Aún teniendo en mente pesadillas cinematográficas como la increíble y tremendista Crash de Paul Haggis (recordemos, ganadora irrisoria del oscar el año anterior), el director mexicano Iñárritu llega aún más lejos y nos ofrece un film que podríamos calificar claramente como el máximo exponente del fatalismo invosímil.

Babel cierra la llamada trilogía del dolor de Alejandro González Iñárritu en la cual el realizador nunca supo igualar o superar a su primer y notable film: Amores Perros, mucho más impactante, más directo y sobre todo, menos pretencioso. 21 gramos supuso una decepción para quien escribe esto, pues no es tan descabellado calificarla de telefilm disfrazado por un montaje aleatorio injustificado, con un tremendismo y fatalismo exagerado (de unas dimensiones godzillescas), artificial e inverosímil, en donde brillaban los actores (excepcionales los 3) y el nivel técnico. Esas herramientas de dudoso potencial (montaje aleatorio, historias finalmente tópicas entrecruzadas,etc…) son de nuevo usadas en Babel y como no, otra vez sin justificación alguna, nada que ver con algunos de los excelentes films de Christopher Nolan por ejemplo, en donde sí se justifica ese uso del montaje. En el caso de 21 gramos, Iñárritu acude a la excusa (porque es toda una excusa) de que quería jugar y que, en el fondo, dicho film no es más que un experimento cinematográfico. Sí, y se podría llamar al experimento: “Como ocultar la vacuidad de mi telefilm“.

Y es que, podemos decirlo, el guionista de toda la trilogía Guillermo Arriaga está un tanto sobrevalorado, y su prepotencia no le deja verlo. Iñárritu tampoco se salva de la quema (recordemos sus declaraciones pro Babel totalmente chulescas), de ahí su polémico divorcio profesional entre él y su guionista habitual. Arriaga hace libretos con cosas realmente interesantes, incluso es capaz de hacer un muy buen guión como el del film de Tommy Lee Jones Los tres entierros de Melquiades Estrada (sobretodo en su segunda mitad y ese acercamiento al western crepuscular con dosis de violencia macabra muy bien insertadas) u otro realmente majo (Amores Perros) pero tanto 21 gramos como Babel cuentan historias demasiado simples y manidas (sobre todo en esta última) con personajes muy caricaturescos (no todos), llenos de tópicos – aunque no lo parezca- y con una construcción de ellos insuficiente y desaprovechada en muchos casos. Siguiendo con Arriaga, ahora resulta que el tipo pide más protagonismo y pone en duda la autoría de la trilogía. Vamos a ver… un film es un proyecto conjunto, cada persona está encargada de su labor y es responsable de su terreno profesional. Desde siempre, el director y los actores han sido las caras más visibles de un proyecto y quienes se llevan más aplausos, pero de ahí a cuestionar quien realmente es más importante: si el director o el guionista. Pues quizás alguna gente se decantaría por el guionista que es de quien proviene la historia y es lo que finalmente se recuerda (según Arriaga) y aunque seguramente no sea el caso, no sería la primera vez que un director con talento y oficio es capaz de sacar petróleo de un guión/historia flojo, ¿hace falta nombrar Orson Welles por ej?. Sinceramente, opino que tanto Arriaga como Iñárritu necesitan un lavado de humildad importante.

En Babel la acción transcurre en 4 lugares diferentes (Marruecos, Japón y México & USA), se hablan unas cuantas lenguas (inglés, español, arabe, bereber, francés, japonés,..) y como en las anteriores entregas de la trilogía, volvemos a encontrarnos con historias entrelazadas mediante hechos. En este caso, es todo mucho más globalizado y por lo tanto, mucho más exagerado e inverosímil. Un efecto mariposa más increíble que el del entretenido film homónimo con nuestro amigo y peor actor Ashton Kutcher.

Según el propio Iñárritu: “El film es como un tsunami“, desde luego en cuanto a pretenciosidad no se equivoca, es elevada. El trabajo de Iñárritu en el film, bajo mi humilde punto de vista, es destacable, con planos cuidados y con decisiones arriesgadas y acertadas. Por ejemplo, cuando Gael García Bernal va a recoger a su tía y a los dos niños, todo rodado desde el interior del coche en un plano secuencia, o las escenas en la discoteca japonesa que son absolutamente efectivas y bien resultas, eso es prácticamente innegable). Quizás donde falle un poco más sea en la parte de Marruecos con Brad Pitt y Cate Blanchett, ambos correctos que no excelentes. Aún estar el film lleno de aciertos por parte del realizador, no se sabe porque se destila un aroma de pretenciosidad ciertamente elevado, con esa búsqueda de postales imposibles, cámara en mano (a lo bestia) incluso llega a interferir el director y sus piruetas en la historia, que no sé hasta que punto es bueno. Parece que esté rodando algo grandioso y da esa sensación, de falsa grandiosidad, y por tanto, se vuelve pretenciosa por los 4 costados, aunque solo sea por el hecho de engrandecer y sobredimensionar la trama, intentar añadirle pesimismo y tragicidad excesiva a la misma. Un caso prácticamente similar en este punto, es la citada anteriormente Crash.

Algo ciertamente lamentable, porque no tiene otro calificativo, es el hecho de que en España parece ser que el film ha sido plenamente doblado estropeando uno de los mayores alicientes del film, la riqueza de lenguas existentes en el mismo. Está claro que el film debería haberse estrenado en VOSE, un caso como Apocalypto de Gibson, pero ¿Cómo han tenido narices de hacer esa autentica chapuza?. Bueno, casi tenemos que dar gracias a que al menos no nos hayan cambiado el título del film.

El guión de Arriaga me parece mediocre sinceramente, mucho más estereotipado de lo que pueda parecer, unas historias mucho más inconexas de lo que a priori pueda verse, en donde el montaje aún siendo más cronológico que en el film de Sean Penn y Naomi Watts vuelve a las andadas del flashback y flashforward cuando le sale de las pelotas, con unos personajes poco trabajados y muy de caricatura (Brad Pitt, Cate Blanchett en mi opinión están un pelín sobreactuados, Gael García Bernal tiene un papel demasiado corto, Rinko Kikuchi está espléndida (lo mejor de la película) y Adriana Barraza hace un buen papel).

La fotografía de Rodrigo Prieto (uno de los mejores del momento) es magnífica, distinguiendo cada historia con unas tonalidades distintas. Recordemos sus fantasticos trabajos en Alejandro Magno, Frida, La última noche o Brokeback Mountain entre otras. No podemos decir lo mismo de Santaolalla, un músico que repite fórmula una y otra vez.. y canciones (ver la de la escena del helicóptero con esa melodía ya usada en cintas anteriores de la trilogía). Encima, un compositor totalmente sobrevalorado por la academia de Hollywood (el chico debe regalar jamones o algo así).

Por otro lado, las distintas culturas en el film están representadas de forma muy, como decirlo, ¿inculta? ¿primitiva?. Se nos enseña un Japón de lo más cool y chuli (más aún que en el de la peli de la hija del tito Coppola), un Marruecos con gente desarraigada y casi pordiosera (ver la escena en donde todos comen con las manos), un Mexico de irresponsables (anda que como deja a sus paisanos..) y los únicos que parecen ultra buenos de verdad y héroes de la función son, como no, los amigos yankis, la parejita de guapos. Es curioso pero el físico también caracteriza a los personajes, todos y cada uno de ellos están afeados y mal vestidos al máximo excepto los yankis y los japoneses. ¿Porque?.

De las tres historias principales, destacaría la japonesa, que aunque tenga sus defectos, me pareció la más inspirada sin lugar a dudas. Rinko Kikuchi está excepcional, una gran interpretación, y considero que es el único capítulo que consigue transmitir esa idea de incomunicación que pretende retratar la película. El plano final está bien pero destila cierto aire de pretenciosidad por encima de efectividad, como el resto de la cinta.

En definitiva, una película bastante bien filmada pero más vacía que mi hucha.

Críticas, Drama Alejandro González Iñárritu, Babel, Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Guillermo Arriaga, Hideo Sakaki, Rinko Kikuchi

Si recuerdan, en el trailer de dicha película, rezaba la premisa incial “Aclamada en Cannes” y sabiendo de las posibilidades de la historia y de un elenco de actores que a priori pueden seducir al espectador (sobre todo por los casi siempre interesantes Daniel Brühl y Leonardo Sbaraglia), uno se lleva una significativa decepción al comprobar como el film se queda en un panfleto ideológico que no afronta de una forma directa y a la vez honrada todo el embrollo sociopolítico de esa época y existe un molesto abuso de sentimentalismo fácil y, por tanto, de manipulación constatable.

El problema del film de Huerga es la falta de valentía cinematográfica en muchos tramos, porque aunque muchos hayan destacado el apartado de dirección en la cinta, para quien escribe estas palabras, Huerga rehuye de lo artistico o arriesgado y reincide una y otra vez en lo banal, en lo comercial, subrayando cada uno de los tópicos usuales en este tipo de producciones. Tampoco convence el cambio de estilos visuales durante el film, pudiendo pasar de un ritmo sosegado y en ocasiones controlado a uno acelerado y tristemente videoclipero.

La cinta destaca en algunos apartados como podrían ser la espléndida fotografía o la encomiable música de Lluis Llach, merecídamente nominado al goya, pero su guión es de aquellos bonitos, que gustan y que no caen en ninguna polémica (no vaya a ser que les quiten las ayudas). Es triste decirlo pero Salvador Puig Antich es un film consumista, que se aparta de la historia revolucionaria del personaje (la etapa del MIL contra el capitalismo es un visto y no visto mal narrado) y se centra en algo manido y de una forma usada y viciada ya por el propio cine de palomitas, jugando con el morbo excusándose por el hecho de su denuncia a la pena de muerte, y finalmente es solo un panfleto. Sus intenciones son buenas, pero en el cine hacen falta resultados, no se alcanzan metas con solo intenciones.

Salvador fue una anaquista que sufrió un castigo demencial en una época de intolerancia y problemática social en este país y entiendo que sea un tema peliagudo trasladar la historia a la pantalla, pero sr. Huerga, si iba a ofrecer un producto más camuflado con pirotécnia de millones de euros via Mediapro, nos podía haber avisado, no cree?.

Incide en los mismos errores que Alejandro Amenábar cometía en la sobrevalorada Mar Adentro, se hace un discurso sentimentalmente manipulador y se deja de lado gran parte de la realidad. Yo fui de los que no me creí a Javier Bardem como un enfermo terminal, y tampoco veo a Daniel Brühl como un anarquista condenado, y mira que me encanta ese actor.

A muchos de los personajes les falta fuerza y tiempo en pantalla, por no decir lo mal construídos que están en su mayoría. De muchos de ellos tenemos pinceladas, como si de un (mal) film coral se tratase cuando se supone que no es así. Daniel Brühl está muy mejorable aunque pasable, Leonardo Sbaraglia tiene algún momento destacado pero no gran cosa, sobre el resto muy flojos, quizás únicamente esté algo mejor Tristán Ulloa, y poco más.

No hay nada peor que hacer de una muerte un espectáculo de morbo y manipulación y este film lo hace. Lo hacía Alejandro Amenábar hace unos años, ahora es el turno de Huerga. Un film unidireccional, de escasa amplitud política y de ínfimo interés, tristemente porque la historia daba para más y la figura de Salvador que parecía haber caído en el olvido, merecía mucho más. Un retrato débil del anarquista.

Recalcable es el hecho de que haya sido el primer film rodado en HD anamófico real, el resultado en el aspecto técnico es magnífico.

Al menos, el estreno de dicho film ha servido para rescatar la figura de este joven catalán que decidió plantar cara a la realidad que le tocó vivir.

Críticas, Drama, Histórica Daniel Brühl, Leonardo Sbaraglia, Leonor Watling, Miguel Huerga, Salvador Puig Antich, Tristán Ulloa

El amigo Josmachine me ha pasado un meme en donde se deben confesar 5 datos cinéfilos. Bueno allá van:

1.- Desde niño siempre fui un aficionado al cine, siempre me interesé por la escritura y las fichas técnicas (esto último solo en mi temprana edad) y siempre fui seducido por el cine de fantasía. Hace unos años (alrededor de los 16-17) dejé un poco de lado el cine y estaba más empapado de temas deportivos hasta el punto que quería estudiar periodismo para trabajar en diarios o revistas deportivas, preferentemente de fútbol. Finalmente (y lamentablemente, porque no me apasiona que digamos) acabé estudiando informática. Pero mi autentica pasión por el cine (ya de autor), realmente empezó a interesarme de verdad y comenzar a leer libros y ver películas importantes y rarezas, no hace tanto (y tras una etapa personal bastante baja), nacería mi amor extremo por el cine (en estos términos) sobre los 20-21, bastante tardíamente en comparación con algunos, sobretodo mi amor al cine oriental tanto contemporáneo como clásico. También cabe decir que en mi casa la banda ancha tardó mucho en llegar (tardaría aún 4 años), y eso, claro está, lo condiciona.

2.- Llámenme raro, pero prefiero ir al cine solo que en compañía, pero hay excepciones. Bueno, primero, mis compañías no suelen compartir mis gustos, y muchas veces ando condicionado. Si quiero ver una peli rara me voy solo, si quiero ir al algún festival pongamos por ejemplo a ver una película china y no encuentro a nadie, pues voy yo, es decir, no tengo problemas en disfrutar de una peli solo, es más, yo creo que es mucho más disfrutable así, y se saca mucho más partido a la obra en cuestión. Otra cosa, es que se vaya acompañado de otro cinéfilo (como el amiguete Ramón por ejemplo) que entonces, el ir a ver un film interesante o bueno puede dar lugar a un posterior debate de impagable valor. También prefiero la compañía para cualquier blockbuster, veraniego o no, en donde poder echar unas risas y comentar la jugada en vivo.

3.- Soy un maniático de algunas cosas (llámenme raro de nuevo). Por ejemplo, no suelo dejar dvds originales, es decir, es posible que de mi extensísima colección interminable solo haya dejado 3, los cuales no suponen seguramente demasiado valor para mí. Cuando compro dvds tanto me fijo en los contenidos y en que respete el formato como en la presentación y sobre todo la caja (queremos más Amaray y no tanta Cervic, coño! XD). En mis dvds no suelen haber huellas ni ralladas, soy muy cuidadoso en ese aspecto.

4.- Los films que me hicieron enamorarme para siempre del cine son posiblemente 2, que justamente son mis películas favoritas ahora: “2001: una odisea del espacio” de Stanley Kubrick e “Ikiru” de Akira Kurosawa. Descubrí lo grande que puede ser el cine al contemplarlas, entre otras muchas, claro. Otro film que hizo mucha mella en mí, ya posteriormente, es la magnífica y lynchiana “Donnie Darko” de Richard Kelly, una de las experiencias cinematográficas más orgásmicas que haya tenido jamás en un cine. Algún día que disponga de tiempo, tengo que acabar mi megapost sobre las crónicas darkianas y colgarlo por estos lares.

5.- Me gusta mucho escribir y la crítica me hace gracia, pero no tengo talento ni cultura general para ella, a parte que está muy mal pagado todo eso. Bueno, hacer reseñas me resulta grato cuando he dispuesto de tiempo, pero cuando no es así, lógicamente los escritos pierden valor y son ciertamente mejorables. Me gusta el cine como afición no como obligación, supongo que como a la mayoría.

Bueno, espero que os hayan gustado, le paso el testigo del meme a Ramón y a Gemma.

Saludos.

General, Meme confesiones cinéfilas

Si hay un festival al que realmente le he cogido cariño en los últimos años, es sin dudarlo (y con permiso de Sitges) el BAFF (Barcelona Asian Film Festival), una semana llena de buen y selecto cine asiático en donde he podido disfrutar y en muchas ocasiones descubrir autenticas maravillas.

Ya está el cartel (no sé si será el definitivo) de la nueva edición del festival, que, por cierto, visto los de anteriores ediciones, se puede decir que ciertamente es decepcionante por su simpleza. Este año como país invitado: China.

Ojalá sea tan bueno o mejor que ediciones pasadas. Un festival tan increíble como entrañable. ¡ Allí estaremos del 27 de Abril al 6 de Mayo!

Asia, Festivales BAFF, Barcelona Asian Film Festival, festivales de cine

Este viernes se estrena posiblemente la película más esperada de estos meses y en la que muchos tenemos puestas nuestras esperanzas. A pesar de su regular predecesora Banderas de nuestros padres,  creo sinceramente que Eastwood ha vuelto a hacer una obra maestra, y que Ken Watanabe nos brindará otra de sus grandes actuaciones. Saldremos de dudas a partir de este viernes, mientras tanto disfrutemos de un avance.

Bélico, Drama, Trailers Cartas desde Iwo Jima, Clint Eastwood

Escena entre Joe Pesci y Ray Liotta en una de las obras maestras de Scorsese: Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990). Como pasar de un ambiente festivo a uno tenso y lleno de suspense en apenas minuto y medio.

TdV: Veréis chicos, lo que realmente tuvo gracia fue aquel golpe en el banco de Secaucus.
Estaba echado en la hierba, se me acerca uno y me dice: ¿Qué haces? y yo digo: Descansando ¿Descansando aquí? como si estuvieras en la playa o en un parque. ¿Me tomas por gilipollas? ¿Es que no puedo descansar o que?
Bueno, pues me trincaron y empezaron a hacerme preguntas, que si esto que si aquello, querían que soltará la lengua a fondo.
¿Qué iba a decirles? No sé nada en absoluto. ¿Hablar yo? Una mierda.
El que manda me dice hoy vas a cantar de plano. Yo le digo, está bien, te diré algo: Vete a joder a tu madre. [risas]
Luego me cae una lluvía de golpes pim pam pum.
Bueno, ya me vistéis en el periódico, tenía la cara hinchada como un globo de verdad.
De modo, que cuando recuperé el sentido resulta que me encuentro de nuevo frente a ese cabrón de mierda que me dice: ¿Vas a hablar ahora cabrón?, y le digo: ¿Pero que haces aquí?, ¿no te dije que fueras a joder a tu madre?. [risas] Creí que me mataba. [risas]
Cabrones! me dejaron como un tomate maduro.

HH: Increíble, en esos momentos eres gracioso, muy gracioso.

TdV: ¿Qué insinuas?… Di.

HH: Pues nada, esa historia tiene mucha gracia, eres un tipo gracioso

TdV: ¿Porque lo dices? ¿Por la forma en que hablo? uhhh?

HH: Sí, claro. Eres gracioso. Me refiero al modo en que cuentas las cosas.

TdV: ¿Gracioso por qué? ¿Qué tengo de gracioso?

Anthony: Vamos, Tommy, no le interpretes mal

TdV: Eh espera Anthony, es mayorcito, sabe lo que dice, contesta,.. ¿Gracioso porqué?

HH: Yo….

TdV: ¿Qué…?

HH: Yo solo he dicho que eres gracioso

TdV: Vamos a ver si lo entiendo, porque quizás estoy algo bebido. Sí, es posible, pero ¿como soy de gracioso? ¿Quizás como un payaso de circo?.
Te hago reir, crees que estoy aquí para divertirte. Bueno, ¿porque soy gracioso? ¿qué tengo de gracioso?

HH: No sé…. es por como cuentas las cosas ya sabes

TdV: No, no, yo no lo sé, lo dices tú. Tú eres el que dices que soy gracioso.
¿Porque demonios soy gracioso? Vamos !! que coño tengo de gracioso eh?
Dime !! ¿qué tengo de gracioso?

[momento silencioso y tenso]

HH: Oye,.. no bromees conmigo, Tommy.

TdV: Será cabrón, me ha descubierto, casi se la pego. Habéis visto como tartamudeaba. [risas]
¿A qué estaba temblando? [risas] A veces no sé que pensar de tí Henry, seguro que no aguantarías un interrogatorio [risas]

Escenas, Frases Frases, Goodfellas, Joe Pesci, Ray Liotta, Uno de los nuestros

Garra de Jaguar, tras haber saltado la cascada (suponiendo un absoluto reto de supervivencia), gracias al agua pierde la pintura azul de esclavo y regresa a su posición de gran cazador. La confianza y autoestima vuelven a él, todo ello reforzado con sus gritos de liberación, ahora se encuentra en un entorno que conoce y domina, en donde se siente Dios, como un ángel exterminador en donde poder juzgar a sus villanos (sus particulares romanos) como merecen.

Un personaje que ha traspasado una barrera, esa cascada representa un cambio, un paso, un salto, el abandonar el rol de presa para convertirse en cazador. El miedo alcanzado durante el inicio del film al comprobar como un pueblo -aunque pacificamente- conseguía traspasar sus territorios, el miedo a esa facilidad de acceso que le aterrorizabase ha mutado en venganza e ira. A partir de ese salt, de ese cambio, Garra de Jaguar entiende que es él quien puede tener el control de la situación.

La presa convertida en amenaza. Una enorme escena.

Acción, Aventuras, Escenas Apocalypto, Mel Gibson

Escena mítica, representativa del surrealismo cinematográfico, del primer y excelente cortometraje de Luis Buñuel y Salvador Dalí rodado por el año 1929. La secuencia se hizo usando un ojo de vaca, y la sensación es tan realista como escalofriante.

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En sus tiempo e incluso hoy en día, ciertas voces criticas tachaban algunas obras de un cineasta del calibre de John Ford como racistas, por sus temáticas y su forma de retratar el pueblo indio y sus antihéroes. Son opiniones absolutamente respetables, faltaría más, pero ciertamente cuestionables. Ahora, en la actualidad, a ciertos artistas que arriesgan en cada uno de sus proyectos, independientemente de que puedan llegar a ser fallidos o no, como pueden ser M. Night Shyamalan o Mel Gibson, les ocurre algo similar, suelen ser muchas veces vapuleados por un sector crítico con argumentos de dudosa consistencia, bajo el humilde punto de vista de quien escribe estas lineas. En el caso de Gibson, es algo ya exagerado, calificando algunas de sus obras como pornográficas, sádicas e incluso antisemitas, sin dar unos argumente suficientemente convincentes y potentes para afirmar premisas tan peligrosas. Seamos serios, y analicemos sus obras como obras de arte que son, podrán gustar más o menos, pero ciertas personas deberían abandonar su idea del Mel Gibson de la prensa amarilla y fijarse más en su lado cineasta, que ciertamente, es asombroso.

Toda lucha territorial ha sido devastadora, cruel y de violencia desmedida, puesto que no veo demasiado lógico que alguien se alarme al ver el nivel de realismo en pantalla (aún en mi opinión siendo mucho más comedido que en La pasión de Cristo) que ofrece el último film de Mel Gibson que, en esta, su cuarta incursión a niveles de realización, repite y prolonga apartados y temáticas similares y recurrentes en sus dos anteriores y excelentes obras.

Apocalypto, supone para su protagonista, una pasión y posterior resurrección, como ocurría en el anterior film del realizador. El camino tortuoso hacia una muerte prácticamente segura es análogo (salvando las distancias) al de Cristo, con las caídas – en este caso sin los abusivos ralentís- , la sed, el hambre, el terror y el miedo a lo desconocido y al sufrimiento.

Porque estamos ante otro film que a pesar de no enmarcarse en el género, contiene muchos elementos de terror y suspense, acentuados con el inteligentísimo uso del sonido.

Posee escenas majestuosas como la de miles de cadáveres y restos en donde el protagonista deberá atravesar si quiere no ser atrapado, que personalmente no encuentro una búsqueda de la exageración sin sentido en esa escena, o el suspense creado en la secuencia de la pantera, jugando con 3 elementos claros de forma plenamente magistral. Un film sobre el miedo, recordad esa frase del padre al hijo, en una escena absolutamente deudora de “Braveheart” : “No tengas miedo“.

Hablaba anteriormente de resurrección por todo el tramo final del film, la pérdida del miedo, el autoreencuentro, la liberación espiritual. Decir que Gibson también lo muestra de forma visual muy sutilmente, cuando el protagonista tras haber saltado la cascada (todo un absoluto reto paa su personaje), gracias al agua pierde la pintura azul de esclavo y vuelve a ser el que era , es decir, un gran cazador. La confianza y autoestima vuelven a él, todo ello reforzado con sus gritos de liberación, ahora se encuentra en un entorno que conoce y domina, en donde se siente Dios, como un ángel exterminador y que cree poder juzgar a los villanos (sus particulares romanos) como merecen. Un personaje que ha traspasado una barrera, esa cascada representa un cambio, un paso, un salto, el abandonar el rol de presa para reconvertirse en cazador. Ahí perde el miedo alcanzado durante el inicio del film al comprobar como un pueblo (aún pacificamente) conseguia traspasar sus territorios, la facilidad de acceso le aterrorizaba.

Remarcables, a parte de las claras referencias a La pasión de Cristo, tenemos también a 2001: Una odisea del espacio de S. Kubrick, con esa trampa que al accionarse vemos como salta ese hueso hacia el cielo y su posterior caída, todo un simbolismo de la evolución alcanzada por la tribu. Y paradójico es que sirva como algo clave en una de las escenas finales de la pelicula, pues uno de una cultura o tribu superior que masacra pueblos es alcanzado por un trampa de un pequeño pueblo, lo que nos viene a decir que lo más sencillo y simple puede ser a la vez lo más moderno y efectivo.

El film también refleja lo vulnerable de la cotidinidad, las diferencias culturales entre diferentes pueblos, un pueblo dominado por un poder totalitario, corrupto y sangriento capaz de arrasar pueblos sin ningún tipo de culpa. Pero Gibson en ningún momento pretende narrarnos algo sobre esos pueblos, sus culturas y su historia, pues es un film que se centra en la acción, en la aventura y en momentos puramente existencialistas (nos habla de la muerte, del miedo, de la vida o del destino entre otras cosas) y de un trasfondo psicológico magnífico, pueden tirarme piedras si no están de acuerdo con esto, adelante.

En el final de una civilización hay un nuevo comienzo, y el final del film, permitanme decirlo, es de lo más sutilmente oscuro visto en mucho tiempo. Lo que les espera es más persecuciones, más terror y una lucha constante por sobrevivir.

La forma de dirigir el film por parte de Gibson es salvaje y lirica a la vez, como la historia, dotando a las imagenes de una fuerza colosal y de una emoción que une comercialidad con arte de manera triunfal.

Anteriormente comentaba que el film prolongo algunos temas recurrentes en la filmografía como realizador de Gibson, como pueden ser personajes que se rebelan ante un poder establecido (ingleses, romanos, y en este caso, los mayas) y que alcanzarán una liberación. En el caso de Apocalypto, quizás muchos piensen que de esa, podríamos llamar, extraña trilogía del sufrimiento y la liberación, es la única que tiene un final feliz pues el protagonista por una vez no muere, pero desde mi punto de vista, es tremendamente oscuro ese final abierto y mucho más terrorífico y desesperanzador que en cualquier de sus dos anteriores obras.

Me parece una vergüenza que se la haya ninguneado en los premios importantes en los oscars y te encuentres nominaciones a cosas como la espantosa Pequeña Miss Sunshine, el flojo remake Infiltrados o la pretenciosa Babel. Ya tantas veces se han olvidado del gran cine! que se lo digan a Sam Mendes y su impresionante Camino a la perdición.

Una obra salvaje e hipnótica, con un uso de la luz maravilloso, unas actuaciones tremendamente convincentes y una realización de aupa.

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