Partiendo de una base argumental copiada y prácticamente calcada a la de La Soga de Alfred Hitchcock pero sin su calidad narrativa y ni mucho menos formal (recordemos que la cinta del maestro estaba rodada en su totalidad en un plano secuencia, solo falseado cuando era necesario por las limitaciones de las cintas de celuloide), el film de principio a fin es un total despropósito, con un ritmo espantoso, una historia que constantemente va cambiando y sin orden aparente, con unas actuaciones de la Bullock y Chaplin lamentables, en donde solo se salva el siempre excelente Ryan Gosling, porque el Michael Pitt de nuevo con su sosería característica.

Aquí titulada con el “insuperable” título de Asesinato 1 2 3, la película supone un pupurí de otros thrillers vistos una y otra vez, podríamos nombrar Se7en (que pretende emular a veces su peculiar estilo sin conseguirlo), Crimen perfecto o la ya citada La Soga, a ello hemos de sumarle que contiene elementos tipicos por en medio de comedia romanticona de las que le ponen a la Bullock, por no hablar de un Ben Chaplin que está ahi de pegote, que personaje tan poco trabajado y tan simple.

Pero no todo es malo en la pelicula, hay cosas aún peores. La realización por ejemplo, su calidad brilla por su ausencia, con unos planos para nada arriesgados y con un planteamiento tremendamente comercial y poco inteligente. El resto del apartado técnico no llama la atención, por tanto, al nivel del film vaya.

Caso aparte es el de Ryan Gosling, uno de los mejores actores de su generación, y merece recordar algunas de sus mejores creaciones como en The believer o en The notebook. En Asesinato 1 2 3 es lo mejor del film, cosa tampoco muy complicada, y bajo mi punto de vista da una lección y aplasta a Bullock, Chaplin y Pitt. El único acierto de casting en el film.

Un ejemplo de como hacer un gran thriller con jóvenes sería la reciente Brick de Rian Johnson, excepcional cinta de cine negro en donde bajo un guión sólido y bien construido y unos personajes trabajados se consigue hacer un film memorable por su resolución, su valentía y sus buenas interpretaciones. No es un film perfecto, pero es una excelente ópera prima. Es todo lo contrario a lo que el film de la Bullock, que comete todos y cada uno de los errores tipicos en este tipo de producciones.

Escenas romanticonas entre Bullock y Chaplin, guión irrisorio, final de los que a uno le asusta volver al cine a ver algo comercial, dirección deficiente, música poco destacable y encima una trama que recuerda a mil y un film, pero sobre todo es un semiremake en su fondo del clásico de Hitchcock. Simplemente imperdonable, y perdería el tiempo escribiendo más sobre ella. Nunca el thriller fue tan malo. Perdonenme, pero la envio a la hoguera.

Críticas, Thriller Barbet Schroeder, Michael Pitt, Ryan Gosling, Sandra Bullock

“Bueno, la piratería yo creo que se divide en dos tipos de producto: uno, el que se baja de Internet o se compra en el top manta y que tiene la calidad más ínfima y que a mí me molesta ya no tanto porque afecte al mercado sino porque afecta al visionado de cualquier película (mal sonido, cabezas de los espectadores o un transfer ínfimo). Y otro tipo, donde hay un buen transfer y un buen sonido y que está pirateado de elmentos originales de la distribuidora. Creo que es triste robarle la oportunidad a ciertas películas de ser vistas en el cine. Y, efectivamente, afecta al mercado y a la “mística” de ir al cine, mucho. Pero es una realidad ineludible y si ha de piratear, piratee buenas copias“
Guillermo Del Toro

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Uno de los Lynch más cercanos y sensibles, pero no falto de su peculiar estilo, El hombre elefante se erige como una de las obras maestras sobre la naturaleza del ser humano, las apariencias, el sufrimiento, la efimera felicidad, la realidad cruda y por encima de todo, sobre lo mejor y lo peor de las personas.

Un film que siempre emociona, y ante todo, y lo que es más importante: nos hace reflexionar.

El final de la cinta supone un equilibrio entre lo cercano y lo lynchiano (me refiero a esas escenas post mortem), acompañado de la tan hermosa como triste “Adagio for strings” de Samuel Barber -utilizada en otros films como la magnífica “Platoon” de Oliver Stone-, que potencia el lado intimista y solitario de la escena. John Merrick (John Hurt), más conocido como el hombre elefante, muere pero no debido a sus monstruosas deformidades, sino por las secuelas de las palizas recibidas durante años. Merrick siempre se destacó como un hombre tremendamente culto y a pesar de lo mal que le había tratado la vida, era educado en extremo y todo un ejemplo de entereza y espíritu humano. Antes de morir, cumple sus dos grandes sueños: acabar la maqueta de la catedral (con un plano detalle de la cruz que simboliza su inminente muerte) y poder dormir como se duerme habitualmente, es decir, en posición totalmente horizontal, en decúbito supino.

John Merrick a pesar del rechazo ajeno, la incomprensión de la época y las enormes dificultades y marginalidad que le tocó vivir, se contentaba con dos aspectos: sentirse persona y morir en paz. Finalmente consiguió su propósito. Una escena magistral.

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Algo que es siempre destacable en el cine de del gran Hou Hsiao-Hsien es la factura que poseen sus films. Hou es sin duda uno de los grandes directores asiáticos de la actualidad y capaz de conseguir lo mejor de actrices tan justitas como Shu Qi (tanto en “Millennium Mambo” o en “Three times“, con ese papel triple) o actores tan enormes como Tadanobu Asano (“Café Lumière“), entre otros.

La escena que os dejo a continuación, es un claro ejemplo de una puesta en escena ejemplar. Un plano secuencia que abre el film, siguiendo al personaje desde atrás, con un juego de luces de corte entre futurista sin dejar su lado naturalista, que hacen de la escena algo hipnótico, casi onírico, en un entorno que la realización del director lo hace casi claustrofóbico para la protagonista pero que a la vez le da libertad, es algo difícil de explicar.

Una Shu Qi “acechada” por la cámara, la cual prosigue alejándose del personaje para posteriormente acercarse reencuadrándolo durante el travelling.

El ralentí aporta aún más estilo si cabe a la escena, sin olvidarnos de la interesantísima utilización del sonido, de su profundidad de campo, y de su juego focal. Pero lejos de ser únicamente un capricho formal, a parte de ello es una excelente e inteligente presentación de un personaje.

Está claro que actualmente es Asia quién arriesga más en formas y tendencias en el cine. Millennium Mambo” es un ejercicio visual absolutamente imprescindible. Disfrutar de la escena:

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Escena final de Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore, llamada “la escena de los besos”, con ese montaje de todos esos fotogramas que en su día Alfredo (Phillipe Noiret) tuvo que recortar de las bobinas de celuloide por culpa de la censura, que llegaban al pueblo. Es su particular regalo póstumo a Salvatore (Jacques Perrin). Resaltar la ya mítica banda sonora de Ennio Morricone y la emotividad de la escena.

Un film sobre el cine, sobre el amor por el cine y ante todo sobre la vida. Imprescindible, un clásico contemporáneo.

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Fincher en Zodiac vuelve con otro thriller sofisticado, en este caso, con los siempre excelentes Mark Ruffalo, Jake Gyllenhaal y Robert Downey Jr. como protagonistas. Esperemos otra joya del maestro.

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Tras realizar en Alemania joyas de un valor cinematográfico incuestionable, F.W.Murnau ,huyendo del creciente nazismo, empezó en 1927 su andadura en los USA con Amanecer, un film de corte romántico y con un marcado tono expresionista importado por él y por otros compatriotas. Más que destacar a nivel narrativo (recordemos que se basa en una novela de dudosa calidad), es en la forma en donde brilla con luz propia. La cinta de Murnau consigue atraparnos visualmente en una historia de redención, perdón, culpa, tentaciones, y ante todo, romanticismo y sensibilidad.

Amanecer, supone un claro ejemplo de lo que realmente puede llegar a ser la denominada fuerza visual, el poder de la imagen por encima de la palabra, unido a una casi ausencia de intertítulos, los cuales no solo podrían eludirse sino que muchos de ellos son usados como narrativa visual (véase como nos deforma los títulos o los agranda para darles más importancia), convierten a este film en una de las cimas del mudo.

La película nos narra la historia de un hombre y una mujer, aparentemente anónimos, ya que nunca descubren sus nombres, unos personajes que están al servicio de la historia, que viven en armonía (reforzado narrativamente con el flashback) en un pequeño pueblo con su hijo y su sirvienta. Poco después, descubriremos como el marido tiene una amante, un personaje que representa metafóricamente la tentación, el riesgo, la aventura y en definitiva el mal.

Murnau nos hace voyeurs para presentarnos al personaje, en un fantástico travelling, en donde deja a George O’Brien fuera de campo momentáneamente para pasar a cámara subjetiva y hacernos participes del adulterio que se va a llevar a cabo. Nos lo presenta en una ciénaga en plena noche, claramente como si fuera algo prohibido, algo malvado en un entorno repleto de oscuridad, contrarrestando a las escenas con su esposa, las cuales rebosan luz.

En esa escena ya se nos introducen dos elementos importantes: las sobreimpresiones (en este caso de la ciudad), que iremos viendo durante el resto del metraje con cierta abundancia, y el flashforward (en donde Murnau lo usa como “intertitulo visual”).

Hagamos un análisis de esta escena, la escena del encuentro entre George O’Brien y Margaret Livingston.

La escena se inicia con un travelling en donde la cámara sigue al personaje de George O’Brien a través del bosque.

Murnau nos presenta una noche oscura, como si algo oscuro y siniestro pudiera ocurrir.

Sigue el plano secuencia, únicamente variando el ángulo de detrás a lateral.

En este instante siguiente deja fuera de plano momentáneamente a G. O’Brien (indicando que claramente algo se encuentra cerca de él) y pasamos a la cámara subjetiva (por cierto una filmación sabiamente utilizada en films como “Senda tenebrosa” (1947) de Delmer Daves).

La amante (Margaret Livingston) espera a su amado ansiosa a la luz de la luna en una noche dificil, la descubrimos primero nosotros que el propio hombre. En esa orilla se encontrará con el personaje de O’Brien.

A partir de aquí se acaba el plano secuencia. El encuentro entre ambos, era esperado, como puede verse en los 2 siguientes fotogramas.

Pero la amante le propone un macabro plan que desata la ira del personaje de O’Brien, que acaba convirtiéndose o más bien confundiéndose con deseo y sexo, como puede verse en la siguiente toma.

Tras ello, la amante le explica como sería su vida juntos si consiguiera acabar con su mujer, llena de aventuras, traslandándose a vivir a la ciudad. Murnau nos ofrece esa visión con una excelente sobreimpresión de imágenes de la ciudad, como puede verse en la captura siguiente. Ellos dos en el prado estirados y en el cielo lleno de imágenes urbanas nocturnas sobreimpresionadas.

La escena acaba con este maravilloso y precioso fotograma con un trabajo fotográfico bestial. Una noche que se ha hablado de algo siniestro, pero…. ¿realmente ocurrirá?. ¿Realmente el personaje de O’Brien se atreverá a ahogar a su mujer y simular un accidente?. Lo que se pregunta el personaje es …¿merece la pena perder una familia solo por deseo?

Estamos ante una escena fantástica llena de sabiduría filmica por parte de un grande como fue Murnau.

La película tiene un idealismo muy arcaico moralmente, nos presenta el adulterio como casi un delito y esa reconciliación en la iglesia resulta no menos curiosa, una historia demasiado clásica y políticamente correcta, con unos valores demasiado vulnerables para ofrecer un retrato realista de la vida misma y de las relaciones. Por no hablar del happy end que parece realmente una imposición de la productora cuando no lo es por ser tan atípico en films de Murnau. Pero lo importante en “Amanecer” no es lo que nos cuenta sino como nos lo cuenta, y a pesar del final impuesto, sin dudarlo, el film tiene mucho del sello del alemán.

Bebe de ideas conceptuales propias del cine negro o del western y está llena de antagonismos. La trama se inicia en el campo que claramente representa la tranquilidad, la pureza y la bondad, en cambio nos presenta la ciudad como la tentación, la diversión desmedida, la perversión, el erotismo, el placer o la maldad. No solo ocurre con las localizaciones, también podemos ver contrariedades en las dos féminas del film, la rubia sería una esposa ejemplar y la morena seria la femme fatale despiadada, propia de los films noir, una especie de Lana Turner o Barbara Stanwyck de clásicos posteriores.

Amanecer es el camino de redención de un hombre, que arrastra una culpa pesada, la lucha interna de un personaje que debe decidir entre su lado bondadoso o su lado más perverso y diabólico. Un viaje que supondrá una segunda oportunidad, otro “noviazgo” por así decirlo. La ciudad es presentada como algo exageradamente embotellado y fantasioso, seguramente por el momento idílico que viven los personajes, con grandes hallazgos a nivel visual para la época para reforzar esa sensación.

La cinta de Murnau no está exenta de comicidad, ya que posee ciertos toques de humor en algunos momentos, realmente conseguidos (por ejemplo la escena en la peluquería), aunque en otros dilatados en exceso (la captura del cerdo) y sin que aporten aparentemente nada en cuestiones narrativas, ¿imposición de la productora?.

La película tiene una factura envidiable, mantiene la frescura de antaño, posee unas escenas de una fuerza visual increíble, con unos trucajes algo envejecidos pero que funcionan, unas actuaciones fabulosas, un ritmo que no da respiro al espectador, una fotografía espléndida tanto diurnas como de penumbra (ver esas escenas nocturnas con tan buen uso de la luz) y una banda sonora acorde a lo contado.

Amanecer es un retrato visual de la redención y ante todo del triunfo del amor puro y la derrota de la tentación y la perversión. Una obra maestra.

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Cuando se habla de cine asiático siempre se suele sacar a la palestra cinematografías como Corea del Sur, Japón, India o China entre otras, pero cometeríamos un error si no nombraramos las crecientes Vietnam, Indonesia y sobretodo Singapur.

Una recomendación personal para todos vosotros, Be with me, de Eric Khoo: un film sobre la esperanza, el amor y el desamor, la superación personal, sobre el sufrimiento, el deseo y ante todo sobre la bondad interior de todos nosotros. Un film sobre la vida misma en una historia universal. Atención a su poster que ya nos muestra una de las historias polémicas del film (la relación homosexual entre las 2 jóvenes). También destacar el capítulo de la ciega y sorda, todo ello en absoluto silencio y con subtitulos. Algo ejemplar y muy valiente.

Un film que se mueve entre la ficción y el documental todo ello realizado con una factura memorable, un lirismo y una emotividad digna de un clásico instantáneo como este. Cuenta con un montaje y una fotografía simplemente magistral. Unas actuaciones sobrecogedoras y realistas. Decir también que estuvo seleccionada en la Quinzena de realizadores de Cannes y otros festivales especializados como pueden ser el BAFF, que fue donde yo la disfruté por primera vez.

Una absoluta joya semidesconocida. Véanla.
Os dejo con 2 trailers, el primero es el de cine, el segundo es un trailer musical con un fantástica canción de la banda sonora:

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Con una historia con ciertos ecos seguramente a Una historia verdadera de David Lynch, Yimou, según voces criticas que ya han podido visionarla, consigue una de sus mejores obras, regalando momentos llenos de lirismo y emotividad.

El reparto está encabezado por Takakura Ken, Terajima Shinobu y Nakai Kiichi. La fotografía corre a cargo de Zhao Xiaoding, el cual, ya colaboró con el director en la estupenda La casa de las dagas voladoras y fue nominado al oscar.

Os adjunto el trailer para que lo veáis; un trailer fabuloso y atención a la banda sonora:

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“Lo que ningún ojo humano es capaz de atrapar, ningún lápiz, pincel o pluma es capaz de fijar, la cámara lo atrapa sin saber qué es, y lo fija con la escrupulosa indiferencia de una máquina“
Robert Bresson

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Alfonso Cuarón, excelente director mexicano de “Y tu mamá también” o la oscura aunque floja “Harry Potter y el prisionero de Azkabán“,está a punto de estrenar lo que será su próxima película (su segunda incursión en el cine estadounidense): “Children of Men“, adaptación de la novela de P.D. James, y que cuenta con un reparto fabuloso: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine y Peter Mullan.

Por el trailer diria que podemos estar ante uno de los mejores films del año, ya no solo por la interesantísima trama sino por como estará dirigida, por las actuaciones (que parecen sobresalientes a simple vista) y sabiendo que un director de la categoría de Cuarón está detrás pues da cierto margen de confianza.

Ambientada en un futuro próximo en el que la humanidad ha perdido la capacidad de procrear, el mundo se estremece ante la noticia de la muerte de la persona más joven de la tierra, que tenía 18 años. Cuando el caos irrumpe, un antiguo radical es contratado para ser el protector de la persona más buscada sobre la faz tierra, la última mujer embarazada.

El 20 de Octubre, Cuarón nos hará disfrutar con buen cine, estoy seguro.

Os dejo con el impecable trailer, …

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