“Thank you for saving my life” es la emotiva frase final del personaje de Paul Giamatti, por cierto, un autentico monstruo de la actuación.

Shyamalan nos presenta un final, que se erige como de lo mejor del film, todo desde el fondo de la piscina y con ese contrapicado final de Giamatti, alzándole como el autentico héroe para los narf y para el mundo. Otro detalle interesante de la escena es cuando el águila se lleva a Bryce Dallas Howard, rodado desde el interior de la piscina, quizás para que nosotros (los propios espectadores) no podamos verlo, pues recordemos que estaba prohibido.

En fin, maravillosa escena final con una enorme dirección de Shyamalan y una fotografía espléndida de Christopher Doyle, para un film irregular pero interesante, aunque en mi opinión, totalmente fallido vistas sus posibilidades.

Escenas, Fantástico La joven del agua, Lady in the water, M. Night Shyamalan, Paul Giamatti

Cuando alguien se dispone a ir al cine a ver un film cómico con gente en cartel como Jude Law o Kate Winslet, pues se puede cometer el error de pensar que quizás no sea tan mediocre como a priori parece o que incluso pueda parecer simpático a la postre.

Para el que escribe esta crítica, pensaba que le supondría solo una pérdida de tiempo, de su humilde y desaprovechada vida, equivalente a 90 minutos (como la típica comedia yanki) pero nada más lejos de la realidad cuando el hastío invadió su mente, retorció su espíritu e invitó a que tarde o temprano transcribiera una crítica incendiaria, corrosiva y sin tapujos debido a los, nada más y nada menos, que ¡140 minutos de comedia romántica estereotipada, empalagosa, pastelosa y sobrecargada de clichés!.

Lo que nos narra el film no solo está muy sobado sino que, pensémoslo, ¿Qué aporta realmente?. ¿Lo que se da en el film es suficiente para crear escenas cómicas de cierto interés? ¿Hace falta responder? No, porque es una obviedad. La película entraria a formar parte de las llamadas “pelis de intercambios” o con similitudes a las películas tipo Tú a Boston y yo a California, de las cuales uno se reserva sus comentarios para no herir sensibilidades débiles.

La estructura del film es disforme, mal narrada, lleno de topos tapando errores más que de tramos propiamente dichos, con tratamientos argumentales desiguales y con algo que realmente sorprende, para mal: la diferencia en metraje de ambas relaciones sentimentales, consiguiendo que tengamos muchos minutos de la primera relación, Díaz y Law (sin dudarlo, la menos interesante y más típica) y postergando pocos minutos a la relación entre Black y Winslet, que claro está, resulta de lo más forzada, pues se nos describe un romance en cuatro pinceladas y que resulta de lo más desafortunado en cuanto a resolución visto en mucho tiempo. ¿Cómo iban a dedicar más tiempo a una relación en apariencia un tanto freak?.

El autor de esta crítica no es para nada un fanático de la comedia actual, pues resulta no solo espesa sino de temática banal, trivial. Y este es un caso típico de ello. Los personajes podrían haber dado mucho más juego y por ejemplo el de Kate Winslet, está soberanamente desaprovechado, pues tenia posibilidades reales de que fuera una muy buena creación y se queda en un personaje estimable e interesante. Interesante es su prólogo sobre el amor no recíproco, que como bien dice, es igualmente amor, a fin de cuentas.

Y ojo porque el film no arranca del todo mal, pero en vez de centrarse en la relación interesante de fracasada + freak, se pierde el tiempo sobremanera en gran parte de la pinicula en la de pija + guaperas, y sinceramente la han cagado. La han cagado porque todo eso está muy visto y ya cansa, los happy endings resultan ya vomitivos y requeteforzados, esas escenas de sexo tan elipsadas o invisibles, dicho suavemente (¿Cómo habría sido una versión cronenbergiana?), las buenas acciones inverosímiles e insostenibles que nos tienen acostumbrados los conservadores yankis en sus pelis (véase la horrorosa Pequeña Miss Sunshine y su catálogo de como ser un buen tipo y no morir en el intento) o unas frases con más tópicos que las del cine de Michael Bay, recordad, el autentico “inventor” del contrapicado chulero y un absoluto terrorista del cine.

Hoy en día, la gente no quiere esas tonterías, somos más exigentes y queremos más cine como por ejemplo el del tailandés Pen-Ek Ratanaruang, y su intimista y atípica Last life in the universe, un film original sobre las relaciones sentimentales y el poder de los silencios. Otra muy destacable podría ser Hierro 3 del coreano Kim Ki-Duk, aún siendo en la 2a mitad un poco irregular, la relación amorosa está brillantemente plasmada y es realmente curiosa. Dejando Oriente, también hay muy buenas comedias románticas y americanas, pues por poner un ejemplo la fantástica Mejor Imposible demuestra que en USA también se pueden hacer todavía grandes comedias que aúnen frescura con originalidad, y eso es lo que pide el exigente espectador de la actualidad, un poco de respeto.

Otro caso que entra en las excepciones sería Alta fidelidad de Stephen Frears, un film que osa comparar hobbies – en este caso música- con parejas y el resultado es realmente acertado y fresco. Incluso en Lost in translation su tono sentimental me parece también muy acertado y atrevido, pero bueno, detrás a parte de papá Francis también anda Focus Features, posiblemente una de las compañías independientes que más arriesga y más acierta, recordemos otro caso de esta misma compañía: Brokeback Mountain, cine de una sobriedad realmente pasmosa, o la magnífica Eternal Sunshine of spotless mind de Gondry, una de los mejores films románticos originales en bastante tiempo.Como española, Ficció de Cesc Gay a priori parece una cinta intimista muy interesante pero no puedo opinar de ella pues aún no la he podido visionar.

Volviendo a The holiday, la falta de carisma de algunos de los personajes hace que no nos identifiquemos con ellos, a excepción de 2 casos: Kate Winslet, que está arrebatadora (qué gran actriz, por dios!) y Cameron Díaz a la cual declaro que no soporto pero lo clava como pija (¿Será porque lo es y hace de sí misma?), aunque sus personajes no aportan nada nuevo que no se haya visto , propiamente dicho. No podemos decir lo mismo de los personajes masculinos, pues Jude Law está espantoso, un horror, y Jack Black en exceso contenido, cuando es en su salsa cuando mejor se desenvuelve (verlo en Escuela de Rock o en la mencionada Alta fidelidad). El resto del reparto realmente flojo, incluído Eli Wallach -sí, el de las pelis de Leone- , un viejo verdete (quieran o no) que todos pensabamos que sería el rollete de la Winslet pero que finalmente se tuvo que conformar con un homenaje de corte academicista a más no poder, es decir, un asco. Qué dura es la vida!

Otro concepto que no entiende este cinéfilo compulsivo es la relación cine-personaje de Cameron Díaz, la tipa hace o produce o supervisa (no me acuerdo oigan) publicidad o trailers de pelis, el trailer que sale es muy pero que muy lamentable (cercano a los de las pelis que hace The Rock o de su estilo) y le encanta que sean así de potentes y machachones, pero en cambio ella me va de cinéfila total, pues en su habitación (y copiandose de la mia xD), rompiendo toda lógica, tenemos un póster de Vertigo del maestro Hitchcock. Y yo pregunto: ¿Como te puede gustar Hitchcock y el cine de qualité y ya no que te entretenga, sino avalar y que te ponga el cine chusquero de palomitas made in Harlin or Bay?. Amos hombre! Lo mejor del caso es que su estudio será mejor aprovechado por Winslet que por ella, podemos ver como Kate disfruta de clásicos como Luna Nueva de mi adorado (ejem) Hawks.

Finalmente, me queda solo por decir que me gustaria saber cuanto cobró Dustin Hoffman por el irrisorio cameo, si van a hacer secuela – si Los 4 fantásticos lo consiguió, todo es posible…-, cuanto cobró Jude Law por poner cara de palo o porque no dejaron a Jack Black morrarse con Kate Winslet.

Demasiado simple, tópica y facilona se queda en el terreno entre la simpatía y la mediocridad. 140 minutos llenos de clichés. Ya tuve bastante carga falsamente ética con Pequeña Miss Sunshine.

Comedia, Críticas, Drama Cameron Diaz, Jack Black, Jude Law, Kate Winslet, The holiday

Masao (Yusuke Sekiguchi) vive con su abuela. Un día encuentra una foto de su madre y decide buscarla.
Pero Masao no puede viajar sólo, así que un amigo de su abuela, Kikujiro, se ofrece a ayudarle en su búsqueda.

No parece la compañía ideal puesto que es un tipo acostumbrado al dinero fácil y no está dotado para tratar con niños y menos con un niño tan sensible como el pequeño Masao. Pero pronto se pondrá de manifiesto que ambos tienen en común más de lo que parece; Masao descubrirá que el mundo no tiene sentido sin un poco de magia y Kikujiro aprenderá que a veces, un simple juego de niños nos enseña lo que no funciona en nuestra propia vida.

Con reminiscencias a Mi tío de Jacques Tati o a El chico de Charles Chaplin, en el año 1999, Takeshi Kitano, finalizaba su octavo film: El verano de Kikujiro. Tras sus anteriores films policíacos y llenos de violencia que no exentos de su personal humor, como pueden ser Sonatine o la premiada Hana-Bi (Flores de fuego), en El verano de Kikujiro se aparta de ese tipo de cine, para entregarnos una comedia deliciosa llena de vitalidad y mensaje.

Se trata de una road movie que une comedia con drama de forma ejemplar. El film comienza con una imagen de Masao cruzando un largo puente en la ciudad de Tokio (en donde podemos ver que ya lleva las alas de ángel, que le regalaron unos titiriteros, colgadas de su mochila) y a partir de ahí se produce un gigantesco flashback que nos ocupa el resto del film hasta el final.

Kitano separa la película en diversos episodios como si se tratara de la libreta de verano de Masao.

Dichos episodios son los siguientes: Los amigos de la abuela, el hombre que da miedo, el señor es muy raro, no salió bien, la campana de ángeles, el señor juega conmigo, el señor se cae por las escaleras, el hombre pulpo, Adiós.

Llega el verano y Masao, un niño de unos 8 años, se queda solo en la ciudad. Él vive con su abuela que trabaja y su madre vive fuera trabajando para ganar dinero para él por eso su abuela le dice que ha de estudiar mucho y esforzarse, a parte él jamás la ha visto. Para colmo, sus amigos, como Yuji,se marchan de vacaciones a la playa con sus respectivas familias.

El pobre Masao sospecha que dicho verano será un hastío, un verano lleno de soledad y aburrimiento (ver esa escena desoladora del campo de fútbol y la burla que le hace el hombre que va en bicicleta (una de las cosas prácticamente omnipresentes en la filmografía de Kitano) a Masao, que ha ido hasta allí con su indumentaria y el balón).

Un día, mientras la abuela estaba en el trabajo, viene el cartero y le entrega una carta. Al verla Masao, ve que es de su madre. Apunta la dirección, recoge sus ahorros y decide irse a buscarla y por fin conocerla. Los amigos de su abuela (Kikujiro y su mujer), deciden que él, Kikujiro, acompañe a Masao en su viaje.

Aquí se nos presenta a Kikujiro (Beat Takeshi) como un hombre despreocupado, sin aparente faena o trabajo a realizar. Se nos dice que es un hombre sin estudios debido a su holgazanería y ya da pistas de su posteriormente demostrada soberbia, mala educación y grosería chulesca.

Kikujiro dando una lección de irresponsabilidad, el primer sitio donde lleva a Masao es a las carreras de bicicletas. Apuesta todo el dinero que tiene más el ahorrado por el niño, y para más inri la única vez que ganan se lo gastan en dormir una noche en un hotel de lujo. Ahí se produce el primero de los sueños de Masao. A destacar ese surrealista plano desde dentro del vaso en donde se vierte el champagne. Más adelante se pueden ver otros planos algo arriesgados como el de la visión de la libélula o el del reflejo de Kikujiro y Masao en la llanta de un coche.

A partir de ahí emprenden un viaje en busca de la madre de Masao, Kikujiro intentará por todos los medios divertir y sustituir las desgracias o decepciones por elementos infantiles y actuaciones que se mueven entre lo chaplinesco y lo absurdo.

Debido a el gasto del dinero dado por su mujer a Kikujiro más el ahorrado por Masao, ambos están destinados a pulular por las carreteras en busca de alguien que les lleve o simplemente ir caminando.

Kitano en este film bebe mucho del cine mudo, de grandes del cine mudo como pueden ser Charles Chaplin o Buster Keaton. No obstante, no deja atrás su lado más circense y nos regala una serie de números al más puro estilo humor amarilloque juega con lo absurdo más radical y a veces surrealista.

En un principio, Masao no confía en el Señor, que es como él llama a Kikujiro. Kikujiro ha dado muestras de su falta de madurez a pesar de su mediana edad, lo ve casi como un personaje de cómic, como algo extraño a conocer, gracias en parte a las inmaduras acciones cometidas como las apuestas, el robo de un taxi, pisar el césped ignorando el cartel el cual pequeño no es, pescar en un estanque de un hotel, enfrentarse con un camionero, hacerse pasar por ciego, irse del hotel sin pagar y un largo etcétera de circunstacias y situaciones impropias de un señor de esa edad y más si está al cargo de un pequeño.

Como se verá más adelante, este viaje será una lección no sólo para Masao, sino también para Kikujiro, el cual, se reencontrará consigo mismo. Vease esa frase que dice Kikujiro cuando están en la parada de autobús: “Se parece mucho a mí”.

El segundo sueño de Masao, en este caso protagonizado por el hombre que da miedo (un pederasta que intentaba acosar al pobre Masao), como si queriéndole hacer daño, a su lado una mujer (que quizás representa a tan buscada madre) la cual llora y finalmente el hombre se asemeja al del tatuaje de la espalda de Kikujiro, esto queda patente con ese fundido entre la imagen tatuada y el inicio del sueño. Nos viene a decir como si también Kikujiro tuviera 2 personalidades o caras en cuanto a la vida. Quizás Kikujiro tenga solución y puede cambiar y hacerse responsable de algo. En posteriores sueños se podrá ver como El señor (Kikujiro) adopta un puesto privilegiado en ellos, tratándose ya de una persona importante y de confianza en la vida de Masao.

La actitud de Kikujiro con los personajes de este film, tan grotesca y maleducada es como mínimo inverosímil. Quizás el toque fantástico del relato y sobretodo el hecho de tratarse en el fondo de una fábula (recordemos explicada o recordada por Masao, el niño), explique esto. O quizás lo explique su pasado yakuza.

En El verano de Kikujiro podemos ver fácilmente 2 homenajes claros, uno de ellos clarísimo. Tras pegarse con un camionero y marcharse junto a Masao con unos titiriteros en su coche, se produce una transición del palo a la naranja, que nos recuerda inevitablemente a la mítica escena de 2001: Una odisea del espacio, la escena de lo que es la herramienta, su importancia y su utilidad. En una transición o elipsis, claro está, menos elaborada, más sencilla y más corta que en el film de Kubrick.

El otro homenaje es a Kagemusha. Los sueños de Masao nos recuerdan a los sueños del ersatz en el film de Kurosawa. Kitano es fan confeso de Akira Kurosawa.

Cuando finalmente llegan al lugar en donde supuestamente han de encontrar a la madre de Masao, se produce una de las escenas más preciosas del film. En realidad, allí ya no vive su madre, y el pesimismo y la tristeza se apodera de Masao que huye hacia el mar (otro de los elementos clave en la filmografía de Kitano y pilar básico de films como por ejemplo Hana-Bi o A Scene at the Sea). Kikujiro entonces le hará un regalo y se ganará parte del cariño de Masao.

En este caso, el engaño será piadoso no como en ninguna de las anteriores ocasiones, ya que le dice que es un regalo que le ha dejado su madre, cuando no es así.

En el tramo final del film, ambos se encuentran en un camping circunstancial acompañados por los llamados Sr. Simpático (un poeta que se lo reencuentran tras haberles sacado de la parada de autobús) y el Sr. Gordo y el Sr. Calvo (los motoristas ingenuos). Y aquí empieza el festival de humor amarillo made in Kitano lleno de absurdidades y juegos infantiles solo para quitarle de la cabeza a Masao la angustia que le provoca no saber de nuevo donde está su madre y sobretodo no poder haberla visto.

Y Kikujiro los “maltrata” usándolos como “pelota de fútbol” para que el niño se divierta como por ejemplo: los motoristas haciendo de peces, de pulpo (para que pesque ya que en el río ya no hay peces), juegos con cuerdas, a los indios, juego de Si te veo pagas prenda, se visten de extraterrestres,…. y muchas más bajezas kitanianas. Y es a que dichos personajes ,Kitano, nos los presenta como torpes, ingenuos, ilusos pero con un trasfondo y un corazón grandísimos, los cuales no les importa perder su dignidad con tal de que Masao ría y se lo pase en grande.

En ese tramo hay un inciso en donde Kikujiro aprovecha un instante para visitar a su madre que está ingresada en una residencia o hospital relativamente cercano al lugar del camping. Cuando la ve, Kikujiro entra en un estado similar al que había estado Masao tras la decepción causada por la expectación frustrada por ver a su madre. Y se empieza a dar cuenta que tiene que cambiar su actitud ante la vida y ante los demás.

Al acabar el film en una escena para recordar, Masao le pregunta a el hasta ahora llamado Señor cual es su verdadero nombre, y este le responde Kikujiro. Y le promete que volverán de nuevo a buscar a su madre.

Al finalizar todos los créditos, se puede ver otra de las pinturas hechas por el propio Kitano, en donde se nos muestra a Masao en el centro durmiendo como en una cuna y seis ángeles (representados como la campana de ángeles regalada por Kikujiro a Masao), en mi opinión representan a las 6 personas que han ayudado a Masao, Kikujiro, los 2 motoristas, el chico y la chica malabaristas y el Sr. Simpático, el poeta.

Kitano se interesó por la pintura tras el accidente grave que sufrió hace unos años. En Hana-Bi, incluso en Battle Royale aparecen algunas de sus pinturas.

Ha sido un viaje de aprendizaje para ambos muy fructífero. Han comprobado aunque parecía que en un principio no tenían nada en común, al final parece ser que no era cierto. Es el inicio de una amistad y cariño mútuo.

El film en sí, representa una lección a Masao importante: la de que hay que seguir luchando por lo quieres sin dejarlo estar. A Kikujiro el viaje le ha enseñado que es capaz de encargarse de alguien, de responsabilizarse de algo si quiere. En un inicio, parecía la persona menos idónea para acompañar al pequeño pero a pesar de las dificultades y las irresponsabilidades cometidas por parte de él ha cumplido con el trato que acordó con su mujer. Y es que a veces un simple juego de niños enseña a uno lo que no funciona en su propia vida. Ambos partieron como 2 desconocidos con muchas cosas en común desconocidas para los 2, como por ejemplo que ambos adoran a sus madres y sienten no poder estar con ellas.

El hecho de que el viaje en cuestión haya sido más importante para Kikujiro que para Masao, que creo que es evidente, queda también reflejado en el título del film, cuando aparentemente el protagonista es Masao y es por él que se van de viaje ambos.

En El Verano de Kikujiro, la música corre a cargo de uno de los ilustres colaboradores de Kitano: Joe Hisaishi (que por cierto, también compone para los films del Studio Ghibli dirigidos por el gran Hayao Miyazaki).

Una melodía que une simpleza con calidad la cual produce inevitablemente nostalgia. Junto a Kenji Kawai (Avalon, Princess Blade, Ghost in the shell, Innocence) , uno de los mejores compositores de bandas sonoras japoneses actuales. El tema principal es una de las mejores partituras de Hisaishi hasta el momento.

Como anécdota decir que que en parte este film es un homenaje al padre de Takeshi Kitano llamado curiosamente Kikujiro. La relación que se dan en el film entre Kikujiro y Masao es similar , solo en parte claro está. Su padre, parece ser, que era una persona distante, con poca relación con su hijo (Takeshi), vamos que lo veía como un personaje duro pero con buen corazón algo así como el Kikujiro del film (ex-yakuza problemático e insultón pero con un grandísimo corazón y en el fondo una excepcional persona).

En conclusión, El verano de Kikujiro es una fábula preciosa, minimalista y que por primera vez en un film de Kitano gustará a todos los públicos, ya sean usuales del cine oriental o no, porque lo que nos transmite es un mensaje universal y utiliza un lenguaje (salvo en los sueños de Masao) linial y sin demasiados usos narrativos tan abstractos como en la mayoría de su restante filmografía. Y otra cosa a tener en cuenta, la violencia es prácticamente inexistente en esta cinta.

Kitano siempre nos sorprende en cada una de sus películas. Es capaz de hacer cine con grandes dosis de violencia, comicidad o chambara y salir airoso del intento, y es que creo que estamos ante uno de los mejores cineastas de la actualidad y posiblemente de la historia.

Un film delicioso y tremendamente divertido, no exento de momentos de gran cine.

Asia, Comedia, Críticas, Drama Asia, El verano de Kikujiro, Joe Hisaishi, Takeshi Kitano, Yusuke Sekiguchi

Uno de los grandes creadores de títulos de crédito de la historia del cine, sino el más grande.
Vértigo (1958)

Clásicos, Créditos Alfred Hitchcock, Saul Bass, Vertigo

Aquí os dejo con un corto de Chris Marker, bajo mi punto de vista, magistral y muy original tanto en cuanto a trama como en la manera de narrar visualmente la historia mediante montaje fotográfico, pues los personajes son movidos fotográficamente.

Un corto atípico y arriesgado en donde se muestra mucho la fisicidad de los personajes, sus rostros, su sentimiento captado por la cámara fotográfica en momentos precisos, que componen un abanico de sensaciones y sentimientos casi infinito, en un trabajo tremendamente de corte expresionista y muy modernista.

Guerra, viajes en el tiempo, sensaciones, amor, miedo, esperanza, muerte, ¿fin o inicio?.
Decir que 12 Monos de Terry Gilliam se basó en esta joya (si no recuerdo mal ella era Madeleine Stowe y él Bruce Willis).

Para salvar el futuro hay que evitar en el pasado. Disfrútenlo. Está en VOSE.

Ciencia Ficción, Cortometrajes, Críticas Chris Marker, La Jetée

En un pajarería y no en otro lugar es donde se inicia la trama del film, de la cual, algunos han cuestionado su verosimilitud o su estructura narrativa, pero, ¿no creen que hubiera sido ridículo intentar racionalizar algo tan bizarro y enigmático?. El terror suele ser inexplicable y Hitchcock optó por el mejor acabado de la forma más inteligente: dejando al espectador elegir su propia explicación sobre lo contado.

Los pájaros supone una cierta revolución dentro de su género. No cabe duda de que es una de las mejores muestras de como usar el sonido como vehículo para crear tensión al espectador, en ocasiones impalpable o en off (las escenas del ataque desde fuera de la casa, en donde mediante el sonido se nos describe el ataque y que se recurre al mutismo tanto de diálogos como en la música, solo con efectos sonoros supervisados por Bernard Herrmann, para dotar a la escena de cierta atmósfera e incertidumbre) y, en otras, explícita y salvaje (el ataque a la salida del colegio).

No creo que deba cuestionarse el porqué de la rebelión animal ya que tan solo es la excusa perfecta para que un maestro del suspense como lo fue Hitchcock juegue con su lado más perverso y radical construyendo un cuento de terror rural con escenas compuestas con una elegancia superlativa, combinando momentos realmente impactantes y brutales con otros de tono más lírico y sutil.

El film no está exento de las obsesiones sádicas y sexuales del maestro. Encontramos a una protagonista rubia y a otra morena, ambas casualmente enamoradas del mismo hombre (Rod Taylor), denotando más deseo que amor en sus relaciones lo cual se ve desprendido por sus personajes. También no falta en esta ocasión la madre que lucha contra su soledad y convierte ello en sobreprotección a su hijo, egoísmo y un profundo miedo a un futuro incierto sin él. El encuentro con el hombre fallecido al cual los pájaros le han arrancado los ojos, es un ejemplo de toque sádico o gore (por decirlo de alguna manera) del film.

El ataque de los pájaros, claramente se puede entender como una metáfora o una manifestación visual de la ira contenida de la madre por la lucha por el cariño y afecto a su hijo. Primeramente el inicio de esos ataques tiene su punto de partida cuando llega el personaje de Tippi Hedren al pueblo (una chica nueva cerca de su hijo). A continuación, podemos ver escenas de la desquiciada situación que sufre la madre, encarnada por una sensacional Jessica Tandy, y su afán por conocer en profundidad a quien intenta acercarse a su hijo. Por tanto, cuando más cerca están los personajes de Hedren y Taylor más intensos son los ataques de las aves. Incluso en el bar califican como maldición divina y apuntan a Melanie (Hedren) como la culpable de haberla traído. Es solo una versión personal sobre lo hechos, aun así, el film denota cierto regusto a fantástico, dejando sin aclarar o justificar los ataques, como si de algo sobrenatural o metafísico se tratase.

Como comentaba anteriormente, al film se le ha cuestionado su narración y sobre todo su inesperado final o como algunos dicen, precipitado final. Pero, ¿por qué hay esa costumbre de querer que se nos explique todo en el cine? ¿Acaso en Vertigo se nos explica todo? ¿Acaso Frenesí acaba de forma clásica? ¿Por qué no dejar al espectador que participe en el film de manera reflexiva? Eso es lo que tendría en mente Sir Alfred, pues Los Pájaros no solo contiene una buena historia, sino un enorme guión, con personajes mucho mejor perfilados y construídos de lo que parece y que aborda temas tan interesantes y abstractos como la soledad, el amor, el cariño, la ternura (sobre todo con el personaje de la niña), los celos, el cazador cazado (el ser humano) o la presa convertida en amenaza (las aves).

Muchas de sus escenas han quedado para la posteridad de la historia del cine, por ejemplo, los cuervos llegando poco a poco posándose cerca del colegio, toda la casa rodeada de aves en ese final (haciendo mucho uso de contrapicados), los diálogos en el bar o el ataque posterior y la consecuente explosión en la gasolinera.

El uso del tempo (la manera que tiene Hitchcock para preparar al espectador para un momento de tensión es simplemente magistral, como usa la información extra que poseemos los espectadores y no el protagonista) y el sonido son ciertamente revolucionarios, usados como autentico terror psicológico.

No es casualidad que el film se inicie en una tienda de venta de pájaros, ya que el film convierte las iniciales victimas en verdugos y a la inversa pues finalmente son los humanos quienes se encierran en su respectiva jaula (casa) y quienes huyen por no ser cazados por los ahora cazadores (pájaros). Unos pájaros, por cierto, insertados en la imagen de forma asombrosa para la época y en donde se usaron animales disecados para muchas escenas.

El final del film es tremendamente poderoso en el ámbito visual e incierto pues no se nos explica como concluye la historia, ¿quizás se evita por ser demasiado trágico?, ¿Quizás por evitar entrar en dilemas que ni nos importan? ¿quizás por dejar en manos del espectador el final propiamente dicho?.

De todas formas, en ese final tan logrado, bajo mi punto de vista, apreciamos unas gratas actuaciones, una fotografía espléndida del pueblo costero, un suspense y una tensión perfectamente descritos en imágenes y todo ello convierte a ese final en algo mítico, que se aparta de intentar racionalizar la historia y el porque de la misma, y por supuesto sin caer en un pretencioso estudio ornitológico o en clichés de otros films de género.

Una autentica joya del suspense.

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Siempre os guardaremos en nuestro corazoncito Familia Fisher xD.

Six Feet Under (A dos metros bajo tierra): Una obra maestra de la tv. Os dejo con algunos spots impagables tanto visualmente como musicalmente (Coldplay, Sia) y con los títulos de créditos de la serie que, de por sí solos, ya son una joya de la tv de los últimos años. Atención a las metáforas del primer y segundo video!!

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Actualmente y cuando parece que solo se habla de Lost, 24 o Heroes, todas ellas increíbles series, todo haya que decirlo, en este país se ha marginado una de las series , para un servidor, mejores que se han producido en USA en los últimos tiempos. Me estoy refiriendo a la politicamente incorrecta Scrubs.

Lejos del formalismo de propuestas tan impecables como Mujeres Desesperadas pero con un gamberrismo ácido a más no poder, Scrubs contiene una fórmula que no solo engancha al espectador sino que regala momentos de una diversión impagable y de un humor en mucha ocasiones inteligente y bien pensado (digan lo que digan) que se mueve sobre todo en lo absurdo y en el gamberrismo y con unos “flashback” mentales de lo más cool. Podría ser perfectamente una prolongación de la idea inicial que parten series como la inolvidable L’imperdible Parker Lewis (porque muchos la visionamos en catalán via Tv3 xD) por sus excesos y su particular forma de hacer humor.

Los capítulos no tienen excesivos bajones de ritmo, el elenco de actores está sensacional componiendo unos personajes tremendamente frikis y ricos desde el protagonista (un gran Zach Braff, director de la muy interesante Algo en común), que también ejerce de narrador de la historia, incluso de director en algún que otro capítulo), la chica de la serie: Sarah Chalke, que está fantástica, John C. McGinley (visto en muchos films de Oliver Stone por ej) con un personaje que pretende ser malo y se queda como el mejor, Ken Jenkins como el disparatado doctor jefe (sin dudarlo uno de los personajes de la serie, asquerosamente malvado y tonto) o Neil Flynn, que encarna al de la limpieza con un duelo constante muy ingenioso con Dorian (Braff) para joderle.

En España solo se han podido ver las 2 primeras temporadas (por el canal +), de las cuales, solo la 1era está editada en dvd por Buenavista, de forma bastante decente.

Os dejo con 2 momentos encontrados en youtube, no son ni mucho menos lo mejor de la serie, pero si os pueden dar una idea de por donde van los tiros. Una de mis series favoritas. Divertida, gamberra y sobre todo surreal en muchos casos y, en otros, real como la vida misma.

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Tres grandes obras cinematográficas a reivindicar, en donde muchos suelen confundir pretenciosidad con experimentación.

GERRY (2002):

ELEPHANT (2003):

LAST DAYS (2005):

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Os dejo con un video musical en B/N de la magnífica canción Quiet Town del último y sobresaliente disco de Josh Rouse “Subtítulo“. Por cierto, vídeo rodado en España, residencia habitual del cantautor. Disfrutadla.

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Es bien sabido que el panorama de la cinematografía española no pasa por un buen momento y, en muchas ocasiones, nos inundan con proyectos que solo aportan vacuidad y desinterés al espectador, salvo casos contados, y El camino de los ingleses, es una clara excepción a ello, aunque a muchos les pese estas palabras xD.

Sin haber leído la novela homónima ni visionado la anterior y, según dicen, recomendable cinta de Antonio Banderas, Crazy in Alabama, para un servidor, este film supone el primer acercamiento a la corta obra como realizador del actor malagueño y, bajo el humilde punto de vista de un aspirante a crítico amateur, la cinta realmente causa una buena impresión, consigue alzar el vuelo del, en términos generales, falto de talento y cansino cine nacional, y transforma el habitual hastío en alegría por poder descubrir un film tremendamente interesante y realizado con un formalismo ejemplar.

A lo que a uno le lleva a expresar que la película constituye un pequeño punto de inflexión dentro de la mediocridad habitual de estrenos nacionales, porque, si bien es cierto, cada año existen films españoles de calidad, pero cuantitativamente no compensa.

Con grandes dosis de cinefilia y referencias que van desde el cine de Almodóvar (algo muy evidente, ya desde el propio cartel de la película), el cine indie americano e incluso a David Lynch, por sus numerosos y conseguidos momentos oníricos, Antonio Banderas compone una obra muy interesante y muy personal, con algunos fallos narrativos que crean cierta confusión, con algunos personajes que podrían estar algo mejor perfilados pero que ello queda medio perdonado por la grandísima puesta en escena, el riesgo de su propuesta, algunas de las actuaciones, el uso del color en el film, el juego focal que sinceramente es fascinante y una música que se mueve entre la clásica cuerda y el jazz.

El film nos habla sobre el juego de la vida, y como la misma está controlada, queramos o no, por el azar. Un azar que es tan variable como el tiempo, para bien o para mal, como nos intenta comunicar el narrador, curiosamente un locutor primerizo de radio, encarnado por un decente (quien lo iba a decir!) Fran Perea, como si de una crónica radiofónica más (a los espectadores) se tratase.

Narrativamente hablando, es mejorable y, como algunos films corales, al tener tantos personajes y tantas situaciones, se tiende a no construirlos perfectamente a todos, lo cual lleva a momentos en donde la narración se vuelva confusa. Ello hace que el ritmo decaiga por alargar determinados pasajes que deben aportar nostalgia a Antonio pero que al espectador hacen retrasar la trama y convierten el ritmo de la cinta en un pelín irregular.

Se pueden substraen ciertas lecturas interesantes de la trama, pues el film no solo nos habla del amor, sino también del autoconocimiento, de la muerte, de la trascendencia de la misma, de aprovechar la vida, de abrir los ojos (es decir, madurar), del deseo, de la traición, de dejar atrás el pasado, de la culpa, de la liberación como ser y, por supuesto , de las dos caras de la fortuna.

Como se ha mencionado anteriormente, lo más destacable del conjunto es su formalismo, el como está contada la historia por encima de lo que cuenta. El inteligente uso del desenfoque es una de las señas del film, véase por ejemplo tras marcharse el personaje de Marta Nieto del coche de Paco (Félix Gómez), ese juego que se hace con las luces desenfocadas transformando dos en una, como si esa separación diese esa libertad corporal y espiritual al personaje masculino, y quizás también al femenino. Estos detalles son los que enriquecen la obra.

Pero si hay algo que realmente merezca la pena, para un servidor, son los momentos oníricos y, en ocasiones, surrealistas de la película, totalmente (y salvando mucho las distancias) dedudores del gran Lynch, Hitchcock (recuerden Vertigo y sus minutos bizarros) e incluso de Buñuel, los cuales contienen una puesta en escena memorable, unos planos tremendamente elaborados con un encuadre medido, un uso del sonido fabuloso y unos dialogos que hablan por sí solos. Es lo que dota de “ese algo más” al film.

Mención a parte, tendría lo aportado en temas fotográficos por el gran Xavi Giménez, uno de los mejores profesionales de este país en estos ámbitos, el cual juega con el colorido, en ocasiones, con el abuso de contraste (aunque no tanto y tan a menudo como el encasillado, fotográficamente hablando, Janusz Kaminski) y las escenas nocturnas con cierta luminosidad amarillenta. En donde el trabajo de Giménez cobra mayor relevancia y protagonismo es en las escenas surrealistas, en donde, a parte del uso de filtros, contienen unos contraste de luz realmente impresionantes (véasen las escenas de la sala de quirófanos, o las secuencias entre Alberto Amarilla y Victoria Abril). Posiblemente, este año se lleve el Goya por tan magno trabajo, de hecho, por su trayectoria con Filmax y otras producciones ya va siendo hora que sea premiado, aunque ya es bien sabido el poco valor que puedan tener premios de esa categoría.

Las actuaciones son bastante decentes y la del personaje principal, interpretado por Alberto Amarilla, una buena interpretación aunque quizás algo contenida en demasía. Encuentro ciertamente más natural a Raúl Arévalo. Lo poco que sale el gran Juan Diego, está bien. En cuanto a María Ruiz, la cual me recuerda físicamente mucho a alguien más o menos cercano, construye más o menos bien su personaje, pero le falta algo. Aunque hecho en falta una mayor identificación emocional por parte del espectador con los personajes, denoto cierta frialdad en el film.

Sobre el plano final, permítanme decirlo, es magnífico, como perpendicularmente se entrecuzan Miguelito (Alberto Amarilla) y Luli (María Ruiz), visualmente representando a dos personajes destinados a no estar juntos, dos almas quizás malditas y ambas con amor a sus pasiones respectivas (la poesía y el baile).

Quizás producto de ser el primer visionado o no, considero que estamos ante una película interesantísima, atípica en el cine español actual (digan lo que digan) y que impulsa, de una mejor o peor manera, al espectador a reflexionar sobre algunas etapas de la vida.

Quizás pueda parecer un film pretencioso y que oculta su vacuidad en su lograda puesta en escena, pero particularmente opino que es una buena película pese a sus fallos, con momentos de un riesgo cinematográfico elogiable, tal y como está el cine nacional.

Críticas, Drama Antonio Banderas, El camino de los ingleses

Bueno, inauguro sección, debido a la cantidad de joyas que están saliendo en Oriente (las cuales os quiero comentar o descubrir), y para no tenerlo todo en posts separados, creo que es preferible tenerlo todo en una sola sección y así no colapsar el blog de posts sobre Asia.

SUNFLOWER (2006), de Kang Seok-beom

El nuevo drama del director Kang Seok-beom (Mr Handy) en donde, Kim Rae-won interpreta a Tae-shik un chico problemático que quiere dejar atrás su oscuro pasado con las bandas.El resto del reparto lo forman Kim Hae-sook (The Ghost, My Brother) y Heo In-jae (A Dirty Carnival).

RIGHTEOUS TIES (2006), de Choi Sang-ho

Narra la historia de un gángster traicionado que pacta su venganza tras salir de la carcel. El reparto esta encabezado por Jung Jae-young y Jung Joon-ho. Atención a la enorme banda sonora de Morricone para Hasta que llegó su hora usada en el trailer, que bien le sienta! y el final del mismo es tremendamente acertado jeje.

SU (2006), de Choi Yang-il

Ji Jin-hee (Bewitching Attraction, H) ínterpreta 3 roles dentro del film , a los gemelos y a Tae-su, todo un reto interpretativo. Sin duda, una de las producciones coreanas más esperadas y promete ser una cinta de venganza lograda.

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