Al fin se editará en condiciones (esperemos que no tarde mucho por estos lares) una de mis películas preferidas y a la que le tengo mucho cariño: “Big“, el film de Penny Marshall con un excelente Tom Hanks.

La edición especial, también extendida (esto está excesivamente de moda…) añadirá  25 minutos más al metraje original de cines (miedo me da, espero que incluyan ambas versiones, porque la original ya era más que suficiente…), imagen y sonido remasterizados, audiocomentario de Gary Ross y Anne Spielberg, 8 escenas eliminadas y/o extendidas con introducción opcional de Penny Marshall, featurette “Backstory: Big“, featurette “Carnival Party Newswrap”, featurette “Big Beginnings”, featurette “The work of play“, un documental extenso titulado “Chemistry of a Classic“, spots de tv y los trailers de cine.

En Zona 1 (USA) estará disponible a partir del 8 de Mayo. Distribuye Fox.

Comedia, Drama, Dvd, Fantástico Big, Penny Marshall, Tom Hanks

Silencio, respeto, sufrimiento, pena, aflicción e incomodidad son sensaciones que produce el cuarto film de Maurice Pialat, construyendo un retrato sobre la agonía (palpable) de una madre, expuesto con una crudeza, austeridad y un verismo de rigor prácticamente documental, algo muy característico en el realizador francés, que junto a Eustache y Garrel forma parte de la generación post-nouvelle vague.

Como en otras obras del cineasta como en su ópera prima “La infancia desnuda” o, en cierta medida “Van Gogh”, sobre todo debido a su frustración en las artes pictóricas, “La boca abierta” contiene innegables elementos de carácter autobiográfico. La región en donde se sitúa gran parte de la acción –Auvernia-, localidad natal del director, el personaje de Robert -interpretado por Hubert Deschamps- un claro alter ego de su padre o el tratamiento de las infidelidades en el film, destilan cierto carácter personal e identificativo de Pialat.

En el film no hay lugar para sentimentalismos. No existe artificio alguno ni estético ni artístico. La acción está llena de realismo crudo, violento y puro. Una violencia interna más que explícita, una violencia de las relaciones entre seres que chocan entre sí, hay un cierto magnetismo entre los cuerpos, como si fueron animales sin una posible redención. Pues en sus films no hay ganadores sin derrota. Los personajes están perdidos, condenados desde el inicio, torturados, sin lugar a la esperanza y con ellos Pialat nos radiografía los aspectos más abruptos de la vida urbana de la sociedad francesa.
“La boca abierta” es seca, austera, con un distanciamiento y objetividad peculiar que paradójicamente hace identificarse al espectador.

La fotografía de Néstor Almendros es totalmente naturalista, oscura (hay planos tremendamente oscuros), con un trabajo asombroso sobre la luz natural en su mayoría, en interiores. Junto a artesanos como Vittorio Storaro es uno de los grandes directores de fotografía de la luz natural. Prueba de ello son sus trabajos con Rohmer, Chabrol, Godard, Truffaut, Malick (en la excepcional “Días del cielo”), “El lago azul”, etc…
Existe cierta fealdad en los planos, dota de una especie de suciedad a los planos.

El tempo de cada escena es muy importante. Los momentos silentes hablan por si solos y Pialat, en su film, les da una vital importancia. Es mucho más poderoso el silencio que cualquier palabra. Dos ejemplos de ello serían la parte que se nos muestran los últimos momentos de vida de la madre y el sonido de las esforzadas y profundas espiraciones de la madre enferma. Pialat refleja el sufrimiento sin palabras y buscando la pureza de la verdad. Una escena fantástica fotográficamente en la cual la madre en la cama es iluminada por la luz lateral y ellos 2 (padre e hijo) aguardando en la sombra, que metafóricamente se podría interpretar como que son personajes fracasados, condenados a vagar en la oscuridad.

La búsqueda tan obsesiva que seguía Pialat para mostrar la realidad de forma tan cruda, hacía de sus films historias más cercanas al pesimismo más profundo que a la esperanza por un futuro mejor. Esa búsqueda era plasmada cinematográficamente mediante un uso inteligente y dinámico del plano secuencia, normalmente de gran duración, usados para explorar la intimidad de los personajes y así potenciar la imagen de improvisación y realismo.

Otro elemento destacable de “La boca abierta” es la sabia economía de planos que nos brinda el realizador. Un ejemplo lo tenemos en el primer encuentro de Philippe (el hijo) con la prostituta, todo en un plano secuencia y economizando planos (eludiendo el típico y fácil plano-contraplano) con esa utilización del espejo haciendo uso de un encuadre muy medido en donde nunca perdemos de vista ni a ella (que está vistiéndose) ni a Phillipe estirado en la cama, reflejado por un lado del espejo. Algo también muy destacable del film y de la obra de Pialat es el uso de un montaje de cuadro.

No menos encomiable es el trabajo con la profundidad de campo, un recurso muy presente en toda la cinta, una puesta en escena aparentemente sencilla pero de una sobriedad magnífica siempre buscando esa esencia de la realidad creando ambientes de inseguridad, todo ello ayudado por el sonido directo.

El tratamiento de la muerte en este film es muy respetuoso, pulcro y de corte un tanto siniestro y tenebroso, como en la vida real. Una especie de “Gritos y susurros” de Bergman pero a lo Pialat. La transformación de un ser querido en una simple boca abierta, que únicamente es capaz de comer, gemir o espirar. Las infidelidades a parte de ser vehículo para describir personajes, en ocasiones de ámbito autobiográfico, son mostradas de formas peculiares y sutiles, por ejemplo mediante la música diegética (en todo el film no suena ni una nota musical de score) que suena en el inicio del film, en donde, la primera parte que nos habla de la muerte y el amor vendría a ser como un reflejo de la madre, y la segunda, sobre la vida militar con frases como “Hoy mucho mañana poco” sería la viva imagen de la infidelidad, la mala vida y el caos organizativo: el padre, incluso el hijo.

Robert, no solo es un personaje infiel y despreocupado de sus responsabilidades, otro matiz negativo más de él, lo tenemos en esa escena en la cual se asoma a la puerta y ve pasar a unos novios y familiares de una boda entre una persona de color y una francesa y posteriormente en el bar pronuncia: “Perdimos las colonias y llegó esa gente de color. Auvernia ya no es de los auvernenses”. Se está hablando de la inmigración creciente en Francia de una manera un tanto despectiva a la vez que se define al personaje y su carácter xenófobo.

En el desenlace del film, Pialat muestra con un bello y complejo plano secuencia hacia atrás la tozudez del padre por elegir la miseria de su agujero y ese estancamiento voluntario que le está llevando a una clara e irreversible perdición. Al acabar el plano secuencia, dentro de un tramo en donde los árboles cubren prácticamente la luz, se oscurece mucho la escena, casi tanto como la posterior en donde Robert, el padre, apaga todas las luces de la tienda/casa. Todos los personajes están sumergidos en un oscuridad de la que jamás podrán salir. Son demasiado egoístas, irrespetuosos, irresponsables y en definitiva, amorales.

En muchos de los films de Pialat podemos ver elementos heredados de cineastas como Jean Renoir o los Hermanos Lumière, sobre todo por esa búsqueda obsesiva de la verdad muchas veces mediante la improvisación. Actualmente ha influenciado a directores reconocidos como Catherine Breillat y Arnaud Desplechin.

Cine de autor, Críticas, Drama La boca abierta, La gueule ouverte, Maurice Pialat

Tras un destacado debut con “Amanecer de los muertos“, remake de “Zombie” del gran George A. Romero, Snyder se mete de lleno en las adaptaciones de cómics, ya que posteriormente será encargado de llevar a la gran pantalla el reconocido “Watchmen” de Alan Moore, y traslada al celuloide la particular visión de Frank Miller sobre el conflicto de las Termópilas.

Con un tratamiento de la imagen digital ejemplar y una fotografía tan tenebrista como espectacular, “300” es un film bastante fiel tanto a nivel narrativo como visual al libreto gráfico de Miller (un caso similar a lo que ocurría con “Sin City” de Robert Rodríguez) y aunque se toma sus licencias para aportar elementos de corte fantástico a la trama (como en el cómic), no obstante, la obra es bastante fiel a la historia original.

A diferencia de otros films recientes de corte histórico como podrían ser “Troya” de Wolfgang Petersen, “Gladiator” o “El reino de los cielos” ambas de Ridley Scott, que sí deberían ser totalmente fieles y verídicas (cuando no lo son ni de largo), las influencias fantásticas y el origen que tiene en el llamado noveno arte hacen que “300” se desquite de esa “carga” y se convierta sin problema alguno en un espectáculo con grandes dosis de violencia, épica y libertad creativa.

Criticada por tomarse sus licencias históricas o en algunos países asiáticos por la imagen que se da de los persa. ¿Se debe recordar que estamos ante una adaptación de un libreto gráfico basado en un acontecimiento histórico?, el film tiene muchos elementos hiperloeizados y mucho del terreno fantástico y místico, todo ello para crear una angustiante atmósfera de caos, terror, sangre y batalla.

Aunque me parece muy acertado el look dado por Snyder al film, respetando plenamente la visión tan interesante de Miller, en la cinta hay un evidente exceso de ralentís y de bullet time, y eso quizás dote de espectacularidad a algunas escenas pero el uso tan reiterativo cansa y resulta poco arriesgado. El trabajo de Snyder es magnífico, no solo ha sabido combinar perfectamente el fantástico con el épico, además que sus planos contienen su sello y el de Miller, muy propios del cómic o del cine negro, con esos contrapicados imposibles. También hay claras referencias a uno de los últimos peplum producidos por Hollywood: “Gladiator“, la decente y un tanto sobrevalorada cinta de Ridley Scott, sobre todo en esas escenas en los prados de trigo con Leónidas y su esposa e incluso en algún tema musical del score de Tyker Bates, que recuerda la magnífica composición de Zimmer junto a Lisa Gerrard para el film de Scott.

La banda sonora de “300” es posiblemente una de las mejores composiciones para cine épico del año, combinando perfectamente voces corales con música que va desde los efectos tenebrosos o tribales a las bellas melodias de partida, celebración o adiós, todas de innegable elegancia.

En el apartado técnico “300” es excelente y cuanto a las actuaciones es no menos remarcable. Gerard Butler encarna a Leónidas con total solvencia, carisma y sobriedad. Consigue el propósito de todo buen actor, que el espectador se crea y vea más a su personaje que al actor que hay detrás de él. El resto del reparto, bastante bien, pero por debajo del fantástico trabajo de Butler, el cual quizás regresará con Snyder en su próximo film. Sin olvidarnos de la destacable presencia del personaje del reyes Jerjes, protagonizado por el brasileño Rodrigo Santoro, el cual tendrá su aparición en la serie “Perdidos” en su tercera temporada.

El objetivo de “300” es claramente la violencia, como es mostrada esta y la épica de tal sacrificio, pero al contrario que otros films épicos como “Espartaco” de Stanley Kubrick en donde si había lugar a una identificación por parte del espectador a nivel emocional, en este film parece que eso no existe, pues como los espartanos, no da lugar a sentimentalismo ni concesión alguna a la pena. Es glorificación a la muerte, a un sacrificio mayúsculo por la libertad, a una raza que luchaba por la libertad cuando ni en sus propias sociedades existía, sanguinarios capaces de “descartar” a cualquier recién nacido por el simple hecho de no tener una constitución perfecta para la lucha.

En el fondo, films como “Gladiator” o “Braveheart” nos hablan de personajes honrados y luchadores justos (más o menos) y de ahí que tenga razón de ser el dotar una mínima porción de emoción a la trama, ¿pero acaso los espartanos la merecen?. En ningún momento el film se posiciona sobre quienes son los “buenos” o los “malos”, aunque sí lo parezca, dedica más tiempo al bando de los espartanos, cierto, peca de dar protagonismo a los valientes, pero es que simplemente narra el sacrificio heróico de 300 hoplitas espartanos cegados por la locura de un rey con ansias de gloria y protagonismo contra un ejército gigantesco de persas que oscilaba entre 250.000 y el millón, aunque a la postre tanto su gesta como sus estrategias en combate fueron absolutamente admirables. De todas formas, el film critica ambos bandos a su manera.

Las comparativas con su predecesora en cuanto a temática “El león de Esparta” de Rudolph Maté, son insubstanciales. El film de 1962 intentaba reconstruir los hechos históricos (con unas inexactitudes bastante considerables) y resultaba un film mucho más típico y convencional que el más contemporáneo. Ninguno de los 2 films consigue cotas épicas memorables, pero siendo sinceros, Snyder le da un repaso al film de Maté.

Estoy seguro que más de uno entrara en comparativas con el actual conflicto entre USA e Irak/Irán, y de hecho se podrían sacar mil y un parecidos para constatar que hay detrás una crítica contra esos países y es un film patriótico, pero resulta del todo estúpido e inútil el hecho de comparar ambas cosas o buscar las posibles metáforas para hacer una crítica pro USA. Es una adaptación sobre una novela gráfica que se podría haber hecho ahora o dentro de 10 años independientemente de los conflictos que se estén dando en el mundo. Esa idea de politizar o buscar similes políticos a todo es una autentica necedad.

En definitiva, “300” posiblemente sea uno de los films fantásticos más destacables de este 2007, técnicamente brutal, espectacular, con una estética pictórica, barroca, casi caravaggiana, unas batallas que nada tienen que envidiar a las mostradas en sagas como “El señor de los anillos” pero añadiendo una violencia sin límite, tan salvaje e hipnótica como la mostrada en “Apocalypto” (salvando las distancias), unas actuaciones más que correctas y un score adecuado y compuesto con tiempo necesario (no como en el caso de “Troya” en donde Gabriel Yared cuando había ya compuesta esa joya de banda sonora, lo despidieron y contratron a Horner para que en apenas mes y poco hiciera un mix de sus anteriores composiciones épicas).

Uno de esos films de obligada visión en salas de cine.

Acción, Adapt. Cómic, Críticas, Drama, Fantástico, Histórica 300, Gerard Butler, Zack Snyder

Zhang Yimou, tras realizar autenticas maravillas como “Sorgo Rojo“, “Ni uno menos“, “La linterna roja“, “El camino a casa” o “Happy Times“, decidió hacer su propio film Wuxia, cambiando absolutamente de registro en relación al cine anteriormente hecho, pero dotándolo de su estilo propio, algo similar a lo que ya hiciera Ang Lee con su “Tigre y dragón“.

Aparentemente, “Hero” puede parecer un film más sobre artes marciales, pero todo lo contrario. La belleza plástica de la cinta es simplemente abrumadora. Yimou logra con la ayuda de Christopher Doyle (director de fotografía) y de Tan Dun(músico) unir poesía con acción en un trasfondo colorista y visualmente impecable. Zhang Yimou suele transformar algo cotidiano en poético, sabe muy bien como mostrarnos los sentimientos de sus personajes.

Y eso es lo que más la diferencia del resto de films Wuxia (siempre hay excepciones como “Tigre y dragón“) la complejidad de sus personajes, sus miedos, sus pasiones, sus dudas y su sacrificio por los demás.

Según Zhang Yimou quería llevar el género en una nueva dirección, y desde luego entre él y Ang Lee parecen haberlo conseguido. Y es que en este film lo que nos quiere transmitir el director es el significado que tiene el ser un héroe. Nos habla de sacrificio, de pasión, de venganza (como la mayoría de films Wuxia), de fortaleza, de amistad, de fidelidad. Ensalza el heroísmo y al final del film entendemos que todos han sido unos héroes en sus respectivos papeles de una forma u otra.

Sin Nombre entrando para ser recibido por el rey de Qin tras su proeza

“Hero” nos cuenta que hacia el final de las guerras entre 481 y 221 A.C., China estaba dividida en siete reinos (Qin, Zhao, Han, We i, Yan, Chu, Qi). La guerra era una forma de vida. El avance, tecnológicamente hablando, dio lugar a las armas individuales, lo cual permitiría armar a los soldados de a pie. Esto provocó un nuevo orden en la guerra. Anteriormente, aristócratas y los aurigas habían peleado en las batallas, sólo ellos. Se reemplazó por un General que mandaba a la infantería con campesinos rehenes, que estaban situados en las líneas iniciales y otros comandantes detrás dirigiendo la estrategia.

La Guerra entre los Estados fue un período de pensamiento clásico. Se conoce como el “Período de las Cien Escuelas”. El Confucionismo, el Taoísmo y el Legalismo se desarrollaron durante las Guerras entre los Estados, y se escribieron algunos de los textos poéticos y en prosa más memorables de China. Esta guerra también contribuyó a otros cambios sociales. Se llevaron a cabo reformas en la economía y el desarrollo del hierro mejoró muchísimo la agricultura, promoviendo una explosión demográfica.

Durante dicha guerra, se consolidó el sistema feudal. Las Guerras entre los Estados contemplaron a cada jefe de cada estado reclamar su hegemonía. Cada uno de ellos creía que estaba destinado a unirlos a “Todos Bajo el Cielo”, frase que aparece en el film “Hero” pronunciada por el rey de Qin.

El Rey de Qin era el más despiadado y ambicioso de todos. Considerado históricamente como un tirano , el Rey estaba decidido a conquistar y controlar todos los estados. A lo largo de la historia, ha habido historias de asesinos provenientes de toda China que planeaban matar al Rey de Qin . En el film de Yimou, que por cierto también ha escrito el guión, se nos cuenta una de esas historias, que es como una leyenda, pudo ocurrir algo similar pero exactamente igual no.

Y entonces se empezó a construir murallas. Los estados no pararían hasta crear el primer Imperio Chino. Empezaron a colocar enormes guarniciones y murallas a lo largo de las fronteras, los consejeros militares pensaban posibles estrategias para acabar con los enemigos, y las alianzas posibles hechas entre los estados se firmaban para ser destruídas inmediatamente. En medio del combate estaban los guerreros errantes. Eran luchadores que prestaban sus artes a varios estados en contra de sus enemigos. Eran como mercenarios pero que vendían sus servicios.

El rey del Norte, obsesionado por convertirse en el líder del más grande de los imperios se propuso acabar con sus enemigos, entre ellos los más peligrosos eran Espada Rota(Tony Leung), Nieve(Maggie Cheung) y Cielo(Donnie Yen). Prometió grandes riquezas y poderes a quien pudiera librarle de esos tres grandes guerreros. Nadie en muchos años ha reclamado tan suculento botín hasta que un día aparece el enigmático Sin Nombre (Jet Li), portando las armas de los tres guerreros ya derrotados.

Los Personajes:

Jet Li es Sin Nombre:
Sin Nombre es un jefe de comarca de Qin que se encarga de dar con los asesinos que intentan atentar contra el rey de Qin y acabar con ellos. Dedico 10 años al arte del manejo de la espada. No tiene nombre ya que sus padres fallecieron cuando aún era pequeño. Tiene un golpe maestro: Golpe a diez pasos. Ha conseguido matar a los 3 asesinos que más teme el rey: Nieve, Espada Rota y Cielo y por eso ha sido recibido por el Rey de Qin y será recompensado.

Jet Li nos ofrece una correcta actuación sin demasiados matices a destacar, sabidas ya sus limitaciones como actor. Aún así, esta es una de sus mejores actuaciones y, por supuesto, la mejor película en la que ha participado.

Maggie Cheung es Nieve:
(Zhang Ziyi), la aprendiz de Enamorada de Espada Rota (Tony Leung), Nieve es una mujer fría y distante, la cual no aguanta a LunaEspada Rota. Es un mujer entregada a su amor pero que los celos y la venganza suelen apoderarse de ella.

Pero su amor por espada rota le hará convertirse en heroína via sacrificio.
Maggie Cheung es considerada como una de las mejores actrices actuales. Su papel en “Hero“ es soberbio, es la mejor actuación en este film con diferencia. A recalcar sus impresionantes actuaciones en “Deseando Amar (In the mood for love)” de Wong Kar-Wa, su premiada actuación en el film francés de Assayas “Clean“ o en la hipnótica “2046“ una especie de secuela de “Deseando Amar (In the mood for love)” también de Wong Kar-Wai.

Tony Leung es Espada Rota:
Tan bueno en el arte de la espada como Sin Nombre, su amor por Nieve es directamente proporcional al recibido, y ello , como en el caso de Nieve, le llevará al sacrificio y valor con el fin de demostrarle su amor incondicional.

Junto a Nieve, hace 3 años atacaron al rey, entraron e palacio pudiendo acabar con la guardia del rey y Espada Rota tuvo una larga lucha con el rey. Ganó pero no lo mató ya que entendió el porque el rey actuaba de esa forma, Nieve jamás se lo perdonó.

Tony Leung es uno de los mejores actores de Hong Kong. Visto en “Deseando Amar (In the mood for love)” en donde ya coincidió con Maggie Cheung, también fue protagonista de la fantástica trilogía de “Infernal Affairs” (la 1era y la 3era parte) de Andrew Lau y Alan Mak,”Chungking express“, “Hard Boiled” y “Cyclo” entre otras. Su último film estrenado es “Confession of pain” de los creadores de la trilogía de I. Affairs, junto a Takeshi Kaneshiro y Shu Qi.

Además, “Hero“ para algunos de sus actores (Cheung, etc..) significa su incursión en el género de las artes marciales. Al no estar tan acostumbrados como Jet Li, Zhang Ziyi o Donnie Yen, necesitaron mucho entrenamiento y entrenaron el uso de cables,…. Desde luego, el resultado no pudo ser mejor, ya que además de en la parte dramática cumplen su función (ya era sabida su calidad en este apartado), en las escenas de más acción y riesgo demuestran su profesionalidad y su buena puesta a punto.

Daoming Chen es El rey de Qin:

Recibe a Sin Nombre en su palacio y se dispone a escuchar la historia de cómo pudo acabar él solo con los 3 asesinos más peligrosos: Espada rota, Nieve y Cielo. La sorpresa viene cuando El rey de Qin tiene su propia interpretación de los hechos, y que se asemeja en más bien poco a la contada por Sin Nombre.

Tras los ataques recibidos en los últimos años (el más peligroso fue cuando irrumpieron Espada rota y Nieve) decidió incrementar su seguridad contra los asesinos. Decidió que nadie se acercase a más de 100 pasos sino sería ejecutado inmediatamente. A parte de ello, siempre lleva puesta una armadura para posibles ataques. Delante tiene una gran cantidad de velas que le dicen el ansia de asesinarle que tiene que viene a visitarle.
Actuó también la última entrega de la trilogía “Infernal Affais (Infernal Affairs 3)” donde volvió a coincidir con Tony Leung.

Donnie Yen es Cielo:
A pesar de salir más bien poco en pantalla, queda patente su destreza con las artes marciales. Sin Nombre acabará con él fácilmente ya que pactan y de nuevo lo heroico va ligado a sacrificio. A destacar la lucha imaginaria durante la lluvia y esa música de fondo.

Donnie Yen a parte de actuar en films de artes marciales asiáticas como “Iron Monkey“, “Iron Monkey 2” también lo ha hecho en films americanos como “Blade II” o “Highlander: End Game“.

A parte de ello, ha sido coreografo de acción de films como “Princess Blade“, “Blade II“, “The Twins Effect“, “Iron Monkey“ o “Highlander:End Game“.

Zhang Ziyi es Luna:
Luna es la aprendiz de Espada Rota. Quiere llegar a ser tan poderosa como él. Además de respeto hacia él, está profundamente enamorada.
Ello le llevará algún que otro roce con Nieve. Fue adoptada y prácticamente criada por Espada Rota desde niña. Le está enseñando el arte de la espada y su conexión con la caligrafía. Su personaje es junto a Cielo uno de los que dispone de menos minutos en pantalla.

Desde que el propio Zhang Yimou la descubriera y la hiciera debutar en la excelente y minimalista “El camino a casa“, Zhang Ziyi ha ido demostrando su talento de proyecto en proyecto. En “Tigre y dragón” llevaba prácticamente junto Michelle Yeoh, el peso del film, y eso que era su segunda película.

Ha actuado en “El camino a casa“, “Tigre y dragón“, el excelente film épico “Musa“, “Purple Butterfly“ y en las comerciales “My wife is a ganster 2“, “Hora Punta 2“, “Zu Warriors“, “La casa de las dagas voladoras“, “Memorias de una geisha“, “The banquet” o “2046“.

“Hero” homenajea a 2 grandes obras del maestro del cine japonés Akira Kurosawa. Primero a “Rashômon” por el hecho de contar una misma historia desde diferentes puntos de vista y a “Ran“, uno de los films de Kurosawa ya en color.


La fotografía y la simbología colorista en “Hero”:

El australiano Christopher Doyle, uno de los mejores directores de fotografía del mundo, que normalmente trabaja en films asiáticos (Hong Kong) y algún americano como “Psicosis” el remake del film de Hitchcock a cargo de Gus Van Sant, se encargó de llevar la dirección de fotografía de este film que une complejidad y belleza a partes iguales.

Aquí, en “Hero“, nos hace un regalo a la vista, jugando con el colorido y asignando un color a cada uno de los puntos de vista contados que también va ligado a su significado y a las acciones que realizan los personajes.

Doyle dota a “Hero” de una fuerza visual única, en donde cada imagen alcanza un status de algo fantástico, de algo estéticamente bello y perfecto. La idea de utilizar los colores vino muy pronto y fue pensada por él y Zhang Yimou.

La simbología visual de “Hero” se muestra en diferentes colores dependiendo del momento y del punto de vista. También se han tintado los trajes de los personajes dependiendo del tono usado en la fotografía.


Los colores en la cultura y tradición china tiene su significado:

Empieza el film con tonos de corte negro y muy oscuros, en el palacio del rey de Qin. Creo que indican la soledad que conlleva tan magno poder. El rey es un ser incomprendido que pasa los días intentando llevar a cabo su misión, a pesar de que ello le separe del lado de mucha gente y le ocasione vivir en continuo miedo a posibles atentados contra él.

Sin Nombre a 100 pasos del rey de Qin.

Prosigue el film, ya cuando Sin Nombre ha empezado a explicar su relato, y nos encontramos con la historia de cómo acabó con Cielo. Podemos comprobar que a pesar de tener tonos grisáceos (pueden deberse a causa de la lluvia), este tramo no posee una fotografía demasiado particular. Puede ser … porque es la única parte de la historia que cuenta Sin Nombre que es realmente cierta (el 90% de ella), a excepción de que ya se conocían y fue pactado. Lo cierto es que en ese tramo, las coreografías a cargo de Ching Siu-Tung son de lo mejorcito de la cinta. Yimou nos adentra en esa fascinante lucha imaginaria en B/N pletórico y en donde entra mucho en juego los fabulosos efectos digitales del agua y la siempre estilizada cámara lenta o ralentí.

Sin Nombre tras una lucha.

En el apartado de Cielo, se nos enseña como las artes marciales y la música son diferentes pero ambas comparten el mismo principio. Ambas enfatizan el alcanzar un estado supremo. Ambas requieren un estado de concentración único.

La lucha entre Sin Nombre (Jet Li) contra Cielo(Donnie Yen).

A continuación, Sin Nombre explica como acabó con los otros 2 asesinos: Espada Rota y Nieve. El tono utilizado para esta historia es el rojo. El rojo indica La pasión que sienten los enamorados Espada Rota y Nieve, que les puede llevar hasta extremos inimaginables. Sin Nombre se disfraza de ciudadano del reino de Zhao y encarga a Espada Rota que escriba en grande la palabra espada usando tinta roja. Está en una escuela de caligrafía, en donde nos viene a decir que caligrafía y espada son intrínsecamente similares, ya que hay que comprender su verdadera esencia.

Poco después de haber llegado Sin Nombre a Zhao, las tropas del rey descargan su ira contra este pequeño reino, utilizando sus temidas lanzas. Sin Nombre y Nieve intentaran detener este gran ataque.

Sin Nombre los ganó utilizando su amor y su pasión mutua. Se decía que Nieve había pasado una noche con Cielo. Sin Nombre, cuando los 3 estaban reunidos en la biblioteca, les comentó que había derrotado a Cielo y les enseño su espada y dijo lo que le había comunicado antes de morir: que tras una vida sin responsabilidades ni compromisos solo quería a una persona que era Nieve.

Sin Nombre observando como Espada Rota(Tony Leung) escribe la palabra espada, a su lado su aprendiz Luna (Zhang ZiYi).

Espada Rota, decidió esa noche acostarse con su aprendiz Luna y hacerlo de forma que Nieve se enterase. Más tarde Nieve le atravesó con su espada. Su corazón se había ennegrecido por los celos y la rabia. Sin Nombre había conseguido deshacerse de Espada Rota, su enemigo más temido solo utilizando su amor y su pasión , de ahí ese uso del color rojo.

Esta escena nos recuerda por su fotografía a Deseando Amar también de Christopher Doyle. Los pasillos de la escuela de caligrafía de Zhao.

La lucha entre Luna y Nieve está representada con el color amarillo que significa deseo. Luna desea acabar con Nieve. Aún a sabiendas de que no está a su nivel intentará acabar con quien le ha arrebatado a su amor. Ella cree que Espada Rota no la merecía. Esta es quizás una de las escenas más bellas de todo el film, la escena de la lucha bajo el manto de hojas otoñales, en un bosque totalmente amarillo que se transforma en rojo para expresar la muerte, que se ha vertido sangre en una escena prodigiosamente poética. Sin duda, uno de los mejores momentos cinematográficos del cine a nivel mundial en el 2003.

En las imágenes siguientes podemos ver dicha transición:

Antes de que se vierta sangre

Tras vertirse sangre, en una transición tan complicada como preciosa.

A continuación, se nos explica, ahora desde el punto de vista del rey de Qin, lo que, según él, realmente pasó entre Sin Nombre, Nieve y Espada Rota. Para ello se utiliza tonos azulados que significan transparencia, que por cierto Yimou nos lo ofrece esto explícitamente en las escenas con telas sobreimpresas. La transparencia y la pureza del amor entre ambos es imperecedera. En este caso, el sacrificio cobra protagonismo, y aquí Maggie Cheung y Tony Leung están simplemente soberbios.

Espada Rota(Tony Leung) escuchando la historia de Sin Nombre les está contando.

Nieve (Maggie Cheung) preparándose para el sacrificio, no sin antes luchar.

Prosigue con esta tonalidad, en posiblemente una de las secuencias más líricas, minimalistas y casi oníricas de la cinta de Yimou: la lucha imaginaria y poética en el lago cristalino en honor a Nieve. Técnicamente muy conseguida y con un mensaje universal y sincero. Nos recuerda al Yimou de las historias rurales y films más de autor.

La casi onírica escena de el lago cristalino.

Después pasamos al color blanco que nos indica tristeza. Dentro del cual hay un flashback de cuando hace 3 años, Espada Rota y Nieve atacaron al Rey de Qin. Dicho flashback está representado con el color verde que significa furia. La furia que sienten ambos por acabar con el rey de Qin.

Nieve y Espada Rota practicando caligrafía juntos.

Ataque de Nieve y Espada Rota al Rey de Qin 3 años atrás.

Volviendo a la historia de tonos blancos, tras fracasar en el intento de ataque al rey de Qin anteriormente citado, Nieve no comprende la nueva postura de Espada Rota de defender al rey de Qin ya que según él por fin ha comprendido su propósito que debe llevar a cabo.

El color blanco representa la tristeza que sienten los 2 al sacrificarse ambos, en una escena aérea bella y muy triste a la vez. Representa también la tristeza de Luna por perder a su amor y maestro Espada Rota. Sus sacrificios heroicos sirven para que Sin Nombre decida si hacer caso al consejo de Espada Rota o por el contrario acabar con el rey de Qin como haría Nieve. Eso, como puede verse en el film, dependerá de cómo transcurra la larguísima conversación entre Sin Nombre y El rey de Qin.

Luna es atacada por Sin Nombre.

Por eso antes decía que en este film todos son héroes en su respectivos casos, no sólo Sin Nombre.

Espada Rota y Nieve en la escena más triste del film, de ahí el color fotográfico utilizado en ese tramo: el blanco, que significa tristeza.

La música de “Hero”:

Tan Dun que ya colaboró con Ang Lee en la fabulosa “Tigre y dragón“, acompañado por los violoncelos de Yo Yo Ma. En “Hero” se alía con Itzhak Perlman para que haga los solos de violín y con Kodo para los tambores. La música compuesta para el film guarda cierta similitud con la de “Tigre y dragón“. En ciertos momentos como la escena de la lucha bajo el manto de hojas en ese bosque otoñal utiliza coros o solo una voz para mostrar la grandeza del momento tan bien acompañada por las bellísimas imágenes filmadas por Zhang Yimou.

Las 2 versiones de “Hero”:

“Hero“ es una coproducción con Miramax, la cual le ofreció la posibilidad de tener más medios aún de los disponibles y poder filmar con comodidad en el desierto o contar con lo último en efectos especiales todo gracias a entre otras su inversión.

El problema vino después, ya que la propia Miramax se negó a estrenarla en Estados Unidos cuando estaba a punto de hacerlo. Incluso tras estar nominada al oscar a mejor película extranjera, los hermanos Weinstein no se decidían a estrenarla.

De “Hero“ existen 2 versiones: la versión para cine que es la recortada y la que se ha estrenado en el resto del mundo, y el director’s cut con 20 minutos más. Quentin Tarantino, uno de los mayores valedores del cine oriental, vio la cinta en director’s cut y le encantó. Presionó a los hermanos Weinstein para que no solo se estrenará en USA sino que lo hiciera directamente ya la director’s cut. Parece ser que les ha convencido.

Las escenas añadidas en el Director’s Cut son las siguientes:

Después de luchar con los soldados de reino de Qin, Cielo da dinero al músico.

Espada Rota escribe otra version de la palabra “Espada”, en presencia de Sin Nombre.

Durante el ataque a Zhao, Luna protege a Espada Rota mientras el está escribiendo. Sin Nombre aún está ahí, y finalmente se levanta. Él conoce a Nieve,
pero espera unos segundos antes de que ambos salgan fuera.

Después de que Nieve le haya visto a Espada Rota junto a Luna, Espada Rota añade unas pocas líneas de diálogo para hablar con Nieve.

Después de Nieve mata a Espada Rota, hay una linea de diálogo añadida.

2 escenas de la lucha entre Luna y Nieve que es mucho más larga, llena de nuevas o extendidas escenas.

Algunas tomas suplementarias de la lucha entre Sin Nombre y Nieve.

En la lucha entre Sin Nombre y Espada Rota la introducción es diferente. Sin Nombre pregunta a Espada Rota para luchar en el honor de Nieve. Espada Rota acepta el ofrecimiento con un “Gracias“. La lucha es también mucho más larga, con nuevas y extendidas escenas. Todas las tomas de las caras de los personajes han sido eliminadas, haciendo una lucha real y no “en la mente” como en la versión estrenada en cines.

Escena extendida, con algunas nuevas tomas del encuentro entre Espada Rota y Nieve.

Escenas nuevas y extendidas de la lucha en palacio entre El rey de Qin y Espada Rota.

Sin Nombre parte para matar al rey de Qin:
Cuando Luna habla con Sin Nombre después de que marcha de Espada Rota, ella elige matarse, pero Sin Nombre le previene para que no lo haga. En el montaje original, ella le hace una pregunta a Sin Nombre para que reconsidere.

Escena borrada del metraje: Algunas nuevas tomas de Espada Rota y Nieve en el desierto cuando se alza la bandera amarilla. Esa pequeña toma con Jet Li abandonando el lugar ha sido eliminada.

En China se lanzaron 3 ediciones con el tan esperado metraje extendido de “Hero“. En España no sabemos todavía si podremos disfrutar algún día de esta obra completa, todo lleva a pensar que no. Desde luego, merece la pena el esfuerzo por traerla en condiciones.


El dvd:

Se nos presenta en una caja de las que siempre utiliza la distribuidora Columbia(Scanavo), en una edición muy básica de 1 sólo disco.

Los menús son tristemente demasiado simples y de aspecto poco conseguido. De animación muy desfasada y los menús internos con animación testimonial. El menú de capítulos sin animación aparente solo con música de fondo. Las transiciones entre menús tampoco me han gustado, no son nada elegantes , eso sí son animadas. Sinceramente, no solo me parecen unos menús nada apropiados sino que podría pasar perfectamente como menús de ediciones de hace 3 o 4 años o incluso más. Para nada elaborados.

La imagen se presenta respetando el formato original expuesto en las salas 2.35:1 y con un decente master anamórfico.

La imagen a simple vista no presenta defectos ni fallos de compresión o manchas aunque algo de grano si hay, aún así la definición la veo mejorable, aunque el contraste es destacable. Hay que tener en cuenta que no se ha usado un master de dvd existentes en otras zonas sino que se ha hecho a partir del disponible en España. Y para comprobarlo, nada más hay que ver el inicio con las letras en castellano y en este caso no se ha usado ningún tipo de selección de intro al estilo de los dvds de Star Wars.
Lo dicho, imagen buena pero algo mejorable según mi opinión.

Tenemos 3 pistas de audio todas en Dolby Digital 5.1. La mejor de todas ellas, como casi siempre, es la pista original (Chino Mandarín). La pista en castellano goza de bastante calidad pero muy inferior a la original. Además el volumen medio de ambas pistas varia considerablemente haciendo potenciar más los efectos en la pista original sin molestar. Aún así, ambas pistas están bastante bien. La original, casi de referencia.

El audio en húngaro no ha sido analizado. Considero que ese espacio que ocupa ese lenguaje de dudoso interés por estos lares, se podría utilizar para incluir más extras existentes en otras países.

Los subtítulos que tenemos son Inglés, Español, Húngaro y Búlgaro. No se ha detectado desincronización en los subtítulos en castellano e inglés. Los demás no han sido analizados.
A comentar el error en el cambio de capa, simplemente muy mal. Lo han hecho en medio de una conversación y con música de fondo. Hay muchos momentos para hacerlo y ese era uno de los menos indicados.

En este dvd no se nos ofrecen los extras que necesita un film de esta categoría Aunque cabe recordar estamos ante un film oriental y de poco éxito comercial en nuestro país, por lo que los extras que se nos presentan tampoco están mal, pero son muy mejorables viendo las ediciones extranjeras de Hero, muchas superiores a la española en este apartado. Creo que las distribuidoras siempre tendrían que editar los dvds de sus films en ediciones con la mayor calidad posible tanto en imagen y sonido como en extras, sin tener en cuenta su éxito comercial. Un caso ejemplar es la edición “Deseando Amar (In the mood for love)“ editada por Divisa en 2 discos y lleno de extras, decir que es la mismita edición que la editada por Criterion en los USA. Dicho film tuvo nulo éxito comercial, sin embargo es una obra artísticamente sublime que se merece esa edición.

Los extras incluidos en el dvd de hero son:

• Así se hizo: Un making of separado en los siguientes temas: La definición, los antecedentes, la acción, los desafíos, la magia. En este documental Zhang Yimou, Christopher Doyle, Tony Leung, Maggie Cheung, Jet Li,… y demás components del film nos explican el camino que les llevo durante esta aventura llamada Hero. Jet Li se mostraba orgulloso de participar en un film Wuxia en donde la trama era más importante que la acción. Maggie Cheung y Tony Leung explican el duro entrenamiento físico que tuvieron que llevar a cabo para estar a punto. También tuvieron que practicar hasta dominar el uso de los cables, tan usados en los films asiáticos y cada vez más en los americanos.
  A pesar de ser un making of de corte promocional, nos ofrece alguna que otra información de lo más interesante. Se presenta en inglés y chino mandarín subtitulado en castellano.
  Su duración es de 23 minutos 33 segundos.
• Galería animada: Una galería de fotos con animaciones sin más. Un extra agradable pero que aporta más bien poca información.
• Trailers:
  • En carne viva: Film en donde sale Meg Ryan. En Dolby Surround doblado al castellano. Dura 2 minutos 5 segundos.
  • The Missing Gun: Film oriental producido por Columbia Asia. En Dolby Surround en inglés subtitulado en castellano, inglés y húngaro. Dura 1 minuto y 18 segundos.
  • Warriors of Heaven & Earth: Película épica de próximo estreno en cines en España. También producido por Columbia Asia. Se presenta en inglés Dolby Surround sin subtitulos. De duración 1 minuto y 2 segundos.
  • La calidad de imagen de los 3 trailers es buena.
    No se incluye el trailer de Hero. ¿Tanto cuesta incluirlo en las ediciones en vez de poner trailer de otros films como En carne viva que nada tienen que ver?.
• Biofilmografías:Biofilmografía (Textos en castellano) de Jet Li, Zhang Ziyi, Maggie Cheung, Tony Leung, Donnie Yen y Zhang Yimou.
• Cuestión de honor:Un extra de lo más promocional. No tiene absolutamente nada que ver con el film, solo que Jet Li aparece en el juego. Dentro de este apartado encontramos:
  • Así se hizo: Un documental de cómo se hizo el juego, basándose en pelis de acción de Hong Kong. Su duración es de 3 minutos y 48 segundos.
  • Trailer: Trailer del videojuego Cuestión de honor con un Jet Li digital. De duración 1 minuto y 44 segundos.

Ediciones extranjeras de Hero:


- Edición Francesa (2 discos)- Universal:

Incluye:

• Presentada en un digipack
• DTS y Dolby Digital 5.1 tanto en francés como en Chino Mandarín
• Making Of
• Un reportaje inédito sobre Zhang Yimou
• Un reportaje de los decorados
• Documentales
• Documental sobre la música
• Filmografías
• Trailers

- Hero: Ultimate Edition (Region-3 / 3 Discos) + Libreto con imágenes en color:

Incluye:

• Digipack para 3 dvds
• DD 5.1 EX Surround y DTS-ES 6.1 en Chino Mandarín
• Hero (Entrevistas a los actores y al equipo)
• Detrás de Hero(Making of Hero / NG Cut / Detrás de las imágenes / Storyboard)
• Galería de Hero (El viaje de Hero / Fotos / Artwork & Merchandising / Draft)
• Algo acerca de Hero (Seminario Héroe tras héroe /El color en Hero)
• Documental (24 min)
• Trailers (2)
• TV Spots (5)
• Documental: Cause

- Hero Director´s Cut: Extended Standard Edition:

Incluye:

• DD 5.1 , DD 2.0 Stereo y DTS en Chino Mandarín
• Es Zona 0, por lo tanto se puede ver en cualquier reproductor sin ser multizona.
• Libreto de Fotos (12 Páginas)
• Los extras solo tienen subtítulos en chino
• Estuche de lujo
• 40 mins de Entrevistas a los actores y al equipo.

- Hero Director´s Cut: Limited Extended Special Edition (Cardboard Box Set):

Incluye:

• DD 5.1 , DD 2.0 Stereo y DTS en Chino Mandarín
• Es Zona 0, por lo tanto se puede ver en cualquier reproductor sin ser multizona.
• Libreto de Fotos (12 Páginas) con la firma del director.
• Los extras solo tienen subtítulos en chino
• Estuche de lujo
• 1 Hora de Entrevistas a los actores y al equipo.

Hero (Zona 1):

Aunque aún no se saben las características técnicas ni los extras de esta edición, promete ser mejor que la que disponemos por aquí. Por cierto, en la portada se puede ver lo que he comentado antes, Quentin Tarntino ha sido el autentico productor y propulsor para que esta obra vea la luz en Estados Unidos.

“Hero” es una absoluta joya visual y solo por eso merece la pena tenerla en dvd. El dvd editado en Zona 2 españa no está mal, pero es muy mejorable. Ojalá se edite en un un futuro no muy lejano una edición especial que contenga el director’s cut. Mientras tanto, disfruten de este film en su versión para cines, que lo que ofrece no es poco.

Acción, Artes Marciales, Asia, Cine de autor, Críticas, Drama Asia, Hero, Jet Li, Maggie Cheung, Tony Leung Chiu Wai, Zhang Yimou

Panorámica mundial en 6 minutos:

Podríamos calificar al gran Osamu Tezuka como uno de los padres del manga y del posterior cine de animación denominado en Japón anime. Responsable de una obra llena de joyas, algunas conocidas y otras desconocidas u olvidadas, Tezuka consiguió aunar calidad visual con fuerza narrativa regalando a los espectadores piezas entretenidas sorprendentemente estilizadas y a la vez maduras reflexiones sobre muchas de las problemáticas mundiales.

Algunas de sus obras más reconocidas serían la famosísima “AstroBoy” (pieza de culto para cualquier otaku), “Metropolis” que fue llevada al cine en el año 2001 por Rin Taro, “Kimba, el león blanco” de la que muchos vieron plagio en la posterior cinta de Disney “El rey León” con un protagonista de casi idéntico nombre: Simba, sin olvidarnos de su esmerado y majestuoso trabajo en “Adolf“, “Fénix” o “Black Jack“.

Para quien escribe estas lineas, le parecía interesante rescatar este corto de animación titulado “Jumping“, una de las mejoras piezas de animación de los 80 bajo mi humilde punto de vista, ya no solo por la increíble calidad visual y sonora (velocidad, escala, uso tan inteligente del 2D y la perspectiva en el dibujo, sin uso de música solo efectos sonoros muy trabajados,…) sino por el mensaje dado desde los ojos de un niño, del cual cada salto es cada vez más y más grande, asimilándolos a los dados por la humanidad, así pues vemos como pasamos de un entorno natural/rural a un lugar contaminado por la industria, lleno de grandes edificios y lleno de estridencia acústica. Tras unos cuantos saltos más y tras dar la vuelta al planeta llegamos ante la guerra y la bomba atómica representada posteriormente por el infierno absoluto. ¿La humanidad ha dado tantos saltos para llegar a eso, al desastre?.

Como si fueramos observadores, Tezuka nos da la posibilidad para que en 6 minutos comprobemos, reflexionemos y analicemos como toda nuestra evolución será también nuestro fin. Lo cierto es que casi todo siempre vuelve a los origenes, de ahi que su corto acabe donde comenzó.

Una autentica maravilla.

Animación, Asia, Cortometrajes, Críticas Jumping, Osamu Tezuka

Rodada en tan solamente 10 días, “Breath” AKA “Soom” el nuevo trabajo del director Kim Ki-Duk llegará a las pantallas coreanas en verano.
La historia trata de una mujer enamorada de un preso condenado a muerte, el reparto lo forman el actor taiwanes Chang Chen (2046, Eros), Ha Jeong-woo (Time, The Fox Family) y Park Ji-ah (Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring, The Coast Guard).

Os dejo con el poster:

Asia, Cine de autor, Drama Breath, Kim Ki-Duk

El hecho de que un productor se pase posteriormente a la dirección no suele dar buenos resultados. En el caso de Stanley Kramer, estamos ante un productor con ojo y que sabía donde invertir su dinero. Su labor posterior como director es aceptable y en ocasiones dio lugar a films estimables y hechos con oficio, pero tan solo eso.

“Vencedores o vencidos” es un film destacable dentro de la fimografía de Kramer, con unas interpretaciones maravillosas pero que peca en algunos apartados de falta de ritmo y sobre todo de poco oficio por parte del realizador, o de poco virtuosismo. Kramer opta por soluciones para evitar un abuso del plano-contraplano ciertamente cuestionable y de dudoso gusto y eficacia en un especie de ejercicio de autoobligación injustificado por mover la cámara.

Como ya es bien sabido, el film narra los juicios Nüremberg contra los jueces del poder nazi. Contiene un innegable interés (ante todo histórico) e interpretativamente es ciertamente remarcable. Spencer Tracy -substituyendo a un tremendamente ocupado por aquel entonces Laurence Olivier- interpreta al juez Dan Haywood con solvencia, aunque quizás los más destacables sean Burt Lancaster, Maximilian Schell -el cual ganó el oscar por dicho papel, y ya había interpretado el mismo rol en la tv-movie homónima de George Roy Hill-, Marlene Dietrich (de la cual su personaje está totalmente desaprovechado) , Richard Widmark, Judy Garland y Montgomery Clift. Un casting magnífico y en estado de gracia al completo prácticamente.

Algo negativo es el exagerado dramatismo que poseen algunas escenas y que, sin luagr a dudas, extrae verosimilud a la propuesta. Kramer era un director que seguía excesivamente los cánones del cine hollywoodiense y en la mayoria de sus films no suele haber lugar para el riesgo cinematográfico y tiende al clasicismo más rancio, bajo mi humilde punto de vista.

Por otro lado, considero que el film se mantiene con el tiempo sobre todo por su interesantísima temática histórica y por su elenco de actores, que no por sus labores técnicas o visuales (recordemos esos horrororos zooms o que no pare quieta la cámara) o por su ritmo (en este punto, únicamente en algunos tramos en donde se excede demasiado, bajo mi humilde punto de vista).

Hay secuencias imperecederas en la cinta, como el discurso de Burt Lancaster, el monologo de Spencer Tracy al dictar veredicto, las escenas de esa Alemania derruida por la guerra que recuerda al Berlin de Rossellini en “Alemania año cero” o a “Berlin occidente” de Billy Wilder. Incluso al último film de Steven Soderbergh, el cual bebe de las dos anteriores.

Si por algo “Vencedores o vencidos” es un buen film es por el dilema ético que trata e invita a reflexionar: ¿Fueron realmente obligados y/o amenazados para aprobar semejantes veredictos los jueces del Tercer Reich? ¿Pueden tener una defensa honrada? ¿Qué pena aplicar ante ese genocidio?. En resumen, es un buen film por su excepcional guión ya no solo documentado sino estructurado a la perfección.

A “Vencedores o vencidos” quizás le sobra metraje y le falta algo de riesgo cinematográfico por parte de su realizador, pero aún así, a pesar de ello, supone un muy buen drama judirico-histórico, con un guión maravilloso con sus dilemas morales, reflexiones y citas memorables, unas interpretaciones llenas de matices, y un vibrante ritmo en la mayoría de su metraje (para ser un film judicial).

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100.000 retinas presenta la novena edición de BAFF 2007 – FESTIVAL DE
CINE ASIÁTICO DE BARCELONA. Esta nueva cita con el mejor cine de producción asiática reciente se celebrará entre el 27 de abril de abril y el 6 de mayo de 2007.

Al CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona), las dos salas de los cines Aribau Club y al auditorio de Casa Asia se incorporan este año dos espacios: el Espai Cultural de Obra Social Caja Madrid de Barcelona y el Espacio Movistar.

Un año más el BAFF presenta una cita ineludible con lo mejor de la producción asiática reciente, con una selección de más cincuenta películas, repartidas entre las diferentes secciones. En la Sección Oficial a concurso (en la que se entrega el premio Durián de Oro, cortesía de Casa Asia), tomarán parte once películas procedentes de Corea, Japón, Indonesia, China, Hong Kong y Malaisia.

La sección AS (Asian Selection) presenta una selección de lo mejor de los diferentes festivales internacionales, y cuenta entra las películas seleccionadas con las más recientes obras de viejos conocidos del festival, todos ellos nombres imprescindibles de las nuevas cinematografías asiáticas: el León de Oro de Venecia 2006 Jia Zhang Ke (“Still Live“), Tsai Ming Liang (“I don’t Want To Sleep Alone“), Djamshed Usmonov (Durián de Oro del BAFF 2004, que presentará su nueva película “To Get to Heaven First You Have To Die“), Apichatpong Weerasethakul (“Syndromes and a Century“) y Ryuichi Hiroki (Mención especial y Premio del público del BAFF 2006, presente con su nuevo filme “M“).

La sección D-Cinema, dedicada al cine en formato digital y las propuestas más emergentes e innovadoras, crece considerablemente y ocupará el Espai Cultural de Obra Social Caja Madrid, con un programa dedicado a la diáspora asiática confeccionado en colaboración con el San Francisco Asian American Film Festival, que colabora por segundo año consecutivo con el BAFF. El resto de la programación de esta sección refleja el momento actual del cine digital, un formato que a sus posibilidades estéticas une un creciente interés por la narratividad. Prueba del creciente interés del cine digital es la concesión en esta sección del Premio DCINEMA a la mejor producción.

El Espacio Anime, de entrada gratuita en el hall del CCCB, estará ocupado por una programación de cortos y animación japoneses, realizada en colaboración con el festival de cine Nippon Connection de Frankfurt am Main. Igualmente, este año habrá también sesiones Especiales dedicadas al cine de género donde también tendrá cabida el cine made in Bollywood con la presencia de la última película protagoniza por Shahrukh Khan Don.

El país invitado del BAFF 2007 es la China continental. Un país enorme con una tradición milenaria que además en los últimos 20 años se ha convertido en un bastión prolífico del mejor cine de autor contemporáneo y que ha conquistado por derecho propio su presencia en los festivales internacionales, donde ha obtenido importantes premios. La increíble eclosión de la llamada Quinta Generación de cineastas chinos en los 80, con Zhang Yimou a la cabeza, es quizá la cara más conocida de este cine para los espectadores occidentales. Obviando el cine producido en Hong Kong (que merecerá un apartado especial en futuras ediciones del BAFF), este año se presenta una selección de 15 películas que abarca desde los años 80, con los reinventores del cine chino de la Quinta Generación (Chen Kaige, Zhang Yimou, Tian Zhuang-zhuang), la Sexta Generación o post-Tienanmen (Zhang Yuan, Ning Ying, Jiang Wen) hasta los novísimos directores del siglo XXI con Jia Zhang Ke como el director de mayor trascendencia –no sólo asiático – de los últimos años.

El BAFF 2007 se inaugurará el día 27 de abril en los cines Aribau Club con la película del director chino Zhang Lu, ganador del Durián de Oro en el BAFF 2006 por su película Grain In Ear. Su nueva película, que Zhang Lu estará presentado personalmente, se titula “Desert Dream (Hyazgar)“, y fue estrenada en el Festival de cine de Berlín 2007. A la inauguración seguirá una fiesta en el Museu Drassanes de Barcelona.

La clausura del BAFF 2007, que pretende ser una fiesta abierta a todos los aficionados que hayan asistido al festival durante los diez intensos días de duración, se realizará en el Espacio Movistar del Fòrum de Barcelona con la proyección de una película aún por determinar.

El BAFF es un festival único en toda España. El único dedicado exclusivamente a las cinematografías asiáticas, que cada día despiertan más interés entre los festivales no especializados y que tiene un público amplio, fiel y cinéfilo. En la edición del BAFF 2006 pasaron por los diversos espacios del festival más de 20.000 personas.

Fuente: BAFF (Website oficial)

Asia, Festivales BAFF, festivales de cine

Kick es el primer disco de la banda londinense White Rose Movement. El nombre de la banda hace referencia al grupo de resistencia formado por estudiantes alemanes en contra de Hitler, durante la ocupación Nazi.

En el disco hay referencias ochenteras, un toque muy post-punk, new-wave, electroclash y new romantic, con influencias claras a Joy Division, New order, Depeche Mode, The Cure, Duran Duran e incluso con algún toque a lo Rage against the machine.

Estuvieron este febrero en el Festival In-Somni junto a los catalanes (y excelentes) Mendetz, y también los pudimos ver el verano pasado en el FIB.

Sin más, aquí os dejo unos cuantos videos musicales pertenecientes a este excelente disco debut. Disfrutadlos.

Girls in the back:

Música, Videos Musicales Kick, White Rose Movement

La sensibilidad de lo sobrenatural:

Pocos films destilan ese aroma de calidad y humildad como esta obra de Mizoguchi, un director capaz de mostrar lo sobrenatural o extraordinario de un modo plenamente realista, a diferencia de Ozu que se dedicaba más a mostrar lo ordinario o cotidiano.

Apartado del cine épico espectacular de Akira Kurosawa, Mizoguchi apuesta por un cine atestado de valores tradicionales en donde suele mezclar lo real con lo sobrenatural -ambos mundos separados por una finísima línea- en un cine que nos habla de la aceptación del hogar, la felicidad, el amor (y sus tipos), la familia (sus relaciones, sus dificultades, sus miedos), el honor y de la responsabilidad. El film de Mizoguchi es claramente de corte fantástico enmarcado en un período de época, pero en ningún momento pretende conseguir un relato épico retórico.

Arranca con un bello plano secuencia de corte pictórico que nos sitúa geográficamente (muy característico del director nipón) y presenta a un pueblo en un tiempo enmarcado en plena guerra civil.

Las circunstancias harán que el protagonista, -un alfarero encarnado por Masayaku Mori, el cual vuelve a coindir con Machiko Kyô tras “Rashômon” de Kurosawa-, se vea obligado a abandonar a su propia familia para poder vender la mercancía que ha podido salvar. Dicha mercancía es comprada por una dama de aparente alta clase social que consigue fácilmente seducir al alfarero. Una vez pasada la noche con la dama, descubrirá que no era real. El mundo sobrenatural ha irrumpido en el real. Exactamente, eso es lo que ocurre en el epílogo del film cuando por fin el alfarero abre los ojos y cae en la cuenta que su mujer falleció y que solo ha estado tratando con su espíritu.

Mizoguchi propone un dilema entre los distintos tipos de amor que se dan en el film: Por un lado el amor de pareja, el familiar, el tradicional, el sagrado y por otro el amor lujurioso, irresponsable y profano.

Algo también innegable es la importancia de la mujer y el tratamiento de ésta en sus films, sobre todo respecto a su posición social y sus relaciones con los hombres. El hombre es quien cae hechizado por el poder espiritual y posesivo de las 2 mujeres protagonistas del film.En el caso del hombre, vemos una reivindicación de lo individual en ciertos aspectos como una alegría por mejorar su situación personal, laboral y familiar, por superar los obstáculos encontrados y ampliar horizontes, algo que es convertido totalmente en egoísmo debido a esa insistencia e impaciencia por alcanzar el sueño de llegar a ser un honorable samurai, despreocupado aún teniendo a su familia abandonada. La avaricia y las ansias llevan a una clara perdición, eso es el mensaje de Mizoguchi en el film.

Nunca desaparece del todo esa aura sobrenatural que envuelve “Cuentos de la luna pálida”. Sin utilizar ningún recurso visual específico e identificativo para las escenas oníricas/sobrenaturales, como si era costumbre en Buñuel u otros, Mizoguchi crea una historia en donde ya no solo combinan sino que cohabitan ambos mundos, la fantasía superpuesta con la realidad, todo ello mostrado visualmente de la misma forma.

Muchos planos contienen una estética plenamente fantasmagórica, por ejemplo la escena de la barca con esa bruma que lo oculta casi todo y ese detalle de esa barca que pasa destrozada por un ataque, una sutil muestra visual de un peligro inminente, un miedo a lo desconocido tras esas brumas. En la actualidad, Steven Spielberg hizo uso de este recurso visual en la infravalorada “La guerra de los mundos” en aquella escena en donde pasaba ese tren ardiendo, toda una premonición del terror y caos que estaba por llegar.

“Cuentos de la luna pálida” ofrece un mensaje universal y de una validez atemporal: Debemos ante todo ser humildes, responsables y buenas personas.

Una película fascinante, humilde, desconcertante, única, con una sensibilidad puramente oriental y, ante todo, tremendamente hermosa.

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Pues nada, sin ninguna intención de autobombo, solo decir que me parece una cifra significativa en tan poco tiempo y creía oportuno dedicar un post para agradecer a todos los que visitáis el blog y opináis en los comentarios. No creo que merezca tanto caso jeje.

Un saludo amigos!

General Estadísticas blog

Os dejo las nominaciones de esta 1era edición de estos premios. Promete ser un duelo entre algunos de los mejores directores actualmente en Asia: Zhang Yimou (“El camino a casa”, “La linterna roja”, “La casa de las dagas voladoras”), Johnnie To (“The Mission”, “PTU”, “Election”), Bong Joon-Ho (“Memories of murder”, “Barking Dogs”), Yôji Yamada (“El ocaso del samurai”, “The hidden blade”), Jia Zhang Ke (“The world”, “Xiao Wu”), Hong Sang Soo “Turning Gate”), Apichatpong Weerasethakul (“Tropical malady”) y Tsai Ming-Liang (“What Time Is It There?”).

De entre los actores y actrices nominados destaco el trabajo de los siempres excelentes Song Kang-Ho, Andy Lau y Ken Watanabe. Chang Chen me parece un correcto actor, que por cierto, no lo he visto aún en “To go master“. De las actrices destacar Gong Li (ella y su gran presencia en pantalla), la omnipresente Zhang Ziyi (todo un clásico en las nominaciones asiáticas) y Lim Soo-Jung (por el trailer) parece que ha hecho una buena creación para el último film de Park Chan-Wook.

Los ganadores de dichos premios se darán a conocer el 30 de Marzo.

Asia, Premios First Annual Asian Film Awards

Ya queda menos para el estreno de uno de los films más esperados del 2007 (al menos para un servidor): “Sunshine“, lo último de uno de los directores británicos más interesantes de la actualidad: Danny Boyle, director de la magnífica “Trainspotting“, de la decente e infravalorada “La playa” ,de esa revisión moderna tan eficaz del género zombie (junto al film de Snyder) “28 días después” y de esa pequeña joya llamada “Millones“, que posiblemente sea casi su mejor film hasta la fecha.

En “Sunshine” se vuelve a reunir con su guionista últimamente habitual (Alex Garland) y con un reparto realmente interesante: Cillian Murphy, Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh y Hiroyuki Sanada entre otros.

El trailer tiene una pinta tremendamente espectacular, aunque muchos FX veo. A la espera estamos.

Acción, Sci-Fi, Trailers Chris Evans, Cillian Murphy, Danny Boyle, Sunshine

El próximo 7 de marzo, Versus Entertainment editará en dvd en la modalidad de venta directa Edmond, film dirigido por Stuart Gordon y con guión de David Mamet, basado en su obra teatral homónima, que se alzó con el Premio Nuevas Visiones en el pasado Festival de Sitges.

Edmond cuenta la historia del descenso de un hombre corriente hasta lo más profundo de sus anhelos y frustraciones. Un ejecutivo de una multinacional (William H. Macy), cansado de su vida y de su trabajo, decide abandonarlo todo y embarcarse en una interminable noche en la que tratará de dar rienda suelta a sus más secretas fantasías sumiéndose cada vez más en el oscuro y peligroso mundo nocturno de la gran ciudad. Con un impresionante reparto encabezado por William H. Macy (Fargo, Boogie Nights Jurassic Park III, o la reciente Bobby) , Julia Stiles (La Profecía, El caso Bourne) , Mena Suvari (American Beauty, El mosquetero) . Joe Mantenga (Celebrity, Nueve Vidas) y Denise Richards (Starship Troopers, Love Actually), entre otros.

Características de la edición en dvd:

Fuente: Información proporcionada por la distribuidora.

Drama, Dvd, Suspense Edmond, Stuart Gordon, William H. Macy