “Diarios de Motocicleta“. Junto a Fernando Meirelles y G. Rocha, el mejor de Brasil. Sus imagenes están impresas de una emotividad, sencillez, lirismo y delicadeza destacables, que consiguen retratar y amplificar la soledad y falta de estima de ambos personajes. Su tendencia de uso de técnicas en ocasiones cercanas al documental en una fina linea que lo separa o confluye con la ficción, ayudando a remarcar ese desenpara al que se ven sumidos los personajes. Un pleno acierto suyo sería el incluir en los créditos finales todas esas cartas que se perdieron y que merecen ser oidas. Magnífico final.

Las actuaciones son maravillosas. Una actriz de teatro como Fernanda Montenegro nos regala algo único, una actuación tan sincera y profunda que llega a emocionar. Fabulosos registros tiene su (gran) personaje en donde es capaz de pasar de alguien dura e inhumana a alguien que las circunstancias hacen que deje pasar esa bondad que lleva dentro y que la vida ha cerrado el paso (plantando cara y combatiendo su dolor). En cualquier escena está increible, en el final, ante la ventana del bar, ante el espejo mientras decide pintarse los labios (como si de un renacimiento se tratase, como si fuera un regreso a la aceptación personal), etc. Su trabajo en este film me resulta simlemente espectacular.

El resto, geniales también, sobretodo Vinicius Oliveira, interpretando el rol del niño, Josué, un papel con multitud de cambios de personalidad y consigue expresar tanto realismo que juraría que ese chico tiene futuro como actor.

Fotografía (con unos tonos verdosos conseguidísimos), música, edición, ambientación y demás , conseguidos. Sobretodo la música que es excelente y la fotografía que es fantástica.

SPOILER Si hay algo muy destacable de “Central Do Brasil“, es su final, esa carta que escribe Dora a Josué, la única carta sincera que no va a romper y que escribe con el corazón, aquí os la dejo:

“Josué,

Hace mucho tiempo que no le mando una carta a nadie, ahora te mando ésta a tí.

Tienes razón, tu padre aparecerá y seguramente es tal como tu dices que es.

Recuerdo cuando mi padre me llevaba en la locomotora que él conducía, permitía que una cría como yo tocara el silbato del tren durante todo el viaje.

Cuando recorras las carreteras con tu enorme camión, espero que recuerdes que yo fuí la primera persona que te hizo poner las manos en un volante.

Será mejor para ti quedarte con tus hermanos. Te mereces mucho, mucho más de lo que yo podría darte.

Cuando quieras acordarte de mi, mira la pequeña foto que nos hicimos juntos. Te lo digo porque tengo miedo de que algún día tú también me olvides.

Echo de menos a mi padre. Echo de menos todo.

Dora“

FIN SPOILER

Dora parte de nuevo de viaje pero ahora con una sonrisa en la cara y con el traje que le regaló Josué, también con lágrimas por tristeza pero también por primera vez en mucho tiempo por alegría y satisfacción por sentirse realizada (el mismo caso que Kikujiro en el film de Kitano, tras concluir su particular viaje).

Sutil, elegante, emotiva, sencilla, pequeña pero grandiosa por su mensaje y ante todo, muy sincera y honesta. Una película sobre la vida, sobre náufragos incompletos. Todo un must see!.

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Si hay un director friki por excelencia, no es otro, que el genial Wes Anderson, autor incomprendido por muchos y adorado por otros (entre los que me incluyo), creador de autenticas bizarradas como la sensacional “Academia Rushmore“, la simpática “Los Tenenbaum” o mi adorada “Life Aquatic” (brutal desmitificación de todo marino xD) y capaz de realizar lo que le da la gana con una productora más o menos grande como la Touchstone, recordemos filial de la Disney y a partir de ahora hará lo propio con la Searchlight de Fox. ¿Qué como lo consigue? Eso me gustaría saber a mi…

Lo cierto, es que su nueva película: “The Darjeeling Limited” no será menos rara: Narra la historia de tres hermanos que tras morirse su padre deciden viajar a la India para fortalecer los lazos familiares y buscar a su madre. Francis, el hijo mayor propone que viajen en el “Darjeeling Limited”, una línea ferroviaria del país. Pero su estrafalario comportamiento hace que los echen del tren, lo que supondrá que verán el país desde otra perspectiva.

El casting, de nuevo, vuelve a ser de lo más curioso: Desde habituales en sus peliculas como Owen Wilson, Jason Schwartzman o Anjelica Huston hasta nuevas y jugosas incorporaciones al universo Anderson: Adrien Brody y Natalie Portman.

Mientras mantenga el nivel de frikismo y cachondeo marciano de sus anteriores trabajos, ya nos conformamos. Y por el trailer (atención de nuevo a la soundtrack), ciertamente, tiene la pinta de no decepcionarnos XD

Comedia, Drama, Independiente, Rarezas The Darjeeling Limited, Wes Anderson

John Carpenter nos deleitó con este sensacional plano secuencia (trucado de forma ciertamente astuta) que marca el inicio del film “Halloween” (1978) y en donde seguimos via cámara subjetiva a Mike Myers, metiéndonos literalmente en la piel de un asesino precoz. Un film oscuro que retrata a un personaje casi como la encarnación del mal, en donde Carpenter destaca en su habilidad para crear esas atmósferas pesadillescas y de índole casi oníricas.

Por supuesto, desde aquí ignoramos tanto a las execrables secuelas que ha propiciado la saga como a esos subproductos que han intentado imitar o casi plagiar descaradamente, sin conseguirlo, los muchos aciertos del film en cuestión.

Un inicio memorable realizado por uno de los grandes directores de ese género tan tristemente menospreciado o infravalorado como es el terror.

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