Ante el inminente estreno de La ciencia del sueño, (con la que comparte más de una cosa en común), rescato el cortometraje de Michel Gondry La lettre, segunda obra de su carrera en cine, que como su último film, retrata la historia de un niño, tímido y enamorado con sus sueños finalmente catastrofistas, en donde el director separa fotográficamente dos mundos (el de Stepháne y el Aurélie, este último en negativo, que a la vez concuerda con la magnífica metáfora de la cabeza de Stepháne como cámara de fotos, de la que adjunto un fotograma abajo), y con una carta final, la que da nombre al cortometraje, reveladora.

Uno de los directores más interesantes y originales de la actualidad, no solo en su obra cinematográfica, destacando a pate de sus cortometrajes, joyas del calibre de Eternal sunshine of spotless mind o las interesante Human Nature, sino también su obra como creador de videoclips, que es sencillamente excelente, inteligente y arriesgada, por ejemplo sus trabajos para Chemical Brothers o Rolling Stones.

Una maravilla de cortometraje. Os lo dejo a continuación, en francés con subtítulos en inglés, difrutadlo.

Cortometrajes, Críticas, Fantástico La lettre, Michel Gondry

Ayer en Barcelona acudí al acto ubicado en la plaza catalunya en contra de las pieles y organizado por Anima Naturalis, una organización por la lucha de los derechos de los animales. En esa manifestación, pudieron verse un centenar de personas desnudas representando 120 chinchillas, que son las que hacen falta para un solo abrigo de piel.

Y creo que no hay mejor momento, para comentar y de paso publicitar por si alguien aún no lo conoce, el extraordinario e infinitamente necesario documental de Shaun Monson: Earthlings, el cual os posteo para que podáis disfrutarlo, con subtitulos en castellano (de duración 1h. 28 min), narrado por Joaquin Phoenix.

Grabado en muchos tramos con cámaras ocultas y en granjas de varias localidades, Monson propone un recorrido aterrador por las mil y una vejaciones que sufren esos animales, infringiendo todo tipo de derechos por parte de los humanos y recertificando que hacen falta leyes y penas más severas contra estas prácticas y estas torturas.

Un documental absolutamente terrorífico, que muestra actos lamentables, que supone un documento visual sobre la deshumanización mundial y que contiene un valor moral y como documento, ciertamente importante.

No aparten la mirada, simplemente actúen en consecuencia. Espero que sirva para remover conciencias.

Críticas, Documental Earthlings, Joaquin Phoenix, Shaun Monson

Durante el último tramo de “Roma ciudad abierta“, uno de los generales nazi, pronuncia las siguientes y reveladoras palabras: “Seremos aniquilados por el odio. Todos moriremos. No somos una raza superior”. “Alemania año cero“, sería la confirmación visual de ello.

Roberto Rossellini cerraba su particular trilogía de la libertad, con el capítulo más sombrío y desesperanzador de todos los que la forman y que, continuando con un estilo neorrealista marcado, supone claramente la victoria del minimalismo de lo real sobre lo efectista o artificial.

Unas calles desoladas, casi deshabitadas, fantasmagóricas, producto de la guerra más devastadora, sirven como escenario para mostrarnos conflictos familiares, ideales equivocados, precariedad, hambre y todo ello desde la visión de un niño, es decir, la sociedad reflejada a través del individuo único.

La cinta no solo es un retrato visual y realista de las secuelas de la guerra y de los efectos e influencia del idealismo nazi en un pequeño, sino que también es una batalla psicológica (toda ella en mutismo, y plasmada con un rotundo realismo, sin recurrir a elementos que podrían ser artificiales como la voz en off o el exceso de elipsis). Un viaje a un horror real, lleno de tortura psicológica por el peso de la culpa moral y de la conciencia en un entorno devastado.

El personaje de Edmund, el niño, es alguien perdido, desubicado, el cual comete un gran error y coge el camino más rápido aunque no el más acertado. Como única justificación al hecho, podríamos decir que el chico es como una antitesis de los nazis por asumir su culpa, es decir, él no quiere convertirse en uno de ellos, en uno de los que han propiciado ese desastre viviente (porque él lo ve en las ruinas y en la pobreza) y sabe que una vez cruzada la línea ya no hay vuelta atrás. Es la visión desesperanzadora y trágica de un niño que es incapaz de vivir con tan tremendo pecado sobre sus espaldas y que su mundo le ha corrompido de tal forma que es incapaz de salir de ese laberinto.

Con una gran fuerza visual de unas imágenes imperecederas y dignas de conservar como documentos para la historia, uniendo sentimiento (siendo impactante en vez de sentimentalista) y cruda realidad con una sobriedad pasmosa, la obra, formalmente, es de un rigor prácticamente documental llevando el estilo hasta el límite. La valentía y la tremenda dificultad para rodar entre ruinas y, sobre todo, por como lo hizo, es digna de alabar.

Particularmente opino que, en cuanto a estilo, va mucho más allá que las dos entregas anteriores de la trilogía, pues en esta, el realizador italiano nos narra una historia con un minimalismo apabullante (mucho más aún si cabe), en donde todo es a través del individuo (en un fiel reflejo de si mismo y de la sociedad que le envuelve), sin ningún tipo de efecto ya sea técnico o narrativo, sin aparentes falsedades o artificios y en donde se nos muestra la sociedad tal como es y se hace una crítica de ella. No existen los decorados, todo es real, se usa la luz natural para la fotografía y el los actores no son profesionales a los cuales, como no había un guión preestablecido y escrito en su totalidad, se les dejaba muchísimo improvisar.

La mayor parte de la obra de Rossellini contiene un trasfondo trágico ciertamente significativo, ya sea sobre el desastre de la guerra o posguerra (como se puede ver en la sensacional “Roma ciudad abierta” y su durísimo final), en el drama y el abandono psicológico progresivo de una madre tras el suicidio de un hijo (“Europa 51“) o en los graves y rocosos problemas matrimoniales (“Te querré siempre” o “Stromboli” en donde describían en forma de documental geológico la zona, su historia y su composición, haciendo símiles con la relación de amor entre los personajes y sus capas). Es una constante en su obra y que no sabremos si hubiera sido así de no haberse producido la pérdida familiar que tuvo.

“Alemania año cero” tiene ciertas similitudes con films que retratan de una forma, más o menos similar, la pérdida de la inocencia y la madurez premeditada de un niño.

El film japonés “Nadie Sabe” de Hirokazu Kora-eda es un retrato sobre la crueldad de la vida, lo que realmente significa alcanzar la madurez siendo un niño y lo que conlleva eso. Nos habla también de sobrevivir más que de vivir, de cómo enfrentarse al mundo exterior, como llevar una familia sin saber hacerlo, como querer llorar y no poder hacerlo, de ser responsable cuando no sabes, de madurar cuando se es aún inocente, de perder la ilusión de jugar y solo pensar en como acabar el día con algo de comer. Una película tremendamente rosselliniana, de estilo neorrealista (escenarios reales de Tokio, actores no profesionales, situaciones extremas, entornos que superan a los protagonistas, fotografía naturalista, etc).

El otro film sería la desgarradora cinta canadiense “Léolo” de Jean-Claude Lauzon, salvando las distancias sobre todo en argumentos. Un film quizás mucho más críptico y onírico y que pertenece a otra vertiente pero que el tratamiento de la madurez precipitada y de la locura vista desde los ojos de un niño es parecido en cuanto a dramatismo y complejidad. También es un film durísimo y que aproxima al espectador a una reflexión.

Lo que intentaba y consiguió Rossellini con esta y con el resto de sus obras, fue que no parecieran películas propiamente dichas sino un reflejo claro y realista de la sociedad, las cuales no se enmarcan en el estilo documental aún compartiendo múltiples cosas (como el estilo de filmación o el uso de actores no profesionales), pero son tan reales o más que los mismos, a parte que su valor histórico es indudable.

Cine realista, de denuncia histórica, minimalista y sin manierismos: Una obra maestra.

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Visionar un film de Bresson supone sin lugar a dudas un ejercicio exigente para el espectador pero a la postre plenamente satisfactorio y estimulante. El estilo del cineasta no solo se aparta de los convencionalismos del cine tradicional sino que nos hace compartir la experiencia del personaje/modelo, llenando sus imágenes de fisicidad, minimalismo, ausencia de manipulación, sobriedad abrumadora y evitando en todo momento cualquier tipo de teatralidad y de sentimentalismo fácil.

En Pickpocket, se nos describe el mundo interior y psicológico (casi podríamos decir espiritual) de Michel (Martin LaSalle), un personaje absolutamente dostoievskiano y abstracto, el cual busca una ocupación/lugar en el mundo, algo que le apasione de verdad y que le ofrezca un sentimiento de riesgo elevado. Aprenderá progresivamente el oficio de carterista.

Para Michel el robo es una tentación cercano a lo sexual (su mirada denota su éxtasis al cometerlo y el riesgo que conlleva dicha acción), algo que no puede evitar por sus impulsos y que se convierte en una absoluta adicción. Pero dentro de él, existe un lugar para el arrepentimiento, para la vergüenza y para el dolor por dejar una madre medio abandonada. Al robar lo está haciendo contra sus miedos, contra su pereza por realizarse y contribuir a la sociedad de forma positiva, contra su insatisfacción ante la vida y su baja autoestima, contra su madre que le necesita y él no acude casi nunca y contra un amor atípico pero real, para nada platónico. Todo es así por la búsqueda de ese sentimiento de utilidad en la sociedad que le rodea y por sentirse creativo.

La relación amorosa curiosamente parece imposible e incompatible, representado metafóricamente por la verja que separa a ambos personajes en el plano final del film y Bresson nos recalca al inicio del film que ambas almas quizás no se hubieran topado de no ser que Michel no hubiese cogido el camino del delito.

Otra de las características del estilo bressoniano es el uso del sonido en sus films, en Pickpocket la música solo se usa en puntuales ocasiones y el sonido en off, como ya ocurría en films como Un condenado a muerte se ha escapado, es usado de forma magistral. Las escenas de carterismo, ya sea durante la clase magistral o en posteriores robos son de un virtuosismo pocas veces contemplado, incluso las escenas en donde vemos la mano de Michel deslizándose por la gente hacia el bolsillo, como si de una serpiente se tratase, desprenden algo cercano a la sensualidad y un suspense de tintes realmente hitchcockianos.

El universo psicológico de Michel descrito en el film nos recuerda al de Travis Bickle en la posterior Taxi Driver. Como en el film de Scorsese, nos encontramos ante un ser inteligente pero insatisfecho, con comportamientos extraños, que acude a la delincuencia no por falta de economía sino para buscar el sentido a su vida y sentir el riesgo, y con una relación amorosa bizarra. En ambas se nos describe sus respectivos entrenamientos y su particular forma de “contribuir” a ese mundo que tanto odian y les corroe. Ambos personajes encuentran la paz espiritual y la liberación rebelándose, porque ya no se trata de cometer un delito sino de una adicción al riesgo, una forma de entender la vida y de vivirla.

Taxi Driver no es el único film que a uno le viene a la cabeza tras ver Pickpocket, podemos también ver algunas referencias o similitudes a Psicosis de Alfred Hitchcock, ya que trata de un personaje atormentado y con un gran temor por decepcionar a su exigente madre, en el film de Bresson ocurre lo mismo, Michel no soporta que su madre vea que es un inadaptado y un ser inútil, quiere que le vea ocupado y con dinero en la cartera, aunque para ello deba cometer delitos continuados. También en El silencio de un hombre (Le Samouraï) de Melville vemos conceptos y personajes muy parecidos.

El cine de Bresson también comparte puntos con el neorrealismo italiano, los actores no son profesionales, personajes muchas veces marginales o en situaciones extremas, se filma intentando reflejar la realidad y el uso de la música es prácticamente inexistente, salvo en casos puntuales. Bresson a la vez pide que sus “actores” llamados modelos por él, no actúen, no expresen sentimientos en su rostro, ni tan siquiera con su mirada, quieren que sean simples objetos al servicio de la historia y de la forma. Sus films son muy fisonómicos.

Hay muchos puntos en común entre el film en cuestión y Un condenado a muerte se ha escapado y El proceso de Juana de Arco. Personajes apresados (ya sea en una cárcel nazi, en su pequeña habitación o esperando ser ejecutada), con sus mundos interiores, con cuantiosos dilemas morales, anhelando la libertad (para ser libre y poder vivir, para destacar y no sentirse inútil, la libertad espiritual), cuyas manos son su arma (para escapar de la prisión, para cometer el robo, para rezar) , personajes sufridores con posterior redención, incluso los 3 films se inician rodando una parte de los personajes (ya sean las manos o los pies).

En la actualidad podemos ver influencias de Bresson en realizadores como los hermanos Dardenne o en el iraní Abbas Kiarostami.

Un cine de sensaciones sobre lo indescriptible, que reivindica el arte puro sin artificios. Y ahí radica la calidad de su obra, en que es un cine que se palpa, paradójicamente emociona y nos sumerge en su mundo, pues todos escapamos de una prisión al ver Un condenado a muerte se ha escapado, robamos y sentimos el riesgo en Pickpocket, sufrimos en El proceso de Juana de Arco o tenemos ese sentimiento de rencor en Mouchette.

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¿Qué decir ya de esta obra monumental de Akira Kurosawa?

Magnífica escena (Watanabe balanzeándose en el columpio en su ansiado parque) para esta sensacional película, una de las grandes historias urbanas de Kurosawa como también lo es El infierno del odio aunque esta, quizás, más en torno al thriller. Unos diálogos llenos de madurez que rebosan inteligencia, una dirección sobria con una actuación de Takashi Shimura inolvidable (junto Tôshiro Mifune el mejor actor japonés de la historia y uno de los mejores a nivel mundial). Y es que cuánto sentimiento desprende su mirada, su rostro.

Vivir (Ikiru) es, ante todo, una película sobre la vida vista desde alguien más cercano a la muerte. Una reflexión madura sobre lo que significa vivir y sobre la lucha por alcanzar un sueño y hacerlo realidad, una búsqueda de la felicidad aún sabiendo que quizás no habrá un mañana. Un alegato a la vida y la esperanza.

Junto a “2001: Una odisea del espacio” de Stanley Kubrick, mi película favorita. Os dejo con la maravillosa escena:

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Uno de los mejores videos musicales vistos últimamente. Una autentica maravilla.

“Beneath the Rose” – Micah P. Hinson

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Aunque no merezca un aplauso, debido a la primera edición editada únicamente en Fullscreen, parece ser que finalmente Universal España no editará 3 veces Brokeback Mountain (os recuerdo que quería reeditarla en widescreen la misma edición actual), es decir, que ya distribuirá directamente la edición especial de 2 discos respetando el formato original.

Finalmente, la voz del aficionado (que mucha veces suelen ser más entendidos y que disponen de más sentido común que algunas distribuidoras) aunque sea por una vez, ha sido escuchada. Esperemos que Universal también rectifique (cosa difícil) los inmurables problemas con sus últimas series editadas como House o Surface entre otras, que no respetan formato original, el sonido es estéreo, errores en contracarátula, sin subtítulos en inglés e incluso en algunas series se sigue sin traducir los menús (a estas alturas me parece algo sumamente lamentable).

Sigo recordando que espero que no se ninguneen la enorme cantidad de firmas para que España no sea la excepción y también aquí se edite la edición deluxe extendida de King Kong de Peter Jackson, que particularmente no me gustó pero el cliente merece un mínimo respeto.

Espero que algún día en este país no haga falta recurrir a firmas para que las cosas se hagan bien desde el principio, sobre todo con determinadas compañías.

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¿Quién es el asesino?, cita un cartel colgado en una pared, durante el inicio del film, que, en el fondo, no es más que un juego metafórico y visionario sobre la decadente sociedad alemana de entonces y la larga sombra del nazismo que acechaba. Esta dualidad sutil permite a Lang jugar con 2 conceptos, el de psychokiller y el de la corrupta sociedad, abriendo un claro debate sobre ello.

Con un marcado tono expresionista, obra de Fritz Arno Wagner, la cinta consigue hacer un retrato de un asesino en serie de una forma totalmente atípica (nunca desde un solo punto de vista), apartada de estereotipos y escenas mórbidas que no hubieran aportado nada, arriesgada y que lleva al espectador a una necesaria meditación y a un dilema moral.

Con un singular y portentoso estilo visual, Lang propone, en su obra, una disección social de la Alemania de entonces, cosa realmente curiosa en un thriller, y una reflexión sobre temas tan universales como la obsesión, la culpa, la redención, la soledad o el denominado delito de masas, que se vería con más claridad, si cabe, en la posterior Furia.

De hecho, hay múltiples cosas en común entre M y el film americano. Para empezar, ambas tratan sobre temas jurídico-sociales, temas que remueven la conciencia social. En ambas, las masas pretenden linchar/matar al culpable (sea inocente o no, sea un enfermo que no puede controlar su otra personalidad, o no), negándole la oportunidad de cualquier juicio justo. También, encontramos un discurso/monologo final (en M por Peter Lorre, en Furia a cargo de Spencer Tracy) y en las dos obras, abunda la demagogia del pueblo. Si en el film estadounidense, el pueblo le convierte al protagonista en un ser vengativo y lleno de ira (y con razón), en M vemos como la propia sociedad es capaz de engendrar monstruos, los cuales, serán perseguidos por sus hechos, pero que, a la postre, no habrá una diferencia tan abismal entre ambos bandos (los que culpan y los supuestos culpables). Lang retrata visualmente, de forma perfecta, la profunda soledad e incomprensión del monstruo, como si de un Frankenstein urbano demente se tratase.

La cinta, en cuanto a forma, es innovadora, con montajes paralelos, un uso muy elaborado de los planos secuencia o los contrapicados y una utilización del sonido admirable, usando un tema musical (el silbido del protagonista) como vehículo para aterrorizar y crear tensión al espectador y que, a la vez, nos recuerda algo, en su uso, a La noche del cazador de Charles Laughton y la canción que cantaba Harry Powell (Robert Mitchum). Es decir, Lang, como Laughton, usa un tema musical para alertar al espectador de la presencia del asesino sin que lo veamos, creando una atmósfera de suspense casi impalpable y tremendamente inteligente.

El director denota un control sobre el sonoro ciertamente asombroso siendo su primer film hablado, el cual, paradójicamente, cuenta con grandes secuencias propias del cine mudo, con una enorme fuerza visual, como la del inicio y la espera de la madre a que regrese su hija (con ese silencio tras la canción).

Es difícil destacar una sola escena del film, por tanto, destacamos varias. Una, seria la secuencia que el asesino se refleja ante el espejo, con esa mirada asustada y angustiante, y que, con sus manos, se fuerza una mueca facial intentando hallar ese alter ego suyo, pretendiendo desenmascarar quien es el asesino que lleva dentro o que parte de él lo es, para llegar a cometer tan atroces delitos. Memorable es la del monólogo final, todo un alegato a la conciencia social, la impotencia y la culpa, en donde Lang nos viene a decir que “Todos somos culpables”, cuando llega la policía al lugar y todos los presentes de ese juicio clandestino levantan las manos. Esa sola escena resume todo el film.
Es más, particularmente, opino que el film, ganaría en elegancia si hubiese acabado con ese plano, pues el epilogo final resulta carente de importancia en el conjunto.

Remarcables también son, la primera aparición del asesino, usando un recurso típico del cine negro, mediante una sombra, un modo elegante de presentar, para nada explícitamente, al personaje, aportando misterio a la figura del asesino, y la secuencia en donde marcan una M en el abrigo del criminal para que sea reconocido y perseguido, un personaje creado, marcado y catalogado por una sociedad oscura e incoherente.

El hecho de que el asesino, Hans Beckert (Peter Lorre), sea descubierto por un ciego me resulta una metáfora un tanto oculta pero realmente curiosa, pues hasta el más ciego podría darse cuenta de la decadencia y la monstruosidad de una sociedad ya condenada, y de sus hijos. Porque Hans no deja de ser el hijo de una sociedad condenada.

Cuánta razón tenía el asesino al pronunciar, en su desgarrador monólogo: “¿Quiénes sois vosotros para juzgarme a mi?”. La ira ciega a la razón y, cuando es en masa, la culpa, la responsabilidad y la actitud parece no existir.

Clásicos, Críticas, Thriller Fritz Lang, M., Peter Lorre

Os dejo con los reyes spanish del casio punk y en directo. El concierto en barna caerá fijo.

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